La patience est une vertu essentielle. Deux années plus tôt, « Happy », tube disco funk à pulsion électro rythmique, voyait le jour. Concocté par Max Sedgley, ce programme atypique devait se trouver au menu d’un album attendu par les adeptes du dance floor. Mais de fièvres du samedi soir en défonces du dimanche matin, le projet s’est peu à peu liquéfié. Aujourd’hui, la fête bat (enfin) son plein. « From The Roots To The Shoots » est disponible. Les tubes de Max Sedgley s’alignent : « Happy (Make You Happy) », « Devil Inside », « I’ve Been Waiting ». Ces titres, aussi chics que du Funkadelic numérique, s’insinuent dans nos oreilles pour une échappée fréquentielle fort cordiale. Le premier album de Max Sedgley affiche une classe certaine car, il a le mérite de ne pas enfermer son auteur dans l’objet même de ses bidouillages. Sedgley ouvre des portes dans sa musique, (re)visitant ainsi les genres. Sur « Devil Inside », la voix de Z-Star concurrence franchement celle d’une Lisa Kekaula dans les pitreries de Basement Jaxx. Plus loin, sur « Slowly », on touche même au meilleur de Morcheeba. En fin de parcours, « Déjà Vu » invite l’auditeur à lever le bras sur un flow typiquement britannique, pas très éloigné des méthodes prônées par Mike Skinner (The Streets). « From The Roots To The Shoots » valait donc bien ce (long) détour dans la salle d’attente...
Nous sommes en 2005, un jour de décembre. Sebastien Tellier s’enferme en compagnie du pianiste Simon Dalmais pour une session acoustique de son répertoire. De cette rencontre naîtra un album où des titres issus de « L’incroyable vérité » (2001) et de « Politics » (2004) trouveront un nouvel éclat dans le dépouillement : un piano, une voix, une guitare. Enregistré sous la houlette du producteur Alf (Air, Phoenix…), « Sessions » montre au grand jour tout le talent mélodique de Tellier qui, lors de ses albums précédents, ne parvenait pas toujours à se démarquer. Le barbu au costume blanc cassé, la cigarette au nez (vérifiez sur la pochette) offre des versions magnifiées de ses morceaux intemporels (« Bye bye », « Black douleur », « Kissed by you »…). Une fois de plus (et sans doute mieux qu’auparavant), « La ritournelle » invite au voyage le plus onirique. En dix plages, Tellier nous emmène ailleurs, dans un monde où la beauté est intacte. Homme de tous les culots, il nous propose une version personnelle de « La dolce vita », de Christophe. Le risque paie car, si cette reprise frôle le pathétique, elle réussit à émouvoir en l’évitant de justesse. Classe. Enfin, cerise sur le gâteau, il achève sa performance par un inédit (« Classic »). Intense et intime.
Vous êtes nostalgique de Noir Désir ? Varsovie devrait pouvoir combler ce vide. Un trio parisien constitué du chanteur/guitariste/claviériste Grégory Cathérina, du drummer/compositeur Arnault Destal et du bassiste (NDR : le dernier arrivé !) Thibault Chapelat. « Neuf millimètres » constitue leur premier Ep ; un disque plutôt de bonne facture qui bénéficie de lyrics assez intéressants. La meilleure plage de cette plaque est également celle qui a donné le patronyme au groupe : « Varsovie ». Imprimée sur un rythme hypnotique, elle est déchirée entre allégresse mélodique et tristesse profonde. D’ailleurs tendre ou rageuse, leur musique est susceptible d’entretenir un certain spleen avant de nous plonger en plein tumulte ! Un peu comme aux débuts de la bande à Cantat. Encore que le spectre de Joy Division plane subrepticement sur l’une ou l’autre compo. Et je ne sais spas trop pourquoi, mais j’ai parfois l’impression de retrouver chez Varsovie, des similitudes avec Yel… Et pas seulement parce les textes sont chantés dans la langue de Molière. Si ce combo ne manque pas d’audace, il a encore du pain sur la planche. Notamment au niveau des vocaux encore trop peu assurés. Mais en bossant dur, Varsovie devrait parvenir à se forger une belle place au sein du paysage rock francophile…
Double ration pour les fans des Hurlements d'Léo. La formation a sorti ces jours-ci un album studio, "Le Temps Suspendu" ainsi qu'un disque 'live'. Et c'est sous le soleil du Festival Couleur Café que le combo a choisi de présenter au public belge ses deux dernières œuvres. Rencontre avec Laulo Kebous, l'un des deux interprètes du groupe.
3 ans se sont écoulés entre "Ouest Terne" et "Le Temps Suspendu". Qu'est-ce qui a changé entre-temps ?
On s'est posé la question de savoir si on arrêtait ou si on continuait. Finalement on a décidé de poursuivre l'aventure, mais en aménageant nos emplois du temps. Ca commençait à devenir fatiguant d'être toujours sur la route. Désormais, en tournée, on se réserve 10 jours par mois où chacun d'entre nous peut faire ce qu'il veut. Ceux qui ont des projets musicaux parallèles peuvent s'y consacrer et ceux qui ont une famille peuvent également s'en occuper.
L'album s'intitule "Le Temps Suspendu". Le temps est donc une contrainte pour le groupe ?
Exactement. C'est un peu une référence à ce qui s'est passé pendant ces 3 ans, justement.
Comment s'organise désormais le travail à 8 ?
Difficilement, mais de plus en plus sereinement.
Comment décrirais-tu cet album par rapport aux précédents ?
Encore plus éclectique, plus rock aussi, dans le ton et dans la forme.
Il y a également la sortie d'un 'live'. Entre la scène et les expériences studio, qu'est ce qui vous apporte le plus de satisfaction ?
Les deux sont agréables. Ce n'est pas la même joie en fait. En studio, c'est plus long. Tu construis un truc tranquillement avant de le découvrir. Puis, t'as la magie de la technique qu'il n'y a pas du tout en 'live'. Sur scène, c'est de l'énergie, de l'instantané. C'est comme un polaroïd. L'idée du 'live', c'est d'être là où on ne nous attend pas, de faire ce qu'on a à y faire et de surprendre.
Songez-vous à réitérer l'expérience "Un Air Deux Familles" (NDR: album de duos avec Les Ogres de Barback) ?
On va peut-être réitérer l'expérience avant les prochaines élections présidentielles de façon à inciter la jeunesse à aller prendre sa carte d'électeur et voter. Et notamment afin de ne pas voter pour l'extrême droite ou Sarkozy, par exemple.
Et si vous pouviez choisir d'autres artistes que Les Ogres de Barback ?
A premier abord, je dirais Eiffel dont le chanteur est un de nos camarades. Sinon, pourquoi pas L'Enfance Rouge, un groupe franco-italien.
Tu parlais politique. Les Hurlements d'Léo font partie du collectif "Aux Urnes etc." Est-il important que votre public se mobilise et manifeste une conscience politique ?
C'est important car aux dernières élections, il y a beaucoup de gens qui ont pris ce scrutin à la légère. On s'est retrouvé au pied du mur et le résultat a été dur à digérer. Avant les dernières élections, notre motivation était en demi-teinte. Nous nous disions qu'il ne fallait pas trop casser les couilles aux gens avec ces problèmes là. Désormais, on compose des chansons qui ont une essence et une conscience politique.
Vous voulez également donner conscience aux gens que la haine change de visage...
C'est du déguisement. Ils foutent des idées dans la tête des gens pour qu'ils se disent 'Ah mais finalement, ils ont l'air sympathiques!' Même Le Pen aujourd'hui à l'air 'sympathique'. C'est un danger, un poison auquel il faut être très attentif. La droite et toute la clique de l'UMP fait peur en France. C'est également un poison.
Tu sors le premier album de ton projet parallèle, "Kebous". Est-ce qu'il traduit un besoin d'expérimenter autre chose ou de t'évader un peu de l'aventure Hurlements d'Léo ?
T'as entendu parler de ça ? Ce n'est pas vraiment de l'expérimentation. Je suis revenu à un format un peu plus classique, style chanson française, piano-voix. Il y a trois musiciens qui m'accompagnent : mon frangin est au piano, un des mecs de Babylon Circus joue de la clarinette et Sergio Faubert de la guitare électrique. On prend une autre orientation. C'était juste le besoin d'avoir une autre formation à côté, de pouvoir faire autre chose afin de ne pas me sentir prisonnier ou fonctionnaire d'un collectif. Mais Les Hurlements d'Léo, c'est toujours une passion et je m'investis à fond là-dedans.
Tu disais au début de l'interview que vous avez hésité à continuer l'aventure. Est-ce qu'on peut dire aujourd'hui que la vie des Hurlements d'Léo sera encore longue ?
Elle sera longue et même très très longue! Bien plus que tu ne peux l'imaginer. Les Hurlements d'Léo c'est de l'amour mais également de la haine, parfois. Ce sont huit gars prêts à s'aimer et à se taper dessus à un moment donné. Mais c'est ainsi qu'on avance!
Dans l’histoire de la musique rock, Traffic est incontestablement un des premiers supergroupes à avoir vu le jour. Après The Cream, mais avant Humble Pie. Traffic est né en 1967. Il réunit alors quatre musiciens : l'hyperdoué Stevie Winwood - devenu star au sein du Spencer Davis Group - au chant, à la guitare et aux claviers, le chanteur/batteur/compositeur Jim Capaldi, le saxophoniste/flûtiste Chris Wood et le chanteur/guitariste Dave Mason. Le quartet rencontre immédiatement le succès en commettant quelques petites perles de pop psychédélique. A l’instar de leur premier single, "Paper sun"! L'album "Mr Fantasy" sort en décembre 67. Il est suivi d’un elpee éponyme l'année suivante. Mason quitte ensuite le groupe qui décide alors de mettre provisoirement un terme à son aventure. Winwood fonde en compagnie de Clapton, Baker et Grech un autre supergroupe fugace : Blind Faith. Island en éditera un elpee posthume : "Last exit". En 1970, Traffic renaît déjà de ses cendres, sous la forme d'un trio composé de Winwood, Capaldi et Wood. Ce come-back est bien sûr ponctué d’un opus : "John Barleycorn must die". D'autres albums suivront: le live "Welcome to the canteen" et "The low spark of high heeled boys" en 71, "Shoot out at the fantasy factory" et le double live "On the road" en 73 ; sans oublier "When the eagle flies" en 74. Malade, Chris Wood décède en 1983, des suites d’une pneumonie. Traffic se reforme cependant en 1994. Et commet un autre long playing : "Far from home". L’enregistrement ‘live’ de ce "The last great Traffic Jam" date de cette époque. Il faudra cependant attendre plus de dix ans avant de voir ce disque atterrir dans les bacs. Atteint d’un cancer, Jim Capaldi est entre-temps disparu. En janvier 2005.
Le duo de base, Winwood et Capaldi monte sur les planches flanqué du bassiste Rosco, de Randall Bramblett aux claviers ou aux cuivres, de Mike McEvoy à la guitare ou aux claviers ainsi que du percussionniste Walfredo Reyes Jr. Cette œuvre est composée d’un CD audio et d’un DVD vidéo. Le CD audio s’ouvre par l'accrocheur "Pearly queen". La voix de Winwood est intacte. Profonde, puissante et riche, c’est un instrument de choix. Cette plage est une parfaite réussite. Au plus on l’écoute, on plus on y découvre, avec bonheur, de multiples surprises. Face aux claviers et aux percussions, la guitare se révèle très créative. "Medicated goo" met en exergue le talent de gratteur de Stevie. Un régal ! "Mozambique" (NDR : un extrait de l'album "Far from home" paru en 1994), fait la fête aux rythmes. Les percus ouvrent une voie royale à l'orgue Hammond qui disserte avec la guitare et la flûte. Rock, jazz et culture africaine font ici bon ménage. Empreinte de douceur, "40,000 headmen" est dédiée à la mémoire de Chris Woods. Le timbre vocal de Stevie est un véritable délice. La flûte de Randall Bramblett apporte un côté troublant à la compo. Bramblett est passé au saxophone pour l’instrumental "Glad", une parfaite démonstration de la qualité exceptionnelle de l'ensemble. La première plaque s’achève par "Light up or leave me alone", un très long fragment chanté par Jim Capaldi au cours duquel les différents solistes s’autorisent quelques escapades ; et même la section rythmique !
Le second morceau de plastique s’ouvre par le séduisant "Walking in the wood". Superbe, "The low spark of high heeled boy" est une longue compo atmosphérique caractérisée par de subtils changements de tempo que tonifie le timbre de Winwood. Les musiciens y démontrent une nouvelle fois tout leur savoir-faire. D’excellente facture, ce jazz rock divertit par ses incursions de piano, d’orgue et de cuivres. Interlude rafraîchissant, "John Barleycorn must die" est une plage folk. Une compo qui était également le titre maître d’un album paru en 1970. Plongé au sein d’une ambiance médiévale, Stevie chante en s’accompagnant à la guitare sèche. Le concert s’achève par deux morceaux incontournables. Tout d’abord le blues rock lent "Mr Fantasy", un fragment issu du tout premier elpee de Traffic commis en 1968. Et surprise, Jerry Garcia, le légendaire guitariste du Grateful Dead, est à la six cordes. Ce concert somptueux s’achève par l'incontournable hit du Spencer Davis Group immortalisé au cours des sixties : "Gimme some lovin".
En flip side, le DVD nous propose une interview de plus de 20 minutes accordée par Stevie Winwood et Jim Capaldi.
Aurait-on cloné Peaches ? ‘Sex, drugs & electro’ semble être le nouvel adage d’une certaine génération. CSS (pour « Cansei de Ser Sexy », qui, traduit du portugais, veut dire ‘fatigués d’être sexy’, rien que ça…), réunit cinq jeunes femmes et, accessoirement, un gars, qui n’ont pas la langue dans leur poche. Originaire de Sao Paulo et première formation sud-américaine a être signée sur le label Sub Pop, CSS martèle des beats acides et tout simplement ravageurs. Qu’ils s’en prennent à Paris Hilton (« Meeting Paris Hilton » dans lequel la jeune pouffe s’en prend plein la tronche) ou qu’ils rendent hommage à Death From Above 1979 (le single « Let’s Make Love And Listen to Death From Above »), les compos infectieuses des six Brésiliens s’immiscent vicieusement dans le système nerveux de l’auditeur. Leurs effets dévastateurs ne se font ressentir qu’au moment où l’on s’y attend le moins. Afin de passer une bonne nuit de sommeil, il est d’ailleurs fortement déconseillé d’approcher ses tympans de titres tels que « Alala », « Music Is My Hot, Hot Sex » ou encore « Art bitch » après dîner. Aucun remède n’est actuellement disponible. Si, par curiosité ou par mégarde, vous vous faites tout de même prendre au piège, il n’y a aucune alternative. Vous devrez succomber aux rythmes obsédants de « Cansei de Ser Sexy » et de son electro-rock subversif. A bon entendeur…
Ancien membre des atypiques Bone Thugs-N-Harmony, Bizzy Bone continue une carrière solo loin de ses anciens compères et du succès commercial. Ce deuxième album ne risque pas de le replacer sous le feu des projecteurs mais a au moins le mérite d’être sincère. Responsable d’une musique moins mélodique que celle dispensée par son ancienne formation, il reste cependant fidèle à son flow aigu et rapide qu’il pose sur des beats très californiens : claviers acides, beats puissants, mélodies tapageuses. L’ancienne gloire du trip hop Tricky co-mixe quelques uns de ces titres qui respirent la violence urbaine et le désespoir, le tout noyé dans une imagerie religieuse déjà fortement présente dans la précédente formation de Bizzy Bone. Un disque pas toujours très digeste, mais qui contient quelques bons morceaux. On citera « Bald Head Horse Man » et « Shake that Stick » (taillés pour les dancefloors), le tendu « He Told Me », les plus pop « Represent da One » et « Less Fame ». Ensoleillé et délétère à la fois, un paradoxe auquel les représentants hip hop de la côte ouest nous ont habitués.
Curieux nom que celui de ce groupe composé de trois jeunes Canadiennes originaires de Colombie-Britannique. Frazey Ford, Trish Klein et Samatha Parton l’ont choisi d’après la chanson « Be good Tanya » de la Texane Obo Martin, une chanson qu’une certaine Jolie Holland leur avait fait découvrir lors d’un camp de planteurs d’arbres. Il n’est donc pas surprenant que leur musique colle au décor. Mandolines, harmonicas, guitares et harmonies vocales alimentent « Chinatown », deuxième album du trio (qu’elles ont produit elles-mêmes). Oscillant entre country, blues ou encore gospel, les demoiselles y parlent des dangers de la vie urbaine et des problèmes de drogue, de voyage et d’amour perdu, de Jésus et de la mort. « It’s not happening », « Junkie Song » ou la triste ballade « Dogsong 2 » où Samatha Parton déplore la mort de son chien sont autant d'invitations à la mélancolie. En outre, quelques reprises viennent se glisser entre les morceaux originaux : « Waiting around to die » de Townes Van Zandt, par exemple. Mais ce sont surtout des chants traditionnels que le trio fait revivre ici: une xième version, plus légère, de « House of the rising sun », « Reuben » ou le sympathique « In my time of dying ». De plus, tout au long de l’instrumental « Horses », les trois artistes prouvent qu’elles sont également bonnes musiciennes. Enfin, une piste bonus vient clore le tout : « Diamond in my crown », où Frazey Ford est rejointe par sa mère pour un a capella tout en harmonie. Mignon.
Déjà remis à l’honneur par les Espagnols de Vampisoul, le catalogue du légendaire label Fania a été racheté par V2. Fania a révolutionné la musique latine en la mariant à la musique pop et jazz. Parmi la première salve de rééditions, on trouve une dizaine d’albums parus dans les années 60 (Eddie Palmieri, Joe Bataan, etc.) Le sextet de Joe Cuba (alias Sonny Calderon) est considéré comme un des précurseurs du boogaloo, ce genre musical particulier qui a marié la musique cubaine au doo-wop et à la soul. Un mariage qui a pu avoir lieu grâce au mélange des populations dans le New York des années 60. Datant de 1966, cet opus est un bel exemple de l’énergie contagieuse du genre : de la musique festive jouée avec une ferveur incroyable. Un chapelet de morceaux (dont le tube « Bang ! Bang ! ») qui repose sur une même recette : des chœurs gueulards, des rythmes rapides joués avec des instruments typiques de la musique cubaine (percussions, piano, etc.) et une énergie furieusement rock’n’roll. On ralentit rarement le rythme (« Mujer Divina ») mais la richesse mélodique est toujours présente, comme sur le magique « Que Son Uno », plus calme mais d’une classe folle.
Lors de la vente de la maison de ses parents décédés voici 3 ans, John Carter Cash a fait une découverte inattendue. Il est tombé sur des bandes sur lesquelles ne figurait comme annotation que ‘Johnny Cash – Personal files’. En fait, le fiston venait de dénicher des tas d’enregistrements concoctés par feu son père dans son studio maison. Ces compos inédites constituent un trésor inestimable, puisque non seulement il ne s’agit pas de fonds de tiroirs ou de demos (NDR : probablement des projets d’albums non aboutis) ; mais en outre, elles sont tellement nombreuses, qu’elles devraient faire l’objet de toute une série de futurs opus posthumes. Et ce « Personal file » en est la première concrétisation. Enregistrés entre 1973 et 1982, celles qui constituent ce double cd réunissent reprises (Louvin Bothers, John Prine, Carter Family, Johnny Horton, Lefty Frizzell), traditionnels irlandais, chansons gospel, poèmes, et inédits pour la plupart précédés de préambules explicatifs. 49 titres en tout. Le premier privilégie les anecdotes sinistres, alors que le second trahit ses convictions spirituelles. Des berceuses qu’il interprète de son baryton rocailleux, fragile, chaleureux, profond, sudiste, en s’accompagnant simplement d’une guitare sèche. The Man In Black n’est peut-être plus de ce monde, mais son œuvre n’a jamais été aussi vivante…
Encore une formation issue du nord-est de l’Angleterre. De Sunderland très exactement. Un groupe dont le premier opus éponyme avait reçu une excellente critique. « Write your own history » n’est pas (encore) le deuxième elpee de Field Music, mais une compile qui réunit flip sides, démos, inédits ainsi que leur dernier single « You’re not supposed to ». Neuf titres proposés dans un ordre inversement chronologique à l'histoire du groupe. Ce qui permet de se faire une petite idée de l’évolution de leur musique devenue au fil du temps plus délicate, plus sophistiquée ; mais aussi moins capricieuse. Entre 2000 et 2003, les variations de tempo étaient plus fréquentes (« Alternating current », « I’m tired »), l’atmosphère était susceptible de virer subrepticement au kitsch (« Can you see anything ») et la basse entretenait un groove malicieux (« Test your reaction »). Après cette entrée en matière expérimentale, la formation a forgé son propre style. Notamment en enrichissant ses chansons de multiples arrangements. Surtout de cordes, histoire d’apporter une nouvelle coloration à sa pop charmante, ensoleillée et, surtout, terriblement efficace. Sur l’une ou l’autre compo, Tom English (le batteur de Maxïmo Park) ainsi que David et Barry Hyde (respectivement chanteur/guitariste et batteur chez The Futureheads) sont venus apporter leur collaboration. Des références ? Les Beatles, les Beach Boys (NDR : surtout pour les harmonies vocales), ELO et puis, d’un point de vue contemporain, Belle & Sebastian. Field Music : un nom à retenir…
Hyperclean ou la jeunesse décadente dans toute sa gloire. Irrévérencieux à souhait, le quintette instaure le revival rock sixties/seventies à la française. C’est con mais fallait y penser. Héritiers de Jacques Dutronc ou de Serge Gainsbourg, ces nouveaux trublions au nom trompeur livrent un premier disque complètement décalé, à prendre au cinquième degré. Dans l’univers déjanté d’Hyperclean, l’outrage est une forme d’art pratiquée avec véhémence. Les demoiselles y sont tendrement malmenées et le nudisme y est la norme. Même les animaux en prennent pour leur grade, acteurs involontaires des turpitudes de la bande. Entre rythmiques yé-yé et mélodies libidineuses, « Hyperclean » referme treize perles de poésie provocatrice. Si la Boum de Sophie Marceau avait eu ce disque pour fond sonore, nul doute qu’elle se serait soldée par une orgie.
Leya nous vient d’Irlande du Nord. De Belfast, très exactement. Un quatuor dont la musique évolue entre britpop et britrock. Un fil conducteur : la voix de Ciaran Gribbin dont le timbre et les inflexions empruntent tour à tour à Matthew Bellamy, Danny McNamara, James Walsh ou encore Paul Draper. Dans ces conditions, difficile de ne pas imaginer que la musique de Leya évolue dans un univers rappelant tantôt Muse, Embrace, Starsailor voire Mansun. Et manifestement, elle devrait plaire à toutes celles et tout ceux qui ne jurent que par ce style si insulaire. Cependant, si c’est bien fichu, ça manque quand même d’originalité. Les arrangements symphoniques sont légion (NDR : somptueux ou emphatiques : biffer la mention inutile), l’instrumentation luxuriante, les changements de tempo fréquents, les mélodies mélancoliques. Et le tout est bien sûr dominé par les vocaux de Ciaran. Une compo parvient quand même à s’extraire de l’ensemble : « Again ». Tramée sur un piano sonore, elle monte progressivement en intensité avant de voler en éclats dans une orgie de sonorités cosmiques. Un peu à la manière de Radiohead. Pour le reste, on peut fermer la parenthèse…
Depuis qu’il a enregistré son premier album en 2005, Maxïmo Park tourne inlassablement. Et, apparemment, son planning de concerts est à nouveau impressionnant. Fin de l’année dernière, le quintet a donc décidé d’immortaliser cet exercice de style qu’il semble apprécier tout particulièrement. Le 10 décembre 2005 dans leur ville natale de Newcastle et le 17 février 2006 à Brixton. Filmé en noir et blanc, ce dernier spectacle contient deux compos qui ne figurent pas sur leur album : « Fear of falling » et « I want you to leave ». Deux sets qui ont servi de base à l’élaboration de ce DVD. Le film reproduit parfaitement l’énergie dispensée par la formation sur les planches ; une énergie exacerbée par le vocaliste/showman Paul Smith. Ce support recèle également six morceaux issus de sessions accordées à la BBC, trois autres concédées à AOL et une interview de 20 bonnes minutes consentie par Paul et Duncan pour la radio locale de Brighton ; sans oublier les six vidéos promotionnelles tournées par le band. Seul petit bémol, la navigation du DVD est plutôt difficile à la détente et sur PC, certains programmes refusent carrément de lire le support. Le CD audio propose 9 plages encore issues de sessions accordées à la BBC dont une adaptation assez étonnante du « Shiver » de Natalie Imbruglia, une version acoustique de « Going missing » et un inédit, « Surrender ». Le tout est enrichi d’un booklet de 16 pages abondamment illustré. Et si vous souhaitez en savoir davantage sur Maxïmo Park, je vous invite à relire l’interview fort intéressante que Paul et Tom avaient accordée à Musiczine l’an dernier…
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