En 2002, après seulement quatre concerts, la jeune formation de Devastations est invitée à assurer la première partie des Tindersticks lors de leur tournée australienne. Une marque de reconnaissance qui n’a rien d’étonnant, tant la qualité des compositions a largement de quoi séduire les amateurs de sons doux, mélancoliques, sombres mais bienfaisants. Lors de la sortie du premier album éponyme (en 2003), Karen O des Yeah Yeah Yeahs clamait que c’était ‘ la plus belle chose qu’elle ait entendue cette année-là’. Bizarrement, derrière un nom de baptême que n’aurait pas renié un groupe de metal slave, se cache une apaisante cascade de chansons dont la voix dicte le rythme. Une voix suave, non forcée, dont le timbre rappelle parfois celui de Leonard Cohen dans sa façon de s’étirer sans jamais oser s’envoler. Le piano, présent sur chaque titre de ce deuxième album, apparaît comme le second élément essentiel de la barque et ne lâche jamais prise jusqu’au dernier (et magnifique) morceau de clôture où il est rejoint par un… violon. Tout au long de la promenade, le trio australien (désormais établi à Berlin pour les raisons qu’on imagine) déborde d’arguments et manifeste une cohérence mélodique exemplaire. Un disque à placer entre le salon et la chambre, voire dans une salle à manger où dansent quelques chandelles sur fond de tête-à-tête.
Le nom de l'artiste renvoie évidemment à celui de son frère Brian, claviériste originel chez Roxy Music et magicien des sons. Roger collabore fréquemment avec ce dernier, ainsi que d'autres personnages illustres du vaste monde rock, parmi lesquels Daniel Lanois. Roger est aussi le compositeur de nombreux soundtracks, dont ceux des films 'Dune' et 'Neuf semaines et demie'. La présente réédition nous révèle encore une autre facette de ce multi-instrumentiste. Réalisé en 94, « The Flatlands » propose 18 courtes compositions pour piano et cordes. Soit une musique de chambre contemporaine aux réminiscences du septième art. Subtiles et délicates, légères sans jamais être mièvres, les plages se succèdent dans une délicieuse ambiance feutrée. Cette œuvre entièrement instrumentale ne livrera toutefois sa beauté fragile qu'aux amateurs du genre.
Composé de musiciens recrutés dans des bands comme Soul Asylum (Daniel Murphy), The Jayhawks (Marc Perlman et Gary Louris) ou encore l’excellent Wilco (Jeff Tweedy), ce combo hybride apparaît comme une savante réunion de prestataires qui n’ont aucune envie d’élire une tête pensante. Se répartissant les tâches avec anarchie, ils se retrouvent huit années après un album intitulé Weird Tales qui - soyons honnêtes - n’avait pas marqué les mémoires. Quand l’un chante, l’autre joue de la guitare, et quand l’autre se met aux ‘drums’, l’un s’adonne aux ‘vocals’. Le résultat est forcément déstabilisant, puisqu’on perd chaque fois nos repères au fur et à mesure du défilement des chansons. D’un pop-rock banal en ouverture, on passe directement à un rock’n roll plus enjoué, avant de poursuivre dans la légèreté et de s’abandonner, ici et là, à des plages plus délicates d'où s'extirpe une voix féminine. Le fil conducteur ? Il se décèle après plusieurs écoutes, lorsque nos oreilles comprennent qu’il n’y a rien à comprendre. Il suffit d’accepter le fait que le conventionnel peut côtoyer le plaisant.
Evoquer Charlotte sans effleurer la mémoire de Serge n’est pas chose évidente. Charlotte Gainsbourg est donc bien la fille de son père. Mais certainement pas une fille à papa. Capable de se débrouiller seule, Charlotte sait s’entourer. Pour son retour à la musique, elle a donc choisi de s’oublier dans les mélodies de Nicolas Godin et Benoît Dunckel (les artisans de Air), de chanter les textes de Jarvis Cocker (Pulp) ou de Neil Hannon (The Divine Comedy). Aux manettes, l’incontournable Nigel Godrich fait des merveilles. Epaulée par de telles pointures, Charlotte ne pouvait manquer son rendez-vous, l’heure fatidique : « 5:55 ».
Près de vingt ans après « Charlotte Forever », les premiers mots de la chanteuse sont fredonnés en français (« 5:55 »). Une exception pour confirmer la règle : « Tel que tu es » mis à part, le reste du disque s’égraine dans la langue de Shakespeare. La deuxième chanson, intitulée « AF 607105 », évoque les aléas d’un voyage en avion. L’album peut enfin décoller. Lentement, d’un ton mélancolique, Charlotte pose son timbre sur une couette sonore aérienne, atmosphérique. Nonchalante, elle abandonne ce filet de voix aux étoiles, à la nuit. « The songs that we sing », premier single de ce recueil nocturne, relance le rythme de l’album. En fin de parcours, Charlotte se laisse aller au gré de « Morning song », hymne oedipien, seul titre du disque écrit de ses mains. « 5:55 ». Il se fait tard. Demain est un autre soir. Ne l’oublions jamais. Et Charlotte chantera... Forever.
Fans de Hip-Hop, accrocs de la platine, disciples du gros son, préparez-vous à frémir, car l’armada Jurassic 5 envahit à nouveau vos soundsystems et semble des plus revancharde ! Après quatre longues années d’absence, véritable traversée du désert pour les inconditionnels du combo californien, c’est un « Feedback » très inspiré qui succède à « Power in Numbers », en balayant d’un revers de la main les ultimes doutes des mélomanes cartésiens… La bande à Chali 2na demeure bel et bien dans les hautes sphères du "Panthéon du Rap". Les armes ont été affûtées : mélodies précises, samples efficaces, rythmes entraînants, flots irréprochables, scratches endiablés. Le tout, saupoudré d’élans funky (par exemple, sur le savoureux « Gotta Understand » et son sample de Curtis Mayfield) ou soul (avec « Brown girl » sur lequel posent les deux sœurs Brick & Lace) auxquels nous ont habitués les J5. A la mesure de l’attente légitime, ce quatrième opus atteint une nouvelle fois sa cible. Pourtant l’équipe, orpheline de l’un de ses deux fameux Dj - en l’occurrence Cut Chemist - était attendue au tournant. Profitant de l’élan de son « Litmus Test » - sorti en 2004- ce dernier a définitivement décidé de voler de ses propres ailes. Intitulé « The Audience's Listening » son premier véritable album solo a d’ailleurs envahi les bacs depuis juillet et vaut à plus d’un titre le coup d’oreille. Néanmoins Nu-Mark, ex-côté pile du duo, négocie parfaitement le virage et signe même sur la dernière plage de « Feedback » une instru réjouissante, « Canto De Ossanha », qui ravira tous les apprentis Dj’s. Côté collaboration, signalons la présence de quelques guests-stars, un featuring de Mos Def sur « Where We At » et la participation, un peu plus surprenante, de Dave Matthews Band pour « Work It Out ». Enfin, « Get it Together » adresse un petit clin d’œil au « Come Together » des Beatles. Car, à l’instar des quatre de Liverpool, les 5 de Los Angeles sont eux aussi des ‘garçons dans le vent’. Ce dernier soufflait déjà en 1993 depuis la côte Ouest, et ne semble pas encore prêt de cesser.
Que nous reste-t-il de la rébellion adolescente lorsque nous dépassons le cap des 20 ans ? Si cette interrogation devait faire l’objet d’une étude sociologique, certainement plus d’un chapitre serait consacré à l’exemple « Morningwood ». A la première approche, si l’on se réfère à cet exemple, l’humour acerbe, voir potache, semble constituer un semblant de réponse. Morningwood s’avère cependant être un cas extrême. En témoigne le nom de la formation et le jeu ‘Miss Wet T-Shirt’ proposé sur le site officiel. Effectivement distrayants les 10 premières minutes, les restes de jeunesse du quatuor s’avèrent, à la longue, tout simplement pathétiques. De cette pop-punk immature on ne retiendra que l’évident mais non moins brillant single « Nth Degree ». Et on préférera oublier au plus vite la ligne de basse et autres sonorités peuplant « Take Off Your Clothes », qui rappellent étrangement « Smells Like Teen Spirit » à notre souvenir. Smells Like Teen Spirit, indeed…
Deuxième essai pour les Belges de Mindgames. Et réussite étincelante, éclipsant royalement leur tentative précédente, par trop scolaire et amidonnée. Les six plages à l'identité bien marquée se déclinent dans un prog certes fort classique, mais très abouti, immanquablement mélodique, varié et chargé d'émotion. Le premier acteur en est le chanteur, Bart Schram. Sa voix est haut perchée et faussement fragile. Il a la finesse, l'élégance et la préciosité d'un Roger Hodgson (ex-Supertramp). Ce qui est évident sur la cinquième plage, « Royalty in Icopardy ». Et sa technique de chant le rapproche parfois de Jon Anderson (Yes), comme sur le dernier titre. Il est un argument de poids et ponctue les plages de passages chantés accrocheurs et faciles à mémoriser. Et comme l'équilibre des séquences instrumentales est judicieux, on ne lui reprochera même pas ses crises de logorrhée. Les autres intervenants ne sont pas en reste. Un clavier lumineux (Tom Truyers, qui aime beaucoup Tony Banks) et un guitariste plus tourmenté (Rudy Vander Veken) entretiennent de savoureux dialogues, appuyés par une rythmique discrète mais efficace (Eric Vandormael et Benny Petak). Le tout, au service de solides compositions bien arrangées, donne un (néo)progressif riche mais pas alambiqué, emballé par la production très propre et très classique de Frank Van Bogaert (lequel manque peut-être ici un peu d'audace). Que de bonnes nouvelles du plat pays, donc, auxquelles on peut ajouter celle-ci: le groupe tient toutes ses promesses sur scène.
Auteur d’une excellente prestation, accordée lors de la dernière édition du Pukkelpop, Mew a enregistré ce quatrième opus, en 2005. Ce disque vient enfin de bénéficier d’une distribution officielle en Belgique. Ce quatuor danois pratique ce qu’on pourrait appeler de la pop/prog. Pop. A cause des mélodies contagieuses, très contagieuses même (NDR : une fois infiltré dans votre matière grise, le refrain de « The zookeeper’s boy » ne vous lâche plus avant une semaine !) et puis des compositions qui dépassent rarement les 5 minutes (NDR : à deux reprises pour cet opus). Prog parce que la musique est à la fois complexe, atmosphérique et sophistiquée. A la croisée des chemins de Yes, Sigur Ros et Mercury Rev. Faut dire aussi que le chanteur, Jonas Bjerre possède un falsetto angélique, aussi éthéré que celui de Jón Þór Birgisson. Une voix sinusoïdale, parfois diluée dans de superbes harmonies vocales, dont il se sert comme un instrument. Prog encore lorsqu’on sait que la plupart des titres de « And the glass handed kites » s’enchaînent naturellement, comme si c’était un album concept. Une notion de concept accentuée par les lyrics cryptiques, visionnaires. On a ainsi parfois l’impression d’être plongé dans un conte de Grimm. Ou dans un opéra rock. John Mascis (Dinosaur Jr) est venu apporter son concours aux backing vocals sur deux morceaux (« Why are you looking grave ? » et « An enjoy to the open fields »). Etonnante, la symbiose opérée entre le xylophone et les synthés répond à une motivation davantage contemporaine. Mais le plus important est le résultat de ce cocktail. Hormis l’une ou l’autre ballade sans grand intérêt, le deux tiers de l’œuvre valent vraiment le détour. Et je pense tout particulièrement aux plages citées ci-dessus, mais également à l’interstellaire « Apocalypso » ou encore au single « Special ». Et si vous doutez encore de leurs capacités, sachez qu’en 2003, le Danish Music Critics Award Show leur avait décerné les titres d'album et de groupe de l'année…
Le nom de Matt Ward tourne dans notre tête comme un vieux 33 tours. « Transistor Radio », sa dernière sortie discographique, grésillait chaudement, allégrement. Plaque digitale en forme d’hommage microsillon, cet album nous conviait à vivre une époque révolue, une réalité surannée. Le passé se conjuguait au présent. « Post-War », le nouvel album de M Ward révèle une autre facette du personnage : celle d’un homme moderne, épris d’un folk progressif. En phase avec son temps. Le cinquième album de Matt Ward résulte d’après-midi méditatifs sous le soleil de Portland, d’intenses sessions acoustiques en compagnie de talentueux acolytes : Neko Case, Adam Selzer (Little Wings) ou Jim James (My Morning Jacket).
« Post-War » porte bien son nom. C’est un album en quête de paix, un enregistrement errant aux abords des Appalaches, voguant au gré des rives du Delta. Mélodies hypnotiques, chant de velours, Matt Ward aime les recettes ancestrales, concoctées au coin d’un feu de bois, faites de blues et de folk, de petites histoires (« Magic Trick ») et de grandes légendes (écouter « To Go Home », reprise dans le légendaire répertoire de Daniel Johnston). Produit par Mike Mogis (Bright Eyes, Cursive), ce nouvel album de M Ward dispose des atouts nécessaires pour séduire de nouvelles recrues, tout en conservant ses plus fidèles adeptes. Allez donc goûter aux joies de « Post-War » et évitez d’arriver après la bataille !
Tom Petty sait se faire désirer : douze ans depuis son précédent effort solo, « Wildflowers », quatre depuis sa dernière galette studio en compagnie des Heartbreakers, « The Last DJ ». Pour la circonstance, Petty a tenu à assurer seul la plupart de l’instrumentation : guitare, basse, batterie, harmonica, claviers et piano électrique ! En outre, on ne compte sur ce « Highway Companion » que deux collaborateurs extérieurs : le lead-guitarist des Heartbreakers, Mike Campbell, qui passe également au vibraphone sur « Golden Rose, » et Jeff Lynne aux basses, guitares rythmiques, claviers et chœurs. Ce dernier, ex-Electric Light Orchestra et vieux complice de Petty au sein de Traveling Wilburys (NDR : l’All-Star Band réunissant George Harrison, Bob Dylan et Roy Orbison), coproduit l’album en compagnie de Petty et Campbell. Un tiercé déjà gagnant en 1989 lors de la sortie du premier album solo du leader de Heartbreakers, « Full Moon Fever », devenu triple platine.
L’association s’annonce à nouveau payante au vu du petit bijou que représente « Highway Companion », melting pot de blues, de rock, de country et de folk évoquant les albums solos de Mark Knopfler. Le single Saving Grace ouvre l’album ; un de ces boogies bien gras, au riff inspiré du « Boogie Chillen » de John Lee Hooker, qui fait d’emblée taper du pied. Le reste est à l’avenant, oscillant entre morceaux sautillants et ballades aériennes. « Flirting With Time » offre de belles harmonies vocales, et le blues pointe constamment le bout de son nez. A cet égard, les parties de slide concédées sur « Turn This Car Around » sont aussi simples qu’efficaces. La voix de Petty reste caressante au fil des douze titres, traçant superbement des portraits ou des paysages comme dans « Damage By Love » ou « This Old Town ». « Golden Rose » clôture l’album en finesse, sur un fade out de vibraphone fantomatique, comme une silhouette disparaissant dans le désert. Ca n’invente sans doute rien, mais on s’en fout : c’est beau, point.
Icône du métal mélodique allemand, Axel Rudi Pell est loin d’être né de la dernière pluie. En 1980 déjà, Steeler - son premier groupe - écoulait 30.000 copies de l’album « Strike Back ». Il a entamé une aventure en solitaire solo depuis 1988, mais n’est jamais parvenu à s’imposer sur le marché international, malgré une carrière prolifique et d’incessantes tournées. « Mystica », dix-septième livraison du guitariste, révèle quelques pépites que les amateurs du genre apprécieront à leur juste valeur. Et notamment, « Fly to the Moon », plage d’ouverture qui ressemble étrangement à une suite contemporaine du fabuleux Burn » de Deep Purple. Ou encore le grandiose « Rock the Nation », hit en puissance caractérisé par un riff en béton et illuminé par un refrain digne de Rainbow ou de Dio époque « Sacred Heart ». Ample et solennelle, « Valley of the Sin » est une autre plage séduisante longue de sept minutes. Passons les coutumières et dispensables ballades, propres à ce type de productions, pour retenir la plage titulaire, dont les variations s’enchaînent aisément. Excellent riff, refrain attachant, le tout relevé par d’épaisses nappes de synthés envahissantes et bombastiques. L’intro de « Haunted Castel Serenade » évoque immédiatement Iron Maiden, voire certaines œuvres de Malmsteen. A cause de son climat brumeux qui s’enchaîne sur une partie orchestrée aux allures néo-classiques. Axell Rudy Pell présentera son nouvel opus le 28 septembre prochain dans le temple belge du métal, soit au Biebob de Vosselaar, un lieu où le guitariste allemand se sent ‘comme chez lui’ !
Introduit par « Up All Night » en 2004, le quartette anglo-suédois (!) a dû faire face, cette année-là, à une appréciation très mitigée, pour finalement remporter un succès public inattendu. Succès qui les propulsa, notamment, aux côtés de Coldplay sur la scène londonienne du ‘Live 8’. Reboosté par la confiance de ses fans, Razorlight promettait ‘le meilleur disque de l’année’, quelques semaines avant la sortie de cet éponyme. Devant tant d’optimisme, on reste dubitatif quant au résultat concédé par « Razorlight ». Au moment de la sortie de « Up All Night », les critiques anglais reprochaient au combo de n’être qu’une pâle copie de nombreuses formations déjà actives à l’époque. Pour y remédier, il se contente cette fois d’imiter ses héros. Que ce soit The Clash (« In The Morning », « Before I Fall To Pieces ») ou The Kinks, (« Kirby’s House ») les quatre musiciens semblent avoir du mal à se débarrasser de leurs influences. « Razorlight » manifeste, dès lors, un manque flagrant d’originalité. Reste, au final, un disque gentillet, fond sonore potentiel pour le Carrefour du coin…
Dans un paquet de ‘Quality Street’, vous avez deux catégories de chocolats. Tout d’abord ceux à l’aspect attrayant mais qui se révèlent vite être indigestes. Puis, ces exquises merveilles. Celles qu’on reprendrait encore et encore jusqu’à s’en éclater la panse… « Eyes Open », le quatrième ‘Quality Street’ de Snow Patrol aurait pu être, sans difficulté, le chef d’œuvre de leur carrière. En grande condition lorsqu’il s’agit de livrer des ballades, la formation faiblit considérablement en présence de pédales de distorsion. Le quintette se perd alors dans une facile imitation de Coldplay (« It’s Beginning To Get Me ») ou dans un exercice d’auto-parodie débouchant sur des mélodies aussi similaires les unes que les autres (« You’re All I Have », « Headlights On Dark Roads »).
Se révèlent ensuite les exquises merveilles. Celles que l’on reprendrait encore et encore jusqu’à s’en éclater les tympans. A commencer par le déchirant single « Chasing Cars », imparable hit radiophonique. Qu’il s’agisse de « Set The Fire To The Third Bar », majestueux duel vocal entre Gary Lightbody et Martha Wainwright, la comptine « You Could Be Happy » ou le parfait « Make This Go On Forever » et ses choeurs entêtants, Gary Lightbody et ses comparses semblent éprouver un plaisir sadique à arracher des larmes, exercice dans lequel ils sont passés maîtres depuis la sortie de « Final Straw » et, plus particulièrement, du hit « Run ». Une maîtrise fortement dépréciée par des titres rock sans intérêt qui font de « Eyes Open » un disque sympathique. Rien d’autre. Raison pour laquelle la patrouille des neiges mérite des claques.
Les chansons passent, les souvenirs demeurent. En écoutant « Lovers », le premier album du dictatorial multi instrumentiste Luke Steele, on était tombé en pâmoison. Les hits lumineux de The Sleepy Jackson nous avaient frappé de plein fouet. C’était bon, intense, disproportionné. Comme Luke Steele, on voulait se laisser pousser la moustache. On soutenait que ce type existait au monde pour nous délivrer de la perte de Georges Harrison. On menaçait d’un flingue quiconque émettait l’hypothèse d’empêcher « Lovers » de tourner sur la platine. Depuis, le temps s’est écoulé. Les choses ont changé. Et ce nouvel album n’a pas la même saveur que son prédécesseur. On aimait tant ce côté ampoulé, ces mélodies grandiloquentes et ces ballades épiques. Luke Steele s’est rasé la moustache. Quelques poils en moins, l’homme perd de sa superbe. Mais plusieurs pépites de pop orchestrale viennent pourtant légitimer son propos. Le sautillant « Good Knows » se rappelle au bon souvenir de Georges Harrison. Les instrumentaux de « I Understand What You Want But Just Don’t Agree » (ce titre !) ouvrent une voie royale à un refrain succulent. Et « Dream On » (aucun rapport avec Aerosmith) esquisse les mélodies d’une ode à la rêverie. Pour le reste, la magie n’est pas au rendez-vous. Elle s’est envolée. Comme la moustache.
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