La vieille Albion (et non pas perfide comme l’affirment les continentaux !) a toujours été un terreau musical fertile. Ces dernières années nous ont encore offert quelques jeunes pousses prometteuses au rayon pop. Franz Ferdinand pour ne citer que l´exemple le plus évident. Marshall Smith réunit pourtant des vétérans. Un trio au sein duquel on retrouve deux songwriters : le chanteur/guitariste/multi-instrumentiste Alan Brown et le bassiste Vince Hunt. Deux personnages qui viennent donc de mettre fin à dix-sept années de silence consécutif à la fin de l’aventure A Witness, un combo habitué des John Peel Sessions de la BBC, dans les années 80. Le batteur Darren Garratt est le troisième larron ; un musicien qui milite également au sein des Nightingales de Rob Lloyd. Nos fiers Britons troussent une dizaine de compos pop post-punk non dénuées de potentiel. Vocaux tour a tour désespérés ou caressants, sens mélodique aiguisé, guitares râpeuses et mordantes, feeling légèrement bluesy en filigrane de morceaux comme « A Thousand Curves » ou « Jumpin’ A Red Light », solos discrets mais toujours bien placés… Une pop anglaise efficace, pas tapageuse et servie avec feeling.
Comme le résume très bien un collègue: Nosfell, on adore ou on déteste. Par contre, une évidence s’impose : l’homme fait l’objet d’une fulgurante fascination qui, dès son premier album, l’a obligé à partager son univers atmosphérique avec de très nombreuses salles. La plupart des spectateurs en sont ressortis unanimes : Labyala Nosfell et son compagnon Pierre Le Bourgeois sont des cas à part, à classer à mi-chemin entre le surnaturel, l’étrange et le paranormal. Ce second album, forcément ultra attendu, plaçait donc cet E.T. musical dans une position évidente : celle de l’ancestrale ‘confirmation’. Et, de fait, il confirme. Que la musique peut exister loin des formats, que son monde n’est pas celui des autres et que sa langue inventée est un terrain de jeu réservé aux oreilles averties, enclines aux obscures humeurs rythmiques. A l’instar du premier album, Nosfell passe de l’aigu au caverneux, et de la science à la démence. Si la première écoute laisse perplexe, la seconde révèle ses qualités et ses défaites. Cette voix qui oscille du coq à l’âme est déstabilisante, voire énervante. Mais ces sons passant d’une ambiance à l’autre détiennent le pouvoir bizarre de nous agripper et de nous emmener ailleurs, là où personne ne nous entend crier. Epinglant quelques passages susceptibles de vous flanquer franchement le frisson. Les adorateurs vont être obligés de retourner le voir sur scène, puisque c’est là que le clown lunatique se met à nu. Les autres s’abstiendront… ou changeront d’avis pour être certains de ne pas s’être trompés la première fois.
?uestlove et sa troupe de valeureux b-boys n’ont certes plus à rien prouver question hip hop de qualité, mais il n’empêche que ce « Game Theory » sonne comme un album mineur dans leur discographie protéiforme. Sans doute est-ce dû à leurs dernières sautes d’humeur, qui les a vus signer chez leur pote Jay-Z (Def Jam) et pleurer sur la tombe de Jay Dee (lire l’hommage de ?uestove dans le livret de « The Shining », le disque posthume de J. « The Immortal » Dilla)… « Game Theory » se la joue donc profil bas, alors qu’il y a deux ans encore « The Tipping Point » battait en brèche le rap de papa à gros coups de beats futuristes et de refrains vengeurs. Pas que ce disque soit mauvais : il est quand même signé The Roots, soit le plus beau triplé d’as en termes de hip hop instrumental, joué avec cinq paires de mains et une grande gueule aux ‘pensées noires’… Mais à force de cachetonner comme backing band pour Justin Timberlake et Kanye West, les Roots ne misent plus que sur leur savoir-faire live et en oublie l’essentiel : qu’un album se doit lui aussi de séduire, au moins un minimum. Mis à part le single (« Don’t Feel Right », du Roots pur jus, en pilotage automatique) et deux-trois titres au groove intact (« In The Music », « Baby » et « Here I Come »), « Game Theory » se révèle aussi ennuyeux qu’une partie de poker sans strip-tease. Le dernier titre, construit sur un sample des Jackson 5 et produit par feu James ‘Dilla’ Yancey, s’intitule « Can’t Stop This » : on est pourtant bien content que ça s’arrête, un peu déçu par tant de suffisance. Echec et mat !
Après s’être fait remonter les guitares par le tandem DFA (James Murphy et Tim Goldsworthy) sur son essai précédent (« Echoes », 2003), The Rapture s’épaule d’un nouveau duo de producteurs en vogue : Danger Mouse (Gorillaz, Gnarls Barkley) et Paul Epworth (Bloc Party, The Rakes, etc.). Dans le genre branchouille, on ne pouvait mieux faire… Alors, dans ces conditions, comment échapper à la hype ? Sensation médiatique mondialement relayée, The Rapture assume son statut sans concession. Leur nouvel album, « Pieces Of The People We Love », affiche encore un goût immodéré pour les pistes de danse. Dix chansons, autant de tubes troussés pour le dancefloor. Sous les stroboscopes, Luke Jenner chante toujours comme un Robert Smith sous acide lysergique. Epileptiques, les riffs s’attaquent au système nerveux. La décharge vient vous chatouiller la moelle épinière et le corps entame un cycle d’indomptables contorsions. The Rapture, formation d’acid house pour boîtes de nuit post-punk, réaffirme son don pour accoucher d’hymnes festifs, jouissifs. « Pieces Of The People We Love » pourrait être l’intitulé branché de la « compil’ de la fête 2006 ». Tous les titres semblent obnubilés par cette même volonté de bouger. Le mielleux « Live In Sunshine » mis à part, nous sommes ici en présence d’une belle machine à danser. Loin de véhiculer les bases d’une nouvelle révolution, cet album constitue néanmoins une belle satisfaction.
Cinq ans qu’on attendait le successeur de « It’s A Wonderful Life » : une putain d’éternité dans le monde de la musique. Mark Linkous aurait pendant toutes ces années traîné une sale déprime dans sa Caroline natale : sa renaissance s’avère d’autant plus belle que le disque en bonus prend aux tripes comme à l’époque du grand « Vivadixiesubmarinetransmissionplot » (ouf). Autant dire que ça fait énormément plaisir de revoir Linkous sur ses deux jambes, au sens propre comme au sens musical… « Dreamt For Light Years… » résonne partout de ce douloureux passé, décomposé. Mais s’il gît parfois dans la rigole, c’est pour mieux faire le mort et ensuite nous surprendre, d’un pétulant éclaboussement. Tel un Pinocchio à la douceur amère, Mark Linkous ‘rêve dans le ventre d’une baleine’ qu’il aimerait faire de la pop. Mais il sait au fond de lui que ses démons le rattraperont toujours, alors sa pop reste marquée par une indicible souffrance. A peine « Don’t Take My Sunshine Away », le titre d’ouverture, nous fait croire un instant que tout va mieux dans la tête cabossée de Linkous. Un son bien pop, bien rock, soutenu par Sol Seppy aux chœurs, Danger Mouse au sampleur, et l’immense Steven Drozd, des Flaming Lips, assis derrière ses fûts (et jusqu’au bout du disque). Mais dès « Getting It Wrong » c’est Waterloo sur les plaines yankees, Cheval Baillard au Mont Mitchell. « Black Douleur », dirait l’autre, et pourtant ça n’a rien de redondant : il fait noir dans le ventre d’une baleine, et la douleur Linkous connaît. Malgré deux sautes d’humeur plus rock’n’roll (« Ghost In The Sky », « It’s Not So Hard »), « Dreamt… » hisse donc le drapeau blanc en signe de détresse : sortez-le de là, il est vivant, il écrit des chansons ! Belles à pleurer, faut-il donc le rappeler, comme ce « Morning Hollow » slowcore qui déchire corps et âme. Là où le bât blesse, c’est que ce titre figure déjà sur « It’s A Wonderful Life », en bonus caché ! Et « Ghost In The Sky », sur son édition japonaise ! Et « Shade and Honey » sur la B.O. du film « Laurel Canyon » (2002) ! Le temps que dure le morceau-titre, un long tunnel instrumental digne du meilleur Labradford, il faut donc se rendre à l’évidence : « Dreamt… » est un sacré bon disque, mais nouveau qu’à moitié. C’est là que la baleine régurgite : elle a eu un haut-le-cœur.
The Whitest Boy Alive est un projet fondé à Berlin qui réunit le bassiste Marcin Öz, le drummer Sebastian Maschat, le claviériste Daniel Nentwig ainsi que le chanteur/guitariste norvégien Erlend Øye, mieux connu comme partenaire d’Eirik Glambek Bøe chez Kings Of Convenience. A l’origine (2003), le concept devait être consacré à la dance, mais l’orientation s’est rapidement tournée vers la pop/rock. Ce qui ne veut pas dire que la technologie moderne soit absente. Elle enrichit et raffine simplement la solution sonore. « Dreams » constitue leur premier album. Un disque dont les compos élégantes, contagieuses, soyeuses, capricieuses, savoureuses, mélancoliques, subrepticement ‘funkyjazzyfiantes’ auraient pu naître de la rencontre entre Kings of Convenience (of course), un Style Council sevré de r&b, Police circa « Regatta de blanc » et Luna. La voix très caractéristique d’Erlend Øye apportant la note chaleureuse, intimiste aux mélodies. Pas de titre faible sur cet opus, mais 10 chansons à faire tourner en boucle dans votre lecteur. Surtout lorsque vous êtes au calme, dans votre sofa, votre rafraîchissement préféré à portée de main…
Issu de Boston, Westbound Train appartient à cette catégorie de groupes qui imitent à merveille le son jamaïcain des années 60, au moment où l’énergie du ska cédait le pas à l’élégance du rocksteady. Rien de bien original sur ce troisième album de la formation (ce n’est de toute façon pas le but) mais une copieuse collection de chansons destinée à ressusciter les fantômes des Skatalites, Prince Buster, Heptones, Ansel Collins, Pioneers, John Holt, Wailers et consorts qu'il serait fastidieux d’énumérer. Le son est moins brumeux que chez les artistes dont ils s’inspirent mais tout aussi 'vintage', au point que l’instrumental « The Test » aurait très bien pu être un inédit des Skatalites (en compagnie desquels les Westbound ont tourné). Le timbre vocal particulièrement soul du chanteur tromboniste Obi Fernandez illustre de chouettes compos décontractées dont les refrains réchaufferont nos cœurs déjà meurtris par cet hiver qui s’annonce sans pitié. Des jolies mélodies et un bon karma, que demande le peuple ?
Le concert accordé au Botanique le 16 octobre affichant complet, il ne restait donc plus aux aficionados de The Divine Comedy qu'une seule alternative : se déplacer jusque l'Aéronef de Lille. Une opportunité qu'il ne fallait louper sous aucun prétexte ; car la bande à Neil Hannon ne se produit pas souvent sur le Vieux Continent. En outre, son tout dernier album, « Victory for the coming muse » est vraiment d'excellente facture.
En première partie, The Duke Special nous a gratifiés d'un show à la fois 'vintage', humoristique et romantique. Romantique à cause des chansons de Peter Wilson, chansons qu'il interprète d'une jolie voix rappelant tantôt Rufus Wainwright, tantôt Damon Gough, mais avec un accent irlandais (NDR : il est issu de Belfast !) en s'accompagnant d'un piano droit en bois, plutôt étroit et assez vétuste. Physiquement, il ressemble à un jeune Robert Smith qui aurait laissé pousser de longs dreadlocks. Humoristique a vu des frasques continuelles de Chip Bailey Wilson. Sosie de Charles Dickens, mais la chevelure bien plus longue, ce pince-sans-rire bien britannique se réserve les percussions. Toutes les percussions. Aussi bien conventionnelles qu'insolites. A sa droite, il a installé une énorme caisse de profil. Devant lui, toute une série de boules semblables à des émoticônes, mais de la dimension des noix de coco. Sans oublier le kit de batterie 'dit' classique. Régulièrement, il s'approche du bord de la scène pour y produire des sonorités plutôt singulières à l'aide d'une sorte de manche à balai surmonté d'une cloche. Il se sert également d'une râpe à fromage et autres ustensiles de cuisine dont des couvercles de casseroles. 'Vintage' au vu du décor au sein duquel le duo a évolué tout au long de son set. Un décor qui ressemblait plus à une brocante (les gramophones, les vieux tourne-disques !) qu'à une scène de concert. Et non seulement la mise en scène a eu de quoi mettre de bonne humeur le public, mais la prestation de Duke Special s'est révélée absolument convaincante.
Huit musiciens montent sur les planches : un drummer, un percussionniste, un bassiste (NDR : le trio est posté au fond de la scène, mais sur une sorte de podium), un guitariste, un violoncelliste (qui double parfois aux claviers), un claviériste/pianiste et une violoniste (NDR : vêtue d'un tailleur strict, elle aurait pu relever d'un orchestre symphonique). Sans oublier Neil Hannon. Très mince, de petite taille (NDR : il ne doit pas mesurer 1m70 !), ce dandy possède une fameuse personnalité. De l'humour aussi, parfois teinté d'une pointe de cynisme. Une très belle voix : son baryton sensuel, parfois volontairement emphatique, vibrant, magnifie, en quelque sorte, toutes les chansons. Du charisme aussi. A moins que ce ne soit du cabotinage (NDR : une divine comédie ?). Lunettes de soleil sur le nez, il entame son répertoire en s'accompagnant à la guitare sèche. Par « Mother dear », une compo issue de son dernier elpee. Des lunettes et une six cordes qu'il va abandonner respectivement lors du quatrième et du cinquième morceau, pour se concentrer sur le chant. Il nous invite alors à danser lors de « Diva lady », un fragment franchement latino. Pour « Threesome », il rejoint les deux autres claviéristes derrière les ivoires : piano pour trois mains ! Epatant ! Une cover : le « Raspberry Beret » de Prince. Lors de « Mutual friend », tel un chanteur de charme, Hannon vient s'asseoir sur le bord de la scène, puis termine le show par « Tonight the fly » sous les acclamations de la foule. Si le set est parfaitement équilibré, mené de main de maître par Neil ; il faut également souligner le rôle joué par le violoncelliste et surtout la violoniste. Une véritable virtuose qui parvient non seulement à se fondre dans l'ensemble tout en donnant davantage de relief aux compos. Qui n'en manquent pourtant pas. Mais si sur disque, fruit de la rencontre entre musique de chambre, music hall et pop, la solution sonore de The Divine Comedy peut parfois sembler tendre et satinée, en 'live' le résultat est beaucoup plus pêchu et dense. Faut dire que l'osmose opérée entre les différents instruments frôle la perfection.
Après les deux titres accordés en rappel, la foule acclamait à tout rompre, reprenant même en chœur les paroles de « National express ». Impressionnant ! Quand reviennent-ils ?
Tracklist
Mother dear
Alfie
Bad Ambassador
The light of day
When the lights
Gen sex
Diva lady
Lady of a certain age
Dadys car
Plough
Mastermind
Threesome
Don't look down
Weekend
Raspberry Beret
Mutual friend
Tonight we fly
To die a virgin
National express
Organisation FLP
Frank est sans aucun doute le pus célèbre des guitaristes de blues français. Il a fondé sa première formation début des 80’s : les Blues Blasters. Il est né à Paris. Mais en 83, à l’âge de 23 ans, il émigre aux Etats-Unis. En Californie, à Oakland très exactement. Il y rencontre Troyce Key, musicien et patron d’un club notoire du coin : l’‘Eli's Mile high Club’. Frank accompagne Big Mama Thornton, Charlie Musselwhite, Elvin Bishop, Sonny Rhodes, Jimmmy Mc Cracklin, Lowell Fulsom et quelques autres. En 1988, il commet son premier album : "Blues for Esther". Un disque édité sur le label belge Blue Sting. Mais sous le sobriquet Paris Slim ; un surnom qui lui a été attribué outre-Atlantique. En 96, il embraie par l'excellent "Bleedin' heart" (NDR : chez Globe), un disque co-produit par Joe Louis Walker. En 1998, Frank s'établit dans le sud de la Californie, du côté de Los Angeles. Il y côtoie d’excellents gratteurs locaux et collabore à la confection d’une flopée d’albums pour le label Fedora de Chris Millar. En 2001, il grave "BluJu" (Delta Groove/Crosscut), son meilleur album à ce jour. Philip Walker, Alex Schultz, Kirk Fletcher et quelques autres participent à son enregistrement. Depuis, notre Français s’est fixé à Portland, dans l'Oregon. Ce qui ne l’empêche pas de partir, régulièrement en tournée. Et de nous faire découvrir de nouveaux talents. Lors du Spring Blues Festival d'Ecaussinnes notamment, un festival au cours duquel il nous avait permis de remarquer le guitariste Lloyd Jones et le claviériste D.K Stewart. Il sévit souvent en Europe. Fin août, il était à l’affiche du Festival ‘Blues en Loire’. Soutenu par des musiciens français, il s’était produit sous le patronyme de French Blues Initiative. Frank adore partager la scène avec d'autres musiciens. Il a ainsi opéré un périple flanqué des Mannish Boys, un aréopage de talents issus de Los Angeles et du Down Home Super Trio, en compagnie de RJ Mischo et Richard Innes. Paru en 2003 sur Crosscut, l'elpee "In the house" en est le plus beau témoignage.
Ce nouvel opus a été enregistré au cours de l'hiver 2004. A Sante Barbara. Pour la circonstance, il a été épaulé par l'Alastair Greene Band. Alastair est également chanteur et guitariste. Un musicien davantage influencé par le rock. En particulier par Jimmy Page, Eddie Van Halen et Stevie Ray Vaughan. En 2002, il concocte un opus solo : "A little wiser". L'année suivante, il rejoint le célèbre batteur anglais Aynsley Dunbar en compagnie duquel il décide de remonter Retaliation, un blues band anglais que Dunbar avait fondé après avoir quitté John Mayall au cours des 60’s. Fin 2003, il grave un autre elpee solo : "Official bootleg : Live in L.A". En 2004, il partage régulièrement la scène avec l'harmoniciste Mitch Kashmar. Frank Goldwasser et sa section rythmique - Jack Kennedy à la basse et Tom Lackner aux drums – l’épaulent.
L'album s’ouvre par un instrumental alerte. Un boogie dynamique au cours duquel Frank laisse déborder ses accords de slide, à la manière des groupes instrumentaux nés au cours des sixties. Une leçon de réalisme ! L'album n’a guère été mis en forme. Le son est brut. Restitué tel quel par les musiciens. Et le résultat est tout fait convainquant. Reflétant parfaitement le blues qui les hante. Frank et Alastair sont sur la même longueur d’ondes, c’est évident. Franck chante comme jamais sans doute il ne l'a fait. Les protagonistes prennent leur pied. Et le "She's gone" de Hound Dog Taylor en est la plus belle illustration. Greene est debout sur les pédales pour attaquer le funky "I'm gonna wait", une compo signée Eddie Kirkland, l'ancien gratteur de John Lee Hooker. Les musiciens ne brident pas leurs impulsions. On sent très bien que la préparation a été sommaire, histoire de laisser libre cours aux improvisations et aux envolées des cordes. Et dans cet exercice, Goldwasser et Greene sont à leur affaire. Ils libèrent même une orgie de notes lors de "Wish I had never". L'album ne suscite jamais l’ennui. "Guitar Rumba" et le caressant "Sleepwalk" émargent à la surf music. On a même droit à une version paisible du rock'n'roll classique "Be bop a lula". Frank est un véritable prince de la slide lorsqu’il adopte la formule du blues lent électrique. Et tout particulièrement lors du "Too poor to die" de Louisiana Red. Il se révèle inventif également. A l’instar de "Goldwasser'sd dysfunctional blues #36" ou de "Jodie's back on the scene". Une œuvre sans grande prétention, mais loin d’être déplaisante.
Après la parenthèse country-rock « Superwolf » (feat. Matt Sweeney), la compile de covers avec Tortoise, le live et le « self-tribute » album concocté en l’honneur de son ex-groupe Palace, Will Oldham revient enfin aux choses sérieuses, trois ans après « Master and Everyone ». D’entrée de jeu, « Love Come To Me » donne le ton : délicat, pacifié, d’une pureté qui d’abord étonne, puis séduit. Rarement dans le passé avait-on pu entendre Will Oldham chanter d’une voix si veloutée, sur un folk qui évoque cette fois davantage le « Pink Moon » de Nick Drake que la lo-fi souffreteuse dont il était l’apôtre dans les années 90. Si Will Oldham semble réconcilié avec le genre humain, c’est sans doute parce qu’il connaît les ténèbres, pour les avoir vues (« I See A Darkness », disque hanté). Aujourd’hui il chante comme s’il était en paix, avec lui-même et son prochain. Enregistré en Islande sous l'égide de Valgeir Sigurdsson (un disciple de Björk), « The Letting Go » pourrait bien être l’album le plus consensuel de Bonnie ‘Prince’ Billy, autrement dit le plus accessible. D’abord parce qu’il est plein de cordes (c’est beau, ça rassure), ensuite parce qu’il y a une femme à ses côtés. Et pas n’importe laquelle, puisqu’il s’agit de Dawn McCarthy des Faun Fables, duo acid folk coincé dans le trip Appalaches, tendance « American Anthology of Folk Music » de Harry Smith. En renfort vocal, elle accompagne Oldham sur chaque titre, ou presque : ça donne un drôle de couple au poil rebelle, à la psyché country un tantinet carte postale (« The Seedling », pénible). Il n’empêche que le duo fonctionne, et qu’on se prend au jeu. « The Letting Go » sonne ainsi comme l’album le plus romantique de Bonnie ‘Prince’ Billie. A condition d’aimer les sérénades à deux (NDR : et Faun Fables). C’est James Blunt qui va être content !
Mousse T, Backstreet Boys, Lou Bega, Snap, Jimmy Sommerville, Sonique,… La liste des artistes remixés par ce Teuton vaut mieux que tous les discours : on a affaire ici à un de ces DJ’s bidons qui se la pète, alors qu’il ferait bien de s’acheter plutôt une bonne paire d’oreilles. Extrait de sa bio : ‘You just can't be mad at him: champagne, nipple slips and frenzy belong to every music event. Still, Tom Novy seems to attract them in a very special way’. Sic. Qu’il ait mixé au Ministry of Sound et présente des émissions pouet pouet sur MTV (Deutschland ?) ne le sauvera pas de la caricature (au contraire !) : ce type est à la musique électronique ce que le cassoulet en boîte est à la fine cuisine. Alors en ce qui concerne cette compile, on évitera de traîner en longueur en précisant tout bonnement que ce machin marqueté est destiné au touriste lambda qui se défonce à Ibiza en buvant du Bacardi Breezer. Evitez de détenir ce disque sur vous à la douane espagnole : on pourrait vous coffrer pour ‘délit de goûts de chiotte’.
Ce vaillant label liégeois s’attache à présenter le mariage de musiques folkloriques du monde entier, « Home records » compile ici quelques travaux qui ont émaillé ses premières années d’existence. On passe ici de l’ambiance moyenâgeuse des Tisserands et de Soetkin Collier au tango arabo jazzifiant de Karim Baggli, sans oublier des moments plus théâtraux comme Aurélia et Ambrozijn ou le jazz ultra (trop) technique de Turlu Tursu. Bref, on passe souvent du coq à l’âne, mais avec un bonheur inégal (tout n’est pas toujours passionnant). Un fil rouge : la fidélité à l’acoustique et aux métissages culturels. Mes palmes personnelles iront vers le jazz indien aventureux de Jugalbandi Trio, dont l’album a été chroniqué sur ces mêmes pages il y a quelques temps d’ici. Pour les fans des musiques folkloriques transfrontalières.
Vous étiez plus de deux millions à les voir sur scène enchaîner nouveaux titres et vieux tubes : la tournée promo de « Playing the Angel », le dernier album de DM sorti l’année dernière, s’est révélée comme à chaque fois (tous les 4 ans, en somme) une belle machine à thune. « Nous n’avons jamais connu autant de succès », confie d’ailleurs Andrew Fletcher dans le documentaire en bonus... Si DM vend moins de disques que dans les années 80, chacune de ses tournées est un triomphe : on parle de « music for the masses » - ce nouveau DVD en témoigne. Vous le trouverez donc en tête de gondole chez le disquaire du coin, avec dessus le live de Milan, un docu de 20 minutes, un CD compilant les huit titres de « Playing » interprétés ce soir-là, et deux-trois gadgets visuels pour les fans hardcore. La setlist est la même que celle du concert donné au Sportpaleis d’Anvers, comme ça tout le monde est content, on peut presque dire que nous aussi on y était, même si on ne comprend que pouic à la langue de Botticelli. Martin Gore, justement, ressemble un peu à un vieil angelot de la Renaissance qu’on aurait dégivré : avec ses plumes et son bonnet il a l’air un peu bête, mais on lui pardonne – c’est lui le songwriter. Evidemment, quand il chante seul « Macro » et « Home », on appuie sur « Fwd », parce que c’est ennuyeux. Bonne idée d’ailleurs d’avoir relégué en « bonus tracks » ses deux autres prestations, « A Question of Lust » et « Damaged People », pour pas casser le rythme de ce live agréable, surtout dans sa deuxième partie. Le début du concert demande ainsi beaucoup de concentration, le temps que le groupe (les 3 DM, Christian Eigner à la batterie, Peter Gordeno aux claviers) s’échauffe et lâche la purée. Il faut en fait attendre « I Feel You » (le 12ème titre), qui manque pourtant de pêche, pour enfin retrouver le DM qu’on aime, bref celui de « Behind the Wheel », d’« Enjoy the Silence » (gros carton niveau ambiance) et d’« Everything Counts ». Contrairement au public belge qui semblait davantage dormir qu’acclamer ses idoles, les Milanais se révèlent d’excellents fans, reprenant en chœur « Goodnight Lovers » (chapeau) et « Personal Jesus », les larmes aux yeux et la gorge serrée. Moment à chaque fois inoubliable : la mer de bras qui tangue pendant « Never Let Me Down Again »... Et « Just Can’t Get Enough » (!!!), que DM n’avait plus interprété en live depuis la saint-Glinglin (« C’est un cadeau pour les fans », dixit Gore, l’air crispé). On peut toujours arguer sur le fait qu’ils ne sont plus tout jeunes et que ça commence à se voir et à s’entendre (surtout en ce qui concerne Gore et l’impayable Fletcher), mais un live de DM reste pour l’instant une expérience unique, de « foi et de dévotion ». Certes, on a connu Anton Corbijn plus créatif question décors (la boule, les synthés : on dirait du « Blade Runner » de carton-pâte), mais l’essentiel reste les tubes, l’ambiance, et Gahan qui mouille toujours autant sa chemise. En fin de documentaire, le chanteur se dit rasséréné, « en paix avec DM et avec lui-même »… Traduction : ça sent quand même un peu le sapin. « It’s just a question of time » ? Restons confiants, on verra dans cinq ans.
Electro dance punk ? Indie rocktronic ? Autant d’interrogations soulevées par la musique de quatre férus de post-punk en manque de sensations électroniques. James Hamilton, Stephen Livingstone, Greg Paterson et Simon Ward ressemblent à des étudiants modèles d’une Art-School de Glasgow. Chemise cintrée, frange peignée, col en ‘V’, futal moulant. Plutôt élégant. Leur premier mini album s’intitule « How Clean Is Your Acid House? » La question est posée. Mais sous acide, la réponse se passe de commentaires. Le trip sera donc instrumental. A ce jeu là, nos petits smileys hésitent entre la chaleur des guitares et la rigueur des laptops. Erigée en mode d’action, cette hésitation apporte aux Errors un flux créatif récréatif : pédales fuzz et riffs de guitare nerveux anesthésiés par quelques touches electro sorties de l’esprit cybernétique d’un laptop déjanté. En sept titres et moins d’une demi-heure, ces rejetons de la pilule ne commettent aucune erreur (Errors ?) notable. Ça vaut bien un petit coup de 'Klaxons', non ?
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