Rainer Ptacek est né en 1951. En Allemagne de l'Est. Il n'a que 6 ans lorsque sa famille s'installe aux Etats-Unis. Au cours des années 70, il se fixe définitivement à Tucson, dans l'Arizona. Déjà, il est passionné de musique et de blues en particulier. Guitariste, il se spécialise avec bonheur dans le domaine de la slide. Qu’il exerce au sein de groupes électriques : son trio Das Combo ou encore Giant Worm. Mais c'est surtout en solitaire que Rainer démontre toute l’étendue de son talent. Que ce soit armé de son dobro ou de sa National steel, il se révèle éblouissant. Son répertoire est partagé entre ses propres compositions et reprises, notamment de son bluesman favori : JB Lenoir. Malheureusement, Rainer n'est plus de ce monde. Il nous a quittés en novembre 1997, victime d'une tumeur au cerveau. Il n'avait que 46 ans. Le label allemand Glitterhouse a réédité toute sa discographie. Tout d'abord, celle qu’il a commise chez Das Combo. Et notamment "Barefoot rock with", un elpee paru à l'origine en 1986, et produit par son ami Howe Gelb, le leader de Giant Sand. Ainsi que "The Texas tapes". En 1993. Pour la circonstance, il avait reçu le concours de musiciens de ZZ Top. Sous son patronyme, ensuite : "Worried spirits" et "Nocturnes". Sans oublier la trilogie éditée à titre posthume : "Alpaca lips", "Live at the Performance Center" et "The farm", concoctée quelques mois avant sa mort. Son label vient donc d’avoir l’idée lumineuse de lui consacrer ce "Best of", un recueil qui réunit des plages issues de ses albums commis en solitaire, enrichi de deux inédits, en fin de parcours.
"17 miracles" est partagé, vous vous en doutez, en 17 morceaux! Peu de titres issus de ses opus antérieurs. Un seul de son tout premier, en compagnie de Rainer and Das Combo : le merveilleux et très électrique "Life is fine". Une compo dont l’intensité rappelle étrangement le meilleur de Neil Young, lorsqu’il est flanqué de son Crazy Horse. Donc lorsqu’il est le plus déjanté et le plus viscéral. Deux fragments relèvent de son premier elpee solo, "Worried spirits" : "Losing ground" (NDR : très inspiré du country blues) et "River of real time". Opus instrumental, "Nocturnes" a été réalisé au sein d’une chapelle perdue dans le désert. Le choix s’est porté sur "Within you without you", une plage à la beauté immaculée empreinte d’une extrême fragilité. Cinq fragments ont été extraits d'Alpaca lips". Et notamment "Rudy with a flashlight", la plage d'ouverture caractérisée par la sonorité étrange, limpide du dobro ; "The good book" une compo dont il émane un certain mysticisme des cordes, et que balaie discrètement une section rythmique veloutée ; ou encore un "Rude world" parcouru de vibrations surréalistes. Quatre morceaux du "Live", immortalisé en juin 1997 lors d’une prestation en solitaire, figurent sur cette plaque. Dont le très intimiste "One man crusade", "The farm", illuminé par un vocal bouleversant ; et puis surtout "One wrong turn", une chanson tellement proche du blues simple et pur du prestigieux Ry Cooder. Deux titres relèvent de "The farm" : "Junkpile", dont la fusion entre acoustique et cordes amplifiées suscitent une sensation de mal être, et le paisible "Oasis". Reste donc les deux inédits. Tout d’abord "Love buys love". Interprété sous une formule électrique, il est investi par une mélodie quasi pop et sublimé par ce merveilleux timbre d'archange. Et enfin, "Miss the Mississippi" qui achève la plaque. Une chanson raffinée par un piano léger, les cordes et cette voix divine. Et pour que votre information soit complète, sachez que Patti Keating, son épouse, a rédigé les notes de pochette. Son objectif : essayer de maintenir vivant, le souvenir de Rainer.
Deuxième tentative pour Aberfeldy. Après l’inaugural « Young Forever », voici « Do Whatever Turns You On », suite logique des aventures musicales de nos cinq Ecossais. La formation perpétue son art, suivant les règles d’or d’un genre devenu patriotique : la ballade pop au cœur brisé. Dans le rétroviseur de Belle & Sebastian ou de Camera Obscura, l’ombre d’Aberfeldy se profile. Pourtant, à l’image d’un vieux disciple, le groupe ne parvient jamais à surpasser l’œuvre de Stuart Murdoch, le père fondateur. Alors, Aberfeldy se jette corps et âme dans de vaines complaisances ensoleillées. « Do Whatever Turns You On » est joli et inutile, gracieux et embourgeoisé. Cette pop lumineuse aurait besoin d’un sérieux décrassage, d’une cure de Juvamine, d’une bonne dose de poudre frénétique. Quelques morceaux viennent heureusement sauver ce deuxième album d’un naufrage tragique. On songe alors à « Hypnotised » ou « All True Trendies ». Sous peine de rejet cutané, on évitera les claviers dégoulinants de « Uptight ». Pour clore son triptyque discographique, ces Papas Fritas écossaises ont tout intérêt à revoir leur recette. Là, elle sent franchement le roussi...
Ce groupe existe depuis 95 et propose ici son troisième CD. Il pratique par enregistrement de jam sessions. A sa culture rock, le groupe associe free jazz et surtout psychédélisme kraut, influence évidente (et assez insolite pour un groupe italien). On a donc droit a pas mal de délires sonores, charriant quelques belles ébauches, mais, malheureusement, trop souvent embryonnaires. Il faut attendre la cinquième plage pour avoir droit à une construction musicale, sous la forme d'un crescendo plutôt dark. Pour les amateurs d'ambient music, version psyché.
Originaire d’Okinawa, cette jeune fille de 24 ans a été découverte par le label Temporary Residence Ltd. sur MySpace. Son premier album semble avoir été moulé dans un écrin de glace. De celle qu’on trouve en Islande, pays de Björk et d’Emiliana Torrini. Il y règne une ambiance de berceuses, cristallines, quand il est temps d’aller dormir et que plus rien n’importe. Est-ce comparable à un retour à l’être originel, encore vierge de toute déformation existentielle ? Ecouter ce disque c’est comme secouer ces petites boules de cristal, à l’intérieur desquelles se trouvent de minis paysages enneigés. Le temps semble s’y être figé, et c’est réconfortant. Caroline Lufkin chante d’une voix à faire chialer les anges de la chapelle Sixtine. Sa musique est câline, parce qu’elle est faite de clochettes, de harpe, de piano, de bleeps et de cordes. Sensibles. Une musique proche de celle dispensée par des artistes comme Anja Garbarek, Emilie Simon, Joanna Newsom et l’internationale de l’indietronica rêveuse (Morr Music, Plop, Moshi Moshi,…), Caroline nous plonge, tout au long de « Murmurs », au cœur d’une fébrilité somme toute très masculine. Viens là que je te cajole, ta musique sonne à mes fesses comme du talc de bébé.
Deux ans auparavant, Martin Pelland, le bassiste de The Dears, confiait à Musiczine qu’il souhaitait de tout cœur que, pour le prochain album des Dears, ‘les journalistes laissent les références de côté’. Raté ! Encore une fois, t’y échapperas pas mon vieux... Malheureusement pour Murray Lightburn et ses potes, « Gang Of Losers » confirme l’étiquette ‘The Smiths version 2000’ collée au dos de la formation canadienne depuis la sortie de « No Cities Left ». Dans la droite lignée du disque précédent, le nouvel essai n’a, par conséquent, rien d’étonnant. Faisant la part belle à des morceaux pop et radiophoniques à l’instar de « Ticket To Immortality », « There Goes My Outfit » ou « I Fell Deep », le nouveau recueil du combo recèle quelques titres moins étudiés et, paradoxalement, plus recherchés tels que « You And I Are A Gang Of Losers », « Death Or Life We Want You » ou « Whites Only Party ». On regrettera l’absence de plages plus épiques à l’image de « Expect The Worst / ‘Cos She’s A Tourist », qui venaient pimenter « No Cities Left ». Hormis "I Fell Deep", même les vocalises féminines passent ici en sourdine. Aucune grande surprise donc, mais un disque qui plaira à tous ceux qui ont apprécié l’essai précédent.
Minuit. Les ruelles sombres et désertes de Londres s’illuminent. La ville est en état d’alerte. D’un coup, d’un seul, les habitants envahissent les trottoirs. L’annonce de la résurrection des défuntes sixties a provoqué l’effet escompté. Le peuple danse frénétiquement à chaque coin de rue. Reprenant le flambeau du rock ska là où Madness ou The Specials l’avaient abandonné, The Dead 60s ravive le souvenir d’un genre trop longtemps laissé pour compte. Sorti fin mai 2005, l’éponyme de la formation britannique a malheureusement souffert de la surexposition de certains confrères apparus en même temps sur la scène british. Hard-Fi pour ne pas les citer. Relégués au second plan, le combo publiera à deux reprises « Riot Radio » qui n’atteindra que la 30e position du chart anglais… à deux reprises ! Le single « Ghostfaced Killer » ayant quelque peu amélioré sa situation, le quatuor décide, à l'heure où il enregistre son second essai, de rééditer le premier. Exit les titres « New Town Disaster » et « Just Another Love Song ». Ils sont remplacés sans révérence par « Ghostfaced Killer » (absent de la première version) ainsi que la plage instrumentale « Soul Surivor ». Etrange remaniement qui n’enlèvera cependant rien au charme de la plaque. Bien que The Dead 60s ait un peu de mal à convaincre sur scène, le groupe démontre toute l’étendue de sa puissance sur ces 13 morceaux gravés. En témoignent les engageants « Riot Radio », « Red Light », « Train To Nowhere » ou « Loaded Gun ». La formation aura sacrément ramé mais le résultat en vaut la chandelle. D’ailleurs, dans les rues de Londres, on danse encore…
Pérégrination cocasse. Le soleil australien de Melbourne devait vraiment taper très fort le jour où la jeune Justine décida d’embarquer ses valises sous la grisaille berlinoise. Berlin, sa Porte de Brandebourg, son ours d’or et son « Tresor » techno ne pouvaient laisser la petite Justine indifférente. Elle s’improvisait ainsi DJette, se liait d’amitié avec Schneider TM et remportait le trophée du ‘Red Bull DJ’. En toute logique, ce périple historique aurait dû nous guider aux portes d’un disque électro. Mais non. Sur « Soft Rock », premier album de Justine Electra, les platines sont en berne. Ses rêves électroniques de côté, la demoiselle nous chante ses songes les plus intimes, doux et romantiques. Ces belles chansons acoustiques s’adressent aux admirateurs d’Aimee Mann (« Fancy Robots »), aux amoureux de Stina Nordenstam (« My Best Friend », « Autumn Leaves »). Justine Electra esquisse également les tendres contours d’une musique personnelle (« Killalady », « Calimba Song »). Son « Soft Rock » nous drague sans prétention. Charmant à défaut d’être étonnant.
Bush à la présidence des Etats-Unis, c’est bien de musique qu’il s’agit : de Peaches à Bruce Springsteen, des Pet Shop Boys à Morrissey, nombreux sont les artistes qui ont sorti ces derniers temps des disques cathartiques, en prise directe avec le monde qui les entoure. « At War With The Mystics », le dernier album des Flaming Lips, se révèle ainsi, dès son titre d’ouverture (« The Yeah Yeah Yeah Song »), une charge féroce contre l’impérialisme mystique de Bush et de sa confrérie. Mais cette question, même posée avec tant d’élégance et de puissance (ce disque est le plus rock des Flaming Lips), est-elle celle qu’on retiendra à l’écoute de ces 12 titres ? Comme d’habitude Wayne Coyne délire dans un coin de sa tête, invitant ses démons (la religion, le fanatisme, le cosmos) à une surprise party d’enfer, où tout le monde se défonce en sniffant de l’hélium. Résultat : c’est mieux qu’un épisode des Teletubbies, même si à la fin on se souvient à peine du trip qui vient de secouer notre colonne vertébrale.
Autant le dire tout de go : « At War With The Mystics » n’est pas le meilleur album des Flaming Lips… Mais ses meilleures chansons valent bien quelques buvards d’acide. « The Yeah Yeah Yeah Song » rappelle qu’on peut se fâcher tout rouge (contre le pouvoir en place, l’idiotie maîtresse du monde) tout en gardant le sourire. Le riff de « The W.A.N.D. » surprend par son acharnement (rock’n’roll !). « Pompeii Am Götterdämmerung » nous envoie en orbite, objectif lune (grande ballade psychédélique !) Et puis, on est certain d’une chose : même si Wayne Coyne et ses deux potes (qui reviennent de loin…) donnent l’impression que l’amour est la clé de tous nos problèmes, on sait bien qu’au fond d’eux-mêmes ils n’en sont pas si sûrs… C’est ce qui est touchant : écouter enfin une musique profondément humaine, faite par des types qui ont les mêmes peurs que nous. Des chics types, vraiment.
Duo allemand responsable d’un premier album passé relativement inaperçu (« I Know You Know »), Guther signe un élégant retour. Une production qui fleure bon l’enregistrement maison, entre quatre yeux, en toute complicité. Une voix féminine vous accueille, vous fait découvrir leur charmant petit intérieur et vous séduit ostensiblement. Le léger accent teuton ne doit pas y être pour rien. Alors on fait le tour du (et de la) propriétaire, on s’installe et on finit par se sentir comme chez soi. La pop est propre sur elle, ronde et d’un énervement contenu. Capable de s’emballer, de se fâcher toute rouge, mais sans pour autant réveiller les voisins. Entre intimité chaleureuse (les guitares minimalistes, la mélancolie de surface) et cavalcades oniriques (l’assurance de certaines compositions plus enlevées), les maîtres des lieux savent recevoir. Petit bémol, certaines pièces manquent parfois d’ampleur (arrangements brut de fonte) ; et on se sent un peu à l’étroit. Du calme, pas de quoi déserter les lieux non plus. Home sweet home…
Une balade en forêt, une partie de foot, se torcher la tronche dans un bar. Quelques exemples du passe-temps entre potes quand on s’ennuie ferme. D’autres font des disques. Jeff Tweedy, Wilco en chef, Glenn Kotche, batteur de son état (chez Wilco notamment) et leur compère sorcier multi-instrumentiste Jim O’Rourke (le Brian Eno du nouveau siècle) sont de ceux-là. Ces trublions ont initié le projet en concoctant « Loose Fur », album de six (longs) titres aux accents acoustiques. En 2003. Ils remettent le couvert sous la forme d’un « Born Again In The USA » en forme d’échappatoire à la pression de leurs carrières respectives. Inévitablement, le concept peut apparaître comme une récréation, impression qui se renforce à l’écoute du guilleret et siffloté « Ruling Class » mais on perçoit rapidement que la force motrice et créative de l’échappée belle vogue au-delà de ces considérations. Les bonshommes, trop pétris de talent pour se la couler douce ne font rien d’évident. Rock cabossé (« Hey Chicken »), folk futuriste (« Answers To Your Questions »), mélodies piétinées tout en cassures (« Apostolic »). Ils restaurent même à une certaine idée du krautrock, marotte de Tweedy ces dernières années, via l’interminable et planant « Wreckroom ». Ces gars doivent avoir une drôle de conception du fun. Certes, si cette parenthèse est moins indispensable que leurs récents travaux, elle demeure néanmoins une admirable façon de passer le temps.
Qui a pissé dans la soupe du chef ? Bizarre. Après avoir entendu « City », le titre ouvrant le premier opus de Lo-Fi-Fnk, c’est Patrick Hernandez et son fameux « Born To Be Alive » qui nous trotte dans la tête. Passé cette étrange sensation, on peut enfin se concentrer sur l’indietronica des Suédois. Enfin presque. Il y a toujours cet arrière-goût qui nous poursuit. Signé sur Moshi-Moshi Records, le duo nous avait déjà gratifiés d’un titre électrifiant, « Change Channel », repris sur la compilation du label (« Can You Hear Me Clearly », sorti en février dernier). On en attendait donc beaucoup de ce premier ouvrage. A l’arrivée, le résultat est plutôt mitigé. « Boylife » jongle dangereusement entre aigreur et douceur. Bien qu’elle ne manque de piquant, la solution aurait été bien plus digeste sans les vocalises. Brusquement, ces dernières nouent l’estomac et provoquent un effet nauséeux. Dommage ! L'essai abrite pourtant quelques perles égarées telles que « System » ou « Change Channel ». Ne serait-ce que pour ces dernières, « Boylife » vaut tout de même qu’on lui prête une oreille. Attention aux effets secondaires. ‘You see you were born, born, born to be alive’…
Sufjan Stevens sait raconter des histoires. Souvent autobiographiques, elles n’en sont que plus belles. Touchantes. Pourtant, évoquer Sufjan Stevens devient douloureux. La starification du garçon provoque, chez nous, une foule sentimentale sans précèdent. Avouons-le : on aurait apprécié que Sufjan demeure notre secret le mieux gardé. Mais on le savait trop beau, trop doué pour s’arrêter au bord d’un lac après un « Seven Swans » (2004) rédempteur. Un an plus tard, ce banjo illuminé, ces accords acoustiques et cette voix d’ange devaient pousser les curieux à venir humer « Illinoise ». Fin du secret. Terminé. L’album de la consécration aiguillait Stevens en direction du panthéon des singers-songwriters. Ses chansons, d’une beauté désarmante, venaient remplacer Elliot Smith dans les cœurs transpercés des fans et mettaient en avant un artiste illuminé, capable de chanter la grande Amérique par le prisme d’une humanité confondante.
Suite à ce succès (inespéré ?), Sufjan Stevens laisse aujourd’hui tomber « The Avalanche », chutes sonores abandonnées lors de la confection d’« Illinoise ». Certes, on pourrait crier au scandale, affirmer que notre meilleur copain tire sur une corde commerciale bien tendue. Rien de tout cela. Cette Avalanche de chansons constitue la preuve irréfragable du talent inébranlable de Sufjan Stevens. Cet homme est un héros. Et on l’aime. Pour ces qualités et ses (petits) défauts. Oui, Stevens est faillible. Pourquoi s’obstine-t-il à livrer trois versions alternatives de « Chicago » lorsque la version enregistrée sur « Illinoise » demeure inégalable ? Pourquoi persévère-t-il à signer des albums marathoniens (près de 80 minutes au compteur) ? Toutes ces questions trouvent certainement réponses dans l’esprit éclairé de Stevens. Nous, on reste là. A écouter ces merveilleux débris. Magnifique carcasse sonore pour laquelle de nombreux artistes se battraient toute une vie. Insolent, Sufjan Stevens leur balance ses magnifiques déchets. On en connaît qui vont encore faire les poubelles...
« Play Loud » : le genre de sacerdoce rock’n’roll qui fait toujours du bien à lire, à l’heure où la musique ne doit surtout pas déranger, surtout en plein souper (la pochette). Pourtant, écouter Todd remplace au mieux le digestif après le dessert : plus besoin de déboucler posément sa ceinture, mieux vaut tout de suite sortir de table et aller pogoter dans le jardin, en piétinant les jonquilles et bastonnant les poules. Parce qu’écouter « Comes to Your House » de Todd, c’est comme revenir à l’état primal de l’espèce humaine : celui d’avant la parole (le chant, éructé), d’avant les politesses (les textes, sombres), d’avant la contrition (on se lâche, bordel). La civilisation ? On se pose la question. L’hygiène, la pureté, la sagesse ? « Amenez-moi un homme sain d’esprit et je vous le guérirai » (C.G. Jung). Une bonne cure de « Comes to Your House » devrait largement faire l’affaire. A taaable !
Nouveau venu sur la scène prog italienne, Ubi Maior n'est pourtant pas constitué de débutants. Il réunit des musiciens au background particulièrement varié, allant du blues au métal. Seul le clavier Gabriele Manzini est familier du milieu. Il a été membre du groupe 'The Watch', véritable clone italien de Genesis dont les cellules souche ont été prélevées entre 'Trespass' et 'Selling…'. Heureusement, rien de tout cela ici. Ubi Maior propose certes un prog italien typé seventies, mais se positionne d'emblée parmi les plus personnels et les plus intéressants. Le chanteur Mario Moi, archétype de la 'voix' italienne, est plus sobre que la plupart de ses collègues de la botte. Même s'il intervient souvent, son chant n'en devient jamais lassant. Toutes les plages sont abouties et affichent leur identité. Est-ce parce qu'elles s'attachent plus à des sensations et des états d'âme qu'à des récits? Elles sont en tout cas plus contrastées, plus profondes et plus versatiles que la moyenne. Les passages à la légèreté toute italienne sont contrebalancés par d'autres plus tourmentés ou violents. La douceur et la délicatesse méditerranéennes souffrent alors de quelque intempérie nordique. Les musiciens, au jeu très varié, sont irréprochables. Mention spéciale pour la belle complémentarité claviers/guitares. La production est sobre mais sans faille. Le tout est emballé dans une superbe pochette. Des débuts vraiment prometteurs.
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