Epique, dans le bon sens du terme. Ce trio de Washington D.C. tire son nom d’un terme musical italien qui signifie : ‘fragment mélodique récurrent’, et ça ne nous avance guère. De la techno ? De la pop avec couplets/refrains ? Le premier titre convoque riffs pesants, voix timide et batterie ténébreuse. La suite est du même acabit, tel un mix rampant de Shipping News, d’Isis, de Codeine, de Pink Floyd (era « The Wall ») et de post-rock en berne. Intensité dramatique, catharsis électrique, dilatation nerveuse : l’esprit divague au fil de ces arpèges malsains, comme à chaque fois qu’un riff s’étire au-delà de la raison et gratte le cortex jusqu’à la débandade. C’est sensuel et violent, malingre et déroutant. En quête d’une forme musicale qui sans cesse se défile (du rock quasi instrumental), Ostinato vient de pondre un bon disque. Le troisième. Faites confiance à ces Américains : ils ne caressent pas leurs guitares dans le sens du poil, et ça donne des frissons.
Les défricheurs du nouveau son (TV On The Radio, Battles) voient débouler à leurs cotés un allié de choc. Oneida, trio de Brooklyn, huit albums au compteur, vient de passer à la vitesse supérieure. Leur petit dernier, une oeuvre poétique constituée d’envolées en vrille et de phrases musicales en boucle, laisse sans voix. Touches électro, rythmique ébouriffante, superposition des voix contribuent à générer un mantra monastique du plus bel effet. Partout, le travail de guitare est minimaliste. Pas de riffs, plutôt des éclairs d’électricité déchirant un ciel obscur. Mis en orbite par un gospel du nouveau millénaire sur la nature passagère de la beauté, le disque impressionne d’emblée. « Up with People » sept minutes d’énergie jazzy-funk que ne renierait pas !!!, est foudroyant d’efficacité. Plus loin, « History’s Great Navigators », piano martelé, sitar imbibé, plaque au mur et coupe le souffle. « You Can Never Tell » qui louvoie du côté des Liars, batterie tribale à souhait et chant vaudou terrorisera les petites filles. « The Misfit » a la bossa-nova dans l’âme mais le post-punk dans le froc. Dernier assaut vers le cervelet, « Thank Your Parents », hypnotique en diable assure la fin du voyage avant d’ouvrir les yeux et de se demander où viennent de passer ces dernières 45 minutes. Un travail incroyable de cohérence. Oneida expérimente, certes ; mais n’oublie jamais d’écrire des chansons. Les fêtes avant l’heure. Happy New Year !
Les Oakley Hall ne sont pas des glandeurs. Deux albums en six mois, ça bosse dur dans les chaumières. Ces bûcheurs pratiquent l’exemple parfait de ce que l’on pourrait qualifier de country moderne. Country parce que le disque contient toute la palette d’instruments inhérents au style : violon, banjo, lap steel, etc. Moderne parce que ça frappe sévère. Rien d’étonnant quand on sait que le groupe a été mis sur pied par l’ex Oneida Pat Sullivan. L’album débute par un riff puissant et répétitif et l’affaire, déjà, est entendue. On y met toute sa ferveur, toute son âme. Les voix alternées de Sullivan et de Rachel Cox font merveille et les harmonies vocales sont belles à sangloter. Ce qui ne les empêche pas, à l'occasion, de salir leurs copies. Indubitablement, la troupe a privilégié la distorsion et les tonalités boueuses à la sempiternelle formule country. Le disque sera un incessant aller-retour entre les ballades arrache-cœur et un rock spacieux comme les plaines de l’ouest. « House Carpenter », puisée dans le domaine public, en est le parfait exemple. Un morceau dantesque tout en tension et accalmies dont on sort vidé. Mais Gypsum Strings est surtout un album à guitares comme on n’en fait plus guère, mis à part chez les collègues de My Morning Jacket. Et on ne s’en plaindra pas.
« Impeach My Bush »… A lui seul le titre du troisième album de Peaches résume bien l’affaire : on parle ici de sexe, de pouvoir, de politique, mais sans tabous ni concessions. Au placard les bienséances, le temps est à la rébellion : face à l’ordre établi et aux culs-serrés qui nous dictent leurs règles et leurs doctrines, Peaches a trouvé la parade. C’est un mélange de rock lourd, de beats surpuissants et de doigts bien levés, pour dire « Fuck you », « Fuck me », du moment que ça gicle. C’est de l’électro-punk à la sauce queer, parce qu’il n’y a rien de pire que les normes, les genres et les frontières. Autrement dit c’est de la balle, que tu enfonces bien profond dans ta tête ou ton derrière, en attendant d’être soulagé du malaise dans lequel cette société te plonge. ‘I’d rather fuck who I want than kill who I am told to’ : tels sont les premiers mots de ce disque rageur, à la gouaille libidineuse, qui prêche le plaisir dans l’action. Enregistré à L.A. dans le studio de Jeff Pecaro (le batteur de… Toto), « Impeach My Bush » se veut donc à la fois une critique impudique de notre société et la dernière confirmation qu’il n’y a rien de tel dans la vie qu’une bonne partie de jambes en l’air. « Make love, not war », mais le sexe en plus, à deux, à trois, à plusieurs, et que ça rue dans les brancards jusqu’à l’orgasme salvateur. Pour vous y aider, Peaches a mis cette fois les bouchées doubles : les riffs de rock’n’roll sont énormes, la batterie également. Et on ne parle même pas des beats, d’une précision chirurgicale. Disque brut et brutal, sexuel et rebelle, « Impeach My Bush » sonne comme le meilleur de Peaches, puissance dix. Sans doute est-ce dû au fait que la brune s’est entourée d’un vrai groupe live. En l’occurrence Samantha Maloney (Hole, Motley Crüe, Eagles of Death Metal) à la batterie, Radio Sloan (Courtney Love band) à la guitare et JD Samson de Le Tigre aux synthés. Un groupe qui n’hésite pas à y aller franco question AC/DC et Kiss. En guest, on retrouve également Joan Jett, Josh Homme, Feist et Dave Catching, pour une orgie sonique qui vaut bien l’intégrale de Chuck Berry, de Kelis et de la chaudasse Katsumi. Entre « clit rock » (« You Love It », « Get It », « Giv ‘er ») et r’n’b minimaliste (« Tent In Your Pants », « Stick It To The Pimp »), « Impeach My Bush » laissera donc votre culotte toute mouillée. Mmmm, c’est bon.
Disque barré et militant, « Vamonos Pa’l Monte » recèle six morceaux qui marient la salsa au jazz, au funk et au psychédélisme. Le pianiste Eddie Palmieri a conçu cette œuvre au début des années 70 en guise de manifeste politique. Le message ? La lutte contre les injustices sociales qui rongeaient les U.S.A. de l’époque. Les chansons se consument dans des jams hallucinées. A l’instar de « Caminando », une compo signée par le frangin Charlie Palmieri (meneur des « Allegre All-Stars ») où les voix des ténors se noient dans des échos réminiscents du dub avant que le funk-jazz finisse par reprendre ses droits. L’opus s’achève par le bien nommé et percussif « Comparsa De Los Locos », le titre le plus délirant du lot. Un fragment chargé d’effets ‘dub’ sur les voix et soutenu par une rythmique très susceptible, encore aujourd’hui, de faire suer les dancefloors. Chek this out !
On l’a déjà écrit : les Pet Shop Boys, c’est la grande classe. Du type Depeche Mode, New Order, voire The Smiths. Un songwriting qui ne se dément pas sur ce neuvième album, le meilleur depuis « Nightlife ». Et un sens de la danse (dance) dont se revendiquent beaucoup d’électrons libres de la sphère techno actuelle (sur le disque bonus, des remixes de Michael Mayer, de Richard X, etc.). La preuve que Neil Tennant et Chris Lowe sont loin d’être des ringards, et que leur musique survivra, malgré les modes. Produit par Trevor Horn, les Pet Shop Boys reviennent ici à leurs premiers amours : les tubes synth-pop (« The Sodom and Gomorrah Show », « Minimal », « I’m With Stupid ») et les ballades douces-amères (« I Made My Excuses and Left », « Numb », « Luna Park »). Rarement Neil Tennant n’aura si bien chanté (cette voix, vespérale), d’autant qu’encore une fois les textes s’avèrent intelligents, sensibles, en lien direct avec leur temps (Tony Blair, sa politique d’immigration, le terrorisme et la paranoïa sécuritaire). Il y a plus de vingt ans que ça dure, et c’est toujours le même topo : longue vie aux Pet Shop Boys, à leur mélancolie, à leur aisance mélodique. Sans eux, Superpitcher, Air, Röyksopp ou The Knife n’existeraient peut-être pas. Imaginez comme la vie serait moche ! On l’a échappé belle.
Le troisième album des Radar Bros. ne s’apprivoise pas en quelques écoutes : il faut y aller prudemment, comme au charbon, puis à force de creuser ces mélodies qui traînent la patte, on y trouve son compte, l’envie d’y revenir, de se couvrir de cette nonchalance, comme une couverture chauffante. S’ils ont l’allure de musiciens à l’intellect maussade, Jim Putham, Senon Gaius Williams et Steve Goodfriend peuvent être fiers de leurs treize nouvelles chansons : poignantes, délicates et revêches en même temps, elles portent bonheur à celui qui voudra bien y voir le salut de son âme. Grandaddy est mort ? Vive les Radar Brothers ! Sauf qu’ici la pop se révèle secondaire, on parle d’atmosphère, d’état contemplatif, d’un ennui rassurant, comme un dimanche pluvieux. « We’re not sleeping » est un des titres de l’album, et c’est bien de le reconnaître. Non, il ne s’agit en aucun cas d’un disque aux mélodies replètes, qui donne le sourire ; et en tout cas ce n’est pas une raison pour bouder son plaisir… Entre slowcore à la New Year et americana à la Jason Molina, la musique des Radar Bros. ne donne pas envie de dormir, mais de faire de beaux rêves. Dont la B.O. serait peuplée de chorus languides, de refrains qui drainent de l’espoir et de souffle divin. Le disque s’écoute d’une traite, comme on avale un grog pour se donner du courage et de la contenance. Après on se sent mieux, et tout a l’air très simple... On « respire à nouveau » (« Breathing again »), les narines dilatées par la joie de se sentir en vie.
Il y a plusieurs raisons d’être gêné de ne pas avoir chroniqué ce disque plus vite… Il faut d’abord avouer que l’existence de la belle Sara Tavares a toujours baigné dans la musique. Sur ce deuxième album, paru il y a quelques mois, la jeune capverdienne élevée au Portugal assure la production artistique et joue la plupart des superbes parties de guitare acoustique. « Balancê » regorge de ballades dont les sommets sont atteints sur les très beaux « Lisboa Kuya » et « Guisa ». Sentimental et indolent, le disque est raffiné par la voix d’or de Sara Tavares, qui partage sa musique entre percussions africaines et écriture mélodique plus pop. Nonobstant quelques baisses de régime et l’une ou l’autre tentation plus ‘radiophoniques’, comme le trop synthétique « Dam Bô », Sara Tavares se révèle ici son talent à l’état pur. Que dire de plus ? A découvrir, absolument…
Avant de quitter le monde des vivants, le griot Ali Farka Touré a trouvé l’énergie pour terminer ce qu’il considérait comme son meilleur disque. Une œuvre pétrie dans le blues rural qui cherche à perpétuer les mythes et croyances des différentes populations du Mali, leur folklore agricole, le culte des défunts et la désertification de la savane (sur la magnifique plage titre). Hormis le sax de Pee Wee Ellis (désormais habitué des sessions chez World Circuit) et l’harmonica de Little George Sueref, l’instrumentation largement traditionnelle est ici conviée pour illustrer la musique aride et hypnotique de « Savane ». Un disque assez long qui ne reproduit pas la magie de « In The Heart of the Moon », concocté l’an passé en compagnie de Toumani Diabaté. Cependant, il constitue une synthèse des nombreuses expériences musicales opérées par Ali dans le passé. Il faut croire qu’il a voulu laisser une trace documentaire des folklores étudiés au cours de son existence de griot, avant que l’oubli ne commence à produire inexorablement ses effets… Pas toujours aisé d’écoute mais précieux, « Savane » devrait trouver un écho particulier chez ceux qui ont été fascinés par les volutes guitaristiques des bluesmen du Mississippi.
Surtout connu pour ses performances live, Uzeda inspire le plus grand respect. Indépendance, ligne de conduite sans compromis, aucun souci d’accessibilité. Steve Albini est à nouveau à la console. Fan du groupe, il aurait fait le trajet jusqu’en Sicile pour produire leur deuxième album (« Waters », 1992), en étant principalement payé en nourriture. Et oui, la cuisine italienne a un prix. Durant un break de près de huit ans, la chanteuse et le guitariste se sont concentrés sur Bellini, projet radical comprenant aussi Damon Che, batteur virtuose de Don Caballero. Une collaboration dont on sent une influence manifeste. Le premier choc est la voix de Giovanna Cacciola, vous crachant un désespoir malsain au visage. Immédiatement suivie par la section rythmique, qui martèle un boucan des plus agréables. Plus entendu un son de basse pareil depuis les Jesus Lizard. Par dessus le magma, Tilotta balance des strates de guitare barbelées, jouant outre du reste de la bande et embrase ce qui restait de certitude. Une expérience qui vous carbonise la carcasse, littéralement. Pas étonnant pour un groupe qui tire son nom du passage menant à un des sites les plus anciens de Catania, sur les pentes du toujours vert volcan Etna. Explosif vous dites ?
Blues Lee est une formation belge. Limbourgeoise très exactement. Elle est née en 1995. Deux ans plus tard, elle était déjà invitée au Belgium R&B Festival de Peer. Depuis, elle s’est produite sur de nombreuses scènes européennes et même en Afrique du Sud ainsi qu’aux Caraïbes. Elle a commis son premier elpee en 1999 : "Fame's got a name". Un live ! Il sera suivi de "Bubba" en 2001 et "In the crack of the map" en 2004. Le line up réunit cinq musiciens : Bies Biesmans, alias JB, au chant, à l’harmonica et aux saxophones, Karel Phlix aux guitares, Jan Corthouts à la six cordes rythmique, Jan Ieven (ex El Fish) à la basse, au tuba et aux percussions ainsi qu’Yves Bosmans aux drums.
Bies, Karel et Jan se partagent l'écriture des douze plages de ce nouvel opus. La guitare de Karel ouvre le feu pour introduire "Honey please don't", une compo imprimée sur un tempo assez soutenu. JB chante et alterne ses interventions entre l'harmonica et le saxophone. Les arrangements sont bien travaillés. Les lignes de basse sont apportées par le tuba. Investie par les percus, l'atmosphère est très louisianaise. Largement amplifiée, la guitare continue de diriger les débats tout au long du plus funky "Liar". Les vocaux sont impeccables. Karel, Jan et Yves apportent leur concours aux chœurs. JB excelle au saxophone ténor pendant que la basse de Ieven virevolte sur une toile de fond sonore à la fois dense et remarquable. "For a ride" change une nouvelle fois de registre. Une ballade jazzy bien ciselée. A cet instant, nous ne sommes plus très loin de l’univers d’un Steely Dan. La voix de Bies domine magistralement les arrangements ambitieux où tous les instruments trouvent leur place. Tout en finesse, le solo jazz de Karel Phlix fait merveille face à la sonorité étrange, désuète du violon de Niels de Caster. Au sein de ce décor, on distingue bien les deux saxophones : celui de JB et puis d’un invité, l'ami Gert Servaes (Big Mama's Kitchen, Dizzy Dimples). Amusant et dansant, presque cow-boy dans la démarche, "Hillbilly Joe" constitue un interlude country. Nils de Caster s’y éclate entre violon, lap steel et mandoline. Blues rock primaire, "Lazy ways" campe un shuffle à la texane. La démarche est très simple. L'impact direct. Soutenu par une section rythmique solide comme du béton, JB souffle dans les aigus comme un Jimmy Reed inspiré. La voix de Bies est susceptible de changer de registre. A l’instar de "Peaceful soul", une parenthèse roots insérée au sein de cet opus assez électrique. La guitare acoustique de Jan se frotte pour la circonstance à l'harmonica. Blue Lee emprunte alors des routes bien étranges, poussiéreuses… Karel fait glisser son bottleneck sur la guitare Resonator. Il trace ce chemin tant redouté : "Destination Hell". La rythmique s'alourdit. Les musiciens ne doivent-ils pas croiser la route du diable en personne? L'ensemble s'emballe. L'harmonica pousse des cris d'effroi. Le démon doit leur avoir insufflé une sacrée dose d'énergie pour exécuter un rock'n'roll boogie échevelé de la trempe de "Nicole". Tous les musiciens poussent Karel, leur soliste, à l'avant-plan, tandis qu’un autre invité, Patrick Cuyvers (Hideaway), malmène son piano. Compo originale, "Seven days" ne maque pas d’intérêt. Biesmans chante autoritairement cette excellente plage couverte d’accents menaçants. Ce southern rock rocailleux se mue cependant en western, lorsque les cordes réverbérées et le sax soprano se mettent à disserter face à une machine rythmique surprenante, de laquelle émerge la basse fantomatique de Ieven. Cette flambée de fièvre s’achève par un délire instrumental intégral. Blues Lee concède "Shovin'", un excellent instrumental très jump et swing. Au cours de cette plage les différents instrumentistes rivalisent de virtuosité. Le titre maître est très complexe. Il s’ouvre tout d’abord dans le rap. Et face aux percussions syncopées d'Yves, l'orgue Hammond de Cuyvers épouse un profil très funk. La production de Ieven est ici encore mise en évidence. Divertissant mais discutable, "Blind bold & barefooted" achève cet opus qui a le défaut de ses qualités : il fourmille probablement de (trop) nombreuses idées.
Wes MacKey est originaire du Sud profond. De Yemassee, en Caroline du Sud très exactement. Ce musicien est aujourd’hui âgé de 61 balais et il y a déjà 40 ans qu’il sévit sur les scènes locales, arpentant les vieux juke joints de sa région. Ce qui lui a permis d’accompagner, sur les planches, John Lee Hooker et Muddy Waters à Augusta, en Georgie. Ce chanteur/guitariste s’est quand même produit bien loin de chez lui. Et notamment en Russie, en France, en Islande et même en Asie : à Hong Kong ainsi qu’en Malaisie. Il s’est établi à Vancouver, au Canada, depuis quelques années. Il y a enregistré un premier elpee curieusement baptisé "Second chance", une œuvre nominée par la Toronto Blues Society, en 2003. Il vient donc de commettre son deuxième opus, bien plus judicieusement intitulé "Mr Blues".
Le disque s’ouvre par "Who do ya voodoo?". Le tempo est enlevé. La voix de Wes est feutrée, veloutée ; mais il est capable de la moduler. Et c'est sans douleur aucune qu'il pousse ses vocaux sur cette plage participative. Il tempère son ardeur pour aborder "Baby done gone". La musique est savoureuse. Tout est bien en place. La guitare de Mackay ne distille que les notes nécessaires, celles qui sont au service de son blues. Le piano de Dave Webb suit bien le mouvement. Wes reprend alors une des compositions les plus célèbres de Jimmy Reed : "Baby what you want me to do?". Le rythme est nonchalant. Son timbre se prête admirablement à ce style. De son harmonica, Oliver Conway apporte la petite touche indispensable qui fait la différence. Incontestablement, MacKay est au sommet de son art, lorsqu’il chante le blues lent. A l’instar d’"Angel girl". Une tristesse infinie nous envahit lorsqu’il épanche son émotion contenue. La mélodie de "Blues Boss" est superbe. Elle est entretenue par le son du synthé de Kenny Wayne et parcourue par les petites grappes de notes empreintes de douceur, des notes distillées par les cordes. Wes chante son "Born in Carolina", une compo autobiographique. Il nous raconte sa jeunesse sur un ton allègre. Une impression qu’il communique à la tonalité de ses six cordes. Bien soudée, la petite équipe s'attaque alors au répertoire de Sam Cooke. Et tout d’abord à "Ain't that good news". Le rythme est très enlevé. Tout est mis au service du mouvement : les chœurs gospel, la guitare, le piano de Webb et la section rythmique, que se partagent Bob Popowich à la basse et Chris Nordquist aux drums. Beaucoup plus lent, "A change is gonna come" est un réel bonheur pour les oreilles. Sensuelle, la voix s’enflamme face à l'orgue Hammond qui prend son billet de sortie. MacKay adapte de nouveau Jimmy Reed, en exécutant une version très personnelle de "Shame shame shame". Le tempo est très soutenu, la rythmique débridée. Dave Webb accorde ici son meilleur solo au piano. Wes continue de s’approprier des blues signés par d’autres artistes notoires. Sa relecture du "Nervous" de Willie Dixon est un nouveau moment de bonheur. Webb est parfaitement dans le rythme. Il peut alors sortir le grand jeu. Ses notes sont particulièrement bien senties tout au long de ce downhome blues de grande classe. Et celle du "Bright lights, big city" de Jimmy Reed (NDR : sa dernière signée Mathias James) ne manque pas, non plus, de charme. Il y susurre les lyrics de son timbre envoûtant. Le titre maître nous ramène à "Angel girl". Blues Boss Wayne s'est assis derrière l'orgue Hammond. Mais ce sont les cordes qui sont particulièrement mises en évidence tout au long de cette plage empreinte d’une grande douceur ; des cordes qui accentuent le sentiment de misère véhiculé par cette musique. Wes se fend alors d’une version très personnelle du classique "I'll play the blues for you". L'homme est heureux. Les enfants conjuguent leurs voix en harmonie. Les chiens aboient. Il peut alors chanter en liesse un morceau consacré à son voisinage, "In my neighborhood". Un blues comme on n'en commet plus guère de nos jours. Ce titre clôture, par ailleurs, cet album d’excellente facture…
Avant de jouir d’une distribution digne de ce nom, Art Brut en a chié. Beaucoup. Trop. Finalement, le petit label Fierce Panda leur a laissé une chance. Notre chance en quelque sorte. L’année dernière, nous découvrions donc « Bang Bang Rock & Roll », premier album miracle de ces sympathiques Londoniens. Nous vous en disions tant de bien (voir l’élogieuse chronique de G.E.). Aujourd’hui, Art Brut est signé sur une Major. La terre tourne à l’envers : dans le sens des musiciens, à contresens des desiderata de l’industrie musicale.
Comment explique-t-on qu’en 2005, Art Brut se soit fait balancer de toutes les maisons de disques ? Qu’en 2006, ces mêmes maisons de disques viennent leur déposer une valisette de diamants pour les héberger ? Plusieurs raisons sont avancées : un sens aiguisé de l’observation, un super patronyme, des refrains idiots à gueuler comme des sots et un accent britannique caractéristique. A faire tomber les irréductibles fans de Blur et Pulp. Au chant, la verve d’Eddie Argos fait des ravages : « Formed a Band », « Bang Bang Rock & Roll », « My Little Brother », « Bad Week-end ». Il y a plus d’un an que la mayonnaise n’est pas prête de tourner ! En cause, une distribution internationale appropriée et un disque bonus du plus bel effet. De nouvelles chansons sans ambitions viennent ainsi donner une bonne leçon aux productions prétentieuses de bon nombre de leurs contemporains. Et toujours de chouettes histoires : celle d’un gars qui se fait frapper à l’école (un fan de rock ? Un fan d’Art brut en 2005 ?) sur « These Animal Menswear » ou, encore, celle d’un type gratouillant dans sa chambre en se prenant pour une star (Art Brut en 2005 ?) sur « Maternity Ward ». Sans oublier les versions live des grands moments du disque (« Rusted Guns of Milan », « Modern Art »). Bref, vous l’aurez compris : Art Brut, c’est fort !
La vie du chroniqueur est faite de ces moments d’égarement où l’on choisit un disque juste parce que la pochette nous fait rire. C’est un peu le cas de ce trio français pratiquant, excepté quelques incursions dans le hardcore et le métal, un punk rock très mélodique ; mais également très ‘californien’ (Sum 41, etc.). De la musique ‘pêchue’ (le titre annonce la couleur) dont l’énergie est bien rendue par la production musclée du disque. Néanmoins, nos gaillards restent fidèles aux codes du genre. Ne vous attendez donc pas à une quelconque révolution ; mais à quelques morceaux sympathiques dans le style (ce qui n’est déjà pas si mal). On épinglera pour exemple le rock’n’roll « Goddamn », « Nobody » ou encore « Usa » et son intro espagnole. Le reste est loin d’être indigne mais s’adresse d’abord aux fanatiques du genre, qui devraient, tout naturellement, y trouver leur compte…
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