L’Australie a souvent été considérée comme le berceau de losers patentés, de psychotiques désespérés et d’âmes en peine en tous genres. Bref, de quoi enfanter soit un assassin à la gâchette facile, soit une icône coruscante à l’ego démesuré. Gareth Liddiard, maître d’œuvre des Drones, adepte de Blind Willie Johnson, de Coltrane, d’Alan Vega et de L. F. Céline, semble être un peu tout ça à la fois. Leur premier album, « Here Comes The Lies » a été acclamé par la presse australienne. Après d’innombrables concerts et une tournée qui les a menés même en Europe, le deuxième disque « Wait Long By The River And The Bodies Of Your Enemies Will Float By » (on vous avait prévenus), a reçu un accueil chaleureux jusqu’en France. Un début de reconnaissance ? Pensez-vous ! Peu importe, la musique des Drones n’est pas faite pour les radios et les stades. Un rock’n’roll lettré, sale et sauvage né pour s’exprimer dans l’intimité crasseuse des bouges les plus reculés, là où miasmes et notes copulent à l’envi dans un dernier assaut de bruit et de fureur. Au fait, ce disque est un assemblage de titres issus des sessions des deux galettes précitées dont, selon son propre aveu, Gareth était trop enivré et cassé pour s’en souvenir. Avant d’ajouter ‘Lots of people think we are shit and I hope this makes them think we are even worse’. Si ça vous fait plaisir.
Excès, réjouissances, gloire et désolation. Avant un retour acclamé au sein des Dirty Pretty Things, l’ex-Libertines Carl Barat a côtoyé diverses émotions. Variables, contradictoires. Toujours intenses. « Waterloo to Anywhere » tourne sur la platine. Les yeux fermés, on ne peut s’empêcher de songer à la fulgurante fratrie Doherty-Barat. Oui, le sang des Libertines coule ici, au coeur de la nouvelle formation de Carl. Tout comme il coulait à travers « Down In Albion », l’album des Babyshambles de Pete. Globules blancs drogués pour l’un, globules rouges alcoolisés pour l’autre. C’est à ce prix que les Libertines sont partis. Que les tabloïds sont arrivés.
Aujourd’hui, Carl Barat s’est relevé. Il repart au combat, épaulé de son lieutenant libertin Gary Powell (batterie), de Didz Hammond (ancien bassiste de Cooper Temper Close) et d’Anthony Rossomando, substitut officiel de Doherty (également chez les Libertines agonisants) auprès de Barat. Le son résonne. Sale, déglingué et vintage à souhait. « Waterloo to Anywhere » sonne comme une suite des aventures discographiques des Libertines. La complémentarité des voix en moins, l’assurance en plus. Les Dirty Pretty Things assurent. Cela s’entend. « Deadwood », « Bang Bang You’re Dead », « Gin & Milk » constituent d’impeccables brûlots post-punk. Cette redoutable perfection est à la fois la force et la faiblesse de ce « Waterloo to Anywhere ». Les guitares sont parfaitement crades, la voix de Barat est exceptionnellement identifiable. Dans un monde parfait, le temps serait aux grandes réjouissances. Malheureusement, l’imperfection demeure le maître mot de notre époque. Et pour signer un classique, il faut comprendre son siècle, l’interpréter en musique. Les Libertines y ont laissé la vie. Les Dirty Pretty Things vivront ! Mais peu importe : nous nous amuserons...
Relent communiste primaire ou simple provocation bolcheviste, ¡Forward, Russia! revendique la possession commune des moyens de production et s’extirpe de la bouillonnante communauté artistique de Leeds. Pour ¡Forward, Russia!, la doctrine présente des avantages considérables : le matérialisme, l’entraide, la gratuité, etc. Ce collectivisme permet ici au quatuor post-punk de s’inspirer sans vergogne de camarades contemporains : Bloc Party, Blood Brothers, Editors et autres Test Icicles. A première vue, cette thèse ressemble aux bases élémentaires d’une imbuvable cacophonie. Mais ¡Forward, Russia! s’en sort plutôt bien. Premier titre sorti du lot des intitulés numérotés, « Thirteen » : bombinette hésitant entre les joies du dance-floor et la fureur du rock’n’roll. Efficace. On passe ensuite à « Twelve », chanson survoltée, contrebalancée de « hands clappings » guillerets. En Grande-Bretagne, ce premier single a positionné le groupe dans l’antre des charts. Il n’en fallait pas plus pour modeler une nouvelle hype, renforcée par la sortie de « Nine », une attaque de riffs tranchants épaulée d’envolées lyriques à la Kele Okereke (Bloc Party).
Au chant patriotique, le camarade Tom Woodhead en fait parfois des tonnes (l’insupportable « Nineteen » ou l’anecdotique « Eighteen ») mais s’excite toujours à point. C’est simple, dès que l’ennui pointe le bout du nez, on se ramasse de coriaces décharges d’adrénaline. « Seventeen », « Fifteen pt II » et « Eleven » remplissent ainsi leur contrat de puissance. Certes, ¡Forward, Russia! n’a pas les prétentions destructrices d’un bloc communiste. Mais possède néanmoins de sérieux atouts pour concurrencer Bloc Party.
C’est sur Paw Tracks, le label-mère des ‘new weird free’ (?!) folkeux d’Animal Collective, que sort le premier album de First Nation. En fait trois New-yorkaises qui jouent de la flûte, des percus et de la guitare en hululant telles des nymphes de l’Escaut. Si Unica Zürn ne s’était pas défenestrée après avoir écrit « Sombre Printemps » et « L’Homme-Jasmin », sans doute écouterait-elle ce genre de « Campfire Songs » en sirotant à la paille du sirop de Codéine. Dans « Vacances à Maison Blanche », ses derniers écrits en clinique psychiatrique, on trouve une photo de l’Allemande : coiffée de plumes sur la tête, comme les deux filles de CocoRosie. Tout se tient, bordel ! Le folk, cette hydre qui ne cesse de ressusciter depuis que Bob Dylan a mis ses doigts dans une prise murale, est bel et bien vivant ! Et s’il a pété un câble, on ne va pas chialer en priant Saint Garfunkel pour qu’il revienne à la raison. D’accord : ce disque n’est pas une grosse claque à la Animal Collective, mais il dérive bien à l’ouest, là où se planquent les Indiens et leurs bedots de peyotl. Quand l’ambulance déboulera, faudra faire attention à n’oublier personne : les nordiques de Fonal Records (Kiila, Es, Islaya,…), Gang Gang Dance, voire Midaircondo. Plus on est (de) fous, plus on rit, et tant pis pour ceux qui croient être sains d’esprit.
La vie est faite de haut et de bas. Norman Cook ne le sait que trop bien. Après avoir étoffé son CV au sein des Housemartins, Freak Power, Pizzaman ou encore Dub Internationals (NDR : souvenez-vous du gros tube « Dub Be Good To Me » sur un sample des Clash), l’homme devient Fatboy Slim et balance en 1996 une bombe qui explosera dans les clubs des quatre coins du globe. « Going Out Of My Head » tient la promesse évoquée par son titre et fait perdre la tête à des milliers de clubbers. C’est l’âge d’or de ce genre que certains ont nommé ‘Big Beat’. Classé par les critiques entre The Chemical Brothers et The Prodigy, Fatboy Slim atteindra le sommet de son art en 1998, année de sortie du rouleau-compresseur « You’ve Come A Long Way, Baby ». Album précédé par « The Rockafeller Skank », le single qui propulsera le DJ anglais au rang de référence incontournable.
Après la sortie des désormais cultes « Right Here Right Now » et « Praise You », Fatboy Slim s’amuse à remixer quelques uns de ses camarades (Cornershop ou Groove Armada, repris dans cette compilation) avant de s’enfermer dans son studio pour pondre « Halfway Between the Gutter And The Stars » qui n’aura pas l’effet escompté. Porté par « Sunset (Bird Of Prey) » et les vocalises samplées de Jim Morrisson ainsi qu’un « Demons » interprété par Macy Gray, ce troisième album accomplira son bout de chemin sans faire d’étincelles. Seuls « Star 69 » et « Sunset (Bird Of Prey) » sortiront leur épingle du jeu et atteindront le top 10 en Grande-Bretagne.
Quatre ans plus tard, Fatboy Slim sert un « Palookaville » quelque peu réchauffé. « Slash Dot Dash » obtiendra cependant un petit succès malgré un clip censuré. En effet, des gens qui peignent des murs en s’arrachant les vêtements, il n’y a rien de plus choquant... Quant aux autres extraits de cet essai (« Wonderful Night », « The Joker » et « Don’t Let The Man »), ils seront tout simplement ignorés par le public.
Norman Cook présente ici la rétrospective d’une carrière qui ne cesse de s’essouffler. L’inégalité des 18 morceaux choisis et le flop commercial du single inédit « That Old Pair Of Jeans » en sont, par ailleurs, de belles illustrations. Il aurait donc mieux valu que cette compile s’intitule « Why Don’t I Try Harder ? », remise en question qui nous aurait rassurés quant au futur de Fatboy Slim. Par ailleurs, on soulignera l’absence des singles « Ya Mama » et « Star 69 » qui avaient beaucoup plus leur place dans un « Greatest Hits » que les faiblards « Sho Nuff », « Santa Cruz » ou « Wonderful Night ». « Why Try Harder » est donc réservé aux inconditionnels.
Pour enregistrer leur deuxième album, Futureheads a fait appel au producteur Ben Hillier, mieux connu pour avoir mis en forme l’un ou l’autre opus d’Elbow, de Doves, de Depeche Mode ou de Blur. Ce qui ne change pas grand-chose au style musical pratiqué par le quatuor de Sunderland. Enfin, presque. En fait les quatre premiers fragments de l’opus renouent avec leur post-punk-new-wave particulièrement efficace, souligné de superbes harmonies vocales, qui avait fait merveille tout au long de leur elpee éponyme. Aussi bien l’âpre et vindicatif « Yes/No », le frénétique « Cope » et ses vocaux opératiques, vaguement réminiscents du « Bohemian Rhapsody » de Queen, l’impitoyable « Fallout » et ses riffs spasmodiques à la XTC ainsi que le contagieux « Skip to the end ». Les deux plages suivantes sont tout aussi intéressantes, mais démontrent surtout que le combo est aussi capable d’élargir son horizon sonore. Et puis, la guitare acoustique y fait son apparition. Tout d’abord, l’énigmatique et le menaçant « Burnt ». On s’imagine alors observer le ciel jaunâtre, fiévreux, juste avant que n’éclate la tempête. L’élégant et dramatique titre maître, ensuite. Un hommage aux victimes de l’accident d’avion, au cours duquel 8 joueurs de l’équipe de football de Manchester United, ont péri, en 1958. Il y a encore bien « The return of the berserker » qui nous replonge dans le punk agressif et furieux du « 154 » de Wire. Comme en 1979 ! Et puis rideau. A partir de ce moment, on a l’impression que le groupe s’est essoufflé. Ou est tombé en panne d’inspiration. La mélodie de « Worry about it later » semble un peu trop pompée chez Manic Street Preachers, « Favours for favours » lorgne sans grande conviction vers le Jam et la ballade « Thursday » est plus que dispensable. « Face » tente bien de retrouver des couleurs, mais ne parvient qu’à rappeler vaguement le « Happy house » de Siouxsie & the Banshees. Dommage !
Kieran Hebden, alias Four Tet, incarne l’éclectisme fait musique : après quatre albums audacieux où se mélangent allègrement techno, folk, électro, jazz, krautrock, fusion et ‘kosmische muzik’, le jeune Anglais (à peine 30 ans) publie ces deux galettes concoctées en roue libre en compagnie de Steve Reid, jazzman underground au touché à la fois détendu et complexe. Le vieil homme a collaboré avec Coltrane, Miles Davis, Fela Kuti. Il a tenu les fûts de Martha et de ses Vandellas. Peu importe la différence d’âge, puisque la rencontre se révèle ici incroyablement féconde. Kieran Hebden n’a d’ailleurs jamais caché son amour du beat retors et du groove calciné (cfr sa contribution aux séries de compiles « DJ-Kicks » et « LateNightTales »), et Steve Reid a su prouver tout le long de sa carrière qu’il apprécie les rapprochements contre-nature. Enregistrées en totale improvisation, sans aucun overdubs, ces ‘sessions d’échange’ convoquent les fantômes de Sun Ra, d’Alice Coltrane et de Faust, à l’ère du laptop et de la frénésie IDM. L’exercice séduira avant tout les vrais esprits rebelles, ceux qui ‘rêvent librement’ et ne craignent pas les brûlures sonores. ‘I hope this record opens our minds’, commente Kieran Hebden dans le livret du second volume. Si dans l’ensemble ils y arrivent tant bien que mal, l’expérience s’avère quand même moins percutante qu’elle le laissait entendre… « Space is the place » ? Euh, Houston ?, we’ve got a problem here.
« Multiply », le second album de Jamie Lidell, hante nos soirées les plus moites depuis un an déjà. Normal : c’est le meilleur disque d’électro-funk qu’on n’ait jamais entendu, comme si Curtis Mayfield, Prince, James Brown et Kraftwerk étaient vraiment restés tous ensemble, coincés dans un ascenseur. Imaginez la bamboula. Ceux qui ont vu le bonhomme en concert savent évidemment de quoi on parle : d’une tempête techno-soul ahurissante, convoquant le meilleur de Stax et de Motown avec l’électro la plus aventureuse. « Le Chant de la Machine » : tel est le titre d’une BD de Blot et Cousin retraçant l’histoire des musiques électroniques. Ici les machines ont une âme, et celui qui les triture chante comme un authentique ‘funk soul brother’ : le rhythm’n’blues digital existe, Lidell l’a inventé… Sur cette compile de live et de remixes, l’Anglais nous ressert donc une louche de « Multiply », entourés de tous ces potes : Gonzales, Four Tet, Mocky, Herbert, Luke Vibert, etc. Ils ont tous répondu présents à l’appel du beat suave, s’appropriant avec talent des titres comme « The City », « A Little Bit More » et « Multiply » (un exercice à la Ray Charles impliquant Gonzales - déguisé en pingouin - au piano). Dommage qu’on ne puisse regarder les images du live de « You Got Me Up », enregistré lors du concert de novembre dernier à la Scala de Londres… C’est paraît-il prévu pour une sortie en DVD, un jour. Nos aisselles en transpirent déjà. Jamie Lidell, lui, transpire le groove. Fuck yeah !
L’Internationale post-rock, côté soleil levant. Si les Nippons savent y faire question noise et psychédélisme (de Merzbow à Acid Mothers Temple), difficile de ne pas leur reprocher, parfois, une certaine tendance au mimétisme scolaire. De bons élèves, qui étudient à fond leurs manuels du parfait petit rockeur avant de se lancer dans le moshpit, pour le plus grand plaisir d’une armada de teenagers friands de mode occidentale. Que Mono fasse du post-rock épique et le fasse bien n’a donc rien de surprenant : les règles de base (tension-rétention) sont respectées à la lettre. Ca déchire. C’est d’un ennui profond. Autrement dit les goûts et les couleurs… La seule différence avec Explosions in the Sky, Sweek ou Sickoakes, c’est l’usage des extrêmes : prenez donc votre temps, ça pètera bien à un moment. Patience est mère de sûreté ? C’est peut-être là le problème. Il n’y a rien de pire que ceux qui s’appliquent trop, pour avoir de bonnes notes. 9/10 ? Peut mieux faire.
Elles sont les stars de demain et s’inspirent des tubes d’hier. C’est à ne rien y comprendre... The Pipettes, nouvelle sensation à pois venue d’outre-Manche, est l’anachronisme le plus séduisant observé au 21ème siècle. Ici, pas de prise de tête. C’est une chouette dînette de pop moderne. En cuisine, The Shangri-La’s, The Crystals, The Shirelles, The Supremes et bien d’autres. Alors certes, Gwenno, Rose et Becki ne vont pas révolutionner la planète musique. Et ce disque tend à confirmer la tendance. Emballées comme des poupées dans leurs jolies robes, les Pipettes chantent leur enthousiasme d’une confiance inébranlable et insouciante.
« We Are The Pipettes » ne constitue pas une pièce discographique essentielle. Mais l’enjeu de ce disque n’est pas là. Il est à chercher du côté sympathique et bien avenant des compositions garage pop du trio. Aucun doute : les jeunes générations vont tomber amoureuses de ces tubes rétro actifs. Les plus anciens, eux, se souviendront de leur tendre enfance : ces jours heureux où maman passait l’aspirateur alors que papa fumait sa pipe dans le fauteuil, regardant Toby (le chien) trottiner dans le jardin. Les Pipettes chantent une autre époque mais, à travers une production raffinée, s’ancrent de plain-pied dans notre réalité. Jouissance estivale, instantané de bonheur mélodique, « We Are The Pipettes » crie la joie de vivre de ses génitrices. « July », « Why Did You Stay ? », « One Night Stand » et « Your Kisses Are Wasted On Me » se répandent dans l’air comme autant de baisers. Ce disque est empli d’amour. Profitons en, les vacances ne durent qu’un temps !
Il aura fallu du temps pour que les Russian Futurists sortent de l’ombre. Ou devrait-on plutôt dire ‘le Russian Futurists’ puisqu’il s’agit en fait du projet d’un seul homme, Matthew Adam Hart. Loin d’être une ‘introduction’, comme son titre le laisse entendre, « Me, Myself & Rye » rassemble en fait quelques morceaux choisis des trois premiers essais du jeune homme. Entamé par le single « Paul Simon », ce recueil nous plonge dans un univers surréaliste proche de celui des Flaming Lips (« Let’s Get Ready To Crumble », « Two Dots On The Map »). Un peu comme si Matthew Adam Hart avait convié Wayne Coyne à un barbecue trop arrosé, à l’issue duquel les deux hommes auraient fini par se déguiser en saucisse géante tout en se prenant pour les Pet Shop Boys (« It’s Not Really Cold When It Snows », « Science Of The Seasons »). Les sympathiques ritournelles des Futurists sont parfois desservies par une atmosphère trop lourde due à une recherche minutieuse du détail. Détails qui font toute la richesse de « Me, Myself & Rye… » mais qui, comme des frites noyées dans la sauce, risquent d’en rebuter plus d’un. Par contre, les fans des références mentionnées plus haut s’en régaleront.
Dans la série des rééditions de l’immense catalogue du légendaire label Fania, on épinglera ce « Black Out » du pianiste Monguito Santamaria. Fils du légendaire percussionniste Mongo Santamaria, Monguito n’était pas en reste au niveau du talent musical et opérait sur ce disque le grand écart entre la soul d’inspiration latine et une salsa qui commençait à fixer ses règles au moment où ce disque a été enregistré (1970). On commence à s’éloigner de l’exubérance du boogaloo pour toucher à un certain classicisme pas encore fermé au changement. « Black Out » s’ouvre par la bien nommée « Crying Time », une perle de soul spectrale trempée dans le spleen des ruptures amoureuses, comme l’est du reste une grosse partie de « Black Out ». L’enlevé « Guarara » vise les dancefloors latins tandis que le funk lourd de « You need Help » et « I’ve Got To Find » ont sans doute été composés en pensant au public black de New York. Ce va-et-vient constant entre Amérique du Sud et héritage US s’avère étonnant, mais il recèle son lot de pépites, surtout du côté de la soul. It’s crying time…
D’origine australienne, Sophie Michalitsianos joue de la musique depuis sa tendre adolescence. Sans doute qu’à l’époque le premier Mazzy Star et l’intégrale des Cocteau Twins faisaient partie de ses marottes existentielles : pour pratiquer l’anesthésie rien de tel qu’une mélodie ouatée, un piano discret et une voix qui murmure. Des mots doux, à l’être aimé, absent, idéal, fantasmé. Si Sophie Michalitsianos sort aujourd’hui un album de ballades, c’est aussi grâce à Mark Linkous, de Sparklehorse. On l’entendait sur « Good Morning Spider » et « It’s A Wonderful Life » : ici elle chante toute seule comme une grande, et c’est aussi joli que Torrini (Emiliana), son visage angélique, cette faculté de suspendre le temps entre deux notes collées au firmament. ‘C’est la découverte de la beauté qui m’a d’abord inspirée’, confie-t-elle dans la bio de presse… Si cette déclaration peut prêter à sourire, on ne va pas s’en plaindre : c’est quand même mieux que de tirer la gueule.
Il y a le ciel, le soleil et la mer… Et cette septième vague que l’on espère. Assis sur la plage, ambiance ‘Cocktail chez mademoiselle’, il ne manque que la musique. Et voilà qu’une voix familière et chaleureuse vient demander à l’oreille : ‘Do you wanna dance’ ? Pourquoi pas… S’en suivra alors une longue nuit où on dansera, où on se baladera les pieds dans l’eau, où on se surprendra à rêver, peut-être… Mais autour du feu, on s’ennuiera hélas…
Pour son cinquième album studio, Laurent Voulzy a décidé de se faire plaisir en revisitant quelques souvenirs musicaux. Perfectionniste devant l’éternel, ce sont dix-huit classiques (voire un de plus) qu’il reprend ici, en français comme en anglais. The Doors (‘Light my fire’) et Sade (‘Smooth operator’) côtoient Brigitte Bardot (‘La madrague’) et Trenet (‘Le piano de la plage’). Excepté la reprise osée et très réussie de Montand (‘A bicyclette’, tout en pizzicato), c’est surtout de la complicité des duos que naît le charme : Voulzy invite Andrea Corr sur « All I have to do is dream » des Everly Brothers, Lenou pour un tendre « Yesterday once more » des Carpenters et, on ne l’attendait plus, l’ami Souchon plus groovy que jamais (« The 59th street bridge song », de Simon & Garfunkel). Si l’ensemble paraît alléchant, il faudra pourtant zapper quelques titres (« Santiano », « Derniers baisers ») pour ne pas risquer de s’endormir avant la fin de l’été.
« La septième vague » est un moment de calme marin, de douceur des îles. Idéal pour un duel au soleil, si l’on a le cœur grenadine…
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