Ex-interprète de Catatonia, Cerys Matthews adopte un agréable revirement. Après avoir produit « Cockahoop », son premier EP, en 2004, la Galloise, fin prête à réellement affronter l’affreux monde du show-business en solo, endosse ses plus jolis atours. Se présente alors une Cerys Matthews différente. Assagie, peut-être. La fougue juvénile circa Catatonia est donc bien loin derrière elle. « Never Say Goodbye » propose une pop tendre et posée aux frontières du folk (« What Kind Of Man », « Elen »). Les inimitables vocalises de la jeune femme sont aujourd’hui mieux contrôlées et moins horripilantes qu’auparavant. Il lui arrive cependant encore de s’emporter dans des pseudo-prouesses grandiloquentes, bien au-dessus de ses moyens (« Oxygen »). Quant au niveau de la qualité d’écriture, il est parfois douloureux d’adhérer au style de Matthews, certains textes s’avérant parfois d’une affreuse banalité (« Open Roads »). « Never Say Goodbye » ne casse pas une patte à un canard mais reste largement appréciable. A condition d’être d’humeur à avaler de la guimauve. De la bonne guimauve. Mais de la guimauve quand même…
On connaît la chanson. Un bon beat pop. Des atmosphères eighties. Une voix féminine. Une voix masculine. Le tour est joué. Que l’on y adhère ou pas, « Bring It Back », quatrième album de Mates Of State, est une réussite. Aucune surprise, donc. Influencés par Architecture in Helsinki (« Fraud In The 80’s », « Goods (All In Your Head) ») ou dans une moindre mesure, par Arcade Fire (« Think Long »), Jason Hammel et Kori Gardner, époux de leur état civil, déballent leur linge sale en 12 chapitres tantôt intimistes (« Running Out », « What It Means »), tantôt exubérants (« For the Actor »). Certainement plus effectif qu’une thérapie de couple. « Bring It Back », même s’il semble très (trop) étudié commercialement, exerce une force magnétique désarmante. Les chants du couple, beaucoup mieux travaillés qu’auparavant, se mêlent à des mélodies simples et addictives. Bref, des morceaux quasi irréprochables. Si ce nouvel essai est à l’image de leur bonheur, les Mates Of States vivent sans aucun doute, leur conte de fée à la ‘happily ever after’. C’est gentil de partager.
Over The Atlantic est un duo néo-zélandais réunissant Bevan Smith et Nick Brinkman. Issu de l’univers underground, le premier se charge de l’aspect électronique à l’aide d’un laptop. Ex-Ejector, le second se réserve les vocaux et la guitare. Et le résultat proposé tout au long de ce « Junica » est plutôt convaincant. A cause du sens mélodique des compos constamment préservé. Leur noisy-electro-pop s’inspire manifestement de Brian Eno (les vocaux légèrement réverbérés) et de My Bloody Valentine (NDR : une des plages de l’elpee s’intitule Kevin Shields). On a parfois l’impression de flotter au-dessus de paysages imaginaires peuplés de lucioles, en pleine aurore australe. Un périple tour à tour paisible ou périlleux, mais toujours exaltant au cours duquel rythmes capricieux, arrangements éthérés, soyeux, électricité distordue, luxuriante, sonique et vocaux atmosphériques rafraîchissent constamment cet univers visionnaire, riche en couleurs sonores…
Après quarante ans de carrière au compteur, on finit par se demander : ‘qu’est ce qu’on pourrait bien trouver de neuf’ ? Linda Ronstadt, elle, a trouvé, et a opté pour la sortie loin, très loin des sentiers battus. En compagnie de la chanteuse Cajun Ann Savoy, sous l’appellation « Zozo Sisters », elle explore la musique de la Nouvelle Orléans à travers douze reprises entrecoupées de brefs instrumentaux (« Opening », « Ending » et deux interludes). Un voyage envoûtant sur fond de guitare, mandoline et violon, bercé par les voix sublimes de ces deux vocalistes exceptionnelles. Morceaux en français (« Parlez-moi d’amour »), en patois cajun (« Tourne, Tourne Bébé Créole »), ballades aux accents celtiques… Une diversité qui ne nuit en rien à la cohérence de l’ensemble, tant les seize pistes paraissent couler de source. Coloré et surprenant.
Chouette, un petit orchestre sympathique... Résolument mods, influencés par (on vous le donne en plein dans le mille, c'est à la mode pour l'instant) The Jam et consorts, ces quatre individus issus de Londres ont le chic pour pondre des morceaux légèrement punkysants, entraînants et mélodiques (hormis un "Spend a Lifetime", absolument affreux). "One Night Stand" en est bien sûr l'exemple le plus parlant mais d'autres titres comme "Robin Hood", "Hometown Blues" ou encore "She's Got Standards" sont également très efficaces. C'est Pure FM qui va être content...!!! Evidemment, l'ensemble sonne très dans l'air du temps. La voix du chanteur possède cet accent cockney mille fois entendu et les enchaînements ‘couplet-pont-refrain’ sont d'une prévisibilité quelquefois déconcertante. Bref, on ne va tout de même pas reprocher aux Rifles ce que d'autres reproduisent depuis des décennies avec, en sus, la bénédiction du public et des ‘critiques’...
Le combo italien Rhapsody a été forcé de changer son nom suite à un problème juridique né d’un litige l’opposant à un service légal de téléchargement de musique sur Internet ! C’est donc sous un patronyme rebaptisé que l’équipe inchangée de Luca Turilli revient en force sur le devant de la scène metal, deux ans après la sortie de « Symphony of Enchanted Land II – The Dark Secret ».
Dans la droite lignée de l’opus sorti en 2004, le concept album fait la part belle aux orchestrations symphoniques et aux accents épiques, encore renforcés pour l’occasion par la participation d’une cinquantaine de choristes et d’un véritable grand orchestre. Dans cet univers empli de contes et légendes, de glaives et de dragons, de sorcières et de donjons, l’ombre d’un certain Tolkien est omniprésente. Démesurée autant que cinématographique, l’œuvre superbement produite est renforcée par la narration de Christopher Lee accompagné de sa propre fille dans le rôle de la princesse Lothen. Si la plupart des plages sont menées à un train d’enfer, le groupe s’est également attaché à la composition de titres plus lents et mélodieux aux ambiances médiévales, évoquant parfois Blackmore’s Night. L’apogée du lyrisme de « Triumph of Agony » est atteinte sur « The Mystic Prophecy of the Demon Knight », pièce divisée en cinq mouvements pour un total de 16 minutes. La formation souvent comparée à Manowar et à Helloween nous livre ici sa production la plus mature et la plus aboutie tout en restituant au style opéra rock ses lettres de noblesse.
Nous noterons, pour les fans, qu’une édition digipack limitée, contenant trois titres bonus et un drapeau à l’effigie du groupe, est disponible dans toutes les bonnes épiceries !
Les mauvaises langues et ses détracteurs diront qu’après nous avoir gonflé avec sa déprime, il revient nous gonfler au bras de sa blondasse ‘rajeunissante’. Mais ce serait prendre Renaud pour ce qu’il n’est pas : un mec gonflant. Si sa nouvelle gonzesse est effectivement (omni)présente dans les textes de ce « Rouge sang », c’est uniquement parce que le gaillard est amoureux et qu’il le dit. Avec ses mots bien à lui, c’est-à-dire des rimes sincères et touchantes, évadées d’un cœur où coule le sang d’un homme fidèle à son univers. Un univers attachant. Un univers renaissant où, à côté des joies, s’invitent des colères que les fans n’attendaient presque plus. Renaud a retrouvé son flingue et se remet, comme au bon vieux temps, à tirer sur les brigands de ce monde, qu’ils soient tueurs de baleines, briseurs de rêves d’enfants, assassins de taureaux ou destructeurs de consciences. Il observe le temps qui passe ("Adieu l’enfance") ou s’attaque au sarkozysme ("Elle est facho") avec humour et raison, virulence et passion. Aidé par ses talentueux compositeurs attitrés, Jean-Pierre Buccolo et Alain Lanty, il savoure -c’est évident- le bonheur d’avoir fait la peau au renard.
‘J’ai le sentiment d’avoir réalisé l’oeuvre de ma vie’, déclarait récemment la chanteuse à un journal flamand lors de la présentation ‘en petit comité’ de l’album. C’est les oreilles grandes ouvertes qu’on se plonge dans cet attirant « Jardin secret » dévoilant d’entrée de jeu ses bienfaits dans le prévenant refrain ‘On a besoin de temps’. Du coup, on le prend, ce temps, pour écouter sans chichis une succession de chansons soyeuses et délicates dont la principale qualité est de s’accorder sur les humeurs de notre propre vie. Enregistré au sein des légendaires Royal Studios de Memphis (où erre l’aura du soulman Willie Mitchell), l’album nous invite à quelques envolées groovy funk qui, par leur élégance et leur modestie, détendent l’atmosphère. Le temps est à la fois ensoleillé et d’une fraîcheur automnale, propice à l’accueil de quelques « Perles de pluie » ou d’un fugace « Papillon » qui symbolisent toute la fragilité de ce jardin coloré. Entre les ballades et les rythmes soul, les fruits défendus et ceux de la passion, notre limbourgeoise avance l’une des plus belles preuves de sa capacité à séduire sans mentir.
Malgré une durée de vie très courte (fondé en 1977, il est disparu deux ans plus tard !), Radio Stars aura quand même eu le temps de se faire une place - petite mais non négligeable – au sein de la scène rock anglaise des très prolifiques années soixante-dix. Il va sans dire qu’à cette époque, la mouvance prédominante était le punk. Si les membres de Radio Stars, à l’image des Sex Pistols ou de The Clash, s’abandonnaient sans scrupules à une provocation gratuite et parfois violente - notamment sur scène - il semble erroné de dire que leur musique, elle, était à qualifier de musique punk à proprement parler. En effet, il suffit d’écouter la toute récente réédition de leur premier opus « Songs For Swinging Lovers » - sorti à l’origine en 1977 sur le label Chiswick - pour s’en assurer. Collection de courtes et excentriques compositions rock’n’roll habillées de textes à l’humour très noir et teintés d’ironie, « Songs For Swinging Lovers », écrit et produit par le bassiste Martin Gordon, témoigne aussi d’une authentique modernité à l’instar des sonorités affichées par certains morceaux ; et notamment le single ‘Nervous Wreck’.
La réédition spéciale au format CD de « Songs For Swinging Lovers » satisfera donc aussi bien les nostalgiques du bon rock’n’roll anglais 70’s que les jeunes générations férues de pop-rock en quête d’un retour aux sources!
Samedi soir au jardin d’Eden. Eve a enfilé sa minijupe et son décolleté. Adam a décidé de se la jouer metrosexuel. Soirée sur le thème ‘fruits de la passion’. Silicone Soul aux commandes des platines. Tandis que le couple s’écrie « Save Our Souls », Craig Morrison et Graeme Reedle s’élancent dans un set electro des plus rédempteurs. Introduisant leur nouvelle galette par le court mais trippant « Fearmakers », les DJ’s délivrent une suite de morceaux paradisiaques bien plus aboutis que ceux qui parsemaient « Staring Into Space », le recueil précédent. Les serpents ont beau être ici apprivoisés (le festif « The Snake Charmer » et son gimmick à la Chicken Lips), rien n’y fera. Sous ses aspects angéliques, « Save Our Souls » abrite les démons qui pousseront irrémédiablement le couple biblique à la damnation. Au lever du jour, les deux pécheurs auront consommé malgré eux ces fruits de la passion que sont les hypnotiques « As The Stars Became The Sun », « The Hikikomori » ou « Do Some Good ? ». Ne témoignant aucune volonté de repentir, ils seront condamnés au bannissement. Ils s’en foutent. Au moins, ils auront goûté au véritable bonheur. Aussi diabolique soit-il. Merci Silicone Soul.
Auteur d’une superbe démo en 2002 (NDR : « Six teaspoons of eiran cari ») et d’un mini album ‘live’ en 2004 (NDR : « Six pinches of stage flavour »), Soyoy nous propose son premier véritable album. Un disque sur lequel figure « Loonontahi », superbe morceau qui figurait sur le premier essai ainsi que trois titres du deuxième (NDR : quatre si on compte le bonus track « Paradiso »), mais sous des versions retravaillées en studio. La musique est toujours aussi solennelle, empreinte d’accents mystiques, inspirée par les musiques traditionnelles ; et en particulier celtique, bulgare, mongole, galicienne et orientale. Et puis on y retrouve ces influences si reconnaissables : depuis Collection d’Arnell-Andréa à Bel Canto, en passant par les Cranes et Cocteau Twins. Sans oublier cette conjugaison vocale opérée dans l’esprit de Lisa Gerrard et Brendan Perry, entre le timbre éthéré, flottant, fragile, miaulant de Cécile et le baryton de Franck, capable de passer en falsetto. Passé à un trio depuis l’arrivée du claviériste Sebastien Lhoest, Soysoy nous entraîne tout au long de ce « Liquid » au sein d’un univers mystérieux, féerique, mystique presque gothique. Si la majorité des compos sont interprétées dans la langue de Shakespeare, deux titres sont chantés dans celle de Voltaire (« Home », « Diva »). Et puis deux autres encore (« Sintare sadio » et « Silla ») dans un langage imaginaire accentuant cette impression d’étrange. Si l’effet de surprise provoqué par « Six teaspoons of eiran cari » ne joue plus sur cet opus, l’ensemble demeure de très bonne facture et bénéficie d’arrangements particulièrement soignés voire même somptueux (« Into the wild »). Un seul fragment se démarque de l’ensemble : « King of the world ». Davantage orienté electro pop, il rappelle curieusement Ozark Henry…
Conteuse hors pair au parcours atypique, Regina Spektor (ce nom !) a du prendre son mal en patience. Après avoir occupé de nombreux soirs la scène d’un piano-bar dans lequel elle revendait des démos pour arrondir ses fins de mois, la post-adolescente (19 ans à l’époque) autoproduira ses deux premiers essais, « 11:11 » et « Soviet Kitsch ». Elle signera ensuite auprès du label Sire Records, filiale de Warner Music, qui tentera de donner une seconde vie commerciale à un « Soviet Kitsch » à nouveau très injustement ignoré par la critique. Début 2006, Warner voit en elle une potentielle vache à lait et décide de lui consacrer une promo à la hauteur de son talent. Les perles de ses travaux antérieurs se retrouveront donc compilés sur « Mary Ann Meets The Gravediggers and Other Short Stories » qui se frayera un chemin vers les oreilles attentives des critiques et du public. Enfin.
Satisfaits du succès généré par ce recueil, la jeune Russe juive du Bronx (rien que ça !) et son label précipitent la sortie de sa nouvelle plaque, « Begin To Hope ». Une petite merveille. Si quelques similarités entre Fiona Apple et Regina Spektor subsistent, il est aujourd’hui plus difficile de les démasquer. Qualifiée par la presse américaine d’anti-folk, la musique de la Russe ne se résume pas à un simple contre-courant. Les compositions abruptes de « Begin to Hope » sont un microcosme à elles seules. Un petit univers théâtral cosy où l’auditeur devient témoin, malgré lui, des frasques verbales d’une narratrice à la fois exubérante et attachante. Du trippant « 20 Years Of Snow » à l’affirmation de ses racines russes sur un bouleversant « Après Moi », Regina et son piano captivent. Ce qui suffit à notre bonheur.
Le nom ne vous évoque peut-être rien, mais Chip Taylor n’est pas un bleu : compositeur de quelques unes des plus belles pages musicales des années 60 – « Wild Thing » des Troggs ou « Try A Little Bit Harder » de Janis Joplin, pour n’en citer que deux - il évolue depuis quelques années dans le style americana en compagnie de la chanteuse violoniste Carrie Rodriguez. Cet « Unglorious Hallelujah » réunit sur deux disques les morceaux qu’ils estimaient ne pas convenir à leur répertoire en duo. Ce qu’il appelle sa ‘thérapie musicale’ ; un terme qui prend tout son sens à l’écoute d’un morceau comme « Christmas In Jail », triste expérience personnelle qu’il décrit comme le pire jour de sa vie. La voix profonde de Taylor rappelle parfois Johnny Cash et sa complice Carrie Rodriguez est régulièrement venue poser quelques jolis chœurs en écho.
Sur le premier CD, « Unglorious Hallelujah », Chip Taylor trousse une douzaine de jolies ballades country, exorcisant ses démons (« I Need Some Help With That », qui évoque ses problèmes de bouteille) ou se transformant en conteur (« Jacknife »). « Hallelujah Boys » tâte de la critique politique tandis que « Michael’s Song » s’avère véritablement poignant. La seconde galette, « Red, Red Rose & Other Songs of Love, Pain & Destruction », compte également douze morceaux mais possède un ton plus léger, et se révèle moins marquant.
Au final, peut être cet « Unglorious Hallelujah » aurait-il gagné à être plus concis ou mieux équilibré, mais c’est souvent ce qu’on raconte face à des albums aussi personnels.
Tony Joe White est une institution dans l’univers du rock. Issu des swamps marécageux de la Louisiane (NDR : il est né à Goodwill, dans un quartier de Los Angeles, en 1943), il remporte un vif succès commercial lors de la sortie de "Polk salad Annie". Nous sommes alors en 1969. L'année suivante, son "Rainy night in Georgia", chanté par Brook Benton, obtient un hit retentissant. Depuis, il sillonne régulièrement les routes de tous les continents. Récoltant le même succès. Au cours de ces trois décennies, il a commis quelques elpees d'excellente facture ; mais aussi écrit pour des artistes aussi notoires que Ray Charles, Elvis Presley, Joe Cocker ou Tina Turner. Il est surnommé 'The swamp fox' (NDR : traduction le 'renard des marais'). ‘Live’ il se produit souvent en compagnie de son fils Jody, préposé à la batterie. C’est également son manager et le co-producteur de ce nouvel album, parfaitement enregistré dans la tradition de Tony Joe. Teinté de soul, son swamp blues baigne au sein d’une ambiance tellement personnelle : indolente, ‘laidback’ (NDR : suivant l’expression utilisée en anglo-saxon !). On l’imagine facilement assis devant un feu de bois, le long d'une rivière, chantant de sa voix chaude en grattant ses cordes.
Sur "Uncovered", White nous propose sept nouveaux titres et trois anciennes compos remises au goût du jour. "Run for cover" ouvre l’opus. Le tempo est flemmard. Les cuivres, l’orgue Hammond et surtout les choeurs des Settles Connection soutiennent très bien la voix chaude de Tony Joe. Swamp blues lent, familier, "Not one bad thought" trempe dans un univers typiquement White. Les deux guitares sont bien distinctes. A gauche, le son réverbéré, classique, de Tony Joe. A droite, le jeu tout en rythmique de - bien sûr ! - Mark Knopfler. Le soliste emblématique de Dire Straits partage même les couplets en compagnie de notre renard. Un léger parfum de funk paisible flotte tout au long de cette plage. Tony Joe White est passé maître dans l’art du style 'laidback', décontracté. A l’instar d’Eric Clapton. Le Londonien ! Qui apporte son concours pour une nouvelle version de "Did somebody make a fool out of you", une chanson écrite en 1973. Et c’est un véritable bonheur de retrouver ces deux musiciens chanter et jouer ensemble. Sans que quiconque ne tire la couverture vers lui. Et puis JJ Cale. La légende californienne susurre la jolie ballade "Louvelda". Les deux virtuoses se mesurent dans un dépouillement extrême. Mais ils entretiennent une telle flamme, une telle chaleur, que le climat finit par nous envoûter et surtout par nous interpeller. Même lorsqu’elle réverbère dans un écho lointain, la guitare ne désarme jamais ! "Rebellion" est la plage que je préfère. Une pointe d'agressivité (contenue) dans la voix, Tony Joe clame vouloir rester maître de son art. Composer et jouer sa musique sans la moindre contrainte ; et surtout ne pas devoir se plier aux impératifs commerciaux. La guitare se fait l'interprète de l'artiste pour entretenir ce climat de rébellion. "Shakin' the blues" constitue un autre moment empreint d'émotion et d'intensité. Un blues funkysant signé Waylon Jennings, un chanteur de country disparu en 2002. Waylon chante ici une de ses dernières chansons enregistrées chez Tony Joe. La magie des studios (NDR : ceux de Nashville) a permis à Jody White de retravailler cette plage. Waylon avait connu un certain succès en commettant "Rainy night in Georgia". Tony Joe White propose ici une nouvelle version de cette jolie chanson intimiste. Michael McDonald est le dernier collaborateur de cet opus. Ce chanteur est devenu très populaire outre-Atlantique en militant chez Steely Dan et les Doobie Brothers. Sa voix pure et cristalline illumine la ballade swamp soul "Baby don't look down". Tony Joe nous entraîne dans la confidence pour reprendre son "Taking the midnight train", une compo écrite en 1973. Et dans ce style, il est sans rival. D’excellente facture, cet elpee s’achève comme il s’était ouvert : par une plage funky. Intitulée "Keep of the fire", elle est enrichie de chœurs, de cuivres, tapissée d’un orgue et toujours canalisée par cette guitare fiévreuse…
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