Alias Jawbone, Bob Zabor est issu de Detroit, la Motor City. Un ‘one man blues garage punk band’, une définition qui correspond bien au personnage. Dont le style sauvage, primaire, caractérisé par un son garage, libère une fameuse dose d’énergie punk. Bob définit sa musique comme du ‘post-last war pre-next war blues’. Ce qui ne veut pas dire grand-chose. La toile de fond appartient pourtant bien au blues. Il avait commis un premier album en 2003 : "Dang blues", un opus qui avait attiré l’attention du célèbre et regretté DJ anglais, John Peel. Cette situation allait lui permettre de signer sur le label anglais Loose Music responsable de la distribution de ce premier elpee ; et puis d’un second deux ans plus tard : "Hauling".
L’homme-orchestre ne se prend pas trop sérieux. Il se secoue pour créer ses propres percussions. Sa voix est directe, très présente, nullement sophistiquée. Il joue nerveusement de sa guitare déjantée. Son harmonica hurle à la première alerte. Dès les premiers accords de son "Dose of powder", nous entrons de plein pied dans l'univers chaotique de Jawbone. Il ne s’accorde guère de répit tout en célébrant son mal être à tue-tête. Des cris furieux traversent "Doney holler". L'harmonica détonne. Un peu comme si Sonny Terry avait fumé une bonne partie de la moquette. C'est pourtant le 'whoopin' sound’ de ce dernier qui définit la référence de cette attaque en règle. L'artiste ajoute - mais est-ce encore possible ? - une dose de fureur et martèle son bottleneck pour livrer un puissant "Bullcat", un delta blues psychotique! Parfois, Jawbone concède l’une ou l’autre compo plus abordable. Et je pense tout particulièrement à "Jump jump", un instrumental magnétique, irrésistible, dynamique et participatif. Au cours de cette plage il démontre qu’il est un musicien habile et doué. Signé Roger Miller, l'excellent "Chug a lug" est de la même veine. Il y manifeste l’enthousiasme qui hantait les Stones originels, mais sur le rythme d'un Jimmy Reed dopé! Il peut également manifester de la tendresse. Et notamment lorsqu’il chante "John said" en s’accompagnant à la guitare acoustique. Il l’interprète comme un vieux bluesman devant son pavillon minable et poussiéreux du Mississippi, d’une voix de fausset, plus proche de Mick Jagger que de Muddy Waters! Son côté primaire est chez lui un gage d'authenticité. Il pourrait pénétrer dans n'importe quel juke joint de Clarksdale et y mettre le feu à l’aide de son bottelneck. A l’instar du savoureux "Trouble on my doorstep". Mais toute l’intensité manifestée par ce musicien éclate dès qu'il met un pied dans son garage. Faites le plein d'oxygène avant d'écouter des brûlots comme "Long dang discount Jesus teenage blues" ou encore le boogie métallique à la simplicité désarmante, "Saucy sauce". L’excitation y est à son comble. Personnellement, je me passe en boucle le monstrueux "Reap what you sow". Et je ne suis pas encore repu…
Dernier arrivage en provenance de la galaxie du Wu, Masta Killa débarque flanqué de son deuxième album « Made in Brooklyn ». Autant dire tout de suite que la déception est au rendez-vous. À la vue de l’énorme autocollant apposé sur la pochette ‘Featuring The Entire Wu-Tang Clan’, il y avait déjà de quoi se méfier… L’emploi de tels artifices trahit bien souvent un manque d’inspiration. Sur le cd sampler 6 titres que la maison de disques a eu la bonté de nous faire parvenir, seuls deux morceaux méritent une écoute complète : « Ringing Bells », tout d’abord. Bénéficiant d’une production de Bronze Nazareth, il est taillé sur mesure pour le flow de Masta Killa. « East Mc’s », ensuite. Son atmosphère soul n’est pas sans rappeler les deux premiers albums mythiques du Wu. Les quatre autres titres (et ‘titres’ est un grand mot, car les trois derniers ne dépassent pas la minute…) se révèlent pitoyables, tant au niveau de l’instru qu’au niveau des paroles. On atteint des sommets lors de l’insupportable « It’s What It is » et « Iron God Chamber » : ils auraient mérité à eux seuls que je casse ce cd en deux. Et ce n’est pas la présence de Pete Rock (production alimentaire sur « Older Gods Part 2 ») ni celle de Method Man qui relèvera le niveau. Il paraît que MF Doom a produit un titre sur l’album. Malheureusement, il ne figure pas sur le cd promo. Et finalement, c’est plutôt une chance pour l’homme au masque de fer, tant être associé de près ou de loin à une pareille entreprise peut ruiner une réputation. Même si c’est douloureux, force est de constater que les ‘Shaolin’ du rap n’ont pas de beaux restes. Et si c’est ça venir de Brooklyn, je suis fier d’être Bruxellois !
Après le succès de son premier album « Manipulator », un disque teinté d’électronica et autres expérimentations musicale (« Pièces pour Guitare Préparée »), Moonman vient de commettre son second opus : « Necessary Alibis ». Ici, le cow-boy lunaire se lance dans des enjambées post rock et folk, toutes plus ambiguës les une que les autres. Onze morceaux dont une quadrilogie. Cet opus ne manque manifestement pas d’ambition. Lunatique et toujours en quête d’expérimentation, il nous plonge dans un univers musical à la fois complexe, torturé, et intense.
Moonman surprend et dérange à la fois. D’une part, surprend l’auditeur par des insertions raffinées à l'intérieur même de morceaux rock. Sur "Mascara and Glitch", entre deux puissants riffs de guitare électrique, s'interposent des cuivres, ajoutant une dimension quasi majestueuse au morceau. D’autre part, déconcerte, par une interprétation toujours ‘sur le fil du rasoir’, soit à la limite de la précision (« Self made man », « Lipstick Rebel »), soit a contrario d’une fragilité saisissante (« Smoother », « Bunch of Liars»). Il se démarque également par son songwriting recherché, abordant avec une certaine affliction des éléments plus personnels sur "Self made man" ou réalisant des comparaisons aussi réussies que risquées entre la gente féminine et la politique sur l’obsédante « Female democracy ». Il est clair que Moonman est un artiste singulier et prolifique. Or, comme tout expérimentaliste, l’ouverture d’esprit a toujours un revers de médaille : ici, un certain manque de cohérence. Ce qui, à la longue, conduit l’auditeur au choix de la facilité, c’est-à-dire s’attarder d’avantage sur des titres aux sonorités plus ‘universelles’. En effet, « Neccassary alibis » s’achève, malgré quelques sursauts d’intérêt, par une quadrilogie décevante. Celle-ci résulte plus du patchwork de bruits, d’interférences aux consonances post-rock, agrémenté de quelques déclamations de vers du poète Patrick Porter, que d’un réel effort de construction mélodique. Dommage l’idée paraissait pourtant séduisante.
En définitive, nonobstant une fin de parcours décevante, Moonman est parvenu à faire honneur à son pseudonyme. Faut dire que lorsque sa musique est versatile, troublante et à multiples facettes elle est, avouons-le, tout à fait captivante.
Si vous ne connaissez Mercury Rev qu’à travers ses deux derniers albums (« All is dream » en 2001 et « The secret migration » en 2005), vous ne connaissez pas Mercury Rev. Pas que ces disques soient de mauvaise facture. Au contraire. Mais ce sont les opus les plus accessibles et surtout les moins aventureux. Pour célébrer son 15e anniversaire, la formation américaine vient de graver sa première compilation. Un double cd. Le premier disque se contente de retracer en quatorze plages la carrière de cet ensemble excentrique, depuis 1991 à 2006, et devrait permettre aux novices de survoler l’évolution de leur musique. Tantôt expérimentale, psychédélique, noisy, free jazz voire champêtre, mais toujours fascinante. La présence de David Barker n’y étant pas étrangère. Mais aussi, à l’époque d’une flûtiste qui répondait au nom de Suzanne Thorpe (NDR : elle avait interprétée le rôle d’une jeune défunte lors d’un film tourné par Barker et Grasshopper, alors étudiants en cinéma). Si vous disposez de toute la discographie de la bande à Johnathan Donahue, le second disque se révèle beaucoup plus intéressant, épinglant 18 titres partagés entre Peel sessions, remixes, raretés et quelques reprises dont le groupe est friand : Beatles, John Lennon, Dylan, Neil Young, David Bowie, James Brown...
Lorsque l’on choisit un tel patronyme, il faut fatalement assurer. Ne s’attaque pas à l’œuvre du grand Burrough qui veut. Faisant fi des avertissements, ces jeunes Teutons se lancent dans la bataille, au risque de prendre quelques coups. Au menu, une pop au demeurant plutôt commune mais qui révèle, si l’on s’y attarde, quelques aspérités bienvenues. Un travail constant sur le son et les structures déloge petit à petit le disque de la banalité. Salir un gracieux couplet par ici, brutaliser un charmant refrain par là. Autant de ficelles pour propulser le disque au sein dans une dimension où peu d’âmes l’attendaient. Le tout soutenu par une voix invariablement traînante et désabusée. Ils ont indéniablement le mérite de ne pas se la jouer complètement barrés, ce dont ils seraient probablement incapables et se contentent de quelques brasses, sans trop s’éloigner du bord. Ce qui de toute façon, est déjà dix fois plus digne d’intérêt que tout ce qu'a torché Coldplay. Au bout du compte nous ne tenons pas là de quoi sonoriser la bande originale du Festin nu (pour cela, cherchez plutôt du côté des Liars ou d’Animal Collective) mais un groupe dont on pourrait apprécier la cuisine à la prochaine fringale.
Après le succès de « The sailor, not the sea » (70000 exemplaires écoulés en Belgique), Piet Goddaer, alias Ozark Henry, nous propose son cinquième album : « The soft machine ». L´artiste n´aurait pu choisir meilleur titre pour cet opus. En effet, la musique pop aérienne mêlée à la chaleur de l´incomparable voix du Courtraisien fait naître en nous un agréable sentiment de douceur et de paix. On y retrouve bien évidemment le piano, instrument de prédilection de Piet Goddaer, mais aussi du synthé, de la guitare, de la basse et de la batterie. Tout un arsenal destiné à donner un coup de fouet à l´ensemble de l´œuvre. Outre son rôle de multi-instumentiste, il endosse également la fonction de producteur. Faut dire qu’il nous a habitués à un travail méticuleux tout au long de sa carrière. Pas étonnant que les arrangements soient de qualité exceptionnelle. D´ailleurs, nombreux sont ceux qui ont déjà fait appel à ce formidable talent, et ce dans tous les domaines. Il a ainsi pu collaborer en compagnie du styliste Dries Van Noten et on a vu son nom s´afficher sur le soundtrack de la série « Sedes & Belli », diffusée sur la VRT. Il sortira également tout prochainement la bande originale d´un long-métrage intitulé « Crusade in Jeans ».
A l’instar de l’album précédent, le thème de la mer est omniprésent. Mais les paroles évoquent également le temps qui passe. Ses influences, qui oscillent entre U2 et Police, y transparaissent fortement et certains titres auraient pu figurer dans le répertoire de Coldplay (« These days », « Christine »). Un très bel album donc, tout en sensibilité et tendresse, qui ressemble à son auteur-compositeur-interprète, sans renouvellement véritable, mais toujours aussi plaisant à écouter.
Voir apparaître le nom de Papa Wemba dans une chronique musicale peut surprendre. Après avoir été inculpé en 2004 pour traite d’êtres humains et association de malfaiteurs, on ne misait plus grand-chose sur le ‘Roi’ de la rumba congolaise. Pourtant, il propose ici un double opus cd-dvd enregistré au New Morning, à Paris, en février 2006. L’album de la rédemption pour le chanteur congolais, comme l’atteste la dédicace au dos du livret : ‘Après des moments difficiles, j’aimerais que ce disque annonce un nouveau jour’. Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si celui-ci s’ouvre par un « Excuse Me », lourd de sens. On retrouve ensuite pêle-mêle tous les titres qui ont fait la gloire de Papa Wemba, « Image » et « Sala Keba » en tête. Il ose également une reprise en congolais du « Fa Fa Fa » d’Otis Redding, assez réussie. Secondé par de bons musiciens (appréciez par exemple le solo de batterie de Denis Tchangou sur « Sala Keba »), Papa Wemba fait danser un public conquis pendant plus d’une heure. Le concert se termine par l’émouvant « Awa Yo Keyi », une plage qui repose sur une combinaison piano/voix.
Seule nouveauté, le single « Ye Te Oh » offert en guise de bonus, n’apporte pas grand-chose : une production très R’n’B qui trahit les vains efforts de Papa Wemba pour se mettre à la page. Mais on ne se refait pas et c’est bien dans son registre habituel qu’il reste le plus efficace.
En définitive, New Morning ravira les fanatiques de l’‘Elvis noir’ mais, à défaut de prise de risque, ne convertira pas de nouveaux adeptes. Notons toutefois la bonne qualité de l’enregistrement, assez peu courante pour être signalée.
Au rayon musique pour jeunes pré-pubères en mal de headbanging, les inénarrables Royden déboulent flanqués d'un Ep cinq titres. Riffs à la mode chez les nazes, genre Papa Roach ou Staind. Chant insupportable, semblable à l’affreux chanteur de Linkin Park. Pas le rappeur à deux balles mais l’autre diva qui insiste sur chaque fin de mot comme s’il avait les burnes coincées dans un étau. N’en jetons plus, la coupe a débordé depuis bien longtemps. Il est temps de se laver les oreilles et d’aller écouter Refused. "Best Friends Our Worst Enemies". Tu m’étonnes mec, à force de les saouler avec ta soupe.
Ratatat ou comment deux hurluberlus pastichent du Daft Punk à la gratte. A Brooklyn, Mike Stroud mêle ses riffs aux programmations guitaristiques de son pote, Evan Mast. Ensemble, ils enregistrent des morceaux simplets, aidés de guitares, de boîtes à rythmes et de synthétiseurs. Deux ans auparavant, ces chenapans nous avaient déjà servi leur coup fourré instrumental sous le couvert d’un album éponyme. Pas foncièrement dérangeant mais pas vraiment captivant. Cet automne, ils nous reviennent, leurs « Classics » sous le bras. Et le constat est amer : ce nouvel album nage dans un redondant conventionnel de triste facture. La farce du Daft Punk à la guitare passée, on attendait autre chose du duo new-yorkais. Mais que nenni, Ratatat. Rien du tout. Mike Stroud et Evan Mast en remettent une couche, s’esquintant à composer les premiers accords d’une mouvance balbutiante : l’American French Touch. C’est excitant comme un dimanche après midi sous la pluie. Une aubaine pour les marmottes ! Et pour les humains après tout ? Il reste « Wildcat », premier single rigoureusement pompé chez Stardust. Maigre consolation donc...
Rusty Roots nous vient de Peer, une formation limbourgeoise née dans la capitale du blues belge. A cause de son Belgian R&B Festival organisé au cours du mois du juillet, depuis plus de vingt ans. Le groupe réunit le chanteur/guitariste Jan Bas (alias Mr Bee Jee), le guitariste Bob Smets, le saxophoniste Steven Scheelen, le contrebassiste Stefan Kelchtermans et le drummer Nico Vanhove. Aux dernières nouvelles le saxophoniste aurait été remplacé par Mr Maseroli! Leur musique est bercée par le swing et plus précisément le west coast swing. Un style inspiré notamment par T-Bone Walker, Lowell Fulsom et Big Joe Turner. L'album a bénéficié du concours d’un de leurs prestigieux voisins à la production : Mr Tee ! Une mise en forme synonyme de qualité. Et cela s’entend !
Le titre maître ouvre l’opus. Un swing très nerveux au cours duquel vous chopez rapidement des fourmis dans les jambes. Une composition personnelle affichant déjà le potentiel des différents protagonistes. Rusty Roots aborde ensuite le répertoire de ses maîtres. Et comme les musiciens sont doués, les versions nous permettent de vivre des moments fort agréables. En particulier lors des trois reprises de Lowell Fulsom. Mr Bob accorde un solo généreux sur "Check yourself" et "I still love you". Le "Compact baby" de Rob Robinson est à nouveau une plage frétillante. Leur "You put your heart in my soul" est très prometteur. Un blues bien rythmé au cours duquel le solo de Bob Smets sur les cordes se révèle parcimonieux et très précis. Un des grands moments de l’opus. D’ailleurs, Rusty Roots aurait tout avantage à écrire ses propres compos. Autre titre fort de l’elpee : le "Back breaking blues" de Big Joe Turner. Du Kansas City blues bourré de swing. Au sein de cette ambiance très fin de soirée, la présence du sax de Steven est très remarquée. On n’a guère le temps de s’ennuyer à l’écoute de ce disque, car les Roots puisent également leur inspiration dans le Chicago blues pour interpréter le notoire "Big Boss man" de Willie Dixon ; et surtout leur version empreinte d’une grande sensibilité du "Ah we baby" de Little Walter. L’adaptation du "She's so fine" de Syl Johnson est tout à fait épatante. La voix de Jan Bas y est au sommet de son art. Mais il faut reconnaître que la présence de Mark Thijs n’y est pas étrangère. Formation solide (NDR : et pas seulement à cause de la section rythmique !), Rusty Roots présente des solistes intéressants. Une chose est sûre : elle est à suivre de très près !
Au fond de notre cœur, nous resterons toujours des enfants. Et tac : une phrase top chrétienne dans les dents ! N’empêche, la maxime sied à merveille aux espiègles compositions de Tilly and the Wall. Pour son deuxième album, la formation d’Omaha, plus grande ville du Nebraska, revisite sa pimpante petite formule : pop florale pour chant chorale. Au final, « Bottoms of Barrels » laisse entrevoir son lot de ritournelles jouvencelles. Moins séduisantes que sur le précédent et bien nommé « Wild Like Children », les compositions de Tilly and the Wall se chantent pourtant avec entrain et passion. Toujours pas de batteur en vue : Jamie Williams perpétuant l’art du ‘tap dancing’. En gros, notre ami fait le mariolle avec des claquettes sous ses baskets. C’est frais comme un pis de vache sur une pâquerette, divin comme un joint dans la salle de bain. Tilly and the Wall joue de l’art-rock dans la pure tradition des fripons du rock’n’troll. Et ce disque est une nouvelle ode à la joie, une collection d’hymnes mutins pour gambader dans les herbes folles et fumer des hectares de prairies. Oui, un autre monde est possible. Bienvenue dans l’univers de Tilly and the Wall.
En 2003, le quatuor anglais This Ain't Vegas sortait son premier album (« The Black Lung Captain »). « The Night Don Benito Saved My Life » constitue donc son second. Un disque plus élaboré que le précédent et qui porte le fruit de leurs dernières tournées. This Ain't Vegas y pratique un post-punk loin d'être révolutionnaire mais intense, au sein duquel les voix des deux chanteurs, Adam Rose et Richard Admundsen, se complètent et se posent parfaitement. Toutefois, il est regrettable que les titres les plus percutants (« At Me », « Impasse », « Escape » et « Always A Trial ») figurent en début de disque. Les guitares y sont plus rageuses et plus puissantes. C'est d’ailleurs à l'écoute des ces morceaux, qu'on comprend mieux la comparaison avec feu le groupe At The Drive-In. Mystérieux et sis au beau milieu de l’opus, "iT tsoL eW" (à lire à l'envers) ressemble à un OVNI, de par le son et la nature même de la plage. Dominé par les sonorités électro, ce morceau très court annonce la deuxième partie de la plaque, malheureusement moins aboutie que la première. Le rythme s'essouffle rapidement et l’efficacité manifestée en début de course s’est volatilisée. Nonobstant ces remarques et peut-être un léger manque d'originalité, le groupe devrait très certainement convaincre les amateurs de punk.
Guitariste incisif évoluant au sein du groupe grunge Mudhoney, Steve Turner met ses idées de mauvais garçon au service d’un troisième album solo dynamique et accrocheur. Premier conseil : ne pas se laisser embobiner par le titre racoleur (provocateur ?) de l’opus. Il n’a d’autre intention que d’appâter nos tympans avides de sons dégénérés. Deuxième conseil : oublier que le gaillard est issu de la scène de Seattle, car celle-ci n’est plus que l’ombre d’elle-même et Steve Turner s’éloigne ici sensiblement de son berceau. Ces quelques recommandations formulées, il ne reste plus qu’à se laisser surprendre par 16 titres pertinents et enjoués, où se défendent quelques extravagances à la rythmique redoutable. Tantôt effrénée, tantôt fringante, cette bande-son appropriée pour une soirée éthylique sauvage enchaîne rigoureusement les chansons courtes et efficaces. Nonobstant quelques failles au niveau vocal, Steve Turner prouve que l’on peut faire mouche tout en ayant un humour vache. Car au bout du compte, on ressort plutôt amusé et souriant de ce condensé de sonorités faussement brutales. Mais réellement de qualité.
Monstre sacré du hard rock des années 70, UFO en est revenu à son line up original. Hormis le guitariste blondinet Michael Schenker, remplacé par le talentueux six cordiste ricain Vinnie Moore, il faut le souligner. Même Andy Parker est de retour derrière les fûts, et le fait savoir dès l’introduction de « Hard Being me ». Plus bluesy dans son ensemble, « The Monkey Puzzle » révèle de belles mélodies et des riffs incendiaires. Le piano de Paul Raymond et l’harmonica de Phil Mogg se donnent harmonieusement la réplique tout au long de « Some other Guy », un pur titre rock, mais pas franchement heavy. Quelques ballades contribuent à mettre en valeur la voix de Mogg, toujours aussi sublime, malgré les cinquante balais du personnage emblématique de l’OVNI. Sur « World Cruise », l’intro à la slide évoque la country music ou le southern rock. On est loin de « Too hot to Handle ». On aurait espéré un album un tantinet plus ‘couillu’ de la part de la légende vivante, mais cette nouvelle livraison manque foncièrement d’énergie, même si certains titres s’avèrent bien inspirés.
Toutefois, la tournée européenne qui ne passe malheureusement pas par la Belgique, mais par les Pays-Bas (NDR : le 16 novembre au 013 de Tilburg) devrait rallier un grand nombre de fans du combo dont la réputation scénique n’est plus à démontrer.
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