Deux humains, deux guitares, une kyrielle de possibilités. Voici résumé le programme prôné par Ecstatic Sunshine. Originaires de Baltimore, dans le Maryland, ce duo américain opère l’improbable rencontre entre la technique de John Fahey et les déflagrations sonores de Mogwai. Agrippés à leurs six cordes tels des koalas cramponnés à un morceau de bambou, Matthew Papich et Dustin Wong se livrent un combat de tous les instants. Fender contre Fender. Cette bataille instrumentale débouche sur une musique hystérique, foutrement nerveuse. Les douze titres de « Freckle Wars » adoptent un schéma simple, bruitiste. Dans un premier temps, les guitares entament les hostilités à l’eau claire. Quelques arpèges viennent ainsi nous chatouiller les tympans. Trente secondes plus tard, l’embardée approche. Comme déchirées au LSD, les guitares écrasent le champignon. Toujours plus rapides, elles laissent échapper des distorsions délirantes. On frôle souvent le bad trip. Mais jamais trop longues, les chansons évitent habilement l’overdose. En compagnie d’Ecstatic Sunshine, nous célébrons une version punk de John Fahey. Et les effets de cette musique sont dévastateurs. La bouille hallucinée du chat posté sur la couverture du disque en atteste.
De son véritable nom Reneveyn Vincent Eyr est auteur-compositeur-interprète. Originaire de Bretagne il est influencé par divers courants musicaux (métal, gospel, soul, rock…). Après avoir commis un premier album en 2004 (« Alter ego »), un disque accueilli très favorablement par la critique, il nous propose « Duo acoustique ». Comme son titre l´indique, ce cd est constitué de compos jouées uniquement par deux guitares sèches. Des plages enrichies par la riche et agréable voix de l´artiste. Les mélodies des quatre titres proposés sont essentiellement sculptées dans le folk, même si elles nous emmènent parfois vers des rivages orientaux (comme dans « Tchao »). Les thèmes abordés sont aussi différents qu´intéressants : la tolérance (« Bizarre »), la rupture (« Tchao »), l´hypocrisie des dirigeants politiques (« Messie ») et l´absurdité du train-train quotidien (« Vide »). Un elpee haut en couleurs donc, à la rythmique nuancée et à l´écriture soignée. Et si vous avez envie de vous remuer et de chanter, je vous invite à vous plonger au sein du très bel univers sonore de Vincent Eyr…
Il était une fois, dans le lointain et merveilleux pays du R’n’B, une jeune princesse nommée Janet. La fillette, petite dernière d’une lignée de 9 rejetons, rêvait en secret d’une vie de star où, comme ses frères, elle crèverait l’écran et ferait crépiter les flashs. Mais il n’est point aisé de briller dans pareille famille. Chez les Jackson, on court vers les feux de la rampe avant même d’apprendre à marcher, et la pauvre Janet peine à décoller. Ses deux premiers albums passent à la trappe, elle est la risée de tout le royaume, mais elle s’accroche… Son destin sera fait de strass et de paillettes ou ne sera pas !
L’année 1986 marque l’envol de sa carrière avec `Control´, troisième essai finalement concluant. Le rêve de notre petite princesse devient réalité et la voilà catapultée au devant de la scène ! La belle enfant, naïve et innocente, avance en sautillant sur le chemin de la gloire. Elle fredonne « When I think of you », ses yeux pétillent, elle est heureuse et bientôt riche… Son succès la porte vers un second album (« Rhythm Nation 1814 » en 1989), puis un troisième (« Janet » en 1993). Les tubes s’enchaînent et squattent les hauteurs du Top 50 : « Miss You Much », « Love Will Never Do (Without You) », « That's The Way Love Goes », « If » et le fameux « Together Again »… La petite Janet Jackson a réussi ! La princesse est désormais sexy voire sulfureuse. Elle est devenue reine.
Mais le bonheur est éphémère et le succès difficile à apprivoiser. « The Velvet rope », son quatrième opus, est accueilli avec moins d’enthousiasme, tout comme les suivants d’ailleurs. Les singles « Whoops now » et « Got 'til it's gone », bien qu’assez sympathiques, n’y changeront rien… Janet n’a plus la cote. Au pays du R’n’B, la nouvelle se répand en un souffle et les prétendantes au trône de la diva déchue ne tardent pas à se presser au portillon. Parmi les plus remontées on trouve, entre autres, Britney et Christina, la fée Beyoncé et ses Destiny’s Child, la bombe Jennifer Lopez, ou encore Diam’s (euh…) ! L’affrontement est inévitable… Les deux blondasses se ruent sur la coiffe de Janet et lui arrachent ses extensions ! Au même moment, J-Lo surgit derrière elle et lui assène deux claques sur le haut de l’oreille. La cadette des Jackson a beau se démener, les petites nouvelles sont trop nombreuses et elles en veulent. Elle signe « All for You » puis « Damita Jo » mais rien n’y fait, la raclée continue. Sans crier garde, Beyoncé assoit son ‘bootylicious’ sur la tête de Janet, les Pussycats Dolls la ruent de coups et Rihanna, dernière venue sur le marché, lui griffe les implants. Notre héroïne n’en peut plus, sa vie lui échappe, elle est méconnaissable… Son sein droit en vient même à faire une tentative de suicide, en direct à la télévision et en plein Superbowl ! Dans un dernier soupir, elle sort un « 20 Y.O. » insipide. Même Nelly, venu l’aider sur le single "Call On Me", se fait rosser par les furies du R’n’B et ressort la joue égratignée. La légende raconte que cette dernière phrase de Diam’s a été fatale à Janet : ‘Rien que tu ris, rien que tu teases, rien qu'tu te prends pour Alicia Keys…’ Sale temps pour les princesses !!!
L’electroclash est mort. Place au revival Big Beat. Et bordel, ça décrasse ! Si t’as toujours voulu organiser une rave party dans ton salon ou dans ta chambre à coucher, « Something Came Up » est l’accessoire idéal pour faire trembler les murs ! Croisement parfait entre un Leftfield déjanté et un Prodigy au plus haut de sa forme, Josh Gosling alias Mekon et ses invités (et non des moindres) balancent une suite de beats bourrus à souhait qui n’ont absolument plus rien à voir avec le hip hop de « Relax With Mekon » (2000). La respiration haletante de Philipa Horan, ouvrant les hostilités sur « Boy Bitten » annonce la couleur : il va falloir retenir votre souffle, les amis.
Bobby Gillespie et Alan Vega rejoignent ensuite le DJ pour un « Blood On The Moon » schizophrénique avant de laisser place au gros dossier de ce recueil. « Yes Yes Y’all », mené au fouet par Roxanne Shante (déjà présente il y a six ans sur l’indémodable single « What’s Going On ? »), est tout simplement un condensé d’énergie pure, une orgie de sons bruts. Sa basse hallucinatoire ferait passer la plus psychotrope des pilules pour un tic-tac. Que ce soit seul (« G.S.E. », « Show Mercy ») ou en compagnie d’invités de marque (Marc Almond sur le bien nommé « Delirious »), qu’il fasse dans le neuf ou dans le recyclage (« D-Funktional », collaboration entre l’artiste et Afrika Bambaataa datant de 2004), Mekon maîtrise avec génie un genre trop longtemps laissé pour compte. Se clôturant par un étonnant et décalé « K.Blues » aux limites du country blues, « Something Came Up » s’inscrit certainement comme la chose la plus intéressante, voire la seule chose, qui soit arrivé au Big Beat depuis « Fat Of The Land » et « Dig Your Own Hole ». Fatboy Slim, The Chemical Brothers ou encore Prodigy peuvent tranquillement aller se rhabiller.
Pour Drew Daniel et M.C . Schmidt, musique = politique. Depuis leurs débuts, ces deux agitateurs sonores n’ont jamais cessé d’interroger la société en usant de la musique comme vecteur intellectuel, historique, physique. « The Rose… » se veut une série de portraits en hommage à quelques-uns de leurs idoles, de Ludwig Wittgenstein au Roi Ludwig II de Bavière. Pour arriver à leurs fins postmodernes, Daniel et Schmidt ont rassemblé des objets de la vie de ces personnalités pour en extraire la sève musicale. Une sorte de grand raout à base de sampling, de bruitages divers et de ‘mickeymousing’, dont la méthode interpelle davantage que le résultat. « Roses And Teeth For Ludwig Wittgenstein » se construit ainsi sur base d’une phrase déclamée extraite d’un livre du penseur, selon laquelle une ‘rose aurait des dents’. On y entend la phrase, sur un lit de samples de roses et de dents manipulées par le duo. « Steam And Sequins For Larry Levan » se révèle le morceau le plus dansant du lot, à la Metro Area. Rien de plus normal, puisque Larry Levan est une figure légendaire du disco, l’un des premiers DJ’s en tant que tel. La structure rythmique de « Tract For Valerie Solanas » repose sur des bruits de ciseaux, de couteaux, de vagins en plastique et d’utérus de vache. Pour rappel, Solanas voulait ‘détruire le sexe masculin’ (c’est répété dans le morceau), d’où l’utérus de vache : quand tu souffles dedans à pleine bouche ça fait un son bizarre, ici catalogué. CQFD. L’hommage à James Bidgood (le réalisateur de « Pink Narcissus », film gay culte) est construit à partir de piano, de cordes (de l’American Contemporary Music Ensemble) et du bruit amplifié du sperme de Daniel qui tombe sur une feuille. C’est Antony (d’Antony & the Johnsons) qui chante. « Snails And Lasers For Patricia Highsmith » ? Des escargots traversent un tube de glace, transpercé par des lasers connectés à un theremin. Quand la bête entre en contact avec le laser, il enclenche le theremin. L’auteur adorait les escargots, et si le morceau évoque du ‘jazz noir’ (dixit Matmos), c’est évidemment parce que Highsmith écrivait des polars. « Germs Burn For Darby Crash » se base sur des bruits de brûlures : celles de cigarettes, sur le bras de Daniel. C’est Don Bolles, l’ancien batteur des Germs, qui le torture. Un bel hommage à ce jeune punk de Darby, mort à 20 ans d’une overdose volontaire. « Solo Buttons For Joe Meek » mixe cordes sépulcrales (du Kronos Quartet) et surf music, tandis que « Rag For William S. Burroughs » rappelle la transe des Jajouka (et donc ses voyages africains). Détail amusant : le morceau commence comme un ragtime (piano et bruits de machine à écrire), avant d’être interrompu par un coup de revolver et de virer tribal. Ce coup de revolver renvoie sans doute au morceau qui le précède, puisque Joe Meek s’est suicidé en 67 en se tirant une balle dans la tête… Elémentaire, mon cher Watson ! Dommage que Matmos ne soit pas fan de Sherlock Holmes (pourtant gay refoulé) : avec des pipes (sic), un manteau de tweed et quelques sachets d’Earl Grey, ils auraient pu signer un tube.
Shara Worden se cache derrière My Brigtest Diamond. Le diamant véhicule ses nombreuses représentations : brillance, intensité, richesse et consistance. De tous temps, ces attributs ont fait rêver les femmes et débourser les hommes. Certes. Mais qu’en est-il de la pierre précieuse proposée par Shara Worden ? Sur « Bring Me The Workhorse », son premier album, la jeune femme se pose à la croisée du rock et de la musique classique. Sa section rythmique, très rock, la pousse à hausser le ton. Puissante, parfois criarde, sa voix évoque l’emphase de Jeff Buckley, la théâtralité d’Amanda Palmer (The Dresden Dolls). Au final, son goût immodéré pour le dramatisme d’opérette la rapproche davantage d’Anthony And The Johnsons que de CocoRosie. Accompagnée d’un véritable orchestre (violon, violoncelle, contrebasse, flûte, guitare, batterie, etc.) Shara met en lumière une impressionnante palette d’émotions, trop souvent poussée à l’extrême. Certaines chansons véhiculent ainsi une mélancolie colérique captivante (« Golden Star »). D’autres, au contraire, ressemblent à des comptines chantées pour un Walt Disney halluciné (« Disappear »). Bref, même si les diamants sont éternels, My Brightest Diamond ne nous laissera pas un souvenir impérissable.
Le Belgistan est un pays où il fait bon vire, sorte de village de Schtroumpfs où les petits hommes bleus seraient remplacés par des petits hommes belges. Un pays qui aime la fête et la tradition, les fanfares et les trublions. Un pays plat dont la religion est essentiellement sonore et promet monts et merveilles à quiconque s’y aventure en espérant être surpris. Le Belgistan, c’est aussi un ensemble de musiciens à l’humeur noire, jaune ou rouge (selon la saison) qui, par un beau matin, a séduit les oreilles d’un dénommé Néry, enfant de tout pays et parolier vagabond. La rencontre a été intense. Le vœu de convoler en justes noces était sincère. Inévitablement, ils se sont mariés et ont eu un enfant qu’ils ont appelé… « Belgistan ». Dans leur jolie maison, ils ont installé une trompette, une guimbarde, un harmonica ou un saxophone, autant d’objets fascinants qui n’allaient servir qu’une seule cause : décorer la hargne poétique de monsieur Néry. Il ne restait plus qu’à celui-ci à lâcher ses mots touchants et à murmurer ses impressions sur ce temps qu’on ne rattrape jamais, ‘à la dérive, aux lois des foules’. Vu de l’extérieur, leur petit univers ressemblait tantôt à celui de Daniel Hélin, tantôt à celui de Thomas Fersen. Mais il fallait regarder un peu plus loin et observer la liste des invités pour enfin tout comprendre. Car pour rendre le lieu aussi agréable qu’incontournable, ils avaient invité Mathieu Chédid et Olivia Ruiz à leur table. Ensemble, ils se sont mis à refaire le monde. Un monde où les hirondelles font le printemps, l’été, l’hiver et l’automne, improvisant leur voyage et leurs naufrages. Néry et le Belgistan ont décidé qu’ils étaient faits l’un pour l’autre et ont fini leurs jours ‘comme des amants banals’...
Oxmo Puccino sur Blue Note : de quoi mettre l’eau à la bouche. Pour ceux qui ne sont pas coutumiers du Black Mafioso, sachez que le sieur Puccino est une des plus fines lames du rap français. Je sais, l’expression ‘rap français’ peut faire fuir. Jetez une oreille attentive à « Opéra Puccino », son premier album, et vous verrez que Fun Radio n’a rien compris à rien. Que les choses soient bien claires : nous parlons ici d’un véritable parolier, au timbre de voix servant une histoire de gangsters que ne renierait pas Guy Ritchie (celui de « Arnaques, Crimes et Botanique », la bonne période, et non pas la suivante…)
Surtout, le président du Club des Black Millionnaires, ex-fer de lance de la mythique écurie Time Bomb. Il a le don de la narration. Embarquement immédiat pour le « Lipopette Bar », un bouge douteux où se croisent différents personnages hauts en couleurs. Oxmo nous conte les mésaventures de Tito, Pile Ali, Billie, Yago, Barbie, Tookie et bien d’autres, accompagné de main de maître par les Jazzbastards, Aristochats des temps modernes. Ca sent les volutes de cigares et les vapeurs de whisky, le tripot et les magouilles. Le Lipopette Bar, c’est un peu le repère de Rattigan, en plus dangereux. Ca tire dans tous les sens, ça parie gros. Ca s’embrouille et ça trahit. Puis tout à coup, le cd s’arrête, je reviens à la réalité. Sur un coup de poker, Oxmo et les Jazzbastards ont raflé la mise. Coup de bluff ? Détrompez-vous, tout a été savamment calculé. Et ils n’ont même pas payé leurs consommations.
Trois ans après la sortie de son premier elpee (« We are ready »), Showstar nous propose « . » (NDR : prononcez ‘dot’ !). Le groupe hutois, dont le line up s’est modifié, a donc pris son temps pour la conception de cet album, enregistré en partie à Bruxelles, en partie à Londres. Et le résultat est à la hauteur ! Les dix morceaux proposés révèlent un travail de finesse et de précision. La pop-rock anglo-saxonne rythmée, à laquelle nous a habitué le groupe, avec les guitares érigées en leaders, est toujours présente (« Mad on your sister », premier extrait de « . », largement diffusé sur Pure Fm, en est un bel exemple). Mais la formation est également parvenue à se renouveler, en composant des titres plus paisibles, baignant au sein d’une atmosphère plus particulière. A l’instar de « Day by day », « Special Gun » ou « Dan », proches de certains morceaux des Smashing Pumpkins. D´ailleurs, le timbre de Christophe Danthinne, chanteur et leader de Showstar évoque souvent celui de Billy Corgan ; et de temps à autre celui de Liam Gallagher. Ce subtil mélange entre l´ancien et le nouveau Showstar fait de «. » une véritable réussite.
Il faut dire que le groupe a bénéficié d´un budget plus conséquent que lors de la confection de son premier opus. Une situation qui lui a permis de travailler aux côtés de Gareth Parton, producteur dont la carte de visite mentionne la mise en forme d’œuvres, entre autres, de The Pipettes, The Killers, Placebo… L’aspect visuel également s’est métamorphosé. Le nouveau logo du groupe, affiché sur la pochette, est le fruit de leur collaboration avec Charlotte Beaudry, artiste hutoise elle aussi, dont les œuvres illustrent le livret du cd. Les thèmes abordés par le groupe sont divers, oscillant entre humour (« Get drunk »), nostalgie (« Stereo songs », « Day by day », « Dan ») et amertume (« Monster=you », « Special gun »). Reste à voir comment Showstar adaptera « . » à la scène. L´album laisse en tout cas présager le meilleur…
A chaque sortie ‘In The Red’, c’est inévitablement l’affolement, le souffle haletant, le palpitant qui s’emballe. Bref, une nouvelle naissance messianique. Cette frénésie peu commune est certainement due au glorieux passé de la maison qui affiche au palmarès les très cultes Black Top (Mick Collins ex-Gories), Dirtbombs (oh tiens, Mick Collins) et autres Pussy Galore (John Spencer’s first blues explosion). Sans parler des plus jeunes Hunches, au son plus crade que les chiottes de Trainspotting. Nouvelles recrues, les Submarine Races sortent la tête hors de l’eau et pointent leur périscope droit sur nous. Porté par le guitariste Ian Adams, qui a, toute une époque, officié chez les très chouettes Ponys (In The Red off course), notre trio de sous-mariniers en goguette se la joue arty-pop, tendance très en vogue ces jours-ci. Revisitant de leur propre aveu, le catalogue complet des Easybeats, agrémenté ajoutera-t-on, d’une pincée de désinvolture à la Modern Lovers. Hélas, si la formule sied aux tympans le temps de quelques mesures, force est de constater que la lassitude l’emporte bien vite. On aurait préféré plus de hargne, de fulgurance, et somme toute plus d’efficacité. Déception donc, un peu comme quand on nous promet un coup d’enfer et que l’on rentre la queue entre les jambes, les bourses trop lourdes. Allez, la prochaine sera plus entreprenante.
Ils ne sont que deux (Andrew Derek Ross Abbott à la guitare et James Richard Islip aux fûts, ‘sans toms’), et ils aiment faire du boucan. Parmi leurs fans on compte Andy Cairns de Therapy ?, groupe irlandais qui pour rappel sort toujours de bons disques (« Suicide Pact, You First », par exemple, auquel on pense d’ailleurs à l’écoute du cinquième morceau de cet album coriace, « The Freedom of Music »). Et U2, alors ? Ils ne sont pas oubliés : c’est marqué dans le titre. Spéciale dédicace donc à ce ‘nain qui brame’ de Bono, jamais avare en bonnes paroles humanitaires. Les Fucking Tank se foutent bien, quant à eux, de l’avenir incertain de notre planète, ils préfèrent écorcher nos tympans en envoyant la sauce. Son goût : du proto-metal instrumental qui rappelle The Invisible Frog et Lightning Bolt. Normal, c’est le même genre de plan : deux types qui jouent à même le sol au milieu d’une foule en délire, en tabassant bien fort leurs cordes et leurs peaux de bêtes. « Simply the Beast » ? C’est eux qui le disent, et l’on acquiesce comme de bons vieux headbangers en mal de sensations fortes. Certes, « The Day of Death… » n’arrive pas à la cheville du dernier Lightning Bolt (« Hypermagic Mountain », une tuerie), mais il vaut bien quelques torticolis. Selon les Fucking Tank eux-mêmes, leur musique sonne comme ‘le « War » de Satriani, mais sans aucun solo’. Ne reste plus qu’à baisser l’annulaire et le majeur, et de gueuler : ‘Lands & body, go wiiiild !!!’, en signe de soumission.
Triosk est né en 2001. Cette formation australienne (un trio, tiens) tente vaillamment de subvertir les genres (ici le jazz et l’électro) en frictionnant vigoureusement sa colonne vertébrale. En médecine on parlerait de scoliose, ici d’expérimentation, voire d’improvisation, mais ça ne fait ni mal au dos, ni aux oreilles. Adrian Klumpkes (piano, synthés, samplers), Laurence Pike (batterie, percus) et Ban Waples (basse) n’ont donc pas peur d’envoyer valdinguer toute bienséance en matière de jeu (de chaises) musical(es) : ce n’est ni du jazz à papa, ni de la musique électronique, mais les deux à la fois (et plutôt deux fois qu’une). Après « Moment Returns » et « 1+3+1 » (NDR : Jan Jelinek y participait), leur troisième album marque une nouvelle avancée en termes de fusion électro-acoustique, et surtout de production. « The Headlight Serenade » creuse le vocabulaire imaginé par le groupe depuis sa formation : la batterie, la basse, le piano et les beats convolent joyeusement en noces, sans se tirer la couverture au moment de l’orgasme. Comme dans tous bons préliminaires les Australiens prennent d’abord leur temps pour installer l’ambiance, épinglant comme premier climax ce « Lazyboat » rêveur, à la texture idoine (cfr. Fennesz, Radian). Peu à peu les circonvolutions sonores prennent davantage d’ampleur, jusqu’au final épileptique de « Moment Returns » et de « Fear Survivor », qui porte bien son titre. La dynamique toute en boucles de Triosk laisse augurer un avenir serein pour les musiques dites ‘en marge’ : perdue au milieu de ces breaks rageurs et de ces notes suspendues (Keith Jarrett vs. Fridge ?), l’oreille se dilate et frétille à l’idée d’être ainsi malmenée. Pour rester aux abois, il faut de la tension. Et ce disque en regorge, de la plus belle manière.
Il est des musiques qui vous envahissent, vous imprègnent de leur atmosphère. C’est le cas de ce dernier album de Transmissionary Six. Mais gare ! Car en l’occurrence, il s’agit d’une atmosphère plutôt sombre, voire glauque parfois. Le premier titre (« In spades ») nous plonge dans des ténèbres comparables à ceux d’un David Lynch. Il faut dire que les rythmes soutenus conjugués à la voix grave de Terri Moeller (batteuse des Walkabouts) y sont pour beaucoup. A peine a-t-on eu le temps de se remettre que l’envoûtant « Broker » nous précipite à nouveau dans la nuit profonde, sur une route déserte qui ne serait éclairée que très partiellement par une faible lueur de phares. Si « Radar » offre également des chansons aux mélodies moins sombres (« Transmission line », « When Rowan and Martin saved the day » ou encore « Top of your lungs »), les textes nous ramènent rapidement à la noirceur des premiers instants : « The world’s gonna spin while you watch to the crack of a hollow door with a flame to your ass. » (“Top of your lungs”) Pour clore l’album, un “Bye Bye Blackbird” s’éteint sur près de deux minutes, entre distorsion et émotion. La nuit sera longue, de celles qui n’en finissent pas. Au grand bonheur des insomniaques.
Quintette japonais réunissant un graphiste, un webmaster, un ingénieur du son et (évidemment) des musiciens, Ultra Brain a imaginé le renouvellement du concept ‘punk rock’ en surpassant les clichés propres au genre. Vaste programme né dans l’esprit de Akihiro Namba, ancien leader de Hi-Standard, combo punk fort respecté au pays du Soleil Levant. La musique dispensée ici hésite entre collages électro-lounge un peu convenus (« Monkiki », « Bouncing Betty »), cavalcades électro-punks peuplées de chœurs destinés aux stades de foot (« Ghost Busterz », « Ants Are Walking On My Sunglasses », « Ninja Night School », « Vis ») et autres moments plus dancefloor réminiscents de l’Electro Body Music cher à Nitzer Ebb et consorts. Un regret : la quasi absence de bons morceaux et des sonorités fortement datées qui imitent (mal) le hip hop du début des années nonante (dans le style du premier album de De La Soul). En bref : à éviter.
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