Après avoir connu des débuts timides en 2005, The Tellers assure la première partie de Venus. Dans la foulée, le single ‘More’ vient aérer les ondes, dès le mois de juillet. Et d’entonner en chœur le désormais connu: ‘Oh hey oh, you don’t need me, no’. Voix envoûtante. Ballades. Rythmes soutenus. Parfois interrompus, pour reprendre de plus belle. L’univers musical des Tellers (qui n'est pas sans rappeler celui d'un Pete Doherty) charme d’autant plus aisément que leurs textes sonnent juste: ‘I told you I sailed the Seven Seas on a ship named Tangerine. But all I do is swimming.’ (“I lie”). Ou encore: ‘I’m gonna tell you what I’m looking for. Well, I’m not looking for…you’ (« Jacknife »). C’est sans fioritures que les Tellers nous embarquent dans leurs récits. Paroles simples sans être faciles, mélodies accrocheuses mais non racoleuses. Spontanées, leurs chansons possèdent toute la fraîcheur du groupe débutant passionné. Passionnés, Ben Baillieux-Beynon (voix, guitare) et Charles Blistin (guitare, piano, basse, contrebasse) le sont. C’est que les membres de notre jeune duo (19 et 20 ans) ont troqué leurs études pour la musique… pour notre plus grand plaisir. Petits derniers de l’écurie 62 TV Records (Girls in Hawaii, Malibu Stacy, Austin Lace…), ils sortent aujourd'hui ce mini-album. Petit duo deviendra grand…
Erik Trauner est né à Vienne. Agé de 48 ans, ce chanteur/guitariste/harmoniciste/compositeur est aussi et surtout le leader du Mojo Blues Band, depuis sa création en 1977. Le blues coule dans ses veines. Un passionné qui aime le Chicago blues, mais également les très louisianais cajun et zydeco. Il se produit régulièrement en solitaire lors de concerts acoustiques où il peut laisser brûler sa flamme et étaler son talent. A ce jour, il a commis deux elpees sous son patronyme : Up slide down", paru chez Wolf en 1995 et "I'll fly away", enregistré en compagnie de la chanteuse de gospel Sister Shirley Sidney, un disque édité sur Document en 1998.
Acoustique, ce nouvel opus a été concocté en solo. Assis sur un tabouret, Erik empoigne son dobro à l'armature métallique et commence à interpréter la plage éponyme. Il la chante de son timbre indolent. Son instrument libère une tonalité d’une limpidité étonnante. Trauner a composé la plupart des compos de ce disque. Il réalise son adaptation personnelle du blues rural, de ce country blues né il y a quelques décennies. Il a manifestement intégré cette musique. Et de la manière la plus naturelle possible. Ce Viennois est ainsi capable d’attaquer des styles totalement différents, tout en variant les tempi. A l’instar de "The kids can't stand it" ou du tribal "I hope this man was heaven bound", compo qui a reçu la participation de Siggi Fassl aux vocaux. Une collaboration qu’il renouvelle sur "Philly Angel". Membres du Mojo Blues Band, ces deux chanteurs/guitaristes se produisent parfois ensemble sous le patronyme de Wizards of Blues, un projet destiné à remettre au goût du jour le blues des années 30 et 40. Seul sur les planches, Erik se débrouille aussi bien. Il est capable de tirer le maximum de son répertoire et de créer une ambiance participative. Il le démontre tout au long de l’allègre "I ain't funny that way". Il a également le don de faire passer ses émotions, tant il vit sa musique. Sa gratte et lui ne font qu’un. Et lorsqu’il est hanté par Lightnin' Hopkins sur "You live so far away", l’intensité est à son comble. Il s'attaque également en solitaire au boogie entraînant "Mainstreet boogie". Trauner est également habile pour mouler son blues dans de biens jolies mélodies. Parfumé d’exotisme par une slide aux accents hawaiiens, "Inside job" en est la plus belle illustration. Cet elpee ne suscite jamais la lassitude. Même lors des reprises. Erik s’en réserve trois : le "Sleepy water Blues" de Lonnie Johnson, "Highway 61" de Mississippi Fred McDowell, caractérisé par un jeu aussi superbe que poignant au bottleneck, et "No, no blues" de Curley Weaver. Trauner achève cet opus par une longue plage instrumentale aux accents dramatiques. Son bottleneck glisse avec beaucoup de sensibilité, le long des cordes. On y discerne clairement la souffrance manifestée par les gémissements de son instrument. Le ton est volontairement grave pour marquer ce "Pontchartrain flood", en référence à l'ouragan Katrina qui dévasta une bonne partie de la Louisiane près de la Nouvelle-Orléans et du Mississippi. Excellent !
A l'instar de leurs compatriotes de Bron Y Aur, ces joyeux drilles semblent préférer l'expérimentation et les collages à la mélodie et aux constructions musicales. Bruitages, bandes, voix enregistrées et interventions minimalistes de musiciens s'associent donc pour un résultat à classer entre 'noise', 'soundtrack', 'ambient' et 'psyché-punk-kraut'. Le groupe est doué pour créer des ambiances oppressantes, et s'engage parfois sur des pistes intéressantes, surtout en recherche sonore. Mais l'argument est souvent trop mince pour passionner, voire maintenir l'intérêt. Pour les inconditionnels du genre.
Le très décevant “Dance of Death”, livré par la Vierge de Fer en l’an 2003, a refroidi plus d’un fan, pourtant à nouveau confiant depuis le retour du sieur Bruce Dickinson derrière le micro. En excellent gestionnaire, Steve Harris, leader incontestable du combo issu de la N.W.O.B.H.M. (New Wave Of British Heavy Metal), a compris qu’il était impératif de redresser la barre et d’offrir aux nombreux aficionados un album digne de Maiden. Non seulement « A Matter of Life and Death » est largement supérieur à son prédécesseur, mais il manifeste davantage d’unité tout en parvenant à surprendre dans sa construction, entre tradition et modernité. Bien entendu, il n’est nullement question ici d’un nouveau « Piece of Mind », mais sans nul doute du meilleur Maiden depuis le come-back de Bruce. La thématique développée est l’absurdité de la guerre, et les amateurs de longues constructions à tiroirs seront enchantés.
« A Matter… » ne recèle que deux titres courts, dont « Different World ». Caractérisée par sa rythmique accrocheuse et son refrain sympa, sans pour autant s’avérer novatrice, cette plage ouvre l’album. Du pur Maiden. Les choses deviennent nettement plus sérieuses dès « These Colours don’t run ». Parcouru de solos, ce titre s’achève par un gros break jouissif ! « Brighter Than a Thousand Suns » est un des fragments à découvrir en priorité. Le faux rythme lancinant, l’alternance du chant clair et hurlé, le son de guitare à la Metallica (inhabituel chez Maiden) et la cavalcade effrénée entretiennent une atmosphère inspirée de « Powerslave ». Probablement un futur classique pour la scène. Autre titre court de l’album, « The Pilgrim » constitue aussi et certainement le plus accessible. Intro celtique talonnée par un tempo à la limite du trash, sonorités arabisantes, le morceau aurait pu se muer en single, si le refrain avait été un chouia plus accrocheur. Il reste néanmoins un excellent moment de l’album.
Tout comme « The longest Day », inspiré par le film « Le Jour le plus Long ». Sombre, grave et solennel à la fois, la musique monte progressivement en force tandis que Nicko Mc Brain frappe ses fûts pour donner l’illusion de rafales de canon. Une réussite incontestable ! Quiconque a flashé sur la semi-ballade « Children of the Damned » de l’incontournable « Number of the Beast » ressentira des frissons dès les premiers accords, exécutés à la guitare sèche, de l’émouvant “Out of the Shadows”, titre surprenant qui rappelle la ‘grande époque’. Lorsque Steve Harris et ses acolytes se mettent à composer des power ballads, l’effet est instantané. Souvenez-vous de « Remember Tommorow », « The Prodigal Son », et surtout de ce chef d’œuvre précité issu du « Numéro de la Bête ». « Out of the Shadows » s’inscrit tout à fait dans cette lignée. Un single potentiel ! C’est pourtant le solide « The reincarnation of Benjamin Breeg » qui a été choisi pour annoncer la venue du nouvel enfant de la Vierge de fer !! Le skeud débute par un long passage quasi narratif, avant de débouler sur une énorme rythmique heavy destinée à faire taper du pied les fans de la première heure. Sur chaque production maidenesque figure un long morceau épique, comme Harris en raffole. Dissertant des religions, le magnifique « For the Greater Good of God » donne forcément un petit air de ‘déjà entendu’, et nécessitera plusieurs écoutes avant d’être bien assimilé. Malgré sa référence à « Where Eagles Dare » (Piece of Mind), « Lord of Light » est la composition la plus faible de la plaque. Heureusement, « The Legacy » redresse la barre et boucle l’album de façon époustouflante ! La longue intro acoustique ne fait qu’accentuer le côté heavy, façon « Sacred Heart » ou « Holy Diver » de Dio.
Notons enfin que « A Matter… » est disponible dans une version CD limited édition avec slipcase et DVD bonus, mais aussi dans un autre format cher aux collectionneurs. Un splendide double vinyle picture-disc, sous un format encore plus limité, c’est de bonne guerre…Iron Maiden est de retour, et Eddie n’est pas spécialement de bonne humeur !
Huit juillet 2006. Dans le ciel, le soleil culmine, inondant de ses rayons les rives de l’Ourthe. Sous une chaleur torride, presque tropicale, 12 sculpteurs internationaux s’apprêtent à donner le coup d’envoi du Symposium de sculpture monumentale de Comblain-au-Pont. En parallèle, un autre évènement ouvre ses portes au public : le Festival Confluences, dédié à des artistes issus du monde du jazz, de la musique du monde, des musiques classique et contemporaine. La création, l’ouverture et l’improvisation demeurent les trois axes directeurs de ce nouveau festival, fruit d’un dialogue permanent entre musique, sculpture et poésie. A l’affiche, figurent 6 concerts, dont une création mondiale : « Sculptures », 12 œuvres originales écrites par Line Adam. Tour à tour classique, audacieux, impétueux ou nostalgique, son univers musical brode une œuvre totale. En sa compagnie, le Quatuor Thaïs se fait caisse de résonance de ses musiques intérieures. Violons, violoncelle, flûte traversière et piano s’entrecroisent ainsi au gré de ces fascinantes « Sculptures ». A découvrir.
Le tour de l’Europe en 37 minutes. Point de départ, les Balkans. Les écouteurs sur les oreilles comme seul bagage, on se laisse aller à errer sur des terres inconnues et pourtant si familières. La chaleur de l’accueil des autochtones suffit à réchauffer les cœurs. Et à sécher des larmes inopinées, exacerbées par la froideur de l’atmosphère. 33 minutes. L’Europe centrale, déjà. Non pas cette triste et morne Europe. Une autre, plus insolite, dont les traits sont esquissés par l’imagination d’un jeune prodige. 19 minutes. Retour aux Balkans. L’époustouflante beauté de ces contrées devient presque insupportable. Tant de choses à découvrir en si peu de temps… 8 minutes. La virée touche presque à sa fin. Une torture. Encore quelques photographies mentales avant que tout ne disparaisse. 1 minute. Le souffle coupé, on se prépare pour un atterrissage qui risque de s’avérer brutal. Fin du voyage. Le choc du retour à la réalité est trop douloureux. Les yeux fermés, on appuie à nouveau sur la touche play. Décollage instantané.
Si vous remarquez Beirut/Beyrouth sur une carte de Brooklyn, ne vous inquiétez pas, ce n’est pas un rêve. Zach Condon, petit prodige américain de 20 ans à peine s’offre sur « Gulag Orkestar » un indéniable coup d’éclat (d’état ?). Carte postale universelle, son premier essai très largement inspiré de l’univers de Kusturika et des orchestres balkaniques, s’inscrit comme l’une des plus belles réussites musicales de l’année. Plus qu’un chef d’œuvre, une pure merveille.
John Cephas et Phil Wiggins sont des spécialistes du Piedmont Blues, un style proche du ragtime institué sur la Côté Est des Etats-Unis. Joué en picking, il est caractérisé par une attaque très particulière des cordes, le pouce se chargeant de la rythmique, et les autres doigts de la mélodie. Rev Gary Davis, Blind Willie McTell, Bling Boy Fuller, Blind Blake, Pink Anderson et Barbecue Bob en sont les plus illustres représentants. John et Phil se sont rencontrés en 1977, lors du Smithsonian Folklife Festival de Washington, DC. Rejoints par le pianiste Big Chief Ellis, ils fondent Barrelhouse Rockers. Nonobstant le décès du Big Chief, ils décident de continuer l’aventure en duo. Objectif : mettre en valeur le contenu historique et culturel de leur musique. ‘Bowling Green’ John Cephas est guitariste. Agé de 76 ans, il est originaire de Washington. Phil Wiggins, harmoniciste. Egalement issu de la capitale fédérale, il n’a que 52 balais. Il reconnaît pour influences majeures Sonny Terry, Sonny Boy Williamson I et Big Walter Horton. Si on tient compte de "Together in Las Vegas", uniquement téléchargeable via leur site web, "Shoulder to shoulder" consitue leur dixième opus. Leurs trois derniers elpees étaient déjà parus sur le label Alligator : "Cool down" en 96, "Homemade" en 99 et "Somebody tell the truth" en 2002.
Dignes successeurs de Sonny Terry et Brownie McGhee, Cephas et Wiggins nous proposent tout au long de cet "Epaule contre épaule", un country blues traditionnel habillé de sophistication urbaine. Un disque partagé entre compos personnelles et reprises de chansons traditionnelles. "Ain't seen my baby" ouvre le feu. Un fragment vivace au cours duquel John chante et gratte les cordes de son instrument pendant que le prodigieux Phil envahit le reste de l’espace sonore, à l’aide de son harmonica bien disert. Petit bijou, "I did do right" semble sortir tout droit de Chicago. A cause de la présence du piano d’Ann Rabson des Uppity Blues Women, dont le jeu est manifestement inspiré par le grand Big Maceo Merriweather. Wiggins s’y révèle à nouveau sublime. Le chant de John est bouleversant sur le blues traditionnel "Catfish blues". Ce classique du Mississippi avait été d’abord enregistré par Robert Petway. Mais c’est la version de Skip James qui a été choisie. L’adaptation du "Suzie Q" de Sonny Boy Williamson I est détonante, dynamique. Le concours d’Ann Rabson y est encore pour quelque chose, car elle transforme tout ce qu’elle touche en boogie woogie. Ann est toujours aux ivoires pour aborder deux classiques. Tout d’abord le "Dirt road" de Charley Patton. Et ensuite le "Broke and hungry" de Sleepy John Estes, une plage au cours de laquelle elle sort de nouveau le grand jeu. "Three ball blues" marque un retour au Piedmont blues. John chante seul ce morceau signé Blind Boy Fuller en s’accompagnant à la guitare. Il passe à la formule du duo pour interpréter "Brother, can you spire a dime?". Et à celle du quartet sur "I won't be down" et "Seattle rainy day blues", Ann Rabson se réservant le piano et Andrew Volpe la basse. Cet album d’excellente facture s’achève par "The blues three ways", une longue plage immortalisée ‘live’, le 7 mars dernier, au Democratic Club de Washington. Pour la circonstance, le line up avait bénéficié du concours de Daryl Davis, un pianiste noir réputé pour son boogie woogie (NDR : il a notamment côtoyé Chuck Berry, Elvis Presley et les Coasters). Et sa collaboration s’inscrit parfaitement dans le contexte émotionnel qui émane des musiciens, sur les planches. En outre, Phil Wiggins y est à nouveau bouleversant. Un très bon album!
Daniel Smith est le personnage central de la famille Danielson, au sein de laquelle militent frères, sœurs, beaux-frères, belles-sœurs et leurs meilleurs amis. Une quarantaine de personnes, dont Sufjan Stevens et les membres de Deerhof, ont ainsi participé à la confection de « Ships », leur nouvel album. Jusqu’à présent, les différents projets de Daniel Smith (NDR : il se produit et enregistre également en solo) s’avéraient plutôt minimalistes. L’évolution est absolument étonnante, car une foultitude d’instruments a été utilisée sur cet opus orchestral. Normal vu le nombre de participants. Découpé en 11 titres, cet elpee constitue probablement la plus grosse surprise de l’année 2006. Un peu comme Arcade Fire l’avait été l’an dernier. D’ailleurs, s’il faut évoquer quelques points de référence, le groupe de Toronto y a sa place. Mais aussi, et à des degrés divers, les Mothers of Invention, les Sparks, Devendra Banhart, les Flaming Lips et les Super Furry Animals. Il est d’ailleurs quasi impossible de décortiquer les compos de cette œuvre, tant elle est riche, même si la trame de fond demeure folk. Une constante : le falsetto - régulièrement soutenu par des chœurs - tour à tour glapissant, capricieux, perçant, pépiant, nerveux ou nasal de Daniel. Qui est également responsable des lyrics. Reflets de sa foi évangéliste (NDR : sur les planches la formation se produit vêtue comme des membres de l’armée du salut !), ils ne reflètent pas un dessein de conversion des âmes égarées ; mais simplement cherchent à soulever la question existentielle. Une prédiction qui vaut ce qu’elle vaut : Danielson risque bientôt de convertir de nouveaux disciples en colportant une muse aussi originale… Impressionnant !
Aujourd’hui, il n’existe pas deux groupes comme Electrelane. Retournez l’information sous toutes ses coutures et méditez en paix. Tout commence en 1998, à Brighton, lorsque quatre filles au teint pâle se mettent en tête de jouer de la musique. Dans un premier temps, les mots manquent. Les premières compositions d’Electrelane sont essentiellement instrumentales, inspirées du kraut rock, du post-rock. Dans ce curieux décor, le synthé fait son apparition, recouvrant ces mélodies hypnotiques de nappes atmosphériques. Le groupe trouve alors un équilibre, un cheval de bataille. La discographie d’Electrelane devait ainsi éclore. Trois albums : « Rock It To The Moon » (2001), « The Power Out » (2004), « Axes » (2005).
Ces disques, toujours meilleurs, font le bonheur d’un cercle restreint d’amateurs en chaleur. Car, soyons honnête, Electrelane adopte une attitude sans compromis. Capables de rafraîchir le paysage musical en un tour de main (écouter attentivement « Power Out »), les filles n’hésiteront pas une seule seconde à s’oublier pour mieux se renouveler. Chaque disque du quatuor sonnant ainsi comme une véritable renaissance.
Echantillonnage pertinent de la carrière du groupe, ce « Singles, B-Sides & Live » offre un aperçu des innombrables talents d’Electrelane : quelques singles de derrière les fagots, des faces B à pleurer et des traces de concerts survoltés. Les cinq premiers titres du disque présentent des compositions restées dans les tiroirs de labels épars. Ces instrumentaux ont la rage au ventre (« U.O.R »), les sens en alerte (« Come On »). Aussi, les mots commencent-ils à se faire entendre dès les premiers accords de « I Want To Be The President » (originellement publié en 2002 sur un Ep éponyme). Ici, le synthé semble incontrôlable, comme fou. Il part dans tous les sens. Impossible de l’arrêter. Ruptures, coupures, loopings. On pique du nez, avant de redresser de justesse. Proche de la démence, on se ramasse « I Only Always Think », ballade kraut pop (si, c’est possible) à vous couper le souffle. Comme dans une chapelle, les chœurs féminins emplissent l’espace. Dans ce lieux de culte, on loue des saints aux noms étranges : Velvet Underground, Sonic Youth, Stereolab, Broadcast.
Par ailleurs, « Singles, B-Sides & Live » permet de faire connaissance avec les amis et adorateurs du quatuor féminin. Steve Albini (également à la production chez les Pixies, Nirvana ou Mclusky) propose sa nouvelle version de « Long Dark ». Entre no-wave, post-rock et rock’n’roll, son cœur balance. Celui de John Peel (ex animateur vedette de BBC Radio 1) a cessé de battre. N’empêche, on n’oubliera pas sa session (« Oh Sombra ! ») commise en compagnie d’Electrelane. Plusieurs moments captés sur scène viennent aussi renforcer le propos (l’infaillible « Birds »). En fin de parcours, l’apothéose assassinée de « Today » (ce larsen dantesque) laisse entrevoir un avenir exonéré de concessions. Au final, l’effet Electrelane (encore mieux que l’effet Kiss cool) est logique : une claque à portée de mains !
Face à un album de cette trempe, le rédacteur concerné se sent parfois bien circonspect. Alors oui, certains borborygmes ou onomatopées lui viennent bien à l’esprit mais rien de tout cela ne fait très sérieux. Bien sûr, il pourrait vous remémorer le premier album (« Horn Of Plenty »), petite merveille de lo-fi absolument renversante. Ou vous toucher un mot des orchestrations et arrangements plus luxuriants les uns que les autres. Souligner la sourde mélancolie de l’ensemble, à fendre les cœurs les plus endurcis. Poser le doigt sur les harmonies vocales, incitant au voyage comme tant de mantras chamaniques. Appuyer sur le délicat sens du détail qui orne chacune de ces irréprochables compositions. Vous enquérir de filer assister à leurs prestations scéniques étourdissantes au cours desquelles le cours des choses échappe à toute raison. Insister sur l’existence primordiale d’un tel ovni dans la masse informe de la musique scélérate. Enfin, multiplier les démarches afin de vous mettre définitivement sur la voie de cet objet céleste aussi scintillant qu’éternel. Mais voilà, le souffle court devant tant d’éclat, la pauvre créature ne trouve rien à exprimer. Quoique…
Londres, Angleterre. Quelques gouttes de pluie tombent sur Piccadilly. Inamovibles, les peintures de la National Gallery observent les regards ébahis de ces curieux touristes, toujours plus nombreux. Et, dans sa piaule, Matt Harding confectionne « Expectation », son troisième album. Elégant recueil de chansons acoustiques, lovées dans leurs draps électroniques, ce nouveau disque de Matt Harding transporte l’auditeur. Comme dans un rêve, il voyage sur des bulles de savons, explosant au moindre coup de vent. Quelques mètres plus bas, d’onctueux nuages de laine viennent amortir cette chute au pays des merveilles...
« Expectation » est un disque de folk. Secoué d’infimes pulsions électroniques, il fait la part belle aux plages instrumentales. Risquant des mélanges osés mais jamais imbuvables, Matt Harding organise le symposium de la confrontation des genres. Il convient alors d’écouter « Arc », composition hybride, entre electronica et stoner folk. En substance, elle ressemble à la bande son d’une quête initiatique. D’ailleurs, on ne peut s’empêcher de penser à la musique composée par Neil Young pour le « Dead Man » de Jim Jarmusch. Musique de films : la thématique préférée de l’artiste est dévoilée. L’univers de Matt Harding est hautement cinématographique. Ces jolis morceaux acoustiques, mâtinés d’électronique, accompagneraient volontiers les pellicules de Fellini et autres Nic Roeg. Entre fiction et réalité, Matt Harding se révèle aujourd’hui au monde entier. On n’a donc pas fini de rêver...
Pour ce groupe de néo-métal gallois, formé en 1997, tout s’est accéléré en 2000 lors de l’engouement suscité par l’album « The Fake Sound of Progress » et une série de prestations remarquées, notamment aux côtés de Linkin Park et des Deftones. Cartonnant en 2004, le single « Last Train Home » a confirmé la capacité des Lost Prophets à faire bouger les foules. Cataloguée ‘émo’, la musique du combo a depuis beaucoup changé. Son néo métal énervé a laissé place à un rock davantage hybride qui ravira autant les adeptes de Sum 41 que les premiers fans de Korn (NDR : ce sont souvent les mêmes !). Le groupe évolue, mais n’en reste pas moins fidèle à ce que les amateurs du genre pouvaient attendre de lui.
Ouvrant les hostilités, « Every Day Combat » démontre à lui seul que le son ne s’est pas radicalement métamorphosé. C’est pourtant Bob Rock qui assure la production ! Bob Rock, l’homme qui a tué Metallica pour les puristes. Une pièce telle « A Town Called Hypocrisy », chanson surprenante au refrain accrocheur et énergique, a toutes les qualités pour tourner en heavy rotation sur Pure FM ou Studio Brussel. De belles lignes de basse et un chant propre, mais pas trop, sont aussi des caractéristiques de cette nouvelle livraison d’un Lost Prophets de toute évidence au sommet de sa forme. Nous ne sommes pas spécialement des inconditionnels de ‘néo’, mais il faut reconnaître que cette plaque est fort agréable à écouter, même si elle n’apporte pas de nouvelles théories révolutionnaires en matière de métal pour ados.
Le petit Ed Williams est né dans le Chicago Westside. En 1955. Instruit par son célèbre oncle, JB Hutto, il joue de la guitare depuis l’âge de douze ans. Il fonde en compagnie de son frère Pookie, la première incarnation des Blues Imperials. En 1975. Le combo se met alors à fréquenter tous les clubs du Westside. Sauvage, leur musique parvient aux oreilles de Bruce Iglauer, le boss d'Alligator. Il leur offre une session de studio. En trois heures, ils mettent en boîte trente chansons. Et concrétisent cet effort sur l'elpee "Rough housin", qui sort en 1986. Le petit homme est alors occupé de ressusciter le fantôme de Hound Dog Taylor et de ses Houserockers. Sa notoriété commence à croître. Il se produit désormais dans les salles de concert aux USA et à l'étranger. Les deux albums suivants sont très bien accueillis par la critique : "Chicken, gravy & biscuits" en 1989 et "What you see is what you get" en 1992. Mais Lil' Ed décide alors, d’une manière surprenante, d’arrêter son aventure musicale pour se consacrer à sa famille. Il faudra donc attendre 1998, pour qu’il opère son retour. Et commet déjà un nouvel opus l’année suivante : "Get wild", une œuvre suivie par "Heads up!", en 2002.
Pénétrer dans le monde de "Rattleshake" est un acte redoutable et dangereux. Pas question de compromission ! Puissante, débridée, la slide rugit instantanément, tel un animal blessé. Mais son maître, Lil' Ed, parvient à la dompter, même si ce numéro est parfois périlleux. Signée Holland-Dozier-Holland, trio qui a fait les beaux jours de la Tamla Motown, "Leaving here" met déjà nos enceintes à feu et à sang ! Juste avant d’entrer dans le blues de "Tired of crying". En toile de fond, le piano est bien distinct. Ed chante, shoute. Il ne fait qu'un avec son instrument qui crache constamment des flammes. Le même topo est reproduit tout au long de "Golden rule", une invitation à se secouer devant la scène. Ed y libère ses notes par courtes phrases nerveuses et saccadées. Le tempo ralentit pour "You weren't just there" ; mais l’exécution demeure toujours aussi primaire, directe, âpre. Il chante et joue face à un orgue Hammond. Ses cordes son largement amplifiées. Elles hurlent dans le décor sonore. Nous ne sommes d’ailleurs pas tellement loin de ce que pouvait accomplir, dans les mêmes studios, le regretté Son Seals. Et notre Ed de rock'n'roller de la plus belle des manières en attaquant le galopant "Icicles in my meatloaf". Soutenu par la trame rythmique infernale des Blues Imperials, il se déchaîne sur la slide. Un véritable rouleau compresseur écrase tout sur son passage. Des cris déchirants et inhumains nous retournent les tripes! "Broken promises" est un bon Chicago shuffle. Le jeu d’Ed est à haut niveau. La compo débute sur un mode mineur avant de monter progressivement en puissance jusqu'à l'explosion finale. Son second guitariste James Young a composé deux plages : "Maybe another time" et "Spend some time with me", deux fragments qui font bien ressortir la richesse du timbre d'Ed. Ed dialogue avec la slide tout au long de "Nobody's fault but mine", un merveilleux slow blues brûlant. Elle ronronne devant la rythmique de Young qui marque au fer blanc l'appellation Chicago contrôlée. L’opus recèle deux reprises de choix. Tout d’abord le "You know you're wrong" d'Elmore James. Les accents métalliques de la slide se dressent face au barrelhouse piano de Johnny Iguana. Et puis "That's the truth". Imprimée sur un tempo vivace, cette plage a été composée par son oncle JB Hutto. En finale, "It's a beautiful world" entretient jusqu'à son terme, la folie de Lil' Ed et de ses Blues Imperials!
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