Cette formation française pratique une pop acidulée filtrée par la bossa-nova, l’électro de salon, les années 60 et un peu d’indie rock. Claviers vintage, lignes de basse à la Gainsbourg et atmosphères désuètes se conjuguent pour soutenir la voix de Valérie A., rappelant quelque peu celle de Lio. Une belle production, plusieurs chouettes compositions (« Mine too », « Maggy », « Watch the Boys Go By ») et des arrangements très classe constituent les éléments de base de cet opus. Et nonobstant sa brièveté, il vaut largement le détour, surtout pour celles et ceux qui aiment la pop music chantée dans la langue de Shakespeare avec un accent frenchie.
Faux cool, vrai N.E.R.D., Pharrell Williams est un sacré bosseur. Connu pour ses talents de producteur (Sous l’égide The Neptunes, en compagnie de Chad Hugo), l’homme aime travailler quand ses potes vont s’amuser. Ainsi, entre quelques productions prestigieuses (Britney Spears, Kelis, Justin Timberlake, Usher, etc.) et plusieurs millions de dollars, Pharrell a mis en boîte ses propres chansons. Elles lui trottaient dans la tête... « In My Mind », confession discographique de son géniteur, révèle les différentes facettes de sa musique. Hip-Hop, Rock, R’n’B et Soul se côtoient dans un grand branle-bas de combat. Bienvenue dans la tête de Pharrell : un endroit où les stéréotypes s’estompent comme les glaciers au Groenland. Ici, les blacks écoutent du rock. Les blancs se prennent pour James Brown. En signant ce premier album solo, Pharrell s’est attaqué aux étiquettes. Une par une, il les arrache à grand coup de chansons qui ne manquent pas de panache…
Lancé il y a plusieurs mois par le sulfureux single « Can I Have It Like That », le premier album de l’omniprésent Pharrell vient (enfin) trouver refuge sur notre platine. Elle s’incline. Le son, les bruissements, les arrangements, la production jouent dans les jardins de la perfection. Mais pouvait-on douter du talent du jeune homme ? On pointera tout de même du doigt ses marottes musicales : Michael Jackson (écouter « Stay With Me ») et Prince (se balancer sur « Angel »). Cet album est également l’occasion d’inviter quelques amis pour des collaborations de premier choix : Kanye West sur l’époustouflant « Number One » ou Slim Thug sur l’imparable « Keep It Playa ». Petite rature au tableau, « Young Girl », duo marathon (plus de huit minutes) en compagnie de Jay-Z, pèche par envie de trop (bien) en faire. Pour le reste, on saluera ce bel effort solo de Pharrell, un mec bien dans sa tête.
On connaît surtout Omar Rodriguez comme le leader de The Mars Volta et puis pour avoir sévi au sein du défunt et mythique At The Drive In. Parallèlement, Omar mène également différents projets dont un sous son propre patronyme. Ce qui n’empêche pas les autres membres de son groupe, et en particulier son frère Marcel (batterie et claviers) et le saxophoniste Adrian Terrazas-Gonzales (guitare, sitar, basse), de participer à cette aventure alternative. Ni à différents invités d’apporter leur collaboration.
Passée l'introduction bruitiste, le groupe entre dans le vif du sujet, proposant un jazz-rock tendance free déjanté, radical, emmené par une guitare névrotique et un saxo caractériel. La seconde plage a dans un premier temps un effet hypnotique, mais elle s'enlise ensuite, faute d'arguments neufs. La troisième (« Jacob Van Lennepkade ») est d'apparence plus sereine car basée sur un bon groove. Guitare et saxo y greffent leurs soli incandescents, oscillant entre funk et dissonance. Sa finale semble rallier un certain classicisme avant de s'automutiler. Comme la précédente, cette compo souffre de sa longueur (plus de 17 minutes). Alors que les volutes de sitar et saxo restent en suspension pendant tout le quatrième morceau, l'album se clôture par « Spookrijden op het fietspad », assis sur une belle charpente rythmique enfiévrée. Le saxo y joue les régulateurs de mélodie en dialogue avec la guitare nasillarde. S'ils maîtrisent bien leurs instruments, les protagonistes ont tendance à se complaire dans des démonstrations un peu nombrilistes. Du coup, la plage la plus intéressante s'avère aussi la plus courte. Omar Rodriguez s'adresse donc à un public averti.
Nicolas Backton est né à Gand, il y a 30 ans. Ce jeune chanteur/guitariste belge commet son premier elpee en 1996. Un disque acoustique intitulé "Yazoo River blues". Au cours des cinq années qui suivent, il tourne beaucoup en Belgique, parfois en compagnie de Marc Lelangue. Il enregistre quand même un deuxième opus, "Wait & see". Et se rend au Sénégal, voyage au cours duquel il fait la connaissance de Youssou 'N Dour. En 2001, il croise Christian Michel et François Miniconi sur les routes du Sud, du côté de Perpignan. De cette rencontre naît les Wizards of Blues. Et il y sévit toujours. En 2005, cette équipe développe un projet original : retracer l'histoire du blues en y appliquant leurs arrangements de vieux blues des années 30 et 40. "Back door blues" constitue le résultat de leur travail!
Armé de son dobro, Nico attaque le "Before you accuse me" d'Eugene Mc Daniels. Un titre popularisé autrefois par le Creedence Clearwater Revival et Eric Clapton. Il est soutenu par sa section rythmique : Christian à la basse et François à la batterie. Nico possède une très bonne voix pour chanter le blues et sent parfaitement sa musique. L'artiste puise alors dans ses racines pour reprendre avec beaucoup de bonheur le "Hot times in Old Town" de Mississippi John Hurt, un blues rural qui ne bénéficie que d’un accompagnement minimal. Allègre, cette chanson invite à faire la fête dans la vieille ville. Le timbre métallique du dobro est épatant. Backton dispose d’une voix rocailleuse dont il module le timbre avec un talent indéniable. Il parvient même à sonner authentique au sein d’un répertoire pas toujours facile. A l’instar de son adaptation du "Police dog blues" de Blind Blake. Parfois, il monte le volume sans pour autant atténuer l'intérêt qu'il suscite. Car il respecte la musique qu'il exécute. Même lorsqu’il est seul avec ses cordes électriques. "Big legged woman" en est la plus belle démonstration. Signée Johnny Temple, un des pionniers du préwar blues, la version est particulièrement réussie. Nico a plus d'une corde à son arc. Il joue également du piano. Il y est même convainquant. Sa reprise du classique "Worried life blues" de Big Maceo Merryweather, un des plus grands pianistes de Chicago, en est un parfait exemple. Il adopte un profil très roots pour attaquer le "Lost lover blues" de Blind Boy Fuller. Un fragment illuminé d’un solo mais aussi par la voix. A contrario il interprète le "Allright Mama blues" d'Arthur Crudup d’un timbre ravagé mais authentique, une chanson qui allait être popularisée par Elvis Presley au beau milieu des années 50. Pas de rock'n'roll ici, mais une plage imprimée sur un tempo alerte qui communique d'excellentes vibrations. Il opère une attaque primaire, au dobro, du canon de T-Bone Walker, "Stormy Monday blues". La charge est rugueuse, exécutée à la manière d'un blues d'avant-guerre. La dose d’émotion libérée est phénoménale. Seul, assis inconfortablement sur sa chaise, il manifeste une extrême sensibilité intérieure. Ses doigts accrochent fiévreusement les cordes qui se mettent à résonner. Dommage que ce morceau si intense soit aussi court! Nico démontre toute l’étendue de son expérience en abordant un style totalement différent, très rythmique, sur le "Back door stranger" de Brownie McGhee. Personnellement, je le préfère sous un profil plus classique mais personnel. Notamment dans le domaine des arrangements. Et je pense tout particulièrement au "Drifting blues" de Charles Brown, une plage au cours de laquelle il est rejoint par son ami Richie Faret, à l'harmonica. Backton s’assied une dernière fois derrière le piano pour chanter à la perfection le "Whiskey and gin blues" d'un certain Memphis Slim. Son timbre est volontairement imbibé et semble émaner d’un juke joint enfumé. Nico malmène son dobro pour enfin chanter Backton, lors d’un boogie blues intitulé "Phils bar blues", un bar situé au cœur des Marolles, rue Haute à Bruxelles. Le trio recourt une ultime fois à l’électricité pour nous balancer "Early in the morning". Les trois musiciens chantent à l’unisson. La guitare électrique se libère sur un rythme syncopé, en adoptant l'axe Memphis-New Orleans. Un album fort sympathique et de bonne facture, conçu sous la forme d’un credo.
The Hoodoo Gang est une formation belge, louvaniste très exactement, née en 2002. A ce jour elle est responsable d'une démo ("Hoodoo you do?") commise en 2003 et de deux albums ("Busted sessions" en 2004 et "Go ahead 'n' scratch" en 2005). A la base, elle comptait quatre musiciens : le chanteur El Grande, le guitariste Fernando Neris (NDR : un Espagnol qui s’est établi dans la cité brassicole), le bassiste Geert Zonderman et le drummer Zen Fannoy. Depuis, le line up s’est enrichi de l’excellent saxophoniste Walter Vos, un Anversois qui avait sévi chez Swing Bee et Bad Blues. Ce nouvel opus est paru chez le label anglais Front Porch Records. Une signature sans doute favorisée par les états de service du combo ; et en particulier par leurs enregistrements antérieurs. Une chose est sûre, la firme de disques a décidé de miser sur ce band, en gravant un opus réunissant des titres issus des deux elpees précédents ; mais remodelés, pour la circonstance, par le concours de quelques invités.
"What about me?" ouvre la plaque. Le rythme est vif et soutenu. Le chant est partagé entre El Grande et Marlène Dorcena, une Haïtienne à la voix veloutée, sensuelle et troublante. Dès qu’il en a l’occasion, Walter Vos s'évade, en concédant un puissant solo de saxophone, ne cédant le relais qu’aux cordes de Fernando Neris. Ilias Scotch (NDR : un membre de Milk Cream & Alcohol) s'assied derrière les claviers de l'orgue Hammond et balise "Do you need me?" sur un mode légèrement funky. Le tempo syncopé fleure bon l’exotisme des Caraïbes. Soutenu par la trame rythmique élaborée par Geert Zonderman et de Zen Faunoy, l'ensemble s'emboîte parfaitement. C’est le moment choisi par les solistes pour s'éclater. Et lors de cet exercice de style, Ilias, Walter et Fernando sont parfaitement au point! Le Hoodoo Gang a eu le nez creux en conviant quelques amis à participer à la nouvelle mouture de leurs morceaux. Non seulement, ces collaborateurs étoffent la solution sonore, mais ils apportent de l'épaisseur au son, sans pour autant dénaturer le climat général de l’ensemble. On a ainsi droit au concours de Henk Van der Sypt, le leader de Last Call, au chant pour "Busted". Il y ajoute, en outre, quelques lignes d'harmonica ; ce qui a le don d'émoustiller Mr Vos dont le saxophone ne tient plus en place. Le tempo s'accélère, mais il est gorgé de swing. El Grande chante "Go ahead 'n' Scratch!". Au cœur de cette structure particulièrement jazzyfiante, les solistes improvisent sur fond d'orgue Hammond. Dans ce contexte, Walter Vos et Fernando Neris se révèlent brillants. "Her & you" ouvre une parenthèse roots. Un blues qui puise ses influences aux sources mêmes du style ; et très exactement dans le Delta du Mississippi. Néris a sorti son bottleneck. Van der sypt se réapproprie le chant d'un timbre décidément grave, tout en soufflant dans un harmonica acoustique parfaitement adapté à cette atmosphère. Et le meilleur est encore à venir ! Tout d’abord lors de l’explosif "Slow down". Mr Vos est vraiment à l’aise tout au long de cet elpee. Mais sur cette compo, il se révèle déterminant. Et notamment lorsqu’il se met à disserter avec Walter Otte des Boogie Workers, un autre invité réputé pour son style nerveux et créatif. "Goin' to NY" propage un swing brûlant. La section rythmique soutient parfaitement l'ensemble et sert de rampe de lancement à un solo de très bonne facture concédé à la six cordes par Joachim Meese (NDR : un autre invité qui milite habituellement chez le Solid Jive). Et cette intervention est à nouveau très complémentaire avec le saxophone de Vos capable de produire les meilleurs effets, au sein d’une musique à haute densité. Un dernier invité guitariste entre en scène Tim Verbist (NDR : il drive le Tim's Blues Combo). Armé de sa slide, il irradie une autre plage bien rythmée : "Sweet little QT pie". Et derechef, la même combinaison magique entre les deux instrumentistes se reproduit. Le quintet de base se réserve le reste de la plaque. Tout d’abord "Funky yourself", un R&B speedé qui ne manque pas d’intérêt. Ensuite le funk détonant "How do you do", un fragment qui tire parti au maximum de tous les solides atouts du combo. Swing et jazz se conjuguent en toute délicatesse pour épauler El Grande tout au long d’"Ain't nothing wrong". Le R&B et le funk se bousculent pour assurer la mise en valeur de "Dirty girl". Evoluant sur un mid tempo, "Ain't gonna be your fool" émarge au blues jazz. Et en final, Hoodoogang se fend d’un divertissement chanté dans la langue de Vondel : "Alles goed?". Franchement, après avoir commis un tel album, cette formation belge peut attaquer le marché international. Elle risque même de supplanter bon nombre de formations étrangères du style…
Il y a quatre ans, leur premier opus (« Music Drama ») laissait présager un avenir radieux pour My Little Cheap Dictaphone. Depuis, Redboy a rencontré Anthony Sinatra. Ils fondent alors Hollywood Porn Star en 2003, signent un album chez Naïve et tournent à travers l’Europe. Mais My Little Cheap Dictaphone n’est pas délaissé et, fruit d’une longue maturation, le groupe sort aujourd’hui « Small Town Boy ». Produit, arrangé et mixé par Duke (Venus), Niek Meul (Das Pop), Phil Corthouts et Anthony Sinatra, ce nouvel album charme plus, à première vue, par sa sincérité que par son originalité. Entre folk à la croisée de Mercury Rev et des Thrills (« Travel », « Let the children play »), rock accrocheur (le single « Upside down », « Devil ») et ballades déchirantes proches de Sparklehorse (« Day is ending », « Hope you’re back » ou « Obviously »), My Little Cheap Dictaphone surprend surtout par une valse macabre (« What are you doing ») des plus jouissives.
« Subtil » : « Qui a de la finesse, qui est habile à percevoir, à sentir des nuances, des rapports que la plupart ne discernent pas, ou à agir avec une ingéniosité raffinée ». On ne peut rêver meilleure définition pour décrire la musique de Subtle, l’un des nombreux projets du fantasque Dose One (cLOUDDEAD, Themselves). Après l’album « A New White », le trublion d’Anticon (toujours accompagné de Jel et d’autres potes turbulents) revient avec cet EP d’inédits et de remixes, avant un « For Hero, For Fool » prévu pour l’automne. Le titre d’ouverture, « Swan Meat », sonne comme du Subtle pur jus, bref comme rien d’autre : hip hop, (kraut) rock, electro,… Peu importe : ça dégage les neurones, comme de sniffer de la colle en écoutant Tortoise, De La Soul, Julian Cope, Venetian Snares et Slowdive en même temps. Après un remix pour Beck (« Farewell Ride », de « Guerolito »), la suite de « I Love L.A. » (« I Love L.A. 2 », feat. Hrvatski) se la joue quasi ambient, avant un remix electro-pop (rave ?) du single « F.K.O. » par Console. Ms. John Soda n’est forcément pas loin (le remix de " I... "), et Fog ferme la marche en jouant les backing band (« Swan Song Meat »). En bonus, un DVD réalisé par le trio SSSR (un très beau clip de 15 minutes), des férus d’'anime' qui viennent d’être signés chez Passion Pictures (la boîte de Gorillaz). Une œuvre totale (le digipack !), du vrai travail d’artiste.
Kjartan et Biggi sont islandais. Ils se connaissent depuis l’âge de huit ans. Ils ont fréquenté la même école et habitaient dans le même quartier. Ils sont même devenus amis. Au cours de l’adolescence, Kjartan sera cependant surtout attiré par la musique électronique et l’ambient. Et en particulier celle commise par des artistes ou des groupes comme Brian Eno et Tangerine Dream. Biggi va sévir au sein de différents groupes de rock. Nonobstant une fervente admiration pour Sonic Youth, il garde une oreille attentive à des formations aussi expérimentales que Kraftwerk ou Aphex Twin. Finalement les deux potes de toujours décident de réunir leur talents à travers un duo : Ampop. Et fatalement leur musique sera hybride. Atmosphérique aussi. Et mélancolique. Evoquant tour à tour Sigur Ros, Radiohead, Coldplay, ou même Travis. Et ce troisième opus, « My delusions », en est une nouvelle illustration. Même s’il se révèle bien plus britpop que les précédents « Nature is not a virgin » et « Made for market ». Une impression qui se charge de nuances, bien sûr. En particulier sur le titre maître et single. A cause de cette rencontre assez insolite entre arrangements de cordes (NDR : plutôt fréquents tout au long de la plaque quand même !) et trombone qui se produit au sein d’un climat allègre réminiscent des Llama Farmers. De la valse inquiétante « Ordinary world ». Parcourue d’un refrain cabaret elle aurait pu figurer au répertoire d’un Rufus Wainwright. Des slows langoureux (NDR : qui a dit crapuleux ?) « Clown » et « Precious » ; le refrain de ce dernier me rappelant même quelque part un certain tube de Tommy James & The Shondells paru en 1969 et intitulé « Crimson & Clover »…
A présent, tout le monde le sait : Lily Allen est la nouvelle sensation en Grande-Bretagne. Ayant réussi à s’imposer simplement (via sa page Myspace.com), la jeune fille joue d’ores et déjà dans la cour des grands. Agacée par leur prétention, elle n’aura d’ailleurs pas perdu de temps à déclarer la guerre aux Dirty Pretty Things - Carl Barat plus précisément - et The Kooks ("You're not Jim Fucking Morrison" s'exclame-t-elle à leur encontre). Cette guerre, elle la déclare également à la délinquance, aux drogues, à l’économie, aux pétasses hypocrites et aux gros lourdingues. Armée de poésie et d’une ironie incisive, Lily Allen propose un cocktail pop véritablement détonant, à des années lumières des productions ‘Stock, Aitken & Watermaniennes’ auxquelles on pensait, à priori, devoir faire face en glissant « Alright, Still » dans la platine. Sans pour autant être révolutionnaire, ce premier essai s’avère être une bonne surprise. A consommer à petites doses, cependant. Car si cette petite Londonienne de 21 ans peut faire preuve d’une verve joyeusement tranchante (« Smile », « Knock ‘em Out », « Friend Of Mine »), elle peut aussi baisser sa garde et se perdre dans des bouffonneries surproduites (« Shame For You », « Take What You Take »). Ce bémol mis à part, « Alright, Still » est gorgé de bombes radiophoniques : un « Friday Night » à la Specials, des « LDN » et « Not Big » qui sont à la demoiselle ce que « The Tide Is High » est à Blondie et, surtout, un obsédant « Everything’s Just Wonderful ». Lily Allen donne ainsi le départ à une pop nouvelle génération. Une pop mature caractérisée par des textes ayant un véritable sens. Nos tympans ne peuvent que l’en remercier.
Comment se venger de son boy-friend par Lily Allen ? Beaucoup d'entre vous froncent les sourcils et s'interrogent : Lily Allen ? Vous ne connaissez pas ? Pourtant, les Anglais l’estiment. Agée de 21 ans, cette pétillante jeune britannique semble être incarner la seconde révélation de l'année, outre-Manche, après les Artic Monkeys. Schéma qui semble être rodé et presque routinier, les nouveaux ‘talents’ sont découverts sur le net via le dernier ‘must have’ des indies, je citerai ce cher Myspace.
En moins de huit mois, elle est repérée, téléchargée par quelques aficionados, et enfin adoptée par une maison de disques. Comme tous les membres de la nouvelle vague, elle se fait remarquer par son franc-parler. En moins de deux, elle déclare la guerre à tout ce qu'elle ne supporte pas : la drogue, l'économie, la délinquance, les poufs hypocrites et les gros lourdeaux (« Knock 'Em Out »). Vaste programme ! Fille de Keith Allen, elle a baigné très tôt au sein d’un univers musical éclectique partagé entre ska, punk, pop et reggae. Ce qui ne manque pas de se faire sentir. Après l’écoute d'un « Smile » mutin et entraînant – peut-être un brin trop bien léché pour ne pas dire destiné à un abus abus de diffusion radiophonique - on s'entiche rapidement de Lily Allen. L’'insolence et la verve de son écriture séduisent dès les premiers titres de l'album. Hélas, on reste vite sur notre faim: « All right still » est un disque en dents de scie, passant d'une originalité musicale relativement intrigante (« Alfie », « LDN ») à des titres digne d'une Pink ou d'une Britney Spears au meilleur de sa forme (« Knock 'Em Out », « Friday Night », « Littlest Things) ». Il est également regrettable que malgré son style parfois incisif et imagé, la demoiselle ne renouvelle que rarement son vocabulaire, usant et abusant d'expressions telles que ‘cool’ ou ‘you're a waste of time’, dans la plupart de ses chansons. A défaut d'avoir la langue bien pendue, Lily Allen tombe - et parfois avec grand fracas - dans la caricature de ses aînés (« Everything's Just wonderful », « Take what you take »). Résultat des courses : cet un album un peu foutraque. Souffrant d’un équilibre bancal, il n’affiche pas une réelle couleur musicale. N'est pas original qui veut ! Avec un peu de chance le prochain sera meilleur.
Deuxième album pour Adrian Bouldt. « Places For Love » condense tout le savoir-faire de la formation liégeoise. Après une première sortie discographique (« Presents ») élégante mais inégale, Adrian Bouldt repart à la conquête de son public par le prisme d’un insoluble amour musical. Nous sommes ici sur nos terres. Et cela s’entend. Le son, la voix, les arrangements. Bienvenue en Belgique, pays d’Hooverphonic et d’An Pierlé. Bientôt celui d’Adrian Bouldt ? A l’écoute de ce nouvel album, c’est tout le bonheur qu’on souhaite à la belle Delphine Bouhy, voix satinée et enjouée d’Adrian Bouldt. Produit par Rudy Coclet (Sharko, Arno, Mud Flow, etc.), « Places For Love » affiche d’emblée ses prétentions : « I Don’t Blame You », premier single cajoleur de ce nouvel album. Sur « Car Crash », on songe aux jolis méandres mélancoliques d’Emiliana Torrini. Parfois, quelques éléments (guitares, claviers) redondants tendent à surexposer la simplicité rayonnante de certaines compositions (« The Fisherman », « How I Travel... »). Mais dans l’ensemble, « Places For Love » dégage une joie de vivre expansive (« Bus Stop », « Anzaborrego ») qu’il serait de bon ton de découvrir.
La musique de Barry Adamson est éminemment cinématographique. Ce n’est pas pour rien que David Lynch a emprunté un des titres de l’Anglais pour la bande originale de l’inquiétant « Lost Highway ». Il en est de même sur cet album mi-figue mi-raisin. L’ancien bassiste de Magazine et des Bad Seeds a produit une série de titres aux styles disparates semblant illustrer un polar glauque qui n’aurait pas encore été filmé. Le disque s’ouvre par « Here in the Hole », une plage au cours de laquelle une voix féminine parle sur fond de bruitages inquiétants. Une comptine d’outre-tombe qui sera sûrement plus appréciée par ceux et celles qui maîtrisent bien la langue de Shakespeare. On change de décor pour la belle ballade folk-rock « The Long Way Back Again », chanson à boire pour bateau de pêche, réchauffée par la voix grave de Barry Adamson. « Officer Bentley’s Fairly Serious Dilemma » commence bien par une boucle d’orgue acide mais s’éternise au-delà du raisonnable et finit par susciter des bâillements. On passera aussi notre tour sur le jazz muzak de « Who Killed Big Bird ? » tandis que « The Sorrow and the Pity » épouse les ambiances du film « Damien-La Malédiction ». Le chant réapparaît lors du pluvieux « Inside of Your Head », la ballade « Theresa Green » et le rock’n’roll « You Sold your Dreams », ces deux derniers titres et « The Long Way… » se révélant les plus convaincants. Dans la veine de la plage d’ouverture, le blafard « Déjà Morte » poursuit les confessions d’outre-tombe de la femme défunte, mais pour la circonstance, elle les exprime en français et sur fond de jazz un peu bon marché. Quoique décontenancé, l’auditeur a le droit d’être déçu de cette plaque aux orchestrations un peu pauvres (trop de synthés qui imitent de vrais instruments) et aux compos un peu indignes pour artiste d’un tel calibre. Car Adamson est capable de faire beaucoup mieux…
Hormis son intitulé, le premier essai du Britannique Steve Webster alias The Black Neon n’a aucune affinité avec le label Arts & Crafts. Loin de là. Dès les premières secondes de la plage d’ouverture, « Ode To Immer Wieder », on assiste à la résurrection de la scène électronique allemande des années 70. The Black Neon s’applique donc à imiter Kraftwerk ou encore Neu!, sans pour autant atteindre leur brio. Voyage à travers le temps et l’espace, « Arts & Crafts » nous emmène ensuite faire un tour en Grande-Bretagne, chez Pink Floyd (« The Ghosts ») ou du côté de New Order circa « Get Ready » (la ressemblance troublante entre « TX81Z » et le « 60 Miles An Hour » des Mancuniens). A priori déroutant de par la largesse des univers parcourus, le disque recèle cependant quelques perles d’indietronica (« Hollywood 1, 2 & 3 », « Infinity Pool », « Shoot Me Into Space »). The Black Neon gagnerait toutefois à se forger une identité propre. Omniprésentes sur toute la longueur du disque, les influences évoquées altèrent l’originalité de l’objet. On aurait alors tendance à délaisser ce dernier pour se rabattre sur des bons vieux « Authobahn » ou « Wish You Were Here »…
Pour ce deuxième album, Cibelle reste fidèle à Apollo Nove (déjà présent sur le premier album et auteur d’un chouette album solo l’an passé). Mais elle s’est adjoint aussi les services de Mike Lindsay (folkeux électronique chez Tunng) et d’une multitude de collaborateurs illustres : Seu Jorge (« Arrête là, Menina »), Devendra Banhart (« London London ») ou encore Yann Arnaud (mixeur des disques de Air). La belle Brésilienne a concocté un disque particulier et éminemment féminin, entre l’électronique intello et la musique folk, bruitages incongrus et racines brésiliennes. Le tout porté par cette voix très belle et des arrangements vocaux originaux. « The Shine of Dried Electric Leaves » demande plusieurs écoutes pour dévoiler sa saveur. L’auditeur persévérant sera largement récompensé, comme sur « Green Grass » (une magnifique reprise de Tom Waits), « City People », le radiophonique « Arrête là, Menina » et le très beau « Phoenix », qui fait penser aux moments les plus pop de Sonic Youth, mais joués avec peu d’électricité. Certes, la dilatation extrême exercée sur les éléments mélodiques rend l’écoute de certains titres (« Instante de Dois », « Mad Man Song », « Por Toda a Minha Vida », « Lembra ») laborieuse, l’auditeur éprouvant des difficultés à trouver un point d’ancrage dans ce magma sonore aussi impénétrable à appréhender qu’un rêve. Imparfait mais original, ce disque a le mérite de sortir des sentiers battus et révèle le talent grandissant d’une artiste qui devrait bientôt se révéler majeure.
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