Pas d’interférence. Pas de bagnole, pas de jobs. Juste quelques bons amis, un peu de bière, des litres de whiskey et une brume hallucinogène à y perdre ses derniers neurones. Le décor est planté. Bienvenus dans « Kick Up The Dust », premier album de Blood Meridian. A la tête de ce projet barré, Matthew Camirand, écrivain à l’imagination débordante et fan transi des histoires impulsives de John Fante, est également actif au sein des excellents Black Mountain et Pink Mountaintops. Mais aujourd’hui, Blood Meridian est au centre de (toutes) nos préoccupations.
Passionnant. Le disque nous tient en haleine. Sans savoir pourquoi. Juste comme ça. Pourtant, les références sont bien présentes. Faut être complètement sourdingue pour les louper : Bright Eyes, Meat Puppets, Pavement, Neil Young, Gun Club. Et, cerise dans le ciboulot, c’est toute l’âme de Nirvana qui arpente ce disque. En général, le référent Nirvanien n’augure rien de bon. Mais nous sommes ici en compagnie d’une exception. Pas de rugissement, pas de guitare explosée, pas de grunge. Juste quelques bonnes mélodies, un psycho-folk drogué jusqu’à la moelle et la compagnie d'un chien (stupide ?) nommé Wandle. Blood Meridian signe un album bouleversant. Le disque rêvé par Cobain au lendemain de ses jérémiades acoustiques et fleuries sur MTV ? L’Histoire ne connaît pas la réponse. Mais des chansons de la trempe de « Most Days », « Soldiers of Christ » ou « Get Someplace Else » constituent de belles hypothèses de recherche.
Les histoires de Blood Meridian s’achèvent toujours mal. ‘Nous essayons d’écrire des histoires d’amour. Mais à la fin, il y a toujours un personnage qui meurt, un truc qui part en couilles.’ Matthew Camirand glorifie le rock’n’roll des lendemains qui déchantent. « Kick Up The Dust » devient alors la bande son idéale d’une histoire d’amour. Celle-là même qui unit les deux derniers survivants d’une explosion nucléaire. Espérons que nous serons de ceux-là.
Ce copieux DVD retrace le parcours du roi de la soul latine, de sa jeunesse tumultueuse dans Spanish Harlem à son ascension dans la musique, grâce à son audace et son imagination. Un chouette documentaire qui, à l’aide d’images d’époque et de témoignages de Joe himself, parvient à nous transmettre l’atmosphère populaire d’un quartier et d’une série de musiciens qui allaient créer la salsa. Dans les années septante, Joe Bataan a eu l’idée de marier la salsa à la soul en la baptisant « Salsoul ». Passionnant donc, mais uniquement en anglais et en espagnol.
C’est une prestation scénique de 1995 qui suit. Captée au club SOB’s, elle marque le retour à la scène de Joe après 15 ans d’absence. C’est une réalisation aux moyens limités (le son n’est pas exceptionnel), mais le groupe a un sens du groove plutôt impressionnant.
Parmi les autres bonus, on signalera la présence de deux clips consacrés à « Rap-o Clap-o », le tube pré hiphop de Joe, qui a obtenu un énorme succès européen, en 1980. Comment dire, la réalisation a légèrement vieilli… On a également droit aux images d’un concert espagnol accordé en 2005, où le nouveau groupe de Joe s’illustre dans de belles versions de « Rap-o Clap-o » et « Muchacho Ordinario ». Et pour que votre info soit complète, sachez que la plaque recèle une réalisation basique au caméscope de Joe Bataan revisitant les lieux où il a passé sa jeunesse. Malheureusement le son est quasi inaudible. Ce qui permet de conclure que ce DVD constitue avant tout un témoignage pour les fans. D’ailleurs, dès que la projection est terminée, on ne peut s’empêcher d’aller s’écouter un petit « Call My Name ».
Membre de Crooked Fingers et Archers Of Loaf, Eric Bachmann fait ici ses premières armes en solo. « To The Races » a entièrement été écrit dans le fond d’un van, perdu en plein Nord- Ouest des Etats-Unis. En résulte 10 petites ritournelles folk sympatoches mais loin d’être extraordinaires. A vrai dire, les vocalises de Bachmann deviennent crispantes quelques minutes à peine après l’ouverture d’un « Man O War » inutilement longuet. Dans son ensemble, « To The Races » est en quelque sorte la bande son idéale pour un remake de ‘La petite maison dans la praire’. « Little Bird » incarnerait Papa et Maman Ingalls vaquant tranquillement à leurs tâches fermières tandis que « Carborro Woman » accompagnerait leurs trois jeunes filles s’amusant à se rouler comme des demeurées jusqu’au pied d’une colline. Eric Bachmann serait alors le nouveau maire de Walnut Grove et, comme il ne s’y passe jamais grand-chose, passerait son temps à pousser la chansonnette aux élèves de Miss Beadle avant de lui faire la cour à coups de « Genie, Genie » ou de « Lonesome Warrior ». Happy Ending oblige, l’affreuse famille Oleson se ferait humilier publiquement pour la énième fois, puis virer du petit village tandis que tous ses habitants reprendraient en chœur « So Long, Savannah ». Aaaah, nostalgie, quand tu nous tiens…
Ok, on l’avoue, on avait jusqu’aujourd’hui considéré « The Ugly Organ » comme étant le travail le plus abouti de Cursive. La formation ayant perdu l'un de ses membres en cours de route, on craignait un retour faiblard et peu convaincant. Et c’est avec un immense plaisir que l’on tend la joue pour recevoir la nouvelle grosse claque du quatuor. Celui-ci revient armé de son éternelle maîtrise de la plume incisive et des mélodies rédemptrices ainsi que d’une passion exponentiellement décuplée. « Happy Hollow » nous transporte dans l’Amérique de Dorothy, pauvre âme condamnée à taire ses rêves (le single « Dorothy At Forty ») et vivre éternellement au sein d’un village de ploucs aux discours religieusement hypocrites, là où valeurs familiales et patriotisme font office de lois (« Dorothy Dreams Of Tornadoes », « Bad Sects » « Flag and Family »). En 14 chapitres, Cursive conte le malaise d’une peuplade enterrée dans une société bien-pensante d’où elle ne peut s’extraire. Une société au sein de laquelle aucune opinion ne peut être émise et la moindre déviance est intolérable (« The Sunks », « So-So Gigolo »). Dédié à tout païen qui se respecte, « Happy Hollow » en appelle à un soulèvement intelligent dans lequel les mots sont les armes les plus tranchantes (« Rise Up ! Rise Up ! », « Hymns For The Heathen »). Utopique mais efficace. A nouveau, Cursive frappe un grand coup et classe sans difficulté cet essai parmi les meilleures productions de l’année.
Tout d’abord, je n’aime pas du tout le nom du groupe. J’en ai fait part à Stéphane, un de nos deux spécialistes en métal. Et il a bien rigolé. Faut dire que dans le style, les patronymes mortuaires pullulent. Passé cette aversion, j’ai dû me rendre à l’évidence : le potentiel de ce duo lillois est considérable. Enfin, c’est l’impression qu’a laissée cet EP 5 titres. Cercueil joue une musique hybride (NDR : de l’électro dark pop, paraît-il !), quoique largement dominée par les synthés. Une musique balayée par le falsetto assez particulier, sinusoïdal, de Pénélope Michel (NDR : parfois sa voix me fait penser à celle de Mathieu Chedid). Enregistré par Fred Norguet (Sleepers, Burning Heads) au sein des studios le Chalet à Bordeaux, cet Ep démontre déjà leur capacité à varier les styles. Depuis « Low » (NDR : une référence à Bowie ?) qui évolue à la croisée des chemins d’Ultravox voire de Tubeway Army (les synthés !), d’Ozark Henry (ses débuts surtout) et de Tuxedo Moon (les accords de basse sont aussi ténébreux que ceux assénés par Peter Principle) à « U need it », une plage sculptée dans la country spectrale (ce banjo !), en passant par l’obsessionnel « Opening night ». Réminiscent de feu Nico, mais en plus alerte, cette plage est hantée par une trompette qui n’est pourtant pas jouée par Luc Van Lieshout (NDR : encore un musicien de Tuxedo Moon). Reste « Noche », dont le traitement électro, nonobstant la présence de ce fameux banjo, rappelle inévitablement celui qu’avait opéré Radiohead sur ses albums « Kid A » et « Amnesiac ». Et puis « Sponger gene ». Caractérisé par un clavier vintage, il s’achève par un refrain paradoxalement disco. Etonnant et surtout à suivre de très près !
Etrange : les premiers riffs qui naissent du néant rappellent ceux de « Fin de Siècle » de Noir Désir, et déjà tout est dit. Non pas que les Cecilia :: Eyes fassent de l’indie rock à la française, mais cette citation (emprunt ?) décrit bien la musique qu’ils tentent de produire. Ses couleurs ? Grises, entre le clair et le foncé, comme sur la pochette (un gros voilier, semble-t-il échoué sur la plage de Coxyde). Le gris est une belle couleur, plus proche finalement de la mélancolie que de la tristesse. Test : insérer « Echoes From The Attic » dans votre lecteur CD quand il y a du monde dans votre salon. Attendez les réactions. (…) ‘Yo, vieux, tu veux qu’on se tire une balle ou quoi ?!?’ (rires) La mélancolie irriterait-elle, dans un monde où le sourire reste la meilleure arme pour réussir et se faire des amis ? Et Mylène Farmer, bordel ?!? Cet EP contient 6 titres, pour la plupart courts, calmes, à l’instar des mélopées les plus sages de Mogwai. Ici peu de tectonique à la Sweek ou à la GY!BE, mais des ambiances fragilement délétères, qui peinent à se lever comme le font les morts quand ils écoutent Michael Jackson. A la fin chante une fille qu’on imaginerait bien jeune et jolie. Elle parle d’anges et de sommeil, et dans nos rêves on lui susurre « Kiss me »… Du post-rock avec une fille qui chante ? Seulement sur le dernier morceau, et c’est très bien ainsi. Ils nous viennent de Morlanwelz, et leur premier EP tient la route au moins jusqu’à Saint-Idesbald. A quand un festival ‘Couleur Cafard’ à l’hippodrome d’Ostende ?
Cooperative Music est une subdivision du label V2 qui relaie actuellement City Slang, Wichita Recordings, Rabid Records, Bella Union, Memphis Industries, Moshi Moshi, Setanta et Luaka Bop. Le troisième volume de ce sampler propose un disque audio et un DVD. Une bonne manière de découvrir en son et en image la richesse du catalogue de cette association. On ne vous fera pas l’injure de décrypter les groupes ou les artistes qui figurent sur cette compile. La plupart ont déjà été chroniqués dans Musiczine. La tracklist me semble donc amplement suffisante. La voici :
CD
1. A Gap Has Appeared - Filed Music
2. Fancy Robots - Justine Electra
3. Young Folks - Pter Bjorn And John
4. Ticket To Immortality - The Dears
5. Twelve - Forward, Russia!
6. In Flight - Amusement Parks On Fire
7. Sing Songs Along - Tilly And The Wall
8. Pull Shapes - The Pipettes
9. Deep Down - Calexico
10. Head Home - Midlake
11. Fear - Lambchop
12. Love Ain't Just A Four Letter Word - Jenny Wilson
13. Wake Up - Lo-fi-fnk
14. Like A Pen - The Knife
15. Always For You - The Album Leaf
16. Baby I - Amy Milan
17. Put A Penny In The Slot - Fionn Regan
18. Widow's Weed - Espers
DVD:
1. 7/4 (Shoreline) - Broken Social Scene
2. 16.16.6 - The Drips
3. Twelve - Forward, Russia!
4. Moonpigs - Blackmail
5. (Oh) god - The Most Serene Republic
6. I'll Bring The Sun - Jason Collett
7. Young Folks - Peter Bjorn And John
8. Wishbone - Architecture In Helsinki
9. Your Kisses Are Wasted On Me - The Pipettes
10. Fraud In The 80's - Mates Of State
11. Paul Simon - The Russian Futurist
12. Let My Shoes Lead Me Forward - Jenny Wilson
13. Festival - Dungen
14. Young Bride - Midlake
15. Sleep Tonight - Stars
16. Dirty Frames - The Tiny
17. We Share Our Mother's Health - The Knife
18. Pac Mac/Shopping Cart - Schneider TM
19. Cruel – Calexico
Humour, point d’exclamation et punketé. Against Me ! nous revient de Londres. Un concert enregistré sous le bras, le quatuor de Gainsville (Floride) nous laisse entrevoir l’étendue de ses prétentions scéniques. Et force est de constater que Tom Gabel et ses potes ont des arguments à faire valoir : un look de bûcheron écossais dépravé, un punk-folk urgent pour danser bourré et complètement déshabillé ou, encore, de solides mélodies à chanter debout sur le comptoir de son pub préféré. Etrange rencontre entre les Pogues et les Dirtbombs, Against Me ! devrait tourner en compagnie d’Archie Bronson Outfit, son lointain cousin britannique. Pour les néophytes du folk-rock branché sur 10 000 volts, ce concert à Londres constitue une excellente porte d’entrée sur l’univers de ces folkeux affolés. De chouettes compostions (« Americans Abroad », « Don’t Lose Touch ») à découvrir d’urgence. Ceux qui limitent le punk rock ricains aux incartades de NOFX devraient écouter cet album. Il fera son (petit) effet.
Il y a deux ans au festival de Dour, de tristes sires à l’esprit étriqué gâchèrent la fête de Diam’s et de ses fans. Boîtes de conserve, bouteilles, détritus : autant de projectiles lancés à la figure d’une rappeuse qui ‘n’avait rien à faire là’, parce qu’elle vend des disques et passe en boucle sur NRJ. Bref, car elle incarne le commerce, les hit-parades FM et le rap midinette. Si ces abrutis avaient jeté ne serait-ce qu’une oreille aux disques de la Parisienne, ils auraient sans doute ravalé leur fierté de ‘baraquis’ et compris que Diam’s est loin d’incarner la varièt made in France. Cette France des Enfoirés, qui vote à droite et chante « Je te donne » alors qu’elle ne pense qu’à pomper notre pèze. Certes, « Dans ma bulle », le troisième album de Diam’s, cartonne (350.000 exemplaires déjà écoulés). Mais ce n’est que justice. Car Diam’s parle d’amour, de respect, de tolérance, à une époque où tout s’enflamme sur l’autel de l’individualisme et de la haine. Sa « France à elle » n’a rien à voir avec celle de Sarko, du beaujolpif, des Choristes et de Laurent Gerra. Au contraire elle emmerde Le Pen (« Marine »), comme en leurs temps les Bérus, Noir Désir et Suprême NTM… Autant dire qu’écouter ce petit ‘brut de femme’ s’avère d’utilité publique ; d’ailleurs ses disques se vendent par brouettes entières ? Tant mieux ! D’autant qu’au-delà du contexte, la forme reste centrée sur le groove (l’énorme « La Boulette », « Big Up », « Me Revoilà », « Cause à effet »), avec en point de mire le hip hop d’Eminem, de Suprême, d’IAM et d’Assassin. Si les ballades R’N’B s’avèrent un peu faiblardes (« Par Amour », « T.S » et son piano à la « You » de Ten Sharp), « Dans ma bulle » mérite son succès. Parce que Diam’s est une sacrée tchatcheuse, sensible, intelligente et combative, qui a toujours préféré la folie des passions à la sagesse de l’indifférence. Anatole France. Aux armes la jeunesse !
Maître de l’abstract hip hop, Fat Jon The Ample Soul Physician profite de la sortie du « Kommunicator » de Five Deez, l’une de ses formations originelles, pour offrir - enfin! - à l’Europe et aux States son excellent album solo « Afterthought ». Paru début novembre 2004 au… Japon, cet essai méritait bien mieux que de moisir dans la cave d’un distributeur. Quelque part entre les travaux de RJD2 et DJ Shadow, le voyage spirituel de Fat Jon invite à l’introspection et calme les esprits aussi facilement qu’un Valium (« Darkness », « All In Your Mind »). Certains chefs d’états feraient d’ailleurs bien de s’en procurer un exemplaire. Ode au rêve, « Afterthought » illustre un univers où même les songes les plus fous sont concevables (« Fly Away », « Your Purpose ») et où le dépassement de soi ne connaît aucune barrière physiologique (« Just Breathe », « Risk It All »). Fat Jon nous propose donc ici une séance de thérapie des plus efficaces.
Question : 'Quelle est l’ex-Destiny’s Child ayant le mieux réussi sa carrière en solo : a) Beyoncé Knowles, b) Kelly Rowland, c) la figurante dont personne connaît le nom, d) LeToya Luckett?'. Beyoncé ? C’est votre dernier mot ? Pas de bol. A quelques semaines près, vous auriez peut-être récolté le pactole. Profitant de l’hibernation de ses ex-consoeurs, LeToya réussit un véritable tour de force aux Etats-Unis en squattant la pole position du Billboard, aussi bien du côté des singles que des albums. Une belle revanche pour la demoiselle qui, quelques années auparavant, s’est vu gentiment remerciée pour avoir osé suggérer le remplacement du papa à Beyoncé, manager des feues Destiny’s Child, par une personne neutre. De plus, LeToya ne manque pas d’humour. Après avoir intenté deux procès à ses anciennes camarades, elle déclare ‘Non, je n’ai pas de ressentiments envers elles’. Fatiguée de nourrir la rubrique potins des tabloïds, la jeune fille prend sur elle, efface l’ardoise et lance un nouveau girl band, Anjel. Un flop intégral. Il lui fallait donc faire un choix entre une carrière solo ou devenir serveuse au McDo. Et comme il aurait été triste de gâcher un tel potentiel commercial dans la vente de Big Mac, le label Capitol la prend ‘généreusement’ en charge et confie la production de son premier album solo à quelques uns des plus grands producteurs R’n’B (Jermaine Dupri, Terry Allen, etc.). « LeToya » débarque alors dans les bacs. Carton plein.
Question : 'Auquel de ces éléments doit-elle ce succès : a) ses hits potentiels, b) les photos sexy de la pochette, c) une production originale, d) une voix unique en son genre ?'. Réponse b ? C’est votre dernier mot ? Bien joué. En effet, hormis les charmantes images qui alimentent le livret, il n’y a pas grand-chose à retirer de cet essai éponyme. Condensé de R’n’B soporifique et de ballades mièvres aux textes clichés, « LeToya » est une simple relecture des tubes de ce genre musical, circa mid-nineties. On pense, sans la moindre excitation, à TLC (« So Special »), Toni Braxton (« Torn ») ou encore Brownstone (« Obvious »). Bref, toutes ces artistes aujourd’hui disparues de la circulation. Ce succès serait-il donc expliqué par une certaine nostalgie ? Le fait est que même les titres un tant soit peu ‘modernes’ n’ont rien d’original (« All Eyes On Me » et ses rythmes aussi arabisants et tubesques que le « Baby Boy » de sa principale rivale…). A l’heure où une certaine chaîne musicale n’en a plus que pour la Urban Music, LeToya peut dormir sur ses deux oreilles. Mais nul doute que l’heure de son règne est commercialement comptée. D’ailleurs, à ce propos, dernière question : ‘La femme à Jay-Z, elle sort pas un album bientôt ???’…
Avec son pote de label Matteah Baim, Sierra Casady (CocoRosie) s’est perdue dans le désert, sur les traces de Nico, pour enfanter de ce disque sépulcral, aux échos de Maldoror. En plein mirage solaire, le couple a trouvé dans le sable des masques : il s’en affuble pour tromper la mort, l’apprivoiser, comme dans un trip à la Von Stroheim. Des ‘rapaces’ ? Oui, mais métalliques. Du ‘soft metal’ ? Plutôt des soundscapes à la Gus Van Sant, un mélange détonant de slowcore, de free folk et de doom céleste. De cette expérience quasi mystique, l’auditeur retiendra avant tout des images surannées, une sensation de vague à l’âme, l’angoisse de la fin qui approche. Le chant carbonisé par les rayons UV, ne subsiste qu’un squelette de voix, opératique, religieuse (en guest, Jana Hunter, Antony, Banhart, et Greg Rogrove de Tarantula A.D., à la batterie). Quant au riff (inutile prière ?) et au beat (en sursis ?), on les écoute en craignant qu’un vautour nous mange les oreilles. Dans le désert il n’y a rien, mais comme l’écrit Depardon, on y est ‘hors du temps, hors des choses, hors de la performance et de la virtuosité’. C’est peut-être pour cette raison que ce disque décontenance. Mais ce qui est curieux et rare, original et insolite, voire pervers, tout ce qui peut exaspérer les nerfs ou aiguiser la sensation, se doit d’être écouté. Si les faucons te matent, ne t’avoue pas vaincu.
Si le nouveau cru d’Iron Maiden constituera la grosse sortie métal attendue pour la rentrée, la nouvelle livraison de Slayer sera sans nul doute l’album qui aura marqué l’été 2006. « Christ Illusion » est enfin né. Mais qui aurait pu croire qu’il allait falloir patienter cinq années pour pouvoir poser une oreille sur le successeur de « God Hates Us All », sorti en 2001 ? Les ambassadeurs du métal extrême ont pris leur temps, enchaînant tournées sur tournées, se souciant peu des pressions de leur label pour entrer en studio. Mais le résultat est cataclysmique. Evidemment, le retour du marteleur de fûts, Dave Lombardo, n’y est certainement pas étranger. La machine de guerre s’est refaite une jeunesse pour un album envahi par les ténèbres, la violence et la technique ; soit tous les éléments qui caractérisaient le trash métal des années 80. Indéniablement, Slayer est le seul combo qui soit parvenu à surmonter les épreuves du temps. Les œuvres actuelles de Metallica, Megadeth, Anthrax et Venom semblent bien insipides face à ce « Christ Illusion » délicieusement malsain. Imaginez un croisement entre « Reign in Blood » (référence absolue du style) et « Seasons in the Abbyss » ! Des titres très rapides, parsemés de roulements de drums dégainés à une vitesse folle, par un Lombardo plus furieux que jamais. De gros breaks bien lourds et des changements de rythmes typiquement ‘slayeriens’. Comme à la grande époque !
Pur bâtard, « Catalyst » pourrait être le fruit d’une liaison illégitime entre « Disciple » et « Angel of Death ». Plus étonnant, « Jihad » rend un hommage trash à AC/DC. On retrouve certaines atmosphères propres à « South of Heaven ». Tom Araya pousse des cris de maniaque particulièrement aigus sur « Eyes of the Insane » et terrifiants sur l’excellent single « Cult ».
Quant aux textes de Hanneman, ils véhiculent évidemment les credo habituels contre la guerre et la religion. « Christ Illusion » n’est certainement pas le meilleur album de Slayer, mais il est sans aucun doute le plus convaincant depuis « Seasons on the Abyss ». En attendant d’assister au Unholy Alliance Tour 2 qui réunira Lamb of God, In Flames, Children of Bodom et Slayer (le 9/11/2006 au Brabanthal de Louvain), procurez-vous cette plaque explosive qui inspire le respect. De courte durée ? Oui… Moins de 38 minutes. Cela ne vous rappelle rien ?
Le premier opus de Tommy est une invitation au voyage. Laissons valises, passeports et crème solaire à la maison : la virée aérienne se passe à l’intérieur. De son timbre brut et pur, Tommy Donald Colin rêve à haute voix. Sa souffrance, ses doutes, ses espoirs puis sa sérénité se déclinent en onze morceaux tantôt riches en sonorités, tantôt dépouillés, toujours séduisants. « Dreamworld » et « The light will be » ouvrent l’album, annonçant une pop mélodique très british. Gentille ? Pas tant que ça: Tommy sait y ajouter la force du rock et un dynamisme électro lorsqu’il le faut. Léger et profond, « Alright » rassure tandis que « We can change » ressemblerait à une réponse destinée à Lennon lorsqu’il nous demandait d’imaginer : ‘Don’t forget what we can make, if we all want the same. We can change our world.’ Jouant sur les variations rythmiques, alternant rage et douceur, Tommy explore aussi ses zones d’ombres: ‘Together is a word I didn’t know, with all my soul I want a relation, but from the room of my autism, no word comes out when I want to talk, your open hand is my salvation’ (“Nevertheless”). Si le Tommy des Who était aveugle, pour celui-ci: “The light will be”. Thank You, Lord.
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