‘Ils n’ont peur de personne et ils vont vous botter le cul’ : un sacré titre d’album (le douzième), qui prêterait à sourire si le trio d’Hoboken ne venait pas de pondre un des disques de l’année, peut-être leur meilleur. 78 minutes, 15 morceaux, rien à jeter : à l’heure de la culture-kleenex un tel constat ne peut qu’imposer le respect, surtout quand on sait qu’Ira Kaplan, Georgia Hubley et James McNew ne sont pas nés de la dernière pluie. Il y a vingt ans que ça dure, et voilà qu’ils signent un disque d’une qualité, et d’une variété (NDR : !) exceptionnelles. Tout le spectre pop-rock y est passé en revue, comme si l’on assistait en direct à une leçon de musique, sans les clichés et les rodomontades trop souvent en vigueur. « Pass the Hatchet, I Think I’m Goodkind » inaugure le disque en misant sur le psychédélisme : gros son, voix calcinée, schéma répétitif. On se rappelle alors que le trio s’est amusé par le passé à reprendre du Sun Ra, et là tout devient limpide. Par contraste, « Beanbag Chair » louvoie du côté pur de la pop sautillante : rondouillards, les cuivres jouent à saute-mouton avec la basse, pour le coup bien mutine. On dirait du Ben Folds Five sans le côté collège : une pop-song comme on en rêve la nuit, et c’est pareil pour le titre suivant, « I Feel Like Going Home ». Georgia s’y réserve le chant. On my mind ? On lui dédicacerait nos nuits, et tout le reste, mais déjà le soleil pointe ses dards, ça groove (« Mr. Tough », soul à mort), c’est l’extase kinksienne (« Black Flowers »). Après le vaporeux « The Race Is On Again » (« For the Prize » ?), le Rhodes se chamaille aux percus, pour un trip sous acide entre Stereolab et les Silver Apples (« The Room Got Heavy »). « Sometimes I Don’t Get You » est une autre pop-song parfaite (ce falsetto rieur !), avant l’instru « Daphnia », une ode bucolique qui sonne comme du Rothko joué par Virginia Astley. Aaaargh ! Pas la peine de vous frotter les oreilles en signe d’hébétude : oui, ce disque est un sans-faute. Du garage-rock qui trépigne, du rock’n’roll à la Trashmen ? « I Should Have Known Better » et « Watch Out for Me Ronnie », jouissifs. A la fin, Yo La Tengo boucle la boucle, retourne au kosmische rock (« The Story of Yo La Tango ») et nous envoie pour de bon en orbite. Maximum bamboule !
Les 22 et 23 septembre derniers, Bruxelles a accueilli la Fête de la Communauté française au sein de ses lieux culturels phares tels que le Botanique, la Raffinerie, les Halles de Schaerbeek, etc. ; mais également sur l´esplanade de la Cité administrative pour la grande soirée de clôture. Le but de cette initiative, née en 1981, est de mettre à l´honneur le talent de divers groupes issus de la Communauté française. La « Compil de la Fête 2006 » propose donc une sélection de onze titres d´artistes qui se sont produits sur ces différentes scènes durant ces deux jours. Parmi ceux-ci figurent les ‘grosses’ révélations belges de 2006, à l´instar d´Eté 67, Malibu Stacy, Montevideo, Saule ou plus récemment, The Tellers. Des morceaux de groupes plus expérimentés tels que Venus, My Little Cheap Dictaphone, ou encore Showstar sont également inclus. Beaucoup de pop/rock donc, sur ce cd. Mais pas uniquement. On y retrouve également du rap (Akro), de la chanson française (Samir Barris) et de la musique du monde (Hallo Kosmo). Une compile sympathique qui se révèle donc comme un présentoir de ce qui se fait de mieux côté musique, en Wallonie, pour le moment. Un catalogue de talents dont notre Communauté peut être manifestement fier !
Projet solo d’un songwriter au nom imprononçable, The Fine Arts Showcase livre un second et brillant cocktail pop. Sorti en février dernier dans sa Suède natale, « Radiola » déploie sur le reste de l’Europe une armada de compositions agréablement courtes (rarement plus de trois minutes) et incroyablement efficaces. Certainement marqué par la discothèque de ses parents, Gustaf Kjellvander ravive le souvenir d’une époque où les Byrds (« Or So I’ve Hyrd ») et, plus tard, Jesus & Mary Chain (« The Shoplifter’s Union », « The Voice Of Goldstein ») régnaient sur les ondes. Ne se limitant pas uniquement à quelques sempiternelles nostalgies, le suédois jongle avec le temps, lorgnant parfois du côté plus contemporain des Flaming Lips ou des abonnés absents Neutral Milk Hotel (« Frida & I », « Don’t Worry », « Danish Light »). Si d’aucuns affirmeront que Gustaf et son Fine Arts Showcase surfent sur une vague déjà surencombrée, ils ont toutefois l’indéniable et grand mérite d’arborer une certaine classe. Ici, ni promesses vaines, ni la moindre prétention. « Radiola » survole avec intelligence les clichés de la scène pop-rock sans tomber dans l’irritant mimétisme gangrenant un genre qui s’essouffle. S’il ne faut voter que pour un seul disque pop cet automne, votez intelligemment. Votez The Fine Arts Showcase.
Les beaux jours des omnipotents Soulwax et de leur Nite Versions touchent à leur fin. L’heure de la relève a sonné. Le long fleuve tranquille de la scène electro-rock belge risque bien de connaître une des plus grandes perturbations de son histoire : l’ouragan Goose. Après avoir participé à l’Humo Rock Rally et sorti un ou deux EPs, Mick, Dave, Bert et Tom délivrent un condensé de tubes dévastateurs à faire pâlir de jalousie les Dewaele Brothers. Sur leur dernière plaque, The Rapture se plaignent : 'People don’t dance no more…'. C’est sans compter sur l’efficacité de ce quatuor. Ouvrant les festivités par les bidouillages numériques de « Black Gloves », « Bring it On » ne lâche pas la vapeur une seule seconde. De « British Mode » et son obsédante ligne de basse au rassérénant « Safari Beach », Goose enchaîne des beats infectieux qui feront sans aucun doute le bonheur de tout Dj’s qui se respecte. On pourrait cependant leur reprocher d’avoir entaché leur petite merveille en y apposant l’inutile « Audience » (leur tout premier single) en bonus mais, au vu de la qualité de l’ensemble, ce serait se lancer dans des jérémiades pour pas grand-chose. Bien à l’abri au sein du label anglais Skint Records qui avait bien besoin d’être secoué, Goose s’annonce comme la grande révélation belge de cette fin d’année.
Après deux albums appris sur le bout des doigts par ton père, ta mère, tes frères et tes sœurs, ho ho, Cali fait le bonheur de ses admirateurs. Et de ses nombreuses admiratrices. Cali, c’est le gars sympa par excellence. Impossible de lui en vouloir. Certes, les plus hargneux pointeront jalousement du doigt son cortège de midinettes en rut. Mais un type qui mouille sa chemise de cette façon, sans peur de trop plaire ou de déplaire, ne peut être soupçonné de cupides intentions. Alors voilà, le succès aidant, le Catalan publie « Le bordel magnifique », concert enregistré au Zénith de Lille le 18 mai dernier. Tous les tubes de Cali s’enchaînent dans le joie et l’allégresse (« Je m’en vais », « Menteur », « Dolorosa », « Elle m’a dit », etc.). La prise de son est impeccable et l’homme se présente à la scène comme un poisson dans l’eau. On regrettera cependant les séquences karaokés balancées ici et là. « C’est quand le bonheur ? ». Ouais, et ‘c’est quand il veut pour chanter’... Le public présent ce soir-là aimait à chanter avant son idole. Tout l’art de la Cal(l)igraphie est ainsi résumé. Pour le reste, les fans adoreront la démarche de leur chouchou. Même ma mère en raffole. D’ailleurs, hier, elle m’a dit : lalala lalala lalalala lala.
Deuxième album solo et pourtant, Kip Boardman demeure un relatif inconnu, abstraction faite d´un certain succès en Scandinavie. Sa pop douce-amère est bien douce à l’oreille. La musique de l´ami Kip est un melting pot d´influences bigarrées, parsemées de touches countrysantes jamais lourdingues, et peut s’avérer surprenante, comme en témoigne la reprise du « Dirty Work » de Steely Dan ou l’étrange « Spin Me Around ». Ce dernier morceau a reçu le concours de Van Dyke Parks, arrangeur réputé pour son travail en compagnie de Brian Wilson – avec ou sans les Beach Boys – et Rufus Wainwright. L’un des nombreux guests de luxe de « Hello I Must Be… », qui réunit la crème des session-men de Los Angeles, comme le batteur Don Heffington ou le claviériste Danny McGough (respectivement complices de Bob Dylan et Tom Waits).
De la jolie musique, simplement.
La semaine dernière, sur le point de m’atteler à la tâche potentiellement ardue d’un montage en série de meubles IKEA, je tentais de me préparer psychologiquement. Bien que, tout petit, j’étais un adepte du Kinder « Surprise », j’éprouvais déjà à l’époque des difficultés chroniques à décoder ces fameux plans en trois étapes sensés me guider dans la construction de mon joujou. Aujourd’hui il me rappelle étrangement ceux du géant suédois. Devant l’adversité d’une telle situation, il me semblait essentiel d’installer un décor sonore pertinent et un tant soit peu motivant. C’est finalement sur une compile de Norman Jay Mbe que mon choix s’est porté : « Good Times », 6ème du nom. Après tout, ce titre semblait tout à fait approprié pour exorciser les moments peu réjouissants qui m’attendaient à coup sûr.
Au terme de la première écoute, je me suis rendu compte qu’en fait j’avais très peu écouté ce disque. Et en dépit de l’intense fièvre mobilière vécue alors, c’était plutôt mauvais signe. A la seconde, cette succession de titres aux accents soul, funky ou R’n’B m’a vaguement rappelé les compilations concoctées par Ben, mon ancien colocataire, destinées, disait-il, à affûter ma culture musicale. Après une troisième lecture, un constat plus sévère s’est imposé : les compiles de Ben étaient en fait de bien meilleure qualité que ce pot-pourri (au sens figuré) de chansons sans queue ni tête !!! Ensuite les questions se sont mises à fuser.
Mais à quoi pensait donc Norman Jay quand il a produit ce 6ème opus de la collection Good Times ? A-t-il consacré plus de 5 minutes à l’élaboration de sa sélection ? Sous l’influence de quelle substance euphorisante était-il lorsqu’il a décidé de placer « Jump Around » de House of Pain à la plage 4 ? A ce prix-là, n’aurait-il pas pu enchaîner sur « The Power » de Snap, voire sur « Can’t touch This » de MC Hammer ? Que dire en outre de cet Untouchables Mix d’un morceau de Boyz II Men (« Thank you ») qui, non content d’être affublé d’un nom ridicule, atteint des sommets de guimauve et serait à même de faire passer Prince pour un métalleux agressif … ? Enfin dans sa générosité débordante, le Dj britannique se propose de faire découvrir aux quelques ermites qui ne les connaîtraient pas - d’après nos sources, ils seraient au nombre de six - « Rock the Casbah » des Clash, « The Israelites » du regretté Desmond Dekker ou encore « Don’t Make me Wait too long » de Barry White. Le cœur n’y est pas, c’est certain, mais mes meubles sont néanmoins montés... En tous cas si Norman tient à nous faire passer de Bons Moments, il devra à l’avenir s’appliquer un minimum !!!
Allègrement passé inaperçu chez nous, le premier album de Downpilot a pourtant reçu un accueil plus que chaleureux Outre-Atlantique. Alors que le deuxième bambin du multi-instrumentiste Paul Hiraga nous tombe dans les mains, pas plus d’écho de la presse spécialisée, encéphalogramme définitivement plat. Le projet a pourtant de quoi plaire ou au pire, interpeller. En effet, Hiraga est soutenu à la production et à la batterie par Tucker Martine, principal artisan des disques de la délicate et essentielle Laura Veirs (qu’il accompagne même en tournée), possède un enviable timbre de voix et un sens imparable de la mélodie. Mais voilà, le problème de cette Americana, est sans doute qu’elle est trop « américaine » pour séduire en nos contrées. Là où, Laura Veirs cajole l’Humanité, Wilco tutoie les étoiles ; et lorsque Jesse Sykes parle aux âmes maudites, Downpilot semble se cantonner à son bercail. Reste quelques belles envolées, « Tiny California » que ne renierait pas Jeff Tweedy ou « Antwerp » (‘Antwerp is listening, its gray docks are glistening’), seule apparente exception à son tempérament casanier.
Mine de rien, le quartet néo-zélandais nous livre déjà sa troisième production, une nouvelle petite merveille de hard rock n’roll old school où se mêlent harmonieusement une myriade de nouvelles influences. Sur son opus précédent, « Outta Sight/Outa Mind », The Datsuns était brillamment parvenu à canaliser son énergie débridée. La production de John Paul Jones (ex Led Zeppelin) n’était pas étrangère à cette approche plus mélodique, mais pas pop pour autant. Armé et confiant, le band confirme cette maturité naissante et ouvre toutes grandes les portes de son univers où des influences soul, blues et même funk viennent se greffer. Sur « Two little Fire » et « All Abroad » on s’étonnera dès la première écoute de la présence de chœurs accordés par des divas noires, avant de devenir complètement accro à ces deux pépites paradoxales mais diablement efficaces. Piano et orgue viennent enrichir la large palette sonore, flattant la voix posée de Dolph. On savoure chaque seconde. Beaucoup plus heavy « Who are you Stamping your Foot for » constituera un titre d’intro idéal pour les concerts de la tournée européenne à venir. « Maximum Heartbreak » fera taper du pied les fans d’AC/DC et « Emperor’s New Clothes » laissera pantois plus d’un amateur de solos de gratte endiablée ! Génial !
On s’étonnera néanmoins de l’absence d’un producteur ! Le groupe s’est occupé personnellement de la tâche qui incombait autrefois au bassiste de Led Zep. Comme si personne n’avait été capable de bien assimiler le nouveau concept des Datsuns bien déterminé à opérer un subtil mélange de nombreux styles tout en préservant l’esprit rock n’ roll. Bref, encore un must !
Une pochette noire comme la mort, un son d’enfer : voici The Early Years. Le trio londonien signe un superbe premier album éponyme. Nous sommes ici en compagnie d’une formation au son hybride, choc frontal entre Acid Mother’s Temple, Electrelane, Stones Roses et Elbow. Etrange, surprenant. Deux guitares, une batterie, pas de basse. La claque est immédiate. David Malkinson, Roger Mackin et Phil Raines jouent une musique exquise, inventive à souhait. Les premiers accords retentissent. Le pied frappe le sol. En cadence. Le corps ondule, se laisse aller aux acrobaties les plus folles. Le rythme s’accélère encore. Nos veines battent la chamade. Et là, tout s’arrête. Méchante descente. « This Ain’t Happiness » clôture l’album comme si rien ne s’était passé. Impossible pourtant d’accepter l’illusion. Cette rencontre était bien réelle. On s’en pince encore...
Joseph Fiddler trouve qu’il est plus sympa de s’appeler Amp Fiddler. Il n’a pas tort. C’est effectivement bien plus chic. Un musicien black en provenance de Detroit titille forcément les mémoires : Motown, vénérable usine à tubes établie dans la capitale motorisée du Michigan. Soul toujours, mais funk d’abord, la musique d’Amp Fiddler s’inspire directement de ses idoles. Marvin Gaye, Smokey Robinson, Sly et George Clinton, en tête. Pas franchement innovant dans son genre, Fiddler préfère laisser parler son savoir-faire. Ancien membre actif de la galaxie Funkadelic, le musicien a plus d’un tour dans son sac. Aussi, des titres comme « If I Don’t » ou « Right Where You Are » séduisent sans mal. Relax et sensuel, le grand black au chapeau à pompon signe un disque agréable et accessible, à la portée des néophytes d’un genre trop souvent souillé par des bobos à la popularité chancelante. Amp Fiddler n’est peut-être pas à la pointe de l’originalité. Mais il prend le temps d’édifier sa crédibilité. Loin des feux de l’actualité.
‘Même si je suis un chanteur de punk-rock, les racines de mon chant sont mon enfance dans le Wisconsin et les réunions de famille dans l´Indiana. Pour la plus grande partie de ma vie, la musique traditionnelle de l´Amérique rurale a constitué la bande originale de ma vie et de mes routines quotidiennes.’ Pareil discours émanant du frontman des Bad Religion peut surprendre ! C´est pourtant dans une ambiance folk/country que Greg Graffin taille ce second effort solo, neuf ans après « American Lesion ». Banjo, mandoline, violon… Un retour aux sources à mille lieues des champs de guitares saturées du punk, où il puise aussi bien dans les traditionnels américains des 18e et 19e siècles que dans ses compositions personnelles.
Contrairement à « American Lesion », enregistré presque seul, Greg Graffin a ici choisi de s´entourer. On retrouve autour de lui des membres du groupe indie rock canadien The Weakerthans ainsi que la vocaliste Jolie Holland. Côté production, on reste en famille avec Brett Gurewitz (plus connu comme « Mr Brett » au sein des Bad Religion) aux manettes.
Force est d´avouer que l´ensemble fonctionne. Réalisé le plus sincèrement du monde, il possède a priori tout pour plaire aux amateurs de musique américaine traditionnelle, pour peu que ceux-ci ne s´arrêtent pas à l´étiquette keupon du lascar. « Don´t Be Afraid To Run » possède un parfum oscillant entre Springsteen et Dylan, la très belle voix de Jolie Holland berce « Talk About Suffering », l´harmonica et le violon de « Willie Moore » participent à l´atmosphère un peu western de la plupart des titres… Seul « Omie To Wise » semble s’abandonner un peu trop dans le pathos. Le type même de la ballade triste à se pendre ! Mais la perfection n´a jamais été de ce monde.
Une très belle preuve d’éclectisme.
Fluctuant au gré des entrées et sorties de ses musiciens, Gypsophile évolue au sein d’un univers musical intimiste, étrange, ténébreux même. Les vocaux y sont sans doute pour quelque chose. Que le timbre soit féminin ou masculin (NDR : ce dernier rappelant très fort Jean-Louis Murat). Un chant qui plane, en général, au-dessus d’accords minimalistes de guitare sèche. Textes et sonorités se conjuguent pour évoquer la nature, les voyages, des morceaux de vie.
« Assunta » constitue déjà le sixième album de Gypsophile. A l´écoute des premiers morceaux, on est séduit par l´ambiance énigmatique. Mais progressivement cet intimisme devient comateux. En outre, les mélodies répétitives et l’insertion peu harmonieuse de certains bruitages finissent par rendre l’écoute entière de cet opus difficile. Heureusement, en fin de parcours, batterie et saxophone aux accents jazzyfiants parviennent à relever le niveau général de l´œuvre. Un disque au final trop expérimental pour mettre entre toutes les oreilles…
Diffusé en heavy rotation quelques mois plus tôt sur tous les campus de l’Oncle Sam, le premier album de Hurt débarque sur nos rives. « Vol. 1 » s’apparente à un intitulé prophétique, annonciateur d’effroyables suites discographiques. Les musiciens de Hurt ont loupé le décollage du météore néo metal. Et, s’ils n’ont pas explosé en plein ciel, ils peinent aujourd’hui à s’adapter aux changements climatiques. Au chant, J. Loren s’entiche à caricaturer le timbre de James Hetfield (période « Reload »). Après, c’est une drôle d’histoire : Hurt semble persuadé d’être le nouveau Tool. Mais là, les gars se fourrent le doigt dans l’œil. Bien profond le doigt ! A s’en chatouiller le nerf optique (tiens, voilà une bonne idée pour le prochain clip de Tool). Cet album est une caricature nauséabonde du metal US. Même le titre des chansons sent l’arnaque (« Rapture », « Overdose », « Forever », « Losing » ou, encore, « Dirty »). Après Spinal Tap, voici Hurt. Mais c’est nettement moins drôle.
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