En attendant le successeur de « Rubber Factory » (2004), les Black Keys dégainent « Chulahoma », six reprises désenchantées du bluesman culte Junior Kimbrough. Avec ce disque, Dan Auerbach et Patrick Carney marquent un retour aux racines. Le blues constitue l’essence même de la fureur électrique des Black Keys. Ce n’est un secret pour personne. En rendant hommage à l’un de ses plus grands héros, la paire retrouve l’intensité passionnée éprouvée dans la moiteur du fulgurant « Thickfreakness » (2003), disque culte du duo d’Akron (Ohio). Entre rock et blues, punk et soul, les Black Keys installent le décor d’une musique référencée, presque datée. Ancré dans le passé, ce garage blues contemporain dresse maintenant ses perspectives en s’inspirant des plus grands. La voix rocailleuse de Dan Auerbach, les accords écorchés arrachés à sa guitare et la frappe sèche de Patrick Carney confèrent à cette musique un charme diabolique. Dans quelques semaines, les Black Keys reviendront armés d’un nouvel album. Nous retenons notre souffle...
Le label anglais Soma Recordings vient de sortir son 200e single. Et comme toutes les occasions sont bonnes pour faire parler de soi, Soma a donc décidé de célébrer cet événement en délivrant une compilation à la gloire de ses vaches à lait. Seulement, au vu de la tracklist, ces dernières semblent bien chétives. En neuf titres à peine, le label electro parvient à faire le tour d’une histoire longue de quinze années. La qualité avant la quantité ? Pas si sûr… Hormis quelques exceptions (Repeat Repeat, Silicone Soul, Funk D’Void & Mirror Mirror), le résultat n’est que peu convaincant. « Soma 200 » reste cependant un excellent moyen de se familiariser avec les productions du label et devrait plaire aux clubbers en mal de découvertes. Les autres préféreront sans nul doute acquérir l’un ou l’autre disque des artistes repris sur cette compilation en demi-teinte.
Pas fou, ce DJ Krush ! Au lieu de confier ses expérimentations à des confrères remixeurs et, ainsi, prendre le risque d’être témoin de leur sabotage potentiel, le jeune homme a tout simplement eu la lumineuse idée de les reprendre en main lui-même. Il s’est donc enfermé dans son laboratoire afin de créer, à partir de nouveaux ingrédients, une forme hybride de sa propre médecine. Résultat : un excellent ‘best of’ autoremixé et divisé en deux disques. Le premier, à tendance hip-hop et intitulé « Lyricism » est consacré, comme son titre l’indique, au côté lyrique de l’œuvre du DJ. Les chants assurés, entre autres, par Company Flow, Zap Mama, Esthero, Anticon ou encore Mos Def, regardent leur enveloppe originelle agrémentée d’une couche supplémentaire de beats obscurs. La solution confère à l’ensemble une profondeur qui manquait à certains des morceaux initiaux.
La seconde partie, « Soundscape », est consacrée aux ouvrages trip-hop instrumentaux du japonais. On y retrouve les collaborations de - notamment - Opus, ?uestlove (The Roots), DJ Shadow ou Ken Shima. Supérieur au premier disque, celui-ci entraîne l’auditeur un poil plus loin dans l’univers expérimental du DJ. Les splendides nouvelles versions de « Duality », « Day’s End », « Still Island » et « Endless Railway » justifient à elles seules la démarche de Krush, prouvant véritablement que l’on n’est jamais mieux servi que par soi-même. Efficace.
Deux ans plus tôt, nous sortions déjà émerveillé du nouvel album de Divine Comedy. « Absent Friends » nous touchait en plein cœur. L’âme irradiée par ces chansons pop, parfaitement calibrées autour d’une voix de crooner assurée, nous ne pouvions imaginer suite discographique plus belle pour Divine Comedy. Et pourtant... A l’écoute de « Victory For The Comic Muse », le mouvement s’impose : s’agenouiller. Fermer les yeux et écouter ces chansons intemporelles. Oui, le temps s’est arrêté, suspendu à ce neuvième album du divin Neil Hannon. Pour évoquer sa musique, certains mentionnaient les prestigieux Burt Bacharach ou Brian Ferry. Mais ils se sont trompés. Talent qui s’ignore, dandy qui s’adore, Neil Hannon est de ces artistes géniaux. De ces hommes incomparables dont les noms résonnent à travers les décennies.
Sans trembler, nous annonçons au monde la naissance d’un classique. « Victory For The Comic Muse » recèle des atouts nécessaires pour revêtir ce titre : une spontanéité lumineuse (« To Die A Virgin »), une élégance affectée (« Diva Lady »), des textes confondants de réalisme (« A Lady Of A Certain Age »), des orchestrations somptueuses (« Party Fears Tea », « The Plough »). Certains artistes courent toute une vie derrière un tel disque. Placide, Neil Hannon se pose là, plus joyeux que jamais. Et, de sa poche mélancolique, il sort ce formidable album, impressionnant recueil émotionnel. En un clin d’œil, Divine Comedy traverse l’enfer pour rejoindre le paradis. Symphonies, mélodies, humour, détresse. La réussite de ce disque n’est pas en manque d’attributs. Les neuf filles de Zeus avaient donc une sœur cachée. Et dire qu’il aura fallu attendre le 21ème siècle pour, enfin, assister à la première victoire de cette Muse Comique. Espérons que ce ne soit pas la dernière...
Connaissant la maison ‘In The Red’, on s’étonne des premiers accords de country alcoolique servis en apéro sur le nouvel album des Country Teasers. Ce côté alcoolisé colle bien à l’image du label. Cependant, aucune trace de riffs déchirés à la "In The Red" chez les Ecossais de Country Teasers. Sur « The Empire Strikes Back » on se trouve davantage du côté obscur de la force lo-fi. Les onze titres du disque nous emmènent ainsi à l’arrière d’un cabaret déjanté où la country est revisitée à grandes lampées de rhum. C’est plombé, inachevé et enregistré à l’arraché. Au centre de cette incartade country pour pochard mélomane, un thème vital maintient l’auditeur sur ses guiboles : la place des races et du racisme dans la transformation politique de la Grande-Bretagne. Là, on se marre moins, bande de soiffards ! Curieusement, ces bonnes intentions s’ancrent difficilement dans l’univers musical de Country Teasers. Imaginez un groupe de sacs à vin en train de philosopher sur l’impact politique qu’aurait pu avoir Johnny Cash sur le répertoire des Liars. Et, peut-être, comprendrez-vous pourquoi les débats ethniques semblent inappropriés à la musique des ces drôles d’Ecossais. Reste que tout le monde reconnaîtra les mérites de l’alcool : ‘in vino veritas’.
Nouveaux aventuriers néo-psychédéliques en provenance d’Oklahoma, les Evangelicals se positionnent dans le sillon des Flaming Lips. Gentiment barrée et enthousiasmante, la musique du trio demeure en équilibre instable. D’un côté, les mélodies. De l’autre, les hallucinations provoquées par l’abus de musiques psychédéliques. Une fois ces acrobaties acceptées, il convient d’applaudir « So Gone », premier album joyeux et exubérant. Mais que les choses soient claires : ce disque ne changera pas la face du monde. Pire : il ne changera rien. Cependant, la musique demeure une intarissable source de plaisir. Et ça, les Evangelicals l’ont bien compris. Guitares à la main, sourire aux lèvres, les trois jeunes s’en donnent à cœur joie au gré de dix titres spontanés. Pas de véritable tube en vue et aucune erreur de parcours, voilà le sobre résumé de la sensation véhiculée par « So Gone ». En classe, on parlerait certainement d’un élève moyen. En musique, on se contentera d’attendre un deuxième album. En espérant qu’ils évitent le mauvais trip...
Dès l’ouverture de « The beautiful lie », une certitude se dessine : Ed Harcourt est de retour, au meilleur de sa forme. Voix de tête maîtrisée, refrain au charme envoûtant, « Whirlwind in D minor » est un véritable petit bijou pop. En commençant sur de tels chapeaux de roues, on peut craindre la suite, mais c’est sans compter sur son talent à surprendre, son don pour varier les plaisirs. Après la légère déception du single plus classique et (donc) moins séduisant (« Visit from the dead dog »), « You only call me when you’re drunk » charme par son spleen qu’une trompette accentue et sombre à la fin dans une folie bouillonnante avant d’exploser pour de bon. Multipliant les titres intimistes où il se retrouve seul à la guitare (« The last cigarette ») ou au piano pour des complaintes nocturnes (« Late night partner », « Good friends are hard to find »), son chant se révèle plus habité que jamais.
Acrobate de haute voltige vocale (« I am the drug »), troubadour des temps modernes (« Pristine Claw ») ou encore étrange visiteur de fête foraine (« Scatterbraine »), Ed Harcourt sait aussi s’entourer : BJ Cole à la pedal steel et Graham Coxon à la guitare viennent chacun se défouler le temps d’un morceau tandis que les frères et sœurs Stodart et Gannon (alias The Magic Numbers) forment une petite chorale de choc pour « Revolution in my heart ». Quant à Gita Harcourt, déjà présente au violon sur quelques titres, elle donne la réplique à son mari sur le très planant « Braille ».
Ed Harcourt vient de réussir un album à la hauteur des excellents « Here Be Monsters » et « From Every Sphere » et signe du même coup l’un des disques britanniques de l’année.
Elle rêve encore d’accompagner Grace Jones ou Patti Smith. Pourtant, Joan Wasser, alias Joan As Police Woman, a déjà joué en compagnie des plus grands : Lou Reed, Nick Cave, Antony & The Johnsons, Rufus Wainwright, Sparklehorse et autres Scissor Sisters. Quels artistes peuvent aujourd’hui se targuer d’une telle carte de visite ? La question reste sans réponse. Pour enregistrer « Real Life », son premier album solo, Joan As Police Woman a décidé de ne plus escorter les stars. Bien au contraire. Notre justicière solitaire a bénéficié des services de Joseph Arthur (sur « Eternal Flame » et « Christobel ») et d’Antony (sans ses Johnsons pour « I Defy »).
De son pied-à-terre new-yorkais, Joan aime à fréquenter la fleur artistique de la pop chambrée. De fait, « Real Life » s’assortira à ces petits matins câlins où le lit demeure notre meilleur ami. Les compositions inspirent la quiétude. Et, à l’écoute d’une chanson comme « Feed The Light », les repères s’égrènent. Est-ce la nuit ? Le jour ? Dans cette « Vie Réelle », le matin côtoie le soir. Les caresses se font tendres, les baisers se font entendre. La douceur s’impose, nos sens se reposent. Compagne de tant d’artistes, Joan sera également complice de nos ébats amoureux. Ces moments n’en seront que plus gays.
Le rock se régénérerait-il à grandes doses d’auto-parodie ? C’est, en tous cas, le précepte que semble déployer Kitty et ses indissociables Kowalskis. D’ailleurs, à la vue de l’intitulé de cet album, on peut imaginer qu’Axl Rose va nous traîner Kitty et ses potes en justice. Imaginez : Kitty and the Kowalskis écroués pour plagiat d’une bribe d’idée de l’intitulé de l’hypothétique nouvel album des Guns’n Roses. Néanmoins, le clin d’œil est sympathique. Tout comme les hommages successifs à Dee Dee Ramone et Joey Ramone. Sans compter un amour ostensible (et sans limite ?) pour les compositions des quatre frangins et de Blondie. Mais cet humour décalé entache sérieusement la crédibilité du nouvel album de Kitty and the Kowalskis. Et, à première écoute, on ne peut s’empêcher de les cataloguer dans les rangs des pasticheurs officiels de l’ère CBGB. Et ces clichés ne rendent pas forcément service au rock’n’roll. Pour la petite histoire, nous ne retiendrons qu’une sentence à l’égard de Kitty and the Kowalskis : ‘They were a happy family’.
Qui aurait pu penser qu’un jour, un groupe de métal, affichant de surcroît un look à faire pâlir de jalousie les affreux de Gwar, remporterait haut la main le concours de l’Eurovision ? Hard Rock Hallelujah !!! Voilà trois mots qui résonnent dans beaucoup d’oreilles tel l’hymne de la victoire du rock couillu sur la variété mielleuse la plus stéréotypée. Il aura fallu que des types déguisés en monstres s’en mêlent pour entendre autre chose que des rengaines plus kitch les unes que les autres dans cette compétition guindée. Le public commencerait-il à se lasser des copies carbones de Lorie et autres nymphettes siliconées ? Ce qui est certain c’est que la famille métal s’est mobilisée ce soir là pour bousculer les traditions. Affreux les Lordi ? Finalement ces musiciens ‘d’un autre monde’ ne ressemblent-ils pas aux jouets des enfants d’aujourd’hui?
Insulté publiquement par un Michel Drucker qui a véritablement disjoncté (du grand journalisme !) en cette belle soirée de victoire, Lordi, même s’il ressemble à une parodie, est à prendre très au sérieux. Son album « The Arockalypse » se défend remarquablement bien. Chaque titre est un single en puissance, chaque refrain constitue une mélodie imparable, un véritable hommage au hard rock et surtout au hard FM des années 80. Car des petites merveilles comme « Supermonstars », « The Night of the Loving Death », et bien évidemment « Hard Rock Hallelujah », évoquent la période eighties d’Alice Cooper, les groupes Pretty Maids ou Signal, les hits taillés par Desmond Child pour des dizaines d’artistes rock. D’autres font référence aux figures incontournables du hard, comme Accept ou Twisted Sister. Dee Snider et Jay Jay French font d’ailleurs une apparition sur « The Arockalypse », tout comme ce bon vieux Udo Dirkshneider qui pousse la chansonnette sur le très puissant « They only Come out at Night ». Petite mention spéciale à la superbe balade « It Snows in Hell » (NDR : rien que ce titre !) qui donne autant de frissons que l’émouvant « Soldiers of Fortune » de Deep Purple.
Tout comme Apocalyptica, Theatre of Tragedy, Nightwish et Tristania, Lordi débarque de Finlande, contrée qui est devenue une véritable pépinière d’excellents groupes de métal. Ce troisième opus est une authentique bombe à succès. Même les sourds ne résisteront pas au phénoménal refrain de « Supermonstars » bouclant un album qui figurera sans nul doute dans les polls de fin d’année. Historique. Somptueux autant que monstrueux ! Et indispensable dans la cédéthèque de tout bon métalleux qui se respecte.
Histoire moderne. La nouvelle s’est répandue sur la toile. Tapes’N Tapes serait la nouvelle sensation post-Arcade-Monkeys-Say-Yeah. En matière de hype et de dopage de mode, Internet constitue désormais un catalyseur essentiel pour l’industrie du disque. Alors, les Tapes’N’Tapes sont-ils aussi brillants qu’Arcade Fire ? Aussi jeunes et énergiques que les Arctic Mokeys ? Aussi mélodiques et catastrophiques sur scène que Clap Your Hands Say Yeah ? De ces questions découlent quelques éléments de réponse. Josh Grier et ses trois acolytes possèdent, de toute évidence, un talent harmonique débordant d’une énergie juvénile déjantée. Rôdé par des concerts en compagnie de Futureheads ou du Brian Jonestown Massacre, Tapes’N Tapes s’est forgé une puissante expérience scénique.
Côté musique, on continue d’épuiser les accotements du carcan du moment : Talking Heads + Pavement + Pixies + Neutral Milk Hotel = succès immédiat. Pour l’instant, cet ingénieux mélange tient toujours la route. A l’image de « The Loon », premier album de ces drôles de Tapes’N Tapes.
Venue de Minneapolis, la formation pénètre dans l’antre de la hype armée d’un fuzz-folk-rock bricolé de mille astuces. Petites touches de xylophone, d’euphonium ou de flûte viennent, tour à tour, injecter ce subtil grain de folie dans la musique du quatuor. En découle de belles réussites : The Illiad », « Insistor » ou « 10 Gallon Ascots ». A ce jour, Tapes’N Tapes n’a pas encore revêtu le maillot jaune de leader. Mais la pression est énorme. Sauront-ils s’imposer en patron ? Tout dépendra certainement de la rigueur des autres concurrents dans la montée vers les sommets.
Danser, chanter, se déhancher. Les hymnes dance-pop du duo de Sheffield ont toujours rempli leur mission. En festival, en boîte de nuit ou sur un best of en forme de « Catalogue », les tubes de Mark Brydon et de l’élégante Roisin Murphy ne manquent jamais leur cible. Véritables archers du dance floor, ces deux là tricotent des hits depuis plus d’une décennie.
Hiver 1995. « Do You Like My Tight Sweater ? », premier album de la paire incandescente de Sheffield vient réchauffer les chaumières de cette Angleterre postindustrielle. Quelques mois plus tard, c’est sous un soleil estival que l’Europe se trémousse aux rythmes des « Fun For Me » et autres « Day For Night ». Tous les regards se tournent alors vers les voluptueux dandinements de Roisin Murphy. Lorsqu’en 1998 sort l’album « I Am Not A Doctor », la presse s’enflamme. Le single « Sing It Back » en appelle au sex-appeal d’une génération dévouée aux battements mécaniques de la musique électronique. Deux ans plus tard, Moloko dépasse toutes les attentes. Rockers, go go dancers, surfeurs, clubbers : tous succombent à l’imparable ligne de basse de cet hymne à la joie. Peu avant de pénétrer dans l’antre d’un nouveau millénaire, Moloko signe encore « Indigo » et « Pure Pleasure Seeker », acid-jazz robotiques pour cabarets érotiques. Dernière livraison du duo, « Statues » (2002) s’inscrit dans la lignée discographique de Moloko. On chantonne sur « Familiar Feeling », on se balance sur « Cannot Contain This », on sautille le point levé sur « Forever More ».
En définitive, ce ‘best of’ vient consacrer les mérites d’une machine à danser atypique. Ce « Catalogue » s’apparente à un pas sur la piste de danse, à une scintillante porte d’entrée dans l’univers du duo. D’ailleurs, les autorités de Sheffield ne devraient plus hésiter : il est grand temps de leur ériger des « Statues » !
On y a droit chaque été. Quelques disques arrivés en bout de course de rentabilité commerciale se voient gratifiés d’un CD ou DVD bonus conçus pour allécher les fans et assécher leurs portefeuilles. Et, souvent, le contenu fait pitié : un maximum de 4 ou 5 titres supplémentaires et sans grand intérêt. Vitalic, lui, a le mérite de ne pas se foutre de la gueule de sa clientèle. Bien que « Ok Cowboy » soit sorti voilà plus d’un an et qu’au moins le tiers de la population mondiale se soit déjà secoué les fesses sur « My Friend Dario », « LA Rock 1 » ou « Poney Part 1 », le premier essai du DJ s’offre un lifting digne de ce nom. La section bonus de ce « Collector’s Edition » n’offre pas moins de 8 trésors inédits dont « Bells », le splendide et très attendu titre d’ouverture de tous les derniers sets du français et interprété par Linda Lamb. On y retrouve également le fameux ‘Dima Prefers Newbeat mix’ de « My Friend Dario » ainsi qu’un remix de « Repair Machines ». La seule véritable arnaque se situe au niveau du titre « Fanfares », présenté comme un inédit bien qu’il ne s’agisse que d’une version solidement retravaillée de « Valletta Fanfares ». Une broutille dont on ne lui tiendra pas rigueur. D’excellente facture, ce « Collector’s Edition » risque donc de faire râler les fans ayant déjà acquis le disque lors de sa sortie initiale.
Premier album solo pour Thom Yorke, le chanteur de Radiohead. Un disque pour lequel il n’a reçu le concours que de Nigel Godrich. Et à la production. Peu d’instruments basiques sur cet opus. Un piano, quand même. Episodiquement une guitare ou une basse (NDR : à moins qu’il ne s’agisse de samples !) Des boîtes à rythmes. Et puis, une panoplie d’outils technologiques dont un laptop. Tout un canevas mis au service de la voix de Thom, auteur de chansons empreintes d’une grande mélancolie. Le falsetto de Thom Yorke n’a jamais été aussi fragile, bouleversant même. Et si Yorke poursuit ici les expérimentations électroniques opérées sur « Kid A » et « Amnesiac », il s'attache à soigner l’aspect mélodique de ses compos ; tramé sur des variations de curseurs et caractérisé par le récit d’une poésie, « Skip divided » constituant l’exception qui confirme la règle. A première écoute, l’ensemble de l’œuvre peut paraître monochrome ; mais au fil de l’album, on se rend compte que chacune des 9 plages de cet « Erasure » est chargée de nuances. A l’instar de « Black swan », dont le tempo tribal rappelle curieusement le climat afro entretenu par les Talking Heads de la fin des eighties. Du floydien « And it rained all night » circa « More ». De « Harrowdown hill », hanté par une ligne de basse étrangement funkysante. D’« Analyse », parcouru d’arpèges d’ivoires, ma foi fort classiques, mais s’achevant par une invitation à participer à un voyage cosmique. Du pulsant « Atoms for peace ». Ou encore de l’envoûtant « The clock ». Des morceaux qui affichent une véritable beauté intérieure. Et rien que le titre maître qui ouvre l’elpee vous donne une idée du climat émotionnel qui règne tout au long de ce disque. Tout bonnement remarquable.
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