Il s’agit d’un de ces disques qui vous prennent par surprise, puisqu’ils ne sortent quasi de nulle part. En gros la campagne US, Baltimore, mais encore ? On parle ici de « maison balnéaire », mais on pense moins à Miami qu’à Venise ; et de ces entrelacs de mélodies, qui n’ont l’air de rien, se dégage un plaisir diaphane, comme en automne où les feuilles se flétrissent et les rongeurs hibernent. De Victoria Legrand (chant/orgue) et d’Alex Scally (guitare) on ne sait pas grand chose, et à vrai dire c’est mieux ainsi. Car leurs chansons bancales, interprétées avec la foi d’un couple qui croit en la félicité d’une belle mélodie, même (et surtout) fragile, parlent pour eux davantage qu’une bio glanée sur internet.
Il n’y a pas de plan de carrière sous le plastique de ce disque magique : juste neuf ritournelles sans apprêts indigestes, jouées béatement sans recourir à aucun vice de forme. Une guitare cotonneuse, un orgue sépulcral, et deux-trois pulsations évadées secrètement d’une petite boîte à rythmes : il n’en faut pas bien plus à Beach House pour sonner le tocsin d’une pop surannée, aux gestes emprunts de solennité joyeuse. Proche en cela de l’onirisme déroutant d’Animal Collective et de First Nation (autrement dit l’écurie Paw Tracks), Beach House laisse une vague impression de chansons hors du temps et de ce monde cynique. Et peu importe si Victoria Legrand possède une voix fragile, en creux : les airs qu’elle chantonnent valent bien cet à-peu-près mystique (on pense aussi parfois à Nico, à Broadcast, au Goldfrapp de « Felt Mountain ») et nous laissent rêveurs. C’est beau, une plage en automne. C’est encore mieux en écoutant Beach House.
Trois ans après « Empty The Bones Of You », Chris Clark a décidé d’étoffer son propos. On l’imagine avoir traîné sa figure élastique dans les clubs de gym IDM de l’Angleterre profonde. Quelques tractions aux espaliers de la drum’n’bass, un ou deux vols planés au-dessus du matelas de l’ambient, des pompes à la douzaine sur le formica de l’électronica : notre homme s’est chopé tellement de muscles qu’il a même décidé d’oublier son prénom, parce que « Clark » tout court ça claque mieux qu’une paire de bleeps entre deux nappes acides. Après un échauffement en règle (les trois premiers tracks), « Herzog » hésite un peu à balancer la sauce, mais pas longtemps. D’où les grosses basses, ce bourdonnement inquiet à la limite de l’explosion, qui donne du fil à retordre quand il s’agit de savoir s’il faut monter le son ou partir en courant. Trop tard : Clark a ramené ses potes, l’un s’appelle « Ted » et il n’est pas content. Ca part un peu en couilles (breakcore), mais heureusement pour notre pouls cardiaque il est l’heure de la pause 4 heures et du jingle de « library music » (« Mathieu Unburdened » et « Vengeance Drools », entre Boards of Canada et Four Tet). Puis c’est reparti pour un tour d’IDM benoît (« Night Knuckles », très AFX), avant la fin du cours et les dernières saturations (« The Autumnal Crush »). Clark n’a pas de souci à se faire : il tient une forme d’athlète. On ne peut en dire autant de la plupart des kadors warpiens… Allez hop, on fait ses 50 pompes et on mord sur sa chique !
'Doit-on maintenir le cap sur l’Angleterre mon Captain ?' Oui, oui, mes braves, à fond les pistons ! Nous allons courser Keane, les couler et empocher le pactole. 'Très bien mon Captain !' Premier album de la discographie des Londoniens, « This is Hazelville » joue des coudes pour se frayer une place sous les gouttes de pluie de la pop britannique. Produites par Trevor Horn (Lisa Stansfield, Tom Jones, Pet Shop Boys, Belle and Sebastian, etc.), les onze chansons de cet album se noient (étrange pour un Captain n’est-il pas ?) dans une mer d’arrangements. La simplicité et la spontanéité relayées dans les cales, Captain fait preuve d’enthousiasme lorsqu’il s’agit d’écrire des tubes potentiels pour une hypothétique nomination au Mercury Music Prize. « Broke », « Glorious » ou « Frontline » font alors figure de porte-drapeaux (de corsaire ?). Le seul point fort de Captain repose sur cette complicité vocale, unissant les timbres de Rik Flynn et Clare Szembek. On notera même un bon moment passé à l’écoute de « Wax », un joli morceau égaré dans ces flots surproduits. L’ensemble du disque ne suscitant en définitive que trop peu d’intérêt. Bref, sur ce coup là, le Captain est accroché...
Les pistes de danse belges sont bien tristounettes. Le peuple de la nuit qui était venu s’éclater n’a pas d’autre option que de se la jouer lounge. Du coup, il s’emmerde ferme, les fesses gluées au canapé du club. C’est qu’on en attendait bien plus du premier album de notre petite Didjette nationale, Stephanie D’Olieslager alias D’Stephanie. Après avoir sévi dans tous les clubs branchouilles d’Europe et même d’Afrique, et sorti quelques EPs et singles, D’Stephanie sort un premier album très inégal. Grande déception, « Droppin’ It ! » semble se perdre entre des rythmes electro acrimonieux (« Shake It Down », « Rum N Bass ») et une lounge trop facile (« Funk Up My Day », « Won’t Fall »). L’ensemble manque de compositions réellement accrocheuses, à l’image de l’instrumental « If We… », seul titre à sortir du lot. Trop stérile, « Droppin’It ! » n’a pas grand-chose à offrir. Un beau gâchis.
Bâti sur les cendres du groupe Quetzal (le batteur s'en est allé), le vrombissant bataillon belge In-Kata n’est pas là pour rigoler, mais bien pour nous en mettre plein les tympans. Sans détour ni fioriture, il claque un rock expérimental pour le moins déjanté qui, dès les premières notes, nous fait comprendre que le plus étonnant reste à venir. Evoluant sur un sol impalpable que les extraterrestres de The Mars Volta fouleraient volontiers (d’ailleurs, puisqu’on en parle, Quetzal avait autrefois partagé la scène avec un certain At The Drive In), les musiciens s’adonnent à un méthodique dérangement des styles et des ambiances, débordant de hargne quand il s’agit de battre le grain. Un grain de folie. Un grain qui se transforme progressivement en champ de chansons tordues, parfois glauques et éprouvantes, mais jamais éreintantes. L’implication, en tant que producteur, de Tom Pintens (notamment complice de Zita Swoon) est perceptible dans chaque recoin de cette intrigante implosion sonore dominée par des guitares lunatiques. A découvrir les yeux fermés.
Certes, chacun des neuf morceaux de cet album (le quatrième) fait montre d’une technicité jamais mise à mal, d’un sens de la construction a priori inébranlable… Mais qui finissent par ennuyer à force d’être sans cesse dupliqués, un peu comme à la chaîne. Chaque titre se voit ainsi divisé en autant de parties calmes/brutales. Turner chante puis hurle, et ainsi de suite : autant dire qu’à la fin on sait d’avance ce qui va se passer, et c’est là que le bât blesse. Le parfait disque anti-climax, puisqu’il sonne comme bloqué sur la touche 'repeat'. Vous avez raté la chanson 2, en plein assoupissement ? Pas grave : écoutez donc la chanson 7 ! Isis, ou le metal Duracell. Que ceux qui le décrivent comme 'progressif' achètent un dictionnaire.
Le titre le dit bien : Kurt Wagner a connu l’année dernière un accès de déprime, qui a failli l’envoyer au tapis. Dès lors, quoi de mieux comme catharsis d’enregistrer un nouveau disque de Lambchop, le neuvième, deux ans seulement après le double « Aw C’mon / No, You C’Mon » ? Personne n’est à l’abri d’une petite baisse de tension, c’est bien connu... Que Kurt Wagner nous raconte ses déboires en évitant de tirer sur la corde lacrymale, voilà la bonne nouvelle… Mais si « Damaged » sonne comme l’album le plus apaisé du groupe de Nashville, il n’en est pas le plus éblouissant. Aux oubliettes les envolées soul-folk du magnifique « Nixon », et si les cordes subsistent, elles crient ici un peu famine. Enregistré par le fidèle Mark Nevers en compagnie du duo électro Hand Off Cuba, « Damaged » ne laissera sans doute pas de grandes traces dans la discographie du groupe, sauf peut-être dans la tête de Wagner. Après les crépitements introductifs de « Paperback Bible » et sa mélodie profil bas, on attendra en vain un sursaut mélodique de la part de Lambchop. Las : « Damaged » pêche par gracilité, et on se surprend à bâiller aux corneilles devant ces dix titres aux ambiances frelatées. Unicolore et redondant, « Damaged » manque un peu de cette fougue qu’on aimait chez Lambchop. « Damaged » ? Plutôt « dommage », oui... Mais n’est-ce pas là le lot de toute mélancolie existentielle ?
Que faire ? Oui, que faire en présence d’un tel album ? L’écouter en boucle dans l’espoir de comprendre, enfin, où ses géniteurs voulaient en venir ? Ou bien le mettre de côté en se disant qu’il n’est finalement que vanité et prétention artistique ? Bien malin qui pourrait le dire tant, en effet, « They mean us » s’avère déroutant… Cependant, et c’est suffisamment rare pour le mentionner, ce ne sont pas ici les compositions, le chant ou encore la production qui effraient nos oreilles… Non, c’est la batterie… Martelées habilement (?) par Zach Hill, membre honoraire de Team Sleep (side-project de Chino Moreno, le chanteur de Deftones), les caisses et autres cymbales sont jouées, sur cet album, avec un tel non-sens rythmique et une telle décharge d’oripeaux que les morceaux en deviennent complètement indigestes. Que ceux qui aiment les doubles pédales mal calées et les doubles-croches à gogo se ruent sur cette plaque ! Pour les autres, il ne reste qu’à s’interroger sur le but recherché par les deux compères (Rob Crow, le leader de Pinback, et Zach Hill) responsables de cette œuvre qu’on aurait presque pu qualifier de pop, s’il n’y avait ce délire de batteur frustré… On dit souvent que Max Roach est l’inventeur du jeu de batterie moderne. Un jour, peut-être, Zach Hill sera-t-il lui aussi considéré comme un musicien avant-gardiste… Toujours est-il que, pour l’instant, on peine à comprendre le sens de sa démonstration…
« Supply And Demand ». Un titre peut-être trop révélateur. Après un chaleureux premier essai éponyme (sorti en 2005), Amos Lee revient avec ce qui ressemble de près à un album de commande. On imagine facilement son entretien avec les grands pontes de chez Capitol : 'Bon, Amos, tu dois te dépêcher de nous sortir un petit disque.' Lui : 'Ouais mais hé, je sors à peine de la promo du précédent…'. Eux : 'On s’en fout. Ce n’est pas ça qui arrête Robbie Williams, non ? Allez hop, au travail !' Du coup, Amos se hâte, compose quelques titres afin de répondre au plus vite à cette demande. Au final, le travail est bâclé. Pas le choix. Juste histoire d’avoir au moins une invitée sur son nouvel album, il dégote Lizz Wright (qui traînait certainement dans les bureaux le jour de l'entretien). Evidemment, ce n'est pas Norah Jones, mais c’est déjà ça. 'En plus', se dit-il, 'mes nouvelles compos ressemblent aux précédentes, donc si je dois la réinviter celle-là, je suis mal barré côté critiques.' Et, en deux temps trois mouvements, « Supply And Demand » et son folk jazzy teinté de soul se retrouvent dans les bacs. Les fans se précipitent sur les bornes d’écoute. L’effet est immédiat : 'Heu… Excusez-moi, monsieur du magasin, je crois qu’il y a une erreur. C’est le premier album que vous avez glissé dans le lecteur.' Le monsieur du magasin : 'Non, non, c’est vous qui faites erreur.' Désarçonné, le client dépose les écouteurs et continue sa balade dans le magasin avant de revenir à la charge, incrédule : 'Etes-vous certain ?' Et oui, mon gars. Y’a vraiment pas d’erreur...
La Marsmobil est en marche. Si le Gainsbarre était encore en vie aujourd’hui, il se serait certainement plu à produire le second album des Italo-teutons… après avoir engagé avec Air une petite bataille pour les manettes. Une collaboration plus ou moins amicale serait ensuite née de cette discorde. Et « Minx » aurait alors été la parfaite résultante de cette coopération. Traversé par une brise délicieusement 70s, « Minx » fait la part belle aux atmosphères spatiales, presque trip hop (« Reversed Mantra », « Astralbody »…). Menée par Roberto Di Gioia, multi-instrumentiste aux influences incalculables, cette formation au nom improbable est connue en Allemagne pour avoir composé « Munich Loves You », hymne de la dernière coupe du monde de foot. Si ce « Minx » a le potentiel d’élargir ce succès à l’ensemble de l’Europe, il le doit, entre autre, aux vocalises lisses et rassérénantes de Martine Rojine. Inégalable lorsqu’elle susurre quelques mots doux en italien (le single « Mangia amore ») ou se confesse en français (« Je suis lâche »). « Sovatex 2055 » et « From Elsewhere To Nowhere », les deux titres d'electronica instrumental clôturant l'album, se marieraient à merveille à une éventuelle B.O. d’un hypothétique remake de « 2001 : A Space Odyssey ». Même en l’absence du single « Munich loves You », Marsmobil marque un joli but.
Adrienne Pauly, comédienne de formation, rêvait de chanter depuis des années. Il lui aura fallu quelques rencontres musicales (en compagnie, entre autres, de Camille Bazbaz) avant de sauter le pas. On peut dire qu´elle a eu raison de le franchir ! En effet, ses textes audacieux, ses mélodies pop-rock-folk réussies et sa voix de titi parisien lui donnent une véritable empreinte. Sur cet album éponyme, Adrienne Pauly chante les hommes, l´amour qui ne vient pas, l´alcool, le cafard… Nous sommes tour à tour emmenés dans un café glauque, dans une chambre ou encore dans la rue. Tantôt drôles (« J´ai fait l´amour avec un con »), tantôt attendrissants (« Chut », « Dans mes bras »), les différents morceaux de cet opus nous révèlent l´incroyable talent de cette jeune auteur-compositeur-interprète. Une reprise de Serge Gainsbourg (« L´herbe tendre ») vient clôturer en beauté et délicatesse ce cd bourré de charme et d´originalité, qualités partagées par son auteur. Ce charme a d’ailleurs déjà fait mouche: la demoiselle compte ainsi parmi ses musiciens et admirateurs le génial M, Mathieu Rabaté et Philippe Paradis, tous deux fidèles collaborateurs de Zazie. Sûr que nous entendrons parler de cette artiste à l´avenir…
« Hello Meow » déroule d’entrée de jeu son tapis rouge de snare drums et de lignes de basse congestionnées : rapide, acide, crispant à l’extrême, on retrouve en quelques secondes l’univers frappadingue de Tom Jenkinson, le faux frère jumeau de Richard D. James. Rien n’a changé depuis « Ultravisitor », son précédent album, et sans doute que rien ne changera jamais vraiment pour notre homme aux multiples casquettes (la pochette), qui depuis plus de dix ans nous tanne le cortex de son IDM sans détours. Et même si « Theme For Sprite » sonne quasiment comme du jazz de ferry-boat, ce n’est que pour mieux nous mettre en garde, une fois de plus, à ce qui va suivre : du « Hard Normal Daddy » puissance dix, de la drill’n’bass à plein tube qui balance ses bleeps casseroles sans demander son reste (« Bubble Life », « Planetarium »). Autant dire qu’après l’étirement noisy de « Vacuum Garden », le cerveau crie à l’aide, persuadé qu’un breakbeat de plus pourrait menacer sa routine sensorielle.
Soulagement : « Circlewave 2 » tente l’accalmie en osant faire sonner une guitare acoustique et même un piano satien. On dirait presque du Savath + Savalas à la mode latino, de la bossa-nova à l’ère du digital fractal. La tempête, évidemment, était juste partie recharger ses batteries : au milieu de son œil en spirale qui nous nargue bêtement, nos oreilles essuient vite un revers certain. Les cymbales tombent comme des hallebardes (« Rotate Electrolyte »), il pleut des nappes acides en plein retour vers le futur (« Welcome to Europe »). Schizophrénique en diable, « Hello Everything » n’a rien du disque d’apéro à siffler sous une douche écossaise (l’éreintant « The Modern Bass Guitar »). A la fin des percus en écho nous font croire qu’il existe une soupape, un ailleurs plus serein (« Orient Orange » et ses stridences bouddhistes), mais il est un peu tard : dans notre caboche ça crépite comme dans un bol de Rice Krispies, on ne comprend plus rien, c’est la bérézina.
Le Suédois Peter von Poehl n’est pas un inconnu pour ceux qui ont déjà jeté une oreille attentive aux disques de la galaxie Tricatel. Guitariste au sein du backing band qui accompagnait sur scène Burgalat, Chamfort et Houellebecq à la charnière des années 2000, von Poehl séduisait alors davantage les filles que les garçons par ses sourires et sa blondeur mirifiques. C’était pourtant sans compter sur le talent de songwriter de ce Scandinave émigré à Paris, qui préférera émigrer à Berlin que de rester au sein du groupe de Tricatel, bientôt rebaptisé A.S. Dragon. De cette époque à ce premier album, Peter von Poehl sera d’abord resté dans l’ombre de la production, pour son ami Florian Horvath, Doriand et l’ingénue Lio. Qu’il déboule ainsi sur le devant de la scène en tant que singer-songwriter n’étonnera donc personne, mais qu’il déboule avec un si bon disque, c’est une toute autre histoire.
Car « Going To Where… » ne s’embarrasse d’aucun détail superflu : 12 chansons d’à peine trois minutes chacune, où chaque note, chaque arpège, chaque instrument joue un rôle majeur (c'est-à-dire réfléchi) dans la quête mélodieuse de von Poehl. Voici donc le Graal 2006 catégorie pop-rock à fort potentiel commercial. Il serait sans doute vain de décrire toutes les admirables chansons qui composent cet album, du titre éponyme à ce « The Bell Tolls Five » cuivré comme une ballade militaire. Il suffit à von Poehl de mixer une guitare acoustique avec un sax et une flûte pour emballer un single pop à faire pleurer Brian Wilson (« Virgin Mountains »). De rajouter quelques cordes à une batterie câline pour sonner comme du Air vaporeux, du Neil Hannon en rien pompeux (« Travelers »). De faire péter la basse et les trompettes pour faire danser les filles, en un slow éthéré qui ne manque pas de groove (« Global Conspiracy »). De trouver le riff simple (mais funky) pour reléguer Das Pop au rang de boys band de pacotille (« Scorpion Grass »). De sortir encore de sa boîte magique un xylophone pour trousser le tube Mobistar en or (« The Story Of The Impossible », élégiaque). Et ainsi de suite…
Sans grands artifices - seulement beaucoup de talent, d’à-propos et de mélancolie - Peter von Poehl vient de signer un premier disque tout bonnement excellent. Taillé dans le même écrin que ces albums qu’on aime ou qu’on déteste parce qu’ils nous mettent à nu en même temps que leur auteur (ex : les premiers Tom McRae, Maximilien Hecker, Spain,…), « Going Where The Tea Trees Are » fait partie de ces disques de chevet qu’on aimerait partager. Si vous aimez la pop, faites confiance à ce type. Il vous le rendra bien.
Lee Van Dowski et Quenum ne sont pas nés de la dernière guerre 'minimale'. Actifs dans le milieu techno depuis plusieurs années, ces deux Français (exilés en Suisse) ont déjà sorti pléthore de maxis 4x4 sur des labels comme Cadenza (le fameux « Orange Mistake » de Luciano et… Quenum), Mental Groove, Imploz, Num ou Pnuma, la nouvelle sous-division de Soma. Adeptes d’un groove ascétique qui préfère jouer sur les atmosphères plutôt que sur l’action, Lee Van Dowski et Quenum tiennent ainsi leurs promesses tout au long de ces onze titres d’obédience minimale. Pas question donc de bourrer dans le tas dès les premières secondes : le beat dévoile ici lentement son potentiel de frappe. 'Acide' rime presque avec 'placide'. Il faut attendre « Little Doll Chaos Pounce Upon Option Assault Reverberation », le cinquième morceau, pour envisager un petit détour du côté du dancefloor : les genoux crient sous le beat casaque, l’artère fémorale panique en pleine montée de nappes... Voilà le 'killer track' qui se faisait prier, et on ne l’a pas volé.
« Lust Part 1 » et « Ultimate Desert Ambassador » arrondissent le propos et nous offrent un pont deep goûtu, avant que le poumtchak ne revienne à l’attaque, lentement mais sûrement (« Lust Part 2 »). Ne serait-ce pas d’ailleurs l’adage qui sied le mieux à la tech minimale ? Si le début du disque rappelle le son spartiate des prods à la M_nus (« Vegas Nevada Shooter », « The Joint Echo »), la fin navigue davantage dans les eaux troubles de l’electronica. « Thomas Edison Invents The Lazy Dance » (?) et « Dune » rappellent ainsi les paysages bucoliques de Boards of Canada et les « Ambient Works » d’Aphex Twin, voire le terreau calciné dans lequel prennent racine les compos de Nathan Fake... Lee Van Dowski et Quenum peuvent donc s’estimer heureux : ils ont franchi le pas de l’album sans se prendre une gamelle sous la boule à facettes… Chez Soma il paraît que tout le monde a même retrouvé le sourire : ce n’était plus arrivé depuis la signature d’Alex Smoke. Eh oui les temps sont durs, il faut bien s’adapter à l’envie populaire. Minimale, quand tu nous tiens !
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