Anita et Kevin Robinson s’aiment pour la vie. Et pour tout dire, on admire leur amour, leurs cœurs brûlants pour cette noble cause : le rock’n’roll. Ce couple formidable vient d’enfanter « Get Yr Blood Sucked Out », un album magistral, limpide et sensuel. Quatrième rejeton d’une discographie déjà bien nourrie, « Get Yr Blood Sucked Out » commence par un « Believer » d’enfer. Anita extirpe un riff hypnotique de sa guitare, alors que ce diable de Kevin martèle rigoureusement ses fûts. Sa batterie est belliqueuse, elle impose un rythme régulier, métronomique, telle la cadence assignée à ces malheureux galériens. La voix d’Anita se pose, nonchalante, tellement envoûtante. Kevin rejoint alors les lèvres de son épouse pour un clash électrique épique, une rencontre improbable entre The Beta Band et The Jesus and Mary Chain.
Insolente, la musique du duo nous touche en plein cœur : la guitare fuzz gicle dans tous les sens, les hands-clapping surgissent de partout. A ce moment précis, on tombe sous le charme de « From The Devil Himself », collision frontale entre les Dandy Warhols (période « Come Down ») et Yo La Tengo. On succombe. Mais Viva Voce n’en a pas encore terminé : « Drown Them Out » retentit, transperçant air, terre et mer d’un riff chopé du côté des Pixies. Au chant, Anita est cool. Aussi cool que Kim Deal. La formation de Portland, nous assure ensuite le repos du guerrier, le temps d’un joli interlude (« Bill Bixby »). Mais pas question de relâcher la tension. La formation repart de plus belle sur les sulfureux « We Do Not Fuck Around » et « Faster Than A Dead Horse ».
En fin de parcours, On titube tel un Mexicain harassé par l’alcool et les brûlures d’un soleil de plomb. Là, sous cette chaleur écrasante, nous irions nous empaler sur le premier cactus venu. Et d’un dernier cri, on hurlerait à la vie, à la mort : Viva Voce !
Originaire de Portland, dans l'Oregon, ce géant se produit régulièrement aux Pays-Bas. Un chanteur guitariste influencé à l’origine par Stevie Ray Vaughan et Johnny Winter ; mais qui est parvenu, au fil du temps, à se forger son propre style. Sa discographie est assez difficile à établir car ses enregistrements sont partagés entre les Etats-Unis et l'Europe! Commis en compagnie des Bublinos, son premier opus, "Straight", remonte déjà à 1989. En 1993, il grave "The mean eighteen" chez Tramp (NDR : le label batave de Paul Duvivié), puis "Obvious rock", l’année suivante. Sur Locals Only. Tout comme "Unglued", paru à la même époque. En 96 il concocte une elpee acoustique : "I see trouble". Puis "Man on the floor" en 97, "Prove me wrong" en 1998, un disque enregistré à Amsterdam en compagnie du batteur Boyd Small et de musiciens hollandais dont Mischa den Haring (guitariste de T-99), Kim Snelten (harmoniciste de Drippin' Honey) et Jasper Mortier (bassiste de Sugarcane et Doug Jay). L'an dernier il avait édité une collection intitulée "Big Monti". Son nouvel opus a un nouvelle fois été réalisé en Hollande. Un disque pour lequel il a reçu le concours de musiciens locaux et puis encore de Boyd Small, chanteur/compositeur/batteur également originaire de Portland et exilé aux Pays-Bas depuis près de dix ans.
"Hello sundown" (un classique R&B signé Graham Bell et Booker T Jones) est imprimé sur un tempo lent. Le chant de Monti est doublé par celui de Boyd Small. Les accords de guitare sont parcimonieux. "Somebody's happened to our love" évolue sur un mid tempo, une plage funky, assez R&B. Les parties vocales sont excellentes. Monti met le turbo, et rock'n'rolle comme un beau diable tout au long de "Let me know". Constituée par Boyd et le solide bassiste hollandais Bart Kamp, la section rythmique soutient parfaitement l’ensemble. Si le solo de guitare ne manque pas de pêche, il rappelle quand même très fort la technique immortalisée par un certain Stevie Ray Vaughan. Plusieurs compos signées Boyd Small adoptent un profil particulièrement blues rock ; et comme il ne possède pas une voix puissante, sa démarche ressemble à celle des jeunes blues rockers américains. Second guitariste, Danny Dewijlder (un musicien de Boyd) se réserve la rythmique ; mais pour la circonstance son rôle est déterminant. L'envol des cordes opéré sur "On a roll" est brillant et lorgne derechef vers le grand Stevie Ray! L'album monte en puissance mais également en diversité. Superbe blues lent, "Plain as day" sent le vécu. Celui d’Amundson qui le chante avec beaucoup de sensibilité. Mais c’est surtout la guitare qui accroche. Le son. Les notes dispensées parcimonieusement. La réverb. On est ici plus tellement loin de l’univers du grand Peter Green voire de Ronnie Earl. Une plage qui à elle seule vaut l'achat de cet album! Monti force sa voix sur "Six shots". Jouée en slide, sa guitare sonne très primaire, volontairement sale. Amundson conserve sa slide pour embrayer par "What's it coming to". Le tempo est rapide. Les cordes puissantes échafaudent un riff lourd réminiscent de "The train kept a rollin". Le travail opéré par les guitares est impressionnant. "Woe to me" adopte un rythme répétitif, assez hypnotique. Les cordes réverbérées sont un atout que Monti utilise avec bonheur. D’excellente facture, cette fin d'album est marquée par les interventions judicieuses d’Admundson. Un disque qui s’achève par "Thinking about crying", un boogie rapide et entraînant rehaussé par la présence d’un autre invité batave, l'harmoniciste George Reithogger.
Alors que le premier album d’Adem, « Homesongs », sentait le disque fait maison, « Love… » surprend d’entrée de jeu par son aspect davantage fouillé. Un xylophone, des chœurs, une guitare plus charnue, et même de la batterie, aux détours de certaines chansons : même si Adem continue à chanter sur le fil, il ne le fait plus sans filet. Sans doute que le succès de « Homesongs » a ragaillardi un peu notre homme, qui doit se sentir un peu moins seul. On passera les détails de l’album-concept (les étoiles, la galaxie, cfr l’interview), pour s’attarder sur le son, moins fragile. Et qui a pris de l’altitude. Comprenez de l’amplitude. Dommage qu’Adem soit avant tout un producteur, et pas un authentique chanteur : une faiblesse notamment décelable sur la chanson-titre (un comble), qui laisse comme un goût amer. A force de jouer au songwriter dépité qui geint dans son home-studio, Adem finit par agacer. Une déception : on s’est peut-être emballé un peu vite.
Au lendemain de l’ouragan Franz Ferdinand, le monde a changé. Désormais, le rock fait danser les filles. Dès cet instant, on s’attendait à remuer son popotin sur les chansons de Box Codax. Mais comme le sous-tend la pochette d’« Only An Orchard Away », le nouveau projet de Nick McCarthy semble tourner le dos aux commodités populaires. Inutile donc de chercher un « Take Me Out » ici bas. La lo-fi disco pop bidouillée de Box Codax s’adresse davantage aux nerds énervés, aux clubbers de salon, voire aux Travoltas du dimanche matin. Nick McCarthy vient nous présenter son nouvel Alexander. Exit Kapranos. Cette fois, il se nomme Wagner. Visiblement, les deux hommes s’entendent bien. Ensemble, ils s’accordent deux courtes sessions de cinq jours. En résulte ce disque : « Only An Orchard Away », hérésie pop-rock du mois, tout et n’importe quoi. Punk chloroformé (« Dogs To The Beaches »), hip hop « lo-filisé » (« Naked Smile ») ou bossa nova pour cow-boys délétères (« Do It With Charm »). En définitive, Box Codax ne respecte aucune ligne de conduite. C’est naïf, bordélique et sans ambition. Un side-project, tout simplement.
Il y a bien bien longtemps que Beck Hansen ne nous amusait plus. Mais tout semble rentrer dans l’ordre : « The Information ». D’abord, c’est franchement bidonnant de concevoir la pochette de son nouveau disque. Plein de petits stickers à coller partout, des vignettes barrées pour bricoler une jaquette délirante. L’initiative est originale. Un peu trop fantaisiste, d’ailleurs, au goût de nos amis Anglais. Ces derniers ont, en effet, interdit l’album de hit-parades. Pour cause, « The Information » enfreint la loi ! Et oui, la petite singularité du packaging confère au disque un avantage considérable et déloyal dans l’impitoyable lutte mercantile de ce début de siècle. Moins drôle l’information, hein ? Pourtant, Beck a le sourire : ce genre d’anecdote tend à semer les germes d’une belle campagne promotionnelle. Et le consommateur ? Il trouve ça cool, merci pour lui. La transgression des interdits demeure l’éternelle source de motivation des jeunes générations. « The Information » circulera dans les cours de récréation britannique. Soyez sans crainte.
Le neuvième album de Beck tient le bon bout. Fouillé, bidouillé, décontracté. Trois qualificatifs disparus depuis bien longtemps (« Odelay », 1996 ?) de l’univers de notre blond scientologue. Franchement, on n’y croyait plus. Et pourtant… « The Information » relance l’intérêt. Beck redevient cette drôle de machine détraquée, ce sampler fou. Folk, rock, jazz, lo-fi, hip-hop : le grand bordel organisé se joue ici en toute désinvolture. Et ce nouvel album remet un peu de désordre dans sa discographie. « One, two : you know what to do ! ». Yeah ! Dès « Elevator Music », on se déhanche telle une super limace bionique. Derrière les manettes, Nigel Godrich assiste Beck dans ce regain de coolitude. « Think I’m In Love », « Cellphone’s Dead » ou « Nausea » invitent le hip-hop à folker sur des hymnes de défoncés. Beck surprend et, en fin de parcours, on ne sait vraiment pas où le petit blond nous a largué. On est perdu. Mais heureux d’avoir retrouvé notre vieux pote !
Adepte de la musique traditionnelle du Sud des Appalaches, Riley est originaire de la Caroline du Nord. Il joue du violon dès l'âge de dix ans, mais opte ensuite pour la guitare et le banjo. Sa carrière est avant tout personnelle ; ce qui ne l’empêche pas de participer aux aventures du Dirk Powell Band et de Polecat Creek.
Ce nouvel opus nous entraîne à travers un périple au sein de la musique traditionnelle perpétuée en Virginie et en Caroline du Nord. Elle est également appelée ‘old time music’. C'est-à-dire une musique roots music née à l'ombre des montagnes appalaches. Il chante d'une voix triste le titre maître. L’accompagnement est sobre : une guitare et un banjo. Soutenu par ses amis, et drivé par le violon de Dirk Powell ou de Joe Thrift, Riley nous invite à la dance aussi bien pour "June Apple" qu’"Old John Henry". Baugus véhicule, de voix monocorde, empreinte d’émotion, un sentiment de désespoir tout au long de deux ballades : "What are they doing in heaven" et "George Collins". Il démontre ses évidentes aptitudes de multi-instrumentiste sur trois autres plages, mais instrumentales. Au violon lors des très irlandais "Sail away ladies" et "No corn on Tygart". Au banjo sur "Willow tree", une célébration de la musique des montagnes du Kentucky. Riley chante parfaitement a capella. Mais le résultat n’est guère excitant. "Wandering boy" ne transpire pas la joie, mais traduit son amour maternel ; alors qu’en finale, "Now is the cool of the day", est une invocation au Seigneur! Armé de son banjo et épaulé par Tom O'Brien à la guitare, Mr Baugus se frotte même au folk blues. Et en particulier sur "Lonesome road blues". "Long steel rail" s’adresse essentiellement aux adeptes de la musique folk traditionnelle. Un style que j’apprécie tout particulièrement lorsqu’il entretient une chouette ambiance. A l’instar d’"I'm troubled", une composition signée Doc Watson et interprétée en string band.
Si on ne compte ni les compiles, ni les albums commis en compagnie des Commotions ou des Negatives, “Antidepressant” devrait être le huitième opus de Lloyd Cole. Un disque pour lequel il a reçu le concours épisodique de quelques amis, dont Neil Clarke l’ex-guitariste de ces fameux Commotions, un arrangeur de cordes, un bassiste et deux ex-Negatives pour les backing vocaux. C’est tout. Car Lloyd a pratiquement tout assuré seul. Même les bruitages électroniques (NDR : voir à ce sujet l’interview qu’il nous a accordée tout récemment). Découpé en onze plages, « Antidepressant » nous plonge au sein d’une ambiance tendre, mélancolique, paisible, une ambiance bien sûr entretenue par le baryton chaleureux, sensuel, intimiste de Cole. Privilégiant l’esthétisme, Lloyd n’en épingle pas moins l'actrice américaine Scarlett Johansson dans « Woman in a bar » ou la série ‘Six feet under’ sur le titre maître. Certaines compos (« New York City sunshine », « Rolodex incident », « I did’nt see it coming ») renouent (involontairement ?) avec le mouvement postcard (NDR : souvenez-vous des Pastels et surtout d’Aztec Camera), à moins que ces morceaux ne soient tout simplement hantés par le spectre d’Al Stewart (« How wrong can you be ? »). A cause de la guitare jouée en picking, dispensant des sonorités presque hispaniques. Deux titres émargent cependant à la country. Tout d’abord l’allègre « Every song » et puis « Travelling light ». Dépeignant les rêves du Nouveau Mexique, cette dernière aurait d’ailleurs pu figurer dans le répertoire de feu Johnny Cash. Bref, un très bel album auquel il manque peut-être un single potentiel…
Des nappes frelatées, des sub-basses qui prennent leur temps plus que leur pied, et justement le kick, souffreteux mais tout de même à la rescousse : depuis plus d’un an le quidam techno s’est mis à la mode ‘minimale’, et voilà que Resist rattrape le wagon en sortant cette compile. Pour ne pas avoir l’air d’être trop à la masse, le label titre avec la ‘destruction’ d’un genre. Comme si c’était suffisant pour ne pas être taxé de suivisme. Mixé par J16, le proprio de City 16, « Destroy Minimal » réunit donc la crème de l’internationale (en gros, l’Allemagne et le Chili) du gros beat en ‘loucedé’ (tu danses encore qu’il s’est déjà barré). Ricardo Villalobos, Luciano & Serafin, Alex Under, Trentemoller, Lindstrom, Booka Shade, Rekid (« minimal funk » ?), Alter Ego et bien d’autres. L’occasion de se replonger dans les discographies respectives de chacun de ses artistes, et d’évoquer Kompakt, Vakant, Playhouse, Trapez, Perlon, Border Community,… en tapant du pied, mais sans emmerder le voisin. C’est ça qui est bien avec la minimale : tu peux danser dessus sans t’arracher une vertèbre. Tayaut !
Son métallique, batterie tribale, guitares terroristes, paroles plus scandées que chantées. A quelque chose près, tout, dans ce disque, rappelle ce mouvement musical du début des années 80 baptisé « No Wave ». Le troisième album de ce trio féminin américain (elles étaient quatre avant) reste totalement fidèle aux codes du genre. Comme James Chance à l’époque, certains de ces titres détournent les clichés du disco et du funk pour les utiliser dans des mélopées où la dissonance fait la loi. A d’autres moments, on croirait entendre les travaux de Lydia Lunch et les premiers Sonic Youth. Même si la voix de Jenny Hoyston évoque plutôt Siouxie. Une demie heure de musique brute et sans concession, mais comme dans le mouvement originel, on appréciera plus la démarche radicale que la qualité des morceaux présentés. Car il ne faut quand même pas l’oublier, la No Wave cherchait avant tout à user les nerfs, à choquer les auditeurs qui osaient s’aventurer dans les concerts et acheter les disques d’hurluberlus furieux comme James Chance. Les « Erase Errata » imitent ce son à merveille, ne cherchant pas à le rendre agréable. Cependant, tout est proposé 25 ans trop tard, sans aucun titre vraiment mémorable.
Les fans –ados pour la plupart– trépignaient d’impatience et commençaient à trouver le temps long depuis la sortie du cd/dvd « Anywhere but Home ». Enfin, le voilà ! Le groupe d’Amy Lee revient sur le devant de la scène avec un deuxième album studio taillé pour les radios. Tous les titres vont y passer. Le combo lancé en 2003, grâce à l’apparition du titre « Bring me to life » sur la BOF de Daredevil, continue sa lancée dans son univers à la croisée des chemins de la pop et du rock gothique. Les arrangements sont toujours aussi pompeux, la production bétonnée et les mélodies demeurent sirupeuses et calibrées pour toucher les adolescentes en mal de sensations fortes. « Lithium » est le sosie presque parfait du mégatube « My Immortal » sur « Fallen ». Tous les ingrédients sont réunis pour transformer l’opus en or et en platine. Mais ici, tout est si bien formaté que l’on peine à croire en l’honnêteté du combo originaire de Little Rock. Alors que les Gathering, Within Temptation et autre Nightwish n’ont eu d’autres choix que de se battre becs et ongles pour défendre une musique nouvelle et foncièrement honnête, Evanescence débarque et remporte un succès fulgurant dès son premier effort. En utilisant une recette élaborée par des groupes majoritairement européens, mais en arrondissant les angles pour séduire les programmateurs des radios ‘branchées’, la bande à Amy Lee a finalement accouché d’un goth FM. Habillé d’une pochette sombre mais esthétique, « The Open Door » en deviendra probablement un des albums de référence. Préparons nous à un matraquage médiatique. Mais finalement, c’est quand même beaucoup plus sympa de se réveiller au son de la voix sensuelle de Miss Lee que d’enfiler ses pantoufles en écoutant Patrick Bruel, non ?
En écoutant pour la première fois cet album, on pense immédiatement à Interpol et aux Editors. Encore qu’en y réfléchissant un peu, les nuances sont beaucoup plus subtiles qu’il n’y paraît. Tout d’abord, Heavens n’est pas un groupe, mais un projet monté par un duo. C'est-à-dire Matt Skiba, le chanteur/guitariste d’Alkaline Trio et Joe Steinbrick le bassiste de F-Minus. Un tandem qui s’est, pour la circonstance, largement nourri d’électronique (boîtes à rythmes, samplers, programmations et tutti quanti). Et il faut être extrêmement perspicace pour s’en rendre compte. N’empêche, le résultat est plutôt à la hauteur, Heavens nous replongeant carrément en pleine cold wave. On se croirait même revenu au début des eighties. Les mélodies sont belles, empreintes d’une grande sensibilité. Le climat ténébreux. Des références ? The Sound (« Counting », « Doves »), Sisters Of Mercy, mais sans la voix caverneuse d’Eldritch (le titre maître), Tubeway Army (l’hypnotique « True hate ») et même Sad Lovers & Giants (le douloureux et superbe « Leave »). Faut dire que le timbre vocal de Matt campe un hybride entre celui de Garce et de Phil Oakey (Human League). Le disque recèle l’une ou l’autre compo plus pop. Notamment « Watching you », très proche d’un Depeche Mode et puis « Dead end girl », morceau qui aurait pu figurer dans le répertoire de Coldplay (NDR : Non, ce n’est pas Jon Buckland qui joue de la guitare). Et puis on en arrive aux lyrics. Et là franchement, on entre dans le sinistre, pour ne pas dire le morbide. « Another night » constituant le sommet de l’horreur. A vous glacer le sang !
Ouille ! Il s’est passé quelque chose d’étrange : le nouvel album de Miossec n’est plus illustré d’une photo de son géniteur. A l’origine de ce bouleversement, une peinture, signée Paul Bloas, venant immortaliser le portrait de Christophe Miossec. Les couleurs, éclatantes, ornant la pochette semblent d’ailleurs augurer d’un contenu joyeux. Mais ce serait oublier que nous sommes chez Miossec, chantre d’un univers ouvertement mélancolique. Pourtant, d’entrée de jeu, la surprise est au rendez-vous : « Palapa, pa palapa… ». Une mélodie immédiate, un refrain à chanter en chœurs, « La facture d’électricité » réaffirme l’obsession maladive de Miossec pour ces impossibles relations amoureuses. Si le morceau donne l’impression d’avoir été gratouillé en cinq minutes, il confère une spontanéité d’ensemble à son sixième album. Miossec livre ici un hymne mélancolique joyeux, populaire. Les élitistes ingrats lui reprocheront sans doute de trop fricoter avec Cali. Mais tant pis pour eux. Ou plutôt tant mieux… Oui, nous, on s’amuse bien en compagnie de ce nouveau Miossec. Les blasés peuvent crier, aucune critique n’altérera la verve naturelle du Brestois.
Sentimental, Miossec dédie même une chanson à sa « Maman ». Tel un enfant perdu dans un corps d’adulte, il confesse ses grosses bêtises, espérant l’indulgence maternelle. Plus loin, il passe la trentaine au crible. Dans « 30 ans », il se montre critique à l’égard de cette période de sa vie, manifestement pénible. Tendance pop illuminée, toujours affligée, « Mes crimes : le châtiment » et « Quand je fais la chose » s’inscrivent dans la plus pure tradition de son répertoire. Entendez : pas un grand chanteur mais un excellent conteur. La belle « Etreinte » de Miossec se passe, comme toujours, entre un homme et une femme. Et nous, on éprouve énormément de plaisir à observer ce couple. Comme des voyeurs, on s’immisce au cœur de cette relation qui ne nous appartient pas. Vivre « L’étreinte » par procuration : la luxure du moment !
Intitulé « Shrines », le premier album de ce quatuor bruxellois est donc paru le 5 octobre dernier. Né en 2001, le combo s’est tout d’abord produit sous le patronyme de Tous les dimanches, avant d’opter pour Minerale. Et il faut reconnaître qu’il s´est rapidement révélé d´un intérêt particulier. En effet, quatre prix leur ont été décernés lors du Festival Verdur Rock 2004. La même année, ils ont terminé deuxième du Concours-circuit. Il faut dire que la musique de Minerale frappe par son originalité et sa qualité. Le groupe pratique une pop indie captivante, apaisante, planante, agréable, inspirée - suivant la bio - par Pink Floyd et Pavement. Dès le premier morceau de « Shrines » (« In the water ») nous baignons au sein d’un univers envoûtant, charme exercé jusqu´à la dernière note de l´album. Lors de cette immersion, nous rencontrons des titres très dynamiques (« Millionaire », « Touchy Touchy »), empruntant des airs de Phoenix. Nous nous berçons également au gré de quelques ballades à la guitare dépouillée (« Tick Time », « Eyes eyes »). L´album se clôture en beauté, par le magistral « Ignore me », morceau qui renferme toute la richesse et le génie de Minerale. Les sons qui ponctuent les mélodies et le timbre du chanteur (Jacques Moyersoen) ne font que contribuer à cette atmosphère psychédélique, qui évoque parfois Archive. L´excellence de « Shrines » promet en tout cas un bel avenir au groupe. D´ailleurs, les deux premiers titres extraits de « Shrines » (« Eyes Eyes » et « Millionaire ») ont tour à tour été ‘Fresh’ sur Pure fm. Et le concert qu´ils ont donné en compagnie de The Tellers ce 20 octobre à l´AB était sold out. Une vraie révélation, à écouter d’urgence. Et si voulez en savoir davantage, je vous invite à prendre connaissance de l’interview que la formation a bien voulu accorder à Musiczine…
La bande à Jonathan Donahue a été invitée à réaliser la B.O. du premier long métrage de Robinson Savary, « Bye bye blackbird ». Pour Mercury Rev, c’est également la première expérience dans le domaine de la musique de film. Photographe pour Rock and Folk et responsable de trois courts métrages entre 88 et 95, Robinson est avant tout le fils du grand homme de théâtre, Jérôme Savary. « Bye bye blackbird » raconte l’histoire tragique vécue par une famille de cirque…
Partagé en 19 plages et deux clips vidéo, « Hello blackbird » est essentiellement constitué de plages instrumentales. Un univers sonore partagé entre musique contemporaine, symphonique et ambient. Exclusivement destiné aux inconditionnels du Rev voire à ceux qui tomberaient sous le charme du film, ce disque ne recèle manifestement rien de bien transcendant. Evidemment lors de cet exercice de style, le son sans l’image suscite rarement l’enthousiasme…
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