On a beau être fan de Neil Young, il y a des moments où on se demande s’il a encore toute sa tête. Flash-back : à l’issue de l’attentat perpétré le 11 septembre par les intégristes islamistes, Neil avait ouvertement pris parti pour l’administration Bush. Emporté par la spirale propagandiste du président des Etats-Unis et surtout de ses sbires, il avait même déclaré que l’invasion (NDR : la deuxième) des troupes US en Irak était parfaitement justifiée. Dans les années 80, il avait déjà défendu les idées d’une autre dangereuse marionnette : Ronald Reagan. Avant de s’excuser pour sa méprise. L’histoire est un éternel recommencement, puisque le Canadien vient de se rendre compte qu’il s’est encore fourvoyé. Et que GWB et sa bande ont mené l’Amérique en bateau. Voire au bord de la guerre mondiale. Sans oublier de rappeler les multiples dérives de l’infâme personnage qui utilise la religion pour se faire élire ou diviser le peuple tout en négligeant les populations noires, comme celles victimes du désastre qui s’est produit à la Nouvelle Orléans. Nous on veut bien, mais comme dirait Jacques Dutronc après avoir retourné sa veste, le voilà qui retourne son pantalon. Les Etats-Unis auraient besoin d’un leader. Un vrai. Un tatoué ! Et pourquoi pas une femme ou un homme de couleur ? Mieux vaut tard que jamais ; mais il aurait peut-être fallu qu’il explique pourquoi il a diamétralement changé d’avis…
On passe maintenant à l’aspect musical. Et là, c’est une excellente nouvelle. Après le décevant Prairie Wind, commis l’an dernier, Neil en est revenu à l’électricité la plus urgente, la plus vivifiante, la plus rageuse. Et sans son Crazy Horse ! Composé, écrit et enregistré en 9 jours, son 39ème elpee propose une majorité de plages sculptées dans l’électricité la plus blanche, la plus crue. Neil considère même cette musique comme du metal folk ! On n’est ainsi parfois plus très loin du Paisley Underground d’un Steve Wynn. Et il faut remonter à « Mirror ball » (1995), concocté en compagnie des musiciens de Pearl Jam ou « Ragged Glory » pour retrouver une telle débauche d’intensité électrique. D’ailleurs, des compos comme l’hypnotique et vindicatif « The restless consumer » (NDR : digne de « Southern man »), les hymniques « Shock and awe » et « Lookin’ for a leader » (« Rockin’ the free world » ?) ou le ‘dylanesque’ « Flags of freedom » valent leur pesant de bonnes vibrations. La touche d’originalité procède de la présence circonstancielle d’une trompette. Maintenant, tout n’est pas parfait. Parce qu’il y a deux flops magistraux. Deux titres qui prêtent à sourire. Tout d’abord le grotesque « Let’s impeach the president » (NDR : c’était pas destiné à une œuvre caritative ?) qui a réuni plus de 100 musiciens et chanteurs ; et puis le final « America the beautiful », sorte d’éloge grandiloquent de l’Amérique et de ses Américains (NDR : Joyeux Noël !). Drôle d’idée ! Mais il est vrai que le Canada fait également partie du continent américain… N’empêche, nonobstant l’un ou l’autre dérapage, il y a des lustres que le loner ne nous avait plus réservé un opus d’aussi bonne facture…
Si Zimpala était l’une des contrées de notre petite planète, on ne pourrait que conseiller aux jeunes mariés de ne pas y mettre le moindre orteil lors de leur ‘Honeymoon’. Non seulement le couple s’y emmerderait comme jamais mais, plus horrible encore, il serait dans l’obligation de côtoyer des personnages aux voix irritantes et aux accents pitoyables. Certes, d’infimes bons moments pimenteront le séjour. Ce qui n’empêchera aucunement les tourtereaux de quitter les lieux avec une seule envie en tête : foutre chacun de leurs poings dans la tronche de celui ou celle qui leur a un jour recommandé cette insupportable destination.
Manifestement, la fin des années 60 a bouleversé la musique rock. L’explosion de toutes ses limites, des frontières entre styles, a permis d’exploiter au maximum les possibilités musicales et instrumentales des musiciens, en quête d'imagination, en dehors des canons du bien-pensant commercial. La musique underground était occupée de naître, principalement aux Etats-Unis, même si les Anglais développaient des ressources de créativité énormes. Cette collection justement baptisée "Hors la Loi créatifs" est sous-titrée "US Underground 1962-1970". Elle s'attache donc à retracer cette révolution culturelle qui a sévi de l'autre côté de l'Atlantique.
Parmi les premiers artisans de ce mouvement, certains ont traversé le temps. Et je pense tout d’abord à Jimi Hendrix, pourtant décédé il y a déjà 37 ans. Son dépeçage de l'hymne américain "Stars Spangled Banner" et sa reconstitution totalement déjantée en est la plus belle illustration. Sa révolution aussi. Et il la proclame ici sur la scène de l'Albert Hall de Londres. Particulièrement engagé, le MC5 incarnait un autre protagoniste du désordre. Son message politique était extrême. Son cri de fureur symbolisé par "Kick out the Jams". Cette cité de l’enfer a enfanté un iguane immortel : Iggy Pop. Alors aux commandes des Stooges, il était également issu de la motor-city de Detroit. Il célèbre ici son ode à la frénésie : "1969". Davantage expérimental, avant-gardiste même, Captain Beefheart affrontait le blues de l'impossible. Cette compile en épingle "Dachau blues".
De la génération flower power à l'acid rock de San Francisco, de Haight et Ashbury, on retiendra surtout Country Joe & the Fish. Son "I feel like I'm fixin' to die" a été immortalisé au festival de Woodstock. Et bien sûr la chanteuse Grace Slick, militant alors chez le Great Society. Elle nous propose ici une première version de "Somebody to love", compo qui deviendra un énorme hit pour le Jefferson Airplane. Créateur unique en son genre, Moondog est un artiste emblématique issu de New York. Soutenu par Charlie Parker et Charles Mingus, il a immortalisé "On Broadway" dans les rues de la métropole. Les Fugs ont davantage forgé leur réputation sur une attitude anti-conventionnelle qu’à travers leur musique. Pourtant, leur "The garden is open" libère un son incroyable. Faut dire que tout devenait possible dans ce monde halluciné où se mêlaient drogue, violence et révolution sexuelle. Pearls Befoser Swine pratiquait déjà ce qu’on appelle du folk psychédélique. Drivée par Tom Rapp, cette formation stigmatisait le conflit armé au sein duquel les States s’étaient engagés au Vietnam. "Uncle John" en est la parfaite illustration.
Aux pays de l’Oncle Sam, le folk pouvait également émarger au courant dit progressif. Les Holy Modal Rounders en sont un premier exemple. Et puis surtout Kaleidoscope dont la musique baignait littéralement au sein d’un climat orientaliste déconcertant. Ce band avait alors pour tête de proue le prodige David Lindley, toujours sur les routes en 2006. On ne peut passer sous silence l’existence de Blue Cheer, un combo de hard rock déjanté, extrême, ou si vous préférez de heavy metal lysergique. Un trio responsable de la reprise sans concession d’un classique du rock'n'roll : "Summertime blues". La conjugaison des trois instruments est absolument démoniaque! Particulièrement novatrice, mais injustement méconnue, la musique du West Coast Pop Art Experimental Band était le fruit d’une imagination débordante qui est reproduit sur "Suppose they give a war and no one comes", un véritable collage sonore sous tension constante. Fin des 60s, éclot un ‘importantissime’ boogie band à Los Angeles : Canned Heat. Inspiré à l’origine par le blues le plus pur, il est parvenu à se forger un style unique en son genre. Faut dire qu’il pouvait compter sur des musiciens talentueux. Leur interprétation de "Sic 'em pigs" est absolument hallucinante. Quelle époque ! Quarante ans plus tard, le "Time has come today" des Chamber Brothers me trotte toujours dans la tête. S’appuyant sur des musiciens noirs doués de voix puissantes, le groupe avait délivré cet hymne psychédélique remarquable sans se douter qu’une version d'une dizaine de minutes de ce morceau allait dévaster les pistes de danse de l’époque. Et aujourd’hui encore il semble toujours aussi irrésistible!
Un témoignage éloquent d'une période de l’histoire qui ne peut laisser personne indifférent! Quelques absents de marque cependant : Frank Zappa, Grateful Dead et Quicksilver Messenger Service.
Issu de Besançon, Jean-Cyrille Masson joue de la basse. Ses goûts musicaux sont partagés entre le blues et le trip-hop. Il est soutenu par le T, c'est-à-dire le Team, une formation responsable d'un album confidentiel en 2004 ! Un backing band au sein duquel milite le chanteur/guitariste Jean Rigo (NDR : ex Infidèles), Fred Maisier à la batterie et aux samples ainsi que l’harmoniciste/guitariste Amaury Faivre.
L'album s’ouvre par l’excellent "Boogie Moogie". Quelques bruitages et samplings nous invitent à nous plonger au sein de l'atmosphère suffocante et poisseuse du Delta du Mississippi. Les instruments pénètrent successivement au cœur de l’espace sonore : la guitare acoustique, la voix profonde ; puis la guitare s'amplifie avant que l'harmonica ne se mette à pousser des cris jouissifs. Manifestement cette plage qui mêle blues basique et électronique atteint son objectif. Ce n’est finalement guère différent de ce qu’on rencontre dans les collines du Nord du Mississippi ; du côté d'Oxford, dans le fief de Fat Possum. Le décor se fond dans "Do you believe". Les samplers font apparaître, disparaître, réapparaître des voix fort différentes. Même un timbre féminin frétillant. Une constante : le vocal grave. Il presque omniprésent. La machine à percussions prend de la puissance et de la force. De l’épaisseur aussi. Les claviers vont et viennent par boucles successives. "Little big train" conjugue jazz et rythme. L'orgue Hammond se réserve le devant de la scène, même si ni les cordes acoustiques ou l'harmonica ne désertent pas pour autant l’espace sonore. La voix demeure volontairement en retrait, avant qu’une slide électrifiée aux accents gouailleurs ne décide de se libérer. A l’issue d’une écoute plus attentive, on a pourtant la nette impression d’être face à un collage. Une technique finalement néfaste à l’homogénéité de l’ensemble. "My baby is gone" s’écarte du blues pour nous transporter vers des îles dont les parfums rafraîchissants, volontiers exotiques, embaument les cordes aux accents hispaniques, quoique toujours bien rythmiques. "Lord have mercy" nous abandonne aussitôt sur les vieilles routes cahoteuses du Mississippi rural. Un bottleneck volontiers métallique passe en revue toute la galerie des instruments déjà rencontrés auparavant. Il manque cependant ici un soupçon d'audace susceptible de communiquer les émotions propres au blues. Les bruitages urbains se densifient tout au long de "Voodoo lounge". Le tempo vire au jazz. Les cordes électriques, les claviers et les percussions opèrent une synthèse réminiscente d’un Carlos Santana. Les bruits de machines envahissent "Across the Delta" et nous rappellent les conditions de travail difficiles des esclaves exploités dans les champs de coton. Des conditions de travail rythmées au son de lourdes percussions. Le chant volontiers plaintif semble implorer la participation de l'ensemble. Soutenu par une instrumentation délicieusement jazzyfiante, "Standing in the shadow of love" met en exergue un vocal féminin. A contrario, c’est la voix très grave du chanteur qui investit "Moving on". Une intervention précédée par les rythmes familiers du Bo Didley beat. Si à premier abord, cette idée semble judicieuse, son application suscite la controverse. En fait, dépouillée, elle aurait pu facilement atteindre sa cible. Mais grevée de multiples arrangements, cette compo finit par perdre le fil conducteur. Ce qui explique pourquoi l’intérêt de cet opus est plus que limité. Parce que le blues n’est pas uniquement une histoire d’imagination, mais surtout d’émotion et de sensibilité. Tout au long de cet elpee, plane l’ombre de John Lee Hooker. Parfois même un peu trop souvent. A un tel point qu’on finit par douter que ce spectre soit accidentel. Surtout à travers des thèmes qu’il a développé sur ses derniers enregistrements. Y compris la présence de Carlos Santana. Le recours à une voix d’outre-tombe sur "Til the sun goes down" en est la plus parfaite démonstration. La fusion entre le blues et l'électronique voire la dance n’est pas un exercice de style fondamentalement nouveau. Mais en général, ce mariage est souvent vu d’un mauvais œil par les adeptes du blues. Pourtant, il est peut-être un terrain propice à l’ouverture de nouveaux horizons sonores ; et surtout la conquête d’un public nouveau…
Le premier opus éponyme de ce jeune groupe autrichien ne risque pas de révolutionner le petit monde du métal. Si la pochette évoque les combos ricains de la trempe des Guns n’Roses, Poison ou Faster Pussycat, Adrenaline Kings évolue néanmoins dans un registre typiquement hard rock teuton des années 80. Les compatriotes de Schwarzy ont choisi Saxon et Scorpions pour modèles. C’est leur droit. Malheureusement, ils contentent de plagier leurs maîtres sans apporter la moindre innovation, si ce n’est la courte durée moyenne des 12 titres qui dépassent rarement les trois minutes. Si les morceaux sont incisifs et les refrains particulièrement basiques incisifs, la paire de guitaristes n’a rien en commun avec le tandem Tipton/Downing et la batterie est mal mixée… Résultat des courses : on a vraiment du mal à accrocher ! Mais c’est surtout le chant insupportable de Bernhard Högl qui constitue ici le point faible du combo. Et ce nonobstant un « Crystal Tears » émouvant qui achève cette plaque absolument dispensable.
‘Feels good, you’re mine, it’s time, lalalalalalala…’ Si vous reconnaissez ces paroles, vous avez probablement été infectés, deux ans auparavant, par l’obsédant « Booty La » de Bugz In The Attic. Hormis quelques travaux de remixage, ces derniers avaient, depuis lors, quasi disparu. "Back In The Dog House", reprend donc les affaires là où ils les avaient abandonnées. En témoignent des « Knocks Me Off My Feet » ou « Inna Row » bien capitonnés. Empreint d’une bonne dose d’electro-dance aux teintes R’n’B, on reprochera néanmoins au combo une certaine nonchalance crispante. Certes, celle-ci se prête à merveille au ton estival de l’ensemble mais "Back In The Dog House" pourrait perdre de sa fraîcheur au même rythme que les arbres perdront leur feuillage. Pour l’essentiel, on retiendra principalement « Once Twice » ou « Sounds Like… », musicalement proches de Basement Jaxx. En bonus, les petits malins ont également eu la bonne idée de glisser la version longue de « Booty La », clôturant allègrement les festivités. De quoi fredonner à nouveau des ‘lalalalalalalalala’ à tue-tête jusque la fin de l’été. Après, il sera trop tard.
Lorsqu’un groupe décide d’enclencher son album par une chanson intitulée « Yak Yak Yak You’re Fired !», on sait que ce n’est pas pour déguster un thé à la menthe sous un platane. Et lorsque Bullet Union engage son disque sur cette chanson, nos pressentiments se confirment. Les copains de Bullet Union sont des mort-(Test Icicles)vivants (Blood Brothers, Help ! She Can’t Swim, etc.), des électrocutés du cerveau. Mais « Ruin’s Domino » ne se cantonne pas à une simple décharge électrique. Les neuf morceaux de l’album courent derrière la mélodie sans jamais l’attraper. Démarche volontaire d’un groupe contestataire. Aussi, les quatre musiciens sont-ils capables de signer de belles enjambées mélodiques au milieu de leurs sprints massifs. Mais, au final, Bullet Union laisse les concessions de côté. Préférant hurler sa joie viscérale, urgente et éphémère de participer à cette mission suicide, le groupe se ligote aux amplis Marshall, pousse le volume dans ses ultimes retranchements et menace de tout faire péter. La guerre est déclarée, les distorsions renforcées.
Gnarls Barquoi ? En voilà une question honteuse ! Gnarls Barkley, entité étrange au nom tiré par les cheveux, est le fruit de la rencontre entre Cee-Lo et Danger Mouse. Il fallait franchement être sur une autre planète ces derniers mois (et encore…) pour ne jamais avoir entendu leur tubesque « Crazy » servi à la louche, matin midi et soir, au point d’en avoir le crâne qui implose. Néanmoins, « St. Elsewhere » ne se résume pas à un seul hit. Enfin presque. Bien qu’il contienne quelques perles (« Storm Coming », « The Last Time ») et que les bonnes idées qui y grouillent sont toutes aussi propices au harcèlement audiovisuel (« Go-Go Gadget Gospel », « Gone Daddy Gone »), le premier album de Gnarls Barkley s’essouffle sur la longueur et aurait gagné à être amputé de quelques morceaux inutiles (« Who Cares ? », « Necromancer », « Online » ainsi que le titre maître). Ces petits accrocs font malheureusement de « St. Elsewhere » un instantané, le genre de disque à consommer durant quelques mois avant de finir au fond d’un placard sans même que quiconque ne s’en rende compte.
Drivée par le chanteur Chris Gaffney et le chanteur/guitariste Dave Gonzalez (NDR : ex-leader des Paladins), cette formation est née en octobre 2003. Elle pratique de la western soul, c'est-à-dire le fruit d’un mélange entre country et vieux R&B. Leur premier elpee est paru en 2004. Un disque enregistré à Tucson, en Arizona. Ces Californiens y sont retournés pour mettre en boîte ce nouvel opus. Pour la circonstance, Chris et Dave sont soutenus par David Berzansky à la pedal steel guitare, Hank Maninger à la basse et Dale Daniel à la batterie. Au cours des deux dernières années, ces musiciens ont accordé plus de trois cent concerts, une expérience qui leur a permis de se forger un son bien personnel.
L'album s’ouvre par une ballade bien country. Dès l’intro on reconnaît le phrasé de guitare de Gonzales. La steel guitar est particulièrement expressive tout au long de cette bien jolie plage roots, interprétée d’un timbre chaleureux, grave et pur par Chris Gaffney. Invité de marque, Joe Terry se réserve la plupart des parties d'orgue Hammond et de piano sur cet opus. Caractérisée par une mélodie généreuse, le titre maître est absolument superbe. La voix de Gaffney brûle comme le soleil de l'Arizona. Il n' y a guère d'ombre au pied des cactus géants. La steel guitare surchauffe et laisse suinter quelques petits filets sucrés, tout en libérant énormément de tristesse et d'intensité. "Keep it together" marque un changement radical de style. La voix de Gonzales est davantage rebelle. Le rythme bien plus alerte. Pourtant, il n’est guère question ici de rockabilly à la Paladins, mais de soul contagieuse d'excellente facture. Dave se réserve un solo étincelant, une performance immédiatement talonnée par la steel guitar de Berzansky. Opérée par Dann Penn, la mise en forme est parfaite. Un personnage illustre, auteur, il y a bien longtemps, du fameux succès des Box Tops d'Alex Chilton : "The letter". Pour cet elpee, il signe deux chansons. Tout d’abord "Cry like a baby", une superbe compo qui ressemble étrangement à "The letter". Nerveuse, trempée dans la soul, cette plage bénéficie du concours de choeurs et puis de l'accordéon de Gaffney. Ensuite, une ballade country qui touche au sublime : "It tears me up". Chris la chante d’un ton grave face à l’orgue et la lap steel. Un instrument sur lequel Berzansky irradie "The last time" de toute sa classe. Et les perles s’enfilent. A l’instar du remarquable "Life's little ups and downs". "If daddy don't sing Danny Boy" nous plonge au sein d’une atmosphère différente. Dave joue de la baritone guitare sur cette cette ballade folk bien rythmée qui évoque un certain Dylan. Même l'intonation vocale de Gaffney rappelle le vieux Bob. Gonzales se souvient qu’il a vécu à San Diego. A quelques miles de la frontière mexicaine. Il imprime un tempo latino à "Rebound", nonobstant le piano sautillant de Terry, l'accordéon et les cordes enfin débridées du beau Dave. "Cowboys to girls" baigne au sein de la même ambiance. Soutenu par des chœurs, Chris chante, d’une légère pointe latin-soul dans le timbre. Dave Gonzales reprend une dernière fois le rôle de vocaliste pour attaquer son "Different today" qui évolue dans un style purement country. De très bonne facture, cette plaque n’émarge ni au blues ni au rockabilly, mais à la western soul. Mais une western soul particulièrement brillante et esthétique. A l’instar de la plage instrumentale qui achève ce disque : "Son of Saguaro" ; un morceau qui pourrait servir de bande sonore originale de film pour un western!
Figure légendaire de l'indie US, ex-membre de Beat Happening, Dub Narcotic Sound System ou encore des Halo Benders, Calvin Johnson nous propose son quatrième album. Constitué de dix morceaux assez variés, "Before the dream faded" est aussi et surtout parcouru par la voix si particulière de son géniteur... Grave, fausse par moments, elle défigure étrangement certaines compositions alors qu'elle en embellit d'autres... Il est donc préférable d’écouter ce disque à la carte, de préférence plage par plage, afin d'en goûter la sève si particulière. Ainsi, alors que "I am without" nous ramène délicieusement à certains morceaux de Nick Cave, "The leaves of tea" semble proche de ce que Beck cherche désespérément à pondre depuis près de 10 ans. Plus loin sur l'album, "Your eyes" aurait pu être écrit dans les 60's par un groupe psyché défoncé au LSD. D'autres titres finissent par énerver l'auditeur tant la voix semble volontairement bâclée, presque laissée en chantier... Tout de même, Mister Johnson, il y a des limites à ne pas franchir... Des chansons comme "Rabbit blood", "I'm down" ou "Deliverance" en sont de bien tristes exemples et se trouvent ainsi ravalées au rang de curiosités alors qu'elles auraient pu devenir de véritables attractions. C'est bien dommage...
The Juniper Band nous revient toutes guitares dehors en signant un troisième opus intitulé "Time for flowers". Un groupe qui demeure néanmoins énigmatique. En tout cas, il n’est pas aisé de se procurer de l’info à leur sujet. The Juniper Band se résume à Alessandro Cavalli aux claviers ainsi que Gianluca Lucchini à la basse et au chant. Un duo d’amis qui ont beaucoup répété dans leur cave avant de monter ce projet, puis d’enregistrer deux albums : « … of debris and daylong dreams » en 2001 et « Secrets of summer » en 2002. Cette formation pratique un rock/psyché au sein duquel elle y injecte une bonne dose de mélancolie et de passion. Dans les meilleurs moments, cette expression sonore peut même rappeler Sonic Youth. Une chose est sûre ce tandem est constitué d’excellents instrumentistes. Là où ça cale, c’est au niveau des vocaux. Ce qui est quand même regrettable pour un troisième opus. En fait, si « Time for flowers » avait été leur premier elpee, on aurait pu pardonner cette carence. Mais pas à ce stade. Ce qui explique pourquoi l’élan d’enthousiasme manifesté à première écoute se mue progressivement en déception. Et finalement on reste sur sa faim…
Riot Grrrl. Comme un relent du mouvement féminin entonné au début des années 90’s. Lexi Valentine (chant/guitare), Nadia King (batterie), et French (basse) s’agitent au sein de Magneta Lane. Le trio punk-pop laisse entendre ses réminiscences des Pretenders et autres Runaways. Produit par Jesse F. Keeler, bras droit des locomotives Death From Above 1979, « Dancing With Daggers » impressionne surtout par sa vitesse d’exécution (moins de 30 minutes au compteur). Pour le reste, la rage est contenue et le trio de Toronto se contente de délivrer dix chansons faussement rebelles. Comme un film révolutionnaire tourné sous les palmiers d’Hollywood, le premier album de Magneta Lane nous laisse une impression mitigée. « Dancing With Daggers » sonnera peut-être une énième rébellion adolescente en Amérique. L’Europe restera de marbre. La Prude Albion assurant déjà au continent son lot mensuel d’excentricités musicales. Chez Magneta Lane, les robes et les guitares remplissent la penderie. Et, dans le cas présent, l’habit ne fait certainement pas le moine !
Le rideau se lève. Le spectacle s’annonce majestueux. En guise d’introduction, un « Take A Bow » stellaire s’échappe des baffles et envoie les auditeurs, d’entrée de jeu, dans une autre dimension. Muse est de retour, en pleine forme. Quatrième ouvrage des anglais, « Black Holes & Revelations » va bien au-delà des limites fixées par « Absolution » trois ans plus tôt. Découpée en 11 actes, la grande envolée théâtrale du trio démarre sur les chapeaux de roues mais rencontre, cependant, quelques moments de faiblesses, heureusement peu nombreux (« Exo-Politics » ou le single « Supermassive Black Holes », très loin d’être représentatif du reste de la plaque). Un peu comme si le goût de la bande à Matthew Bellamy pour l’expérimentation avait soudain décuplé, « Black Holes & Revelation » s’avère être leur œuvre la plus variée, épinglant des instants d’éclats indéniables (« Map Of The Problematique », « Hoodoo » ou un « Soldier’s Poem » qui recèle quelques légères traces de Queen). Il faut néanmoins avouer que par rapport à « Origin Of Symmetry », l’album le plus couillu de Muse, la prise de risque est moindre. Le spectacle, qui se referme par un vindicatif « Knights Of Cydonia », est indéniablement de haut vol mais risque fort, à la longue, d’en irriter plus d’un. A apprécier parcimonieusement, donc.
L’électro gothique, telle qu’on la connaît aujourd’hui, n’existerait probablement pas si le tandem Douglas McCarthy/Bon Harris n’avait fondé Nitzer Ebb en 1983. A l’instar de nos compatriotes du Front 242, ils peuvent revendiquer la paternité du mouvement EBM, soit l’Elecro Body Music, style martial autant que macho, dans l’esthétique tout au moins. Qui se souvient de la pochette du premier album de DAF ? Pour en revenir à Body of Work, il s’agit d’un double ‘best of’ qui rassemble tous les hymnes et autres remixes musclés enregistrés par le groupe entre 1984 et 1997. Une initiative prise par Mute à l’occasion du retour sur scène de la formation culte et de la sortie imminente d’une compilation de remixes-hommages par les grosses pointures de la techno contemporaine. Slogans claquants, chant hurlé, rythmiques sèches et saccadées, lignes de synthés minimalistes… tout l’univers de Nitzer Ebb en 32 plages anthologiques ! Un parcours dont aucune période n’a été écartée. On retrouve bien entendu les incontournables « Join in the chant », « Getting Closer » ou « Let your Body Learn » qui défendent les premières années de gloire, avant que le combo n’emboîte le pas à une électro pop plus proche de Depeche Mode. D’ailleurs, « Kick it », « Godhead » ou « I Give to You » demeurent de bien belles pièces du style, et n’ont pas pris une seule ride. Outre, une pluie de remixes rarissimes, le CD bonus est recèle d’excellentes surprises, tel l’inédit « Get clean » ; mais également quelques fragments plus dispensables comme le « Captivate », un morceau revu et corrigé par William Orbit. Toute la richesse d’une carrière météoritique !
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