Jeune auteur-compositeur-interprète français, Romain Lateltin, nous propose "Elle veut de l´homme", son second album qui, tout comme le premier ("A l´intérieur de soi-même", sorti en 2003), est un album concept. Pour la circonstance, l´artiste se penche sur la vie d´une trentenaire vierge et nymphomane! Vu le sujet, on aurait pu s´attendre à un album graveleux. Au contraire! Soutenue par des mélodies très séduisantes, principalement pop, ponctuées de notes électro ou world, la finesse de la plume du jeune artiste conduit à une œuvre décalée, parfaitement réussie. En effet, dès le premier morceau ("Femme anodine"), on entre dans l´univers de l'artiste et de son héroïne, et on souhaite ne plus en sortir! Le chanteur parvient à nous tenir en haleine et nous impatiente de connaître le sort de cette pauvre fille.
Romain Lateltin (dont les influences oscillent de Gainsbourg à Jean-Louis Aubert, en passant par Zazie, Depeche Mode et les Doors) ne manque ni de créativité ni de talent. Talent qui n´a d´ailleurs pas échappé à Raphaël, dont il a assuré certaines premières parties. On espère donc que le public adoptera son conte musical et surtout Romain Lateltin, même si certains (et surtout certaines), peu réceptifs (ou réceptives) au second degré risquent fort de ne pas apprécier l´ironie du jeune homme et de ne voir en lui qu´un misogyne!
‘Faites l’amour, bordel !’, tel devait être l’adage de Nerina Pallot (prononcez ‘pallow’) durant l’écriture de son second essai. Susurré de la sorte, cette maxime n’a plus rien d’un ordre. On l’applique sans se priver. Ode à la chaleur des corps, « Fires » s’érige également en pamphlet dénonçant les feux de la discorde. Non pas ceux de la guerre mais ceux de l’amour (« Heart Attack », « Sophia »). Le single « Everybody’s Gone To War » et ses préoccupations politiques, était donc une fausse piste. Dommage. D’aucuns auraient pensé que la jeune femme avait beaucoup plus de choses à dire que ce dont elle fait étalage sur les dix autres titres. Néanmoins, sa voix envoûtante provoque un effet magnétique. L’oreille collée aux baffles, le son du gracieux « Nickindia » envahissant l’atmosphère, on se laisse aller à fantasmer sur le parfait amour et ses avantages collatéraux. Vocalement proche de Missy Higgins et lyriquement de Natalie Imbruglia voire, pour ceux qui s’en souviennent, de Tanita Tikaram, Nerina Pallot s’offre malheureusement une œuvre éphémère se consumant trop vite. L’éclat de sa plume ne causera dès lors et certainement que peu d’étincelles… sauf dans la chambre à coucher.
Pour tous ceux qui auraient loupé un ou plusieurs épisodes de ces folles aventures, reprenons les choses au commencement. David Pajo demeure une des figures emblématiques du rock alternatif. Ce garçon a creusé de nombreux fossés, perçant de nouvelles galeries, ouvrant des perspectives aux jeunes générations.
Fin des années 80, on retrouve David Pajo à bord de Slint, groupe impétueux, posté à l’avant-garde du math-rock. Dans les nineties, le musicien portera les couleurs de The For Carnation et, surtout, des incontournables Tortoise. Fort de ces différentes expériences, David Pajo est régulièrement sollicité. Ainsi, en 2003, Billy Corgan, alors en dépression post-Pumpkins, lui propose une virée du côté de chez Zwan, supergroupe à la mégalomanie assumée.
En solo, David reste discret. Caché sous les patronymes d’Aerial M ou de Papa M, il livre régulièrement des disques de bonne facture. L’année 2005 marque néanmoins un tournant dans la vie de cet expérimentateur de l’ombre. David Pajo décide, en effet, de chanter sous son propre nom. Révélation. Plus fort encore, son premier album porte son nom : écouter l’éponyme « Pajo » et pleurer la dépouille d’Elliot Smith...
Elliot Smith. On y revient toujours. Le nouvel album de David Pajo s’intitule « 1968 ». Très bien. En 1968, Elliot Smith n’était pas encore né. Même pas mort. De toutes façons, les pop-songs de David Pajo s’inscrivent au calendrier de ses loisirs. Il ne cherche pas à reproduire les délices sonores du pauvre Elliot. Pourtant, il s’en approche, insouciant de son époustouflant talent. Peu médiatisé, David Pajo constitue une alternative de choix aux œuvres des Beatles et de Nick Drake. Pajo ou la plus belle découverte pour tous les lèche-bottes de Sufjan Stevens. Les chansons gravées sur « 1968 » forgent davantage encore ce constat. Les mélodies s’enchaînent, laissant derrière elles des effluves sixties revigorantes. On s’incline devant la classe de certaines compositions : « Who’s That Knocking », « Insomnia Song ». On sourit en percevant un clin d’œil mélancolique : « Let It Be Me ». On se délecte de cet album en forme de livre de chevet. A écouter le soir, au coin du lit, un peu d’herbe à la main. Sans crainte du lendemain.
The Red Krayola (NDR : ou Red Crayola, l’orthographe changeant d’un disque à l’autre) est une formation américaine né en 1966. Evoluant à l’origine sous la forme d’un trio, elle deviendra, à partir de la fin des seventies, le projet d’un expérimentateur à la fois génial et farfelu : Mayo Thompson. Si à la fin des sixties et au cours de seventies, le groupe texan (NDR : de Houston, très exactement) va surtout explorer l’univers psychédélique, proche d’un Syd Barrett ou contemporain, réminiscent des Mothers of Invention de Frank Zappa, c’est le mouvement punk le plus alternatif qui va lui donner une nouvelle impulsion. Il s’installe alors en Grande Bretagne, puis en Allemagne, et relance l’aventure d’un Red Krayola à géométrie variable qui impliquera, suivant les époques, Lora Logic (X Ray Spex, Gina Birch (Raincoats), Epic Soundtracks (Swell Maps) et surtout David Thomas (Pere Ubu). Ce qui vous donne une petite idée de la forme très alternative de ses desseins sonores. Mayo continue d’ailleurs de militer au sein de l’underground le plus pointu, puisque récemment il a collaboré aux travaux de Jim O’Rourke, Gastr Del sol et Tortoise. Intitulée « Singles » cette compile réunit des morceaux commis entre 1969 et 2004. Des singles ? Qui sont alors tous passés inaperçus. Aucun titre majeur d’ailleurs. Pas davantage de trace du classique « Hurricane fighter plane », immortalisé en son temps par les Cramps ou de titres concoctés au cours de sa période la moins marginale, c'est-à-dire parus chez International Artists. On y recèle cependant trois fragments commis au cours de la carrière solo de Mayo. Bref, s’il n’est manifestement pas le génie qu’on voudrait bien nous faire croire, il faut reconnaître que le parcours de ce visionnaire mérite une attention toute particulière. A cause de l’évolution de sa muse qui a toujours été constante et même avant-gardiste. Thompson souhaite même encore développer de nouveaux projets. A moins d’être à la pointe de l’actualité, vous n’en entendrez probablement jamais parler. Mais sachez que c’est ce genre d’artistes qui permettent encore aujourd’hui à la scène pop/rock d’évoluer…
Pour ceux qui ne connaissent pas encore Scala, le concept de base est simple : une chorale reprend des morceaux pop-rock à succès. Composée uniquement de jeunes filles, elle est soutenue par un piano. Cet album réunit notamment des titres de U2, Radiohead, Coldplay, Kaiser Chiefs, Depeche Mode et Alanis Morissette. Deux frères ont initié ce projet : Steven et Stijn Kolacny. Un projet qui n'est d'ailleurs pas passée inaperçu. En effet, la chorale d´Aarschot a remporté le titre de ‘Chœur de l´année 1999-2000’, collaboré plusieurs fois avec Indochine (lors de leur précédente tournée et sur l´album « Alice and June »), ouvert le dernier concert d´Alanis Morissette à Bruxelles et pourrait rejoindre Muse en studio.
Cependant, même si l´ambiance dégagée par les voix de ces jeunes filles est séduisante, dès que l´effet de surprise est passé, les exercices opérés par Scala s´essoufflent et survivent surtout grâce au choix judicieux des reprises. C´est exactement l´impression laissée par « It all leads to this » qui constitue ‘déjà’ le cinquième album de la chorale. ‘Déjà’, car Scala n´est, au bout du compte… qu´une chorale ! Et quoi de plus difficile pour des chœurs de se renouveler. Ce disque n´est donc que la suite des précédents : « Scala on the rocks », sorti en 2002, « Dream on », en 2004, « Respire », recelant essentiellement des titres chantés dans la langue de Molière, paru la même année et « Grenzenlos », celui-ci dans la langue de Goethe, en 2005. Une œuvre sans grande originalité, même si certains titres préparés à la sauce Scala valent le détour. « Yellow » de Coldplay et « Enjoy the silence » de Depeche Mode, tout particulièrement.
Exit Jim O’Rourke, le line up de Sonic Youth en est donc revenu au quatuor de base. Et curieusement, leur musique épouse une forme plus pop, plus mélodique, comme au début des années 90, période marquée par la sortie des albums « Goo » et « Dirt ». Ce qui n’empêche pas la formation new-yorkaise de continuer à jouer sur les dissonances. De mouler les compos dans leur noisy, parfois même à la limite du psychédélisme. Plus étonnant, alors que le groupe constitue une référence de choix pour de nombreux artistes contemporains, cet elpee laisse transparaître ses propres influences de manière bien plus évidente. Qui manifestement oscillent ici du Velvet Underground à Can en passant par Television. Pour enregistrer cet elpee, S.Y. a reçu le concours de John Agnello (NDR : dont la carte de visite impressionnante – pour plus d’infos http://www.johnagnello.com/index.php?sitesection=discography - mentionne notamment Cell, Dinosaur Jr, Dylan, Graham Parker, Breeders, Lemonheads, Madrugada, Mark Lanegan, Patti Smith, Roger Waters, Screaming Trees, Steve Wynn et The Kills) à la co-production. Et il faut reconnaître que la mise en forme des treize titres de cette plaque est parfaite. Ce que les aficionados d’expérimentation pure leur reprocheront sans doute. N’empêche, cet opus s’avère de bonne facture et recèle même de petites perles. Et je pense tout particulièrement au visionnaire « Reena », à l’incandescent (NDR : oui je sais, le jeu de mot est facile) « Incinerate », au brumeux « Do you believe in rapture ? », à l’atmosphérique « Pink steam » ou encore à la rencontre entre post folk et néo krautrock opérée sur « Or ». Titres plus aventureux, « Sleepin around » (Grateful Dead ?), l’hypnotique « What a waste », « Rats », un fragment intimiste parcouru par la basse no wave de Kim Gordon ainsi que « Helen Lundeberg », bonus track torturé, tourmenté, presque martial, démontrent que le combo n’est pas en panne d’imagination. Un disque pour faire le point, tout simplement.
L’année dernière, Supersystem publiait son premier album : « Always Never Again ». La démarche consistait à croiser beats et hymnes punk, rock et dance. Programme pour le moins putassier. Et, de fait, cette vulgarité affirmée engendra un oubli spontané de cet essai loupé. Allez hop, deuxième tentative : « A Million Microphones ». Placée en ouverture du disque, « Not The Concept » ne change pas forcément la donne. Prenez la choucroute d’hier, tapez-là au micro-onde, appréciez : c’est réchauffé...
Mais ne jetons pas trop vite la pierre au cul de Supersystem. Leur tambouille semble en effet se diversifier. Parti d’un bordel sonore uniforme et inconsistant, le groupe met les gaz, passe la quatrième et accélère dans les montées. Du coup, on se surprend à remuer du popotin (« prophets »), secouer le bas des reins (« Revolution Summer ») et faire coin coin. Super chouette mais pas extra fou, ce nouvel album replace Supersystem sur la carte bâtarde de l’electro-clash. Quelques morceaux laissent encore à désirer. « The Only Way It Ever Been Done » et son beat boosté aux pouets pouets d’un klaxon digne du plus fidèle supporter de Manchester United ou le triste « Joy ». Inodore, indolore.
Pour le reste, c’est plaisant : cycliques, les lignes de basse subissent les attaques répétées de riffs nerveux. Ces vrais instruments enfantent ainsi une musique festive, proche des déflagrations produites du côté de chez DFA. On pense évidemment à LCD Soundsystem mais aussi à The Rapture. Par modestie, on rapprochera davantage le concept de Hot Chip ou d’Out Hud. Bref, le system n’est pas encore super. Mais le processeur semble avoir trouvé sa vitesse de croisière...
En matière de métal l’Allemagne est une grande productrice de combos inspirés par Iron Maiden, Scorpions et Judas Priest. Souvent lourdingues et dénués d’originalité - à de rares exceptions près - ces formations se contentent de piller l’œuvre des trois références métalliques précitées. Ce n’est pas le cas de Te Deum, nouvelle sensation teutonique qui réunit six ‘charismatic boys’, comme le précise la bio, et se proclame groupe de ‘Nu Melodic Rock’. Loin d’Helloween, d’Axel Rudy Pell ou de Grave Digger, Te Deum se contente de singer Linkin Park, Blink 182 ou Deftones. Là où le bât blesse, c’est au niveau des compositions : elles sont stupéfiantes de banalité. Quant à la production, elle est incapable de rivaliser avec celle des monstres de la grosse industrie ricaine. Sans aucun intérêt !
Winnebago Deal n’est pas un néophyte sur la scène stoner underground. Formé par le tandem Ben Perrier et Ben Thomas, il écume les clubs d’Oxford depuis 1999, tout en revendiquant son adhésion à une forme de hard rock réputée pour son esthétique nouvelle. Sur le plan musical, le groupe doit autant à Black Flag qu’à Kyuss ou Turbo Negro. Des influences évidentes dès les premiers balbutiements du combo qui gagne la confiance d’un plus large public en assurant les premières parties de Fugazi, des Dwarves et de High on Fire. Proclamé meilleur espoir anglais par le magazine Kerrang, en 2003, le groupe signe un contrat chez Double Dragon Music et commet son premier elpee en septembre 2004. C’est lors de la tournée accomplie en compagnie de leurs amis de Mondo Generator qu’un véritable engouement des médias spécialisés et de la presse underground va se déclencher. Produit par Jack Endino, le « Monsieur Bleach » de Nirvana, « Flight of the Raven » est le prolongement logique de l’album « Dead Gone », soit le fruit des amours entre un Queens of the Stone Age sous acide et un Black Flag encore boutonneux. Agréable, mais pas indispensable.
Ad van Meurs a emprunté le sobriquet de ‘The Watchman’ lors de son passage au RockFest de Prague. En 1988. Spécialisé dans la roots music (NDR : il préfère le terme rhythm & folk contemporain) ce singer songwriter a commis un opus éponyme en 1991, alors qu'il tournait aux Etats-Unis. Des sessions d’enregistrement que le Néerlandais a opérées à New York et au Texas. Il monte le Watchman Band en 1992 et embraie par un second elpee : "Narcisse". Il se produit alors inlassablement en Europe et aux States où il concocte "Peaceful artillery". En 1994. Disque qui sera suivi par "Broken lock & rhyme" en 96 et "Flight over life" en 97. Sa vie musicale est ainsi partagée entre longs périples et sessions d’enregistrements, qu’il ponctue par la sortie d’un album annuel. Pourtant son dernier long playing remonte déjà à 2004, "Weep on, willow". Une œuvre de blues léger!
Ad a composé l’intégralité des textes et toute la musique de cet elpee. Les prises de son, le mixing et la production ont été assurées par son épouse et compatriote, Ankie Keultjes. Il a bien sûr reçu le concours de ses musiciens : Stephan Jankowski aux guitares, Théo Wijdeven à la basse et Eric van der Lest aux drums ; ainsi que de quelques amis invités. Des guitares bien séduisantes ouvrent "Eagle lander", un instrumental caractérisé par la pureté de la ligne mélodique et la complémentarité entre le dobro de Van Meurs et la guitare acoustique de Stephan! Le titre maître nous entraîne au cœur de l'ambiance glauque des vieux ports, un climat que n'aurait pas renié notre Arno national ; mais pour la circonstance, les voix d'Ad et de sa tendre Ankie se conjuguent en douceur, face à l’incontournable accordéon de Pim Kops et le piano de Gerard de Graaf. Jankowski est un gratteur extrêmement compétent. Il souligne le vocal d’Ad, tout au long de "The ring", de sa guitare espagnole, sur un ton de jazz suranné. "Dumbo" baigne au sein d’une même atmosphère hispanique mais allègre. L’aspect festif est entretenu par les percussions et la guitare électrique de Gene Williams. Sa "doobie guitar" répète à l'infini le motif rythmique cher aux Doobie Brothers ; cependant, la palme revient à Stephan, qui laisse éclater sa classe naturelle aux côtés du djembé d'Osama Mileegi! Empreinte de romantisme et de tristesse, "Autumn blues" mêle folk, blues et jazz. Une plage limpide parcourue par la guitare étincelante de Jankowski. Quand une recette marche, pourquoi s’en priver ? "The river" recourt ainsi aux mêmes ingrédients : la corrélation entre cordes acoustiques, dobro et les percussions d'Osama. Ankie Keultjes interprète "Sleepless in Ostend" d’un timbre suave et romantique, une chanson subtilement traversée par les riffs du sax baryton de Menno Romers qui sonnent comme la sirène d'un vieux ferry quittant le port flamand. Bien posée, la voix grave de Watchman berce "The big ocean" dans la douceur du folk, pendant que la guitare de Stephan emprunte les accents d'une mandoline. Savant dosage de folk, de chansons et de roots, ce nouvel album du Watchman s’avère, ma foi, fort agréable à écouter…
Zoe ! Un nom pas tout à fait inconnu au sein du petit monde du metal en Belgique. Le groupe français a réussi avec panache la périlleuse mission d’ouvrir le dernier Schwung Festival… et donc de partager une affiche sur laquelle figurait Status Quo, Ted Nugent et autres pointures du hard rock international. « Make it Burning », premier opus des Dunkerquois, est une authentique surprise. Il s’inscrit dans le registre heavy/stoner rock qui déboîte sévère en libérant une véritable avalanche de riffs imparables et plombés. L’énergie dévastatrice libérée évoque Fu Manchu, Motorhead, Queens of the Stone Age ou encore Five Horses Johnson, et on imagine aisément Zoë flirter avec nos gloires nationales Cowboys and Aliens et Southern Voodoo. Le groove électrisant de « Think today », les décharges atomiques procurées par « Make it Burning », « Free born Man » ou « Coming Down », devraient mettre à genoux tous les amateurs de stoner, Américains compris. D’une densité hors norme, la plaque, deviendra à coup sûr un classique du rock qui suinte l’huile de moteur et sent le bourbon. Zoë a accouché d’un album irrésistible. Ne passez pas à côté de l’aubaine !
Al Basile et Duke Robillard se connaissent depuis plus de trente ans. Ils partagent une même passion pour le blues et le jazz. Et puis les aventures musicales de Basile ont souvent croisé celles du célèbre guitariste. Joueur de cornet talentueux, Al a sévi, comme premier trompettiste, au sein du big band notoire, Roomful of Blues. De 1973 à 75. Il a également collaboré à l’enregistrement de tous les elpees de Duke Robillard depuis 1988 (NDR : le premier, "You got me", est paru chez Rounder). Mais Al dispose de plusieurs cordes à son arc. Non seulement c’est un excellent instrumentiste, mais il est également chanteur, compositeur, arrangeur et poète. Il a commis son premier elpee en 1989 : "Down on Providence Plantation". Enseignant, il a pris sa retraite l'année dernière. Il en profite donc pour écrire. "Groovin' in the Mood Room" constitue son cinquième opus. Une œuvre qui démontre sa volonté de se réserver à l'écriture et au chant, délaissant volontairement (et sans doute provisoirement) ses instruments.
Dès l'ouverture, "I got to be the boss", le ton est donné. Un blues rock solide, fortement imprégné de R&B. La voix puissante domine. Elle me rappelle même celle de John Fogerty. Cette excellente composition aurait d’ailleurs pu sortir, tout droit, des bayous louisianais. La cohésion de l’ensemble est impressionnante. Il est vrai que les acteurs ne sont pas des débutants : le bassiste Marty Ballou, le drummer Mark Teixeira et le génial guitariste Duke Robillard. Le rythme prend son envol sur "How much better (better can get)". La voix mâle maîtrise son sujet lors de cette plage sculptée dans le pur rock'n'roll. La guitare du Duke balise parfaitement cette route sonore propice à l’envoûtement. La section rythmique manifeste une puissance de feu étourdissante. "She's on the mainline" fait instantanément mouche. Un R&B caractérisé par la présence des cuivres : Doug James au sax ténor et Al au cornet. "Picked to click" opère un retour au blues dépouillé. On a l’impression d’être englué dans les eaux poisseuses des swamps. La voix est bien posée. Le climat paisible. Légèrement réverbérées, les cordes de Robillard libèrent un maximum d’expression en un minimum de notes. Un travail de maître! "Your turn to pay", constitue, à mon humble avis, la plus belle composition de cet opus. Une ballade douce-amère, indolente, empreinte d’une grande mélancolie. La voix d’Al véhicule ces émotions. Passionnément. Toujours aussi fidèle, Duke y ajoute sa sensibilité personnelle. Avec flamme et intelligence. Une plage absolument remarquable. La musique d'Al Basile est souvent imprimée sur un même tempo. Mais elle se garde bien d’être répétitive. Au contraire. Chaque plage recèle un certain volume d’originalité. Même "Baby sister", une compo inspirée par le "Little sister" de Doc Pomus, interprétée autrefois par Elvis Presley. Al chante passionnément ce morceau embrasé par l'orgue Hammond de Bruce Bears. Autre point culminant de l’elpee, "I'm in the mood" nous entraîne dans une aventure psychédélique. A cause des cordes de Robillard. Trafiquées, puis recomposées à l'envers. C’est le moment choisi par Ballou pour prendre un peu de liberté sur les 4 cordes de sa basse. Trempé dans le southern rock blues, "The show must go on" aurait pu figurer au répertoire des Allman Brothers Band et devenir le théâtre de grands échanges instrumentaux. Duke s’y réserve un petit voyage divertissant. Plage également fort intéressante, "Your rights" est particulièrement inspirée par la country. Un peu à la manière de Delbert McClinton. Duke joue du dobro, de la guitare et, pour la première fois de sa carrière, accorde un solo au piano. Couvert d’accents très fifties, "Take my word for it" est profilé sur un rockabilly. Le rythme libère une bonne dose de groove. Un fragment illuminé par une intervention très métallique de Duke, proche de Scotty Moore. Ballade soul empreinte de délicatesse, "Be a woman" est fluidifiée par l’orgue Hammond. Nous ne sommes ici pas tellement loin de "Your turn to pay". L’histoire d’une vieille Cadillac Eldorado, datant de 1957, hante "Coffee and Cadillacs", un morceau qui marque un retour au rock'n'roll façon Chuck Berry. Cet opus d’excellente facture s’achève par un chanson dédiée à son fidèle ami (NDR : devinez qui?), "You satisfy".
Le plus célèbre groupe de boogie blues de la planète dispose d’une discographie contemporaine très riche. Et à cet égard, il faut remercier le label allemand Ruf qui s’est beaucoup investi pour l’étoffer. Il a ainsi édité "Blues Band" en 1999, "Boogie 2000" et "The Boogie House Tapes Vol1" (NDR : référence manifeste à la Boogie House d'Overijse, de notre Dr Boogie national, fan inconditionnel du Heat) en 2000, "Friends in the can" en 2003, "The Boogie House tapes Vol2" en 2004 et enfin cet "Instrumentals 1967 – 1996". Cette nouvelle collection est bien entendu consacrée à l'exercice instrumental. Elle revisite différentes époques du Heat dont la plus prestigieuse : la première. Et pour que votre information soit complète, sachez qu’un livre écrit par Fito de la Parra et paru en 2001 : "Living the blues", un bouquin sous-titré "Canned Heat's story, of Music, drugs, death, sex and survival". Tout un programme !
Ce recueil s’ouvre par "Parthenogenesis", l'instrumental le plus ambitieux concocté par le band. Près de 20' de folie ! Ce morceau figurait sur le double elpee "Living the blues", une œuvre parue en 1968. Une période assez révolutionnaire, il est vrai, pour la rock music! Cette fresque expérimentale est un collage de différents fragments destiné à mettre en exergue les divers musiciens. L'harmoniciste Alan Wilson pour "Five owls" et lors d’une aventure indienne intitulée "Raga Kafi". Un voyage permanent sur les cordes, imaginé par Sunflower Vestine. L'évasion de Fito réservée à "Snocky" ; mais également une partie assez brève, chantée par Bob Hite face au piano de John Mayall. Un morceau judicieusement baptisé "Bear Wires", immortalisé à l'époque de la sortie de "Barewires", long playing de Mayall. Sans oublier la présence de l’excellent bassiste Larry Taylor. Ces cinq musiciens de base chez Canned Heat figurent encore sur cinq autres plages qui datent de 67 à 1970. Dont "Mi Huautla", un titre qui met bien en valeur la puissance du souffle de Wilson à l'harmonica face aux percus de la Parra. Flanqué de Vestine et Hite, le jeu magique de Wilson est encore démontré tout au long de "Down in the gutter but free". Ces deux plages figuraient sur l'album "Hallelujah", commis en 1969. Et pour ceux qui adorent le swing et le jump, le bonheur est dans "Skat" ; un extrait de "Future Blues" caractérisé par la présence de cuivres et d’un piano boogie woogie, mais surtout par la basse extraordinaire de Taylor. Nous retrouvons le Heat en 71/72, au sein duquel milite un guitariste injustement méconnu : Joel Scott-Hill. Il se révèle talentueux et étonnement moderne lors du jump "Hill Stomp", et affiche une puissance impressionnante, aux côtés de Vestine et Hite, sur le boogie primaire "Caterpillar Crawl". Il faut ensuite faire un fameux bond dans le temps pour rejoindre le Heat. En 1990. Bob Hite n’est plus de ce monde depuis bien longtemps. C’est désormais Fito de la Parra qui dirige le boogie band. Et Fito est un excellent recruteur. Il déniche ainsi le prestigieux Junior Watson ; celui qui contaminera le combo de son style west coast jump. Et c’est manifeste sur "Hucklebuck", une compo parcourue par la basse acoustique de Junior ; ainsi que "JJ Jump", rehaussé par la présence de l’harmoniciste James "T" Thornbury. Matt Lucas n'a probablement pas la technique et la dextérité de Junior Watson ; mais c'est un guitariste qui allie inventivité et feeling. Très imbibé de l'esprit du Heat, il laisse disserter sa slide tout au long de "Gorgo boogie". Watson est impliqué lors des trois dernières plages. Elles sont cependant parues en 94, 95 et 96, sous différents line up. Quelle que soit la formule, il y justifie toute l’étendue de son talent. Soutenu par Mark Goldberg et Fito, il se révèle même impressionnant lors de la version ‘live’ de "Mambo tango". La plaque s’achève par le "Blues after hours" de Percy Mayfield. Un late night blues à la T-Bone Walker, caractérisé par la présence de Ron Shumaker aux 4 cordes. Un disque à la fois excellent et diversifié!
Charlie Musselwhite est né en 1944 à Kosciusko, dans le Mississippi. Cette légende vivante du blues est un des rares musiciens blancs à jouir d’une reconnaissance incontestable au sein de la communauté artistique de couleur noire. Son parcours y est sans doute pour quelque chose. En effet, à l’instar des bluesmen les plus célèbres, il a émigré vers les villes du nord. Il s’est ainsi arrêté à Memphis. Suffisamment longtemps pour hériter du surnom de Memphis Charlie. Il emprunte ensuite la Highway 51 pour se rendre à Chicago. Il y fréquente très vite le Southside ; quartier si dense en blues urbain qu’il en devient, tout comme Paul Butterfield et Mike Bloomfield, un des artisans du renouveau du blues. Il part ensuite vers la côte Ouest. A San Francisco, très exactement, la capitale de la contre-culture. Il vit toujours aujourd'hui en Californie. Il a commis une quantité impressionnante d'albums. Son premier, "Stand back", remonte ainsi à 1967! Au cours de son existence, il a traversé des moments difficiles. Notamment à cause de sa dépendance à l’alcool. Un démon qu’il est finalement parvenu à vaincre, il y a quand même bien longtemps. Il bénéficie aujourd'hui d'une notoriété exemplaire. Musicien d’exception, Charlie est un homme attachant qui se remet sans cesse en question. Tous ses derniers albums sont, en effet, fort différents! Sa moisson de nominations est impressionnante. Et tout particulièrement les WC Handy Awards. Il vient d’ailleurs de décrocher son19ème prix comme meilleur harmoniciste blues pour l’année 2006!
Lors de l’enregistrement de "Delta hardware", il a reçu le concours de sa toute jeune équipe de scène : le prodigieux guitariste norvégien Chris "Kid" Andersen, le bassiste Randy Bermudes basse et le drummer June Core. L'inspiration de Charlie nous propulse dans le Delta du Mississippi ; et tout naturellement du côté d'Oxford, dans les collines, là où se forge le son Fat Possum. Cependant, sa muse principale demeure le Chicago blues urbain. Et pour la circonstance, il est fort électrique. Charlie semble avoir opéré un retour dans le passé. A l'époque de ses débuts discographiques. Dans les années 60. Largement amplifié, son rock est largement teinté de tonalités rock. Faut dire qu’il dispose de musiciens rêvés pour y parvenir : une section rythmique sans faille et surtout un guitariste qui peut tout se permettre. Et toujours avec le même bonheur. Kid Andersen peut ainsi s’attaquer, sans jamais faiblir, au west coast jump en compagnie du maître du genre, Junior Watson. Ou encore se frotter au blues conventionnel. Quelle que soit la nature de la solution sonore, pourvu qu’elle soit blues, il se sent comme un poisson dans l'eau. Et en sa présence, le vieux Charlie brille de mille feux!
"Church is out" ouvre l’opus. Andersen plaque sèchement des riffs sur la guitare. L’entrée en matière est très rock, surprenante, mais très bien construite. La voix de Charlie occupe le devant de la scène ; mais son harmonica ne tarde pas à décoller pour atteindre, déjà, le sommet de son art. La slide du Kid se révèle très primaire tout au long du "One of these mornings" de Little Walter. Elle fixe cependant la ligne de conduite. Nous ne sommes guère loin des sonorités austères issues des juke joints poussiéreux du Mississippi. June Core imprime son tempo sur le rythme du chemin de fer. Blues bien amplifié, "Sundown" me rappelle "Rock me baby". Les musiciens libèrent un groove puissant qui a le don d'allumer l'harmonica du patron. "Black water" est un cri de désespoir et de colère face à l'étendue des dégâts causé par l'ouragan Katrina à la Nouvelle Orléans. Mais c'est surtout un discours de révolte dénonçant l'inaptitude des autorités politiques lors de ce désastre. Une atmosphère lourde envahit cette plage. Andersen accomplit une sortie brillante en reverb. Cette technique avait fait la renommée de Peter Green, à sa grande époque. Plus près de nous, Ronnie Earl l’avait adoptée. Charlie se met alors à souffler dans son harmonica comme lui seul sait le faire. L’émotion est à peine contenue, la douleur permanente. "Invisible ones" remet les mêmes questions sur le tapis! Confrontées aux percussions de June, les cordes balancent de petits riffs acérés pour marquer l'empreinte du boogie sur "Clarksdale boogie". Charlie chante cette plage de son timbre monocorde tout en répondant à ses propres vocaux de son instrument à bouche, pendant que Kid emprunte de petites phrases à feu John Lee Hooker, l’ami fidèle de Musselwhite! Pour la circonstance - et ce sera la seule entorse - il a recours aux samplers et aux loops pour accentuer le climat hypnotique entretenu par la section rythmique. En outre, des voix ‘live’ sont extraites du Red's Juke Joint de Clarksdale. Charlie attaque alors "Just a feeling", un classique écrit par Little Walter. Mais on reconnaît à peine sa version. Semblable à une manifestation de fureur, cette musique ressemble étrangement à celle du Cream, 40 ans plus tôt. Un peu comme si Charlie se mettait à souffler aux côtés d'un Clapton encore juvénile. Quoique très dynamique, sa reprise du "Gone too long" de Billy Boy Arnold est plus conventionnelle. Une opportunité rêvée pour briller à l'harmonica. Charlie a empoigné la guitare électrique pour exécuter "Town to town", un downhome blues assez rudimentaire. Le climat est cependant saturé de feeling et d'émotion. Ce superbe album s’achève par "Blues for yesterday", un Chicago shuffle. Ou si vous préférez un blues pour la route. Tout est parfaitement en place. Parfaitement soudés, les musiciens s'envolent, une dernière fois, vers les sommets…
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