Sur "Songs the animals taught us", Kent Lambert, cerveau de Roommate, n’hésite pas à dresser un portrait cynique de l’Amérique à l’heure d’aujourd’hui. Sa musique, héritière de celle de Xiu Xiu, mais aussi de groupes tels que M83, n’est pas sans rappeler l’électro pop de Postal Service, en plus décousu, en plus éclectique. En faisant intervenir de multiples instruments (basse et batteries, bien sûr, mais aussi une scie, un xylophone ou encore un banjo), la mélodie se noie parfois dans un brouhaha agaçant. Heureusement, la voix de Kent réussit souvent à sauver les morceaux aux multiples subtilités. A travers cet album, Roommate questionne les angoisses et les contradictions de notre culture occidentale. Les thèmes de l'économie ou de la guerre, de statut social ou de jeune amour sont abordés sous forme de petites fables dont les protagonistes sont typiques d’un monde à l’ère de Bush : des profiteurs de la guerre ou des travailleurs middle-class qui s’inquiètent de l’économie (la reprise de Big Head Todd & Monsters, "Dinner with Evan", est à ce titre parfaitement cohérente sur cet album). Le meilleur exemple du dilemne ‘roommatien’ figure sur "Typhoon", en ces mots: ‘How much luxury would it take to kill me/and how much of your breath would it take to fill me/and how much love will save me ?’ Idem pour la fausse partie de Nintendo de "Status hounds": ‘We hate the richs/but we might get rich/maybe hate will make us rich’. Un disque intelligent et pertinent.
Après avoir séduit le public irlandais avec leur gentil punk-rock (« Wired to the moon », « Death of a DJ »), Michael Daniel O'Donnell, Rory Gallagher et John McIntyre, alias The Revs, changent de line-up et partent à la conquête de l’Europe. Premier single issu de leur nouvel album éponyme, « Time slippin’ » confirme le changement : d’une musique proche de Sum 41 ou Busted, ils jouent désormais dans la cour de Snow Patrol ou Saybia. Certains morceaux même (« Streets », notamment) rappellent franchement ceux de Franz Ferdinand. Et cette dernière comparaison n’est pas si surprenante : à la production de cet album, on retrouve Stefan Kvarnström et Jens Lindgård (ceux-là mêmes qui avaient déjà sévi sur le premier album de Franz Ferdinand). Pour l’enregistrement, le groupe a également fait appel à Danton Supple, qui a travaillé, entre autres, sur le dernier album de Coldplay, « X+Y ». Le résultat de ces collaborations est un disque assez classique. Avec des plages plus rock (« Take it all back », « You shine », « Every monkey ») ou des ballades pop (« Here’s where the conversation ends »), The Revs ne renouvelleront pas le style mais combleront certainement les fans du genre.
Le quatrième album de Rye Coalition a failli crever dans les poubelles du label Interscope (distribué par la multinationale Universal). Après avoir frotté la manche du groupe de Ralph Cuseglio pendant des mois, la Major était parvenue à ses fins. A savoir enregistrer ce nouveau brûlot sous la houlette d’un éminent producteur : Dave Grohl (Foo Fighters/Nirvana). L’histoire aurait dû s’arrêter là. Simple, mercantile. Mais pour d’obscures raisons, l’enregistrement est resté dans les caissons. Par la grâce du label indépendant Gern Blandsten, les douze titres de « Curses » décampent aujourd’hui sur nos platines. A coups de riffs sauvages, le quintet remet les pendules à l’heure, se frayant une place au paradis des hommes électriques. Saint AC/DC, grand patron des gimmicks décapants, veille sur ces apôtres. Dave Grohl à la batterie (NDR : youpie !), toujours prêt à gueuler comme un putois à la tête arrachée, vient ainsi prêter main forte à ses activistes de la guitare tranchante. D’emblée, « Pussyfootin’ » ouvre la voie à la machette, bousculant les Datsuns, renvoyant Wolfmother aux études. Rye Coalition a la rage aux dents. Les cheveux au vent, le groupe recherche la vitesse, la turbulence, les décharges soniques. Plusieurs réussites échelonnent ce disque : « Young Yellers », « Secret Heat », « Vietnam Veterinarian ».
En bonus, Rye Coalition nous offre un DVD retraçant la conception du disque et la fouge de ses concerts. En compagnie d’un Dave Grohl hilarant, le groupe s’invite dans notre discothèque pour une heure de rock’n’roll sans concession. Comme le suggère la pochette de l’album, l’auto-stop a du bon : en route pour « Curses » !
Depuis qu’il a quitté nos héros regrettés de Mclusky, le bassiste fou Jon Chapple semble encore plus perturbé. Vraiment à la ramasse, loin dans la forêt. Reste que, côté musique, l’homme a conservé un savoir-faire électrique à l’épreuve du feu et des critiques. Certes, ce premier véritable premier album de Shooting At Unarmed Men ne nous rendra pas la puissance viscérale de Mclusky. Mais à travers des titres à l’énergie débridée comme « Pathos Ate Pathos », « Girls Music » ou « I Cry For No Man », Jon et ces deux nouveaux trublions (Simon Jarvis et Steve Morgan) font preuve d’une rage incendiaire et communicatrice. L’envie de balancer toutes formes solides dans l’espace se fait alors sentir. Putain, merde, pas la chaîne hi-fi ! Trop tard...
Cette partition du compositeur attitré de Luc Besson illustre un western exposant les beautés latines de Salma Hayek et Pénélope Cruz. Le Français délaisse pour l’occasion les synthétiseurs et se paie les services d’un grand orchestre et de cuivres mariachis pour aller piocher dans les atmosphères poussiéreuses d’Ennio Morricone. C’est bien foutu mais totalement référentiel, le génial Italien ayant créé un genre tandis qu’Eric Serra se contente de le paraphraser et n’en retient que les aspects les plus évidents, comme ces notes de guitare électrique noyées dans la reverb. Anecdotique !
En circulation depuis trente ans, Third World n’a jamais révolutionné le reggae mais a toujours représenté le genre de manière honorable. Ce nouvel album comporte son lot d’invités de marque. Sly Dunbar, Wayne Marshall, Beres Hammond et les Français de Sinsemilia viennent prêter main forte sur quelques titres d’un album qui touche un peu à tous les styles de la musique jamaïcaine d’hier et d’aujourd’hui. Un manque total d’unité stylistique qui connaît des réussites diverses. Hormis le plus pêchu « Rise Up », les moments roots comme « Nah Sweat » ou « Black Gold & Green » manquent de substance et d’originalité. Les chansons plus proches de la soul sont bien meilleures. « Lovers In A Dangerous Time », « Butterflies and Rain », « Revolution in Her Eyes », « Runaround », « Love in the Air » (avec Beres Hammond) sont des chouettes compos où la voix chaude de Rugs fait merveille. On notera aussi la belle incursion ragga sur « Touch the Road » opérée en compagnie de Wayne Marshall. Rayon reprise, le son très léché de « Solid » est un peu hors propos et le « Fade Away » de Junior Byles est rendu dans une version digitale pas vraiment convaincante. Nonobstant quelques titres qui valent le détour, il y a donc sur ce disque, à boire et à manger…
Flashback. Printemps 2004. Trois musiciens, logés à l’ombre des buildings de Brooklyn, enfantent un album intitulé « Desperate Youth, Blood Thirsty Babes ». New York crie au génie. Le reste du monde succombe. Retour au présent, « Return To Cookie Mountain ». Le deuxième album de TV On The Radio est attendu au tournant. Entre faisceaux d’électrons, ondes hertziennes, câble et autres modulations séquentielles, Tunde Adebimpe, Kyp Malone et David Sitek assurent la transmission de fréquence idyllique. Après une première écoute déroutante, « Return To Cookie Mountain » délivre son pouvoir d’attraction, laissant l’auditeur figé, ensorcelé. Comme scotché au téléviseur. Dès le générique insufflé par « I Was A Lover », TV On The Radio brouille les ondes, donnant l’impression de glisser vers une énième sornette trip-hop. Au moment où l’oreille se pose, les guitares surgissent, les chants se croisent, les samples sévissent. La grande force du groupe est ici. Au cœur du musicalement convenu, TV On The Radio diffuse ses myriades de touches atypiques.
Premier single du disque, « Province » joue la carte vocale, insolite et précieuse en ces temps guitaristiques. Rarement entendu au 21ème siècle, voici un tube ‘à voix’, un hymne sculpté sur les cendres d’Otis Redding et Marvin Gaye. Sur « Playhouses », TV On The Radio méprise les émotions, passant de la violence la plus crue à la douceur la plus tendre. Tout est contradiction. Lorsque résonne le sifflement introductif de la chanson « A Method », on s’engage sur les chemins d’un doo-wop perturbé, agité de bricolages synthétiques. Plus loin, sur « Let The Devil In », le refrain se scande telle une ultime revendication. L’album s’achève sur la longueur de « Wash The Day », huit minutes de psychédélisme post-moderne où le sitar croise l’électricité avec la guitare. « Return To Cookie Mountain » demeure un disque complexe, un enregistrement qui neutralise une expression : ‘le difficile exercice du deuxième album’. TV On The Radio s’est projeté dans le temps, décloisonnant son univers de toute part. La formation tend aujourd’hui vers l’infini, vers un point de non-retour.
Le succès du deuxième album de TV On The Radio n’est pas à l’ordre du jour. Trop en avance sur son temps. Mais l’heure du pèlerinage sonnera. Il faudra alors y revenir. « Return To Cookie Mountain » ou la prédiction de TV On The Radio.
Alias West, Leslie Weinstein est né en 1945 à Forest Hills, dans l’état de New York. Il y fonde son premier groupe : les Vagrants. Une aventure de courte durée, car dès 1969 il forme Mountain en compagnie du bassiste/producteur Felix Papalardi et du batteur Corky Laing Leslie. Une aventure que le trio américain allait couronner de succès. En pratiquant tout simplement du blues rock. La formation accorde un de ses premiers concerts lors du festival de Woodstock. Rayon discographie, le combo aligne "Mountain climbing" en 1970, "Nantucket sleighride" et "Flowers of evil" l'année suivante, ainsi que "Live Mountain" en 72. Ce sera le chant du cygne, puisque l’ensemble splitte la même année. West et Laing décident alors de reprendre la route en impliquant un Anglais dans le nouveau projet : le très notoire bassiste Jack Bruce ! West, Bruce & Laing immortaliseront 3 albums. En 74, Mountain se reforme brièvement et concocte un elpee : "Avalanche". Depuis, l’histoire de Leslie West est devenue beaucoup plus anecdotique. Ce qui n’a pas empêché son LW Band de graver une multitude d’albums. Et de croire encore aujourd’hui à son étoile. Ainsi il a commis "As Phat as it gets" en 2001, "Blues to die for" en 2003 ainsi que "Guitarded" et "Got blooze" en 2004.
Pour concocter "Blue Me" West a reçu le concours du drummer Aynsley Dunbar (NDR : un vétéran anglais !), de Tim Fahey à la basse, de Kevin Curry à la guitare rythmique, d’Art Groom à l’orgue Hammond et de Brian Mitchell au piano (NDR : ce dernier a côtoyé une multitude de musiciens notoires ; et en particulier BB King, Dr John, Bob Dylan et Allen Tousssaint). Le bon vieux Leslie attaque le "Blues before sunrise" de Leroy Carr. Il emprunte le célèbre riff de slide imaginé par Elmore James. La section rythmique est écrasante. Le piano épouse le rythme. Le résultat n’est pas très subtil, mais très efficace. Et puis ça déménage ! Il embraie ensuite par le "I woke up this morning" de Graham Barnes, en reproduisant toute une série d’accords appréciés par tous les fans de Ten Years After. Pas pour rien qu'Alvin Lee les avait réservés pour son album "SSSSh!". En 1969. Et manifestement, cette plage est la meilleure de l’opus. La machine est bien huilée. Dévastatrice, elle broie tout sur son passage. Et "Four day creep" en est la pus belle démonstration. A l’instar de ses derniers opus, Leslie mange un peu à tous les râteliers. Sans trop de discernement. Parfois ses décisions sont judicieuses. Parfois douteuses. Ses covers du "Hit the road Jack" de Percy Mayfield (NDR : un tube pourtant glorifié en son temps par Ray Charles) et du "Green river" de Creedence Clearwater Revival, au cours duquel il ressemble à un Omar Dykes survitaminé, sont tout à fait dispensables. A contrario, le sommet de l'album est atteint par sa version du "Standing around crying" de Muddy Waters, un slow blues qui libère un maximum d'intensité dramatique. West sait comment conduire son blues. Sa voix est surpuissante. Ses cordes ne demandent qu'à hurler, mais il parvient toujours à les garder sous contrôle. Une performance impressionnante dans le domaine du répertoire lent. A cet instant, on sent qu’il est dans son jus. Que ses quarante années passées sur les grandes scènes internationales, les petits clubs et autres roundhouses, bars ou tripots ont forgé chez cet homme, une expérience hors du commun. Son adaptation du "Sinner's prayer" de Lowell Fulsom évolue en catégorie ‘super lourds’. Pour la circonstance, il a reçu le soutien du notoire Todd Wolfe. Je le préfère cependant dans un autre registre. Et en particulier lorsqu’il aborde le répertoire de Freddie King. D’ailleurs on sent très fort que lors de l’adaptation du vigoureux "Tore down", il prend son pied. Le géant de Forest Hills ne fait pas dans la dentelle. Dans son style de rocker éléphanteque, il n'a pas peur de relever le gant du hard rock. A l’instar du "One thing on my mind" de Samyy Hagar et Montrose! Il s'amuse tellement qu’il n’est pas difficile d’imaginer le West aligner encore une bonne dizaine d'albums du genre dans les années à venir!
La pochette est noire. « On the heights of despair » (rien que ça) promet déjà un disque des plus réjouissants… Un coup d’œil aux titres (« Between boredom and fear », « Return to chaos », « Pretty far from ok »), et la tendance se confirme: Love Wollberg ne risque pas de nous faire rire. Bien que fort sombres, ses mélodies ne sont pas mauvaises, bien au contraire. A ce titre, il s’inscrit parfaitement dans la tradition des grands songwriters. Mais sa voix… Tout au long de ces onze chansons aux paroles suicidaires, elle se lamente, tremble, pleure presque. Qu’il est triste, ce Suédois ! Qu’il est malheureux ! Et que c’est agaçant ! Et quand il chante « Rendez-vous with nobody », on n’est plus étonné. Une chose est sûre : comparé à Wollberg, Elliott Smith était un fameux pitre !
The Weepies, c’est avant tout l’histoire d’un coup de foudre entre deux songwriters. La scène se passe au Club Passim, à Boston, où Steve Tannen vient présenter son premier album "Big Señorita". Dans le public, une fan : Deb Talan. Cette dernière a sorti un disque, "Something burning", que Steve écoute en boucle depuis quelques mois. Le concert s’achève et les deux musiciens passent le reste de la nuit à jouer ensemble, intimidés et charmés. De là naîtra un premier essai "Happiness" (2003). "Say I am You" est le second opus du groupe. Dès l’ouverture ("Take it from me"), le duo promet une pop légère sans être naïve, discrète mais terriblement efficace. Guitare en bandoulière, le couple se partage le chant : tantôt elle, tantôt lui. Et puis, ensemble, leur voix s’épousent pour le meilleur. Les morceaux s’enchaînent et, sans rien révolutionner, vont pourtant à l’essentiel ("World spins madly on" ou "Suicide blonde", qui évoque l’écriture sombre d’Elliott Smith). De comptines douces-amères ("Nobody knows me at all", "Not your year") en vérité désarmantes ("Love doesn’t last too long"), les Weepies restent optimistes dans le désespoir. Sur la pochette de "Say I am You", deux petits oiseaux. Deux hirondelles, peut-être, qui ont fait un printemps.
Alias Mac Rebennack, Dr John est aujourd'hui âgé de 65 ans. Ses premières apparitions remontent à la fin des années 50, lorsqu’il évolue comme guitariste et pianiste dans sa bonne ville de New Orleans. Il joue du R&B qu’il a mâtiné de rock, contaminé par la folie du Mardi Gras, tout en injectant une touche personnelle de musique ‘voodoo’. A l’époque, il participe à des enregistrements pour Professor Longhair, Frankie Ford et Joe Tex. En manipulant une arme à feu, il est victime d’un accident qui lui abîme une main. Il décide alors de se concentrer uniquement au piano! En 1968, sa notoriété est acquise. Il vient alors d’enregistrer son premier album "Gris Gris", un disque qui mêle habilement R&B pur et dur, funk coloré, vaudou et psychédélisme. Dans la foulée il commet quelques excellents albums : "The sun, moon & herbs" en 71, en compagnie de Mick Jagger et Eric Clapton, "Gumbo" en 72 et "In the right place" en 73. Aujourd’hui notre bon Docteur est responsable d’une impressionnante discographie.
Son nouvel opus, "Mercenary", est consacré à l'œuvre de Johnny Mercer, un artiste populaire américain qui écrivit pas moins de 1.500 chansons pour lui et bien d'autres. Mercer était né en 1909 à Savannah, en Georgie. Il est décédé en 1976, à Los Angeles. Il écrivait, chantait (notamment dans l'orchestre de Benny Goodman) et assurait la production. Il fut également un des fondateurs du label Reprise. En 1942 ! Il est également un de ceux qui firent la promotion et la gloire de Nat King Cole.
En ouverture, "Blues in the night" est superbe. Cette plage embrasse un schéma purement roots, avant de céder le relais au funky R&B. Un style naturel qui transpire de cette cité magique de la Nouvelle Orléans. Tout y est : la voix nasillarde de Mac, son piano syncopé et les cris de quelques cuivres qui paraphrasent le chant. Herbert Hardinty s’y autorise déjà une escapade sur son saxophone ténor. "You must have been a beautiful baby" marque un retour au format quartet de base. Un petit bijou que John fait sien dans son essence louisianaise, en se limitant aux claviers, la guitare rythmique de John Fohl et la section rythmique (NDR : composée de David Barard à la basse et Herman Ernest III aux dums). De son timbre de fausset, sensiblement las, Dr John drive "Personality", une ballade indolente balayée par la trompette tout aussi somnolente de Charles Miller. Autre ballade, "Hit the road to Dreamland" pourrait servir de bande sonore à une comédie de Broadway ou celle d’un film tourné à Hollywood. La voix naturelle de notre praticien fait sienne cette chanson composée il y a longtemps. John adapte "I'm an old cow hand", un instrumental qu’il interprète avec tout le respect de son éducation néo-orléanaise. L'atmosphère devient cabaret, comme pour souligner les déhanchements voluptueux d'une stripteaseuse d'un bar glauque du carré français. Hardinty susurre dans son saxophone pour dévoiler ce "Dream". John murmure du bout des lèvres, avec une grande douceur, un savoureux "Lazy Bones", une compo que Mercer composa en compagnie de Hoagy Carmichael. Songwriter très prolifique dans le domaine du jazz léger, il était également un vieil et indéfectible ami de Louis Armstrong. Manifestement, Dr John parvient à transposer dans son registre, tout en maintenant le climat musical de sa cité, des chansons d'un autre temps. Et on se surprend même à reprendre, avec ses musiciens, les chœurs de "That old black magic". D’une grande profondeur dans la voix, il chante "Come rain or come shine". Le piano soutient le motif rythmique de ce blues, tandis que les cordes de Fohl, déformées par l'écho, vont et viennent à l'avant-plan. Délicieux! "Moor river" est probablement une des meilleures chansons de cet opus. Un morceau que Mercer cosigna avec Henry Mancini. Le timbre de voix de notre Night Tripper sied parfaitement à cette plage. Autre instrumental qui aurait également pu servir de B.O. pour musique de film, "Tangerine" clôture la part consacrée à l'écriture de Mercer. Dr John se met lui-même dans la peau d’un mercenaire pour concéder son "I ain't no Johnny Mercer". Il respecte cependant parfaitement le fil conducteur de l’opus. Il tape nerveusement et rythmiquement sur son piano tandis qu'il souligne son chant de courtes phrases à l'orgue Hammond. Pour nous saluer, il délivre une tranche épaisse de son R&B gumbo, festif, et largement cuivré, en interprétant "Save the bones for Henry Jones" que Mercer chantait en duo avec Nat King Cole. Notre bon vieux docteur vient de commettre un tout bon album !
Benjamin Chase Harper est né en Californie. A Claremont. En 1969. Au fil du temps, ce chanteur guitariste a acquis une notoriété en développant un style très personnel et original, où se mêlent blues, folk, gospel, funk, rock et reggae. Il est parvenu à s'inspirer intelligemment de monstres sacrés tels que Robert Johnson, Jimi Hendrix et Bob Marley, pour n'en citer que trois. Très jeune, ce prodige s’exerce à la guitare acoustique dans l'atelier musical de ses parents. Il dispose alors notamment d’une Weissenborn (NDR : du nom du luthier allemand qui la créa). Il commet son premier album en 1992. En compagnie de Tom Freund : "Pleasure and pain". Un opus qui recèle pas mal de blues dont les classiques "Dust my broom" et "Sweet home Chicago". Lors d'un concert, il impressionne Taj Mahal qui l’invite à tourner quelque temps en sa compagnie. L'année suivante, il fonde les Innocent Criminals. Sous ce line up, paraît un premier elpee en 94, "Welcome to the cruel world", puis "Fight for your mind" en 95, "The will to live" en 97 et "Burn to shine" en 99, une oeuvre entièrement composée par Harper. Il embraie ensuite par un album enregistré en public : "Live from Mars". En 2001. Puis encore par "Diamonds in the inside" en 2003, "There will be a light" en 2004, pour lequel il reçoit le concours des Five Blind Boys of Alabama, un ensemble gospel qui participera encore à la confection d’un autre long playing immortalisé en public : "Live at the Apollo". A Harlem. En 2005.
Double CD, "Both sides of the gun" rencontre en une bonne heure de musique, les deux facettes du personnage : Ben le doux et Ben le dur. Ce qui explique la présence de deux disques différents. Le premier elpee expose la face tendre et délicate de l’artiste. Il s’ouvre par le brillant "Morning yearning". Le ton est à la musique de chambre. A cause de la présence d’un ensemble de cordes, nonobstant le chant de Ben. Ballade précieuse, contagieuse, "Waiting for you" communique sans ambiguïté un message d'amour. Dès que la mélodie pénètre dans votre oreille, elle ne la quitte plus. Posé dans le même écrin, "Picture in a frame" illumine l’œuvre de sa beauté immaculée. Pour la circonstance, les Innocent Criminals sont au grand complet (Michael Ward à la guitare, Jason Yates aux claviers, Juan D. Nelson à la basse, Francis Charles à la batterie et Leon Mobley aux percussions), communiquant à la texture sonore une dimension plus compacte et électrique. La voix de Harper est incontestablement le plus bel instrument de l'ensemble. Expressive, unique en son genre, elle est davantage mise en évidence lorsque l'environnement est dépouillé à l'extrême. A l’instar de "Never leave lonely alone", limité à Ben et la basse de Matt Cory ; ou encore "More than sorry", une compo saturée d’émotion, nonobstant la présence Danny Kalb à la guitare. Ben revient flanqué de son ensemble de cordes pour évoquer l’histoire d’un amour difficile : "Reason to mourn". Il chante divinement cette plage. Son vague à l'âme lui permet d’inoculer une sensation de désespoir à sa guitare amplifiée. Le premier disque s'achève sans jamais perdre de son intérêt.
Dit ‘dur’ ( ?!?!?), le second disque s’ouvre dans un registre totalement différent. On a même parfois l’impression de remonter le temps. Pour y revivre l'époque du "Sgt Pepper" des Beatles. Et « Better way » en est le plus parfait exemple. Un parfum d’Asie méridionale flotte dans l’atmosphère. Les sonorités riches, élégantes, complexes, entretenues par sitar et tablas, nous plongent dans une certaine sérénité. Tout au long de ce morceau, la voix de Harper est réverbérée à l'infini. Elle finit même par se déchaîner pour hurler sa quête du droit chemin. Le tamboura de David Lindley (Kaleidoscope) alimente la fête des percussions. Greg Kurstin s’assied derrière son orgue Hammond B3 pour seconder un Ben soudain passé au funk. Il semble hanté par le diable, lorsqu’il chante le titre maître. La tension est omniprésente. Le ton monte. Les fourmillements commencent à envahir nos doigts de pieds. Harper pousse le volume de son ampli. Les cordes s’alourdissent et épousent un riff plus ‘rollingstonien’ que nature pour célébrer "Engraved invitation". Responsable de toute l’instrumentation et de toutes les parties vocales, l’artiste est à la fête. On s'attend même à voir débouler Mick Jagger au micro! Et nous ne sommes pas au bout de nos surprises. Notamment lorsqu’il se risque à l’exercice du disco riche et épais sur "Black rain", à la manière d'un Stevie Wonder des bons jours. Ballade roots, ma foi fort classique à première écoute, "Gather 'round the stone" s’ouvre sous la forme d’une parenthèse. Mais peu à peu, le climat se trouble. La voix semble véhiculer une forme de malédiction. Et la guitare de déferler en emportant tout sur son passage! Harper se mue en rocker lorsqu'il est rejoint par un second gratteur : Jason Mozersky. "Please don't talk about murder while I'm eating" libère une fameuse dose d’agressivité. Les vibrations électriques persistent et signent tout au long de "Get it like you like it". Le riff est dur et épais. Les cordes électriques de Michael Ward et de Mark Ford des Black Crowes crèvent l'écran! Ben saisit sa guitare slide pour nous rassurer. Il n’a pas oublié son blues. Et le démontre à travers "The way you found me". Face à la sobriété de l’accompagnement tout en swing, son bottleneck dévoile une facette sauvage de son jeu. Avant de nous quitter, Harper rappelle Mozersky. L’occasion rêvée de mêler les deux facettes : riff pur et dur, très sudiste, dans sa réalisation et allégresse acoustique, limpidité du toucher en contre-pied. Un superbe album pour cet artiste majeur!
Cette formation est née en 1998. Dans la bourgade de Maimee, du côté des faubourgs de Toledo, dans l'Ohio. Elle a été fondée par deux gars du coin : le chanteur/guitariste/harmoniciste Johnny Wirick (alias Walker) et le drummer Ben Smith (alias Swank). Ils sévissaient déjà au sein d’un blues band : Henry and June. La formation allait ensuite transformer son paronyme en Soledad Brothers. Faut-dire que l'album fétiche de Walker n’est autre que le "Live at Soledad" de John Lee Hooker! Ce groupe de dark blues punk a été rapidement intégré à la scène de Detroit, en compagnie des White Stripes et de Greenhorns. Le duo est entre-temps rejoint par un second guitariste : Oliver Henry qui double également au saxophone. Ils commettent un premier elpee éponyme en 2000. Et embraient en 2002 par "Steal your soul and dare your spirit to move", un "Live" en 2003 et "Voice of treason" en 2004. Lié au mouvement des Black Panthers, dont ils affichent fièrement le logo, le combo est engagé politiquement. John Sinclair (NDR : il fut jadis le manager du MC5, groupe révolutionnaire de Detroit dont le "Kick out the jams" est toujours considéré comme un classique de l’histoire du rock’n roll !) en devient rapidement un fan. Un soutien qui signifie beaucoup pour les Soledad.
Leur nouvel opus a été enregistré en France, du côté de Bordeaux. Un quatrième musicien a participé à la confection du disque : un certain Dechman. Un Français. Ce multi-instrumentiste y joue de l'orgue, des synthés, du sitar, de la basse, du banjo et toute une variété d’autres instruments ; de manière à ajouter davantage d’épaisseur au son des Brothers. Dès l’ouverture, les Soledad Brothers dispensent une folle énergie. En respectant l’esprit des libertés prises par les formations punk de la fin des années 70. La rythmique est implacable. Dans un style que pouvait emprunter l'énigmatique Wilko Johnson, le premier guitariste de Doctor Feelgood. Et en remontant dans le temps, je ne peux m’empêcher de penser aux premiers ensembles de R&B anglais du début des 60s : les Stones bien sûr ; mais aussi les Yardbirds, les Pretty Things ou encore Downliners Sect. Les Soledad pratiquent un R&B âpre, musclé, primaire. Le vocaliste pose sa voix sur une expression sonore à la musicalité approximative. Mais le groupe est très soudé ; et puis sa musique bien plus convaincante qu'elle n'y paraît à première écoute. A l’instar de "Truth of consequences" et "Dowtown paranoia blues" : de la pure dynamite. Nos oreilles sont à peine acclimatées que le décor change. Plage très lente, "Crying out loud" véhicule une tension cotonneuse presque insoutenable. Blafard, le timbre vocal se complait dans un style immortalisé par les bands anglais d'autrefois. La tonalité lugubre d’un harmonica hante le décor. Le tonitruant "Crooked Crown" marque un retour au climat trash. Le guitariste a sorti sa slide primaire et poisseuse. Les jaillissements de l’harmo attisent l’incendie. Les cordes ne quittent guère l'avant-scène. Les sonorités ne font pas dans la dentelle, comme si elles avaient été enregistrées dans un bon vieux garage. "Sweet & easy" observe une quiétude toute relative. Les sonorités acoustiques infiltrent les guitares indomptables, bien amplifiées. Ce rock blues est dispensé sans concession, même si on recèle en filigrane une volonté pop manifeste chez les Brothers. L'intro de "Dark horses" est divin. Les flots de guitare me remémorent l’ouverture majestueuse des Doors en quête de la fin. Cette ballade en apparence inoffensive évolue dans un climat oppressant. Une fresque sonore magnifique qui ne laissera personne indifférent… Bref interlude instrumental, "White jazz" véhicule une violence sous-jacente avant de céder le relais à "Good feeling", un rock implacable dont la rythmique est digne des Stones. Une compo qui laisse cependant libre cours à de nouveaux délires free ; et en particulier ceux produits par le saxo de Henry!! Les Soledad ont bien intégré leur instrumentation diversifiée. Leur frénésie devient psychédélique pour "Let me down", un délice lysergique, une aventure intense au cours de laquelle l'orgue s'évade vers les sphères cosmiques du Pink Floyd originel (NDR : quarante ans déjà!). Et ce périple peut même bifurquer vers l’époque "Their Satanic Majesties Request" des Stones. Lorsque Brian Jones était toujours de ce monde. "Mean ol' Toledo" en est la plus belle démonstration. "Loup Garou" entretient ce voyage acide ; mais de ce fragment émane une profonde douceur, entretenue par la présence d’un sitar bien en place. Après une dizaine de minutes de silence, les Soledad reviennent concéder un dernier fragment : un boogie instrumental, parfaitement marqué du sceau de Detroit. Et une nouvelle fois, le spectre de John Lee Hooker plane tout au long de cette plage. Véritable puzzle, cet opus est une ode au délire. Je vous conseillerai donc de le consommer sans modération mais en gardant l'esprit bien ouvert…
Derrière le projet australien Clue To Kalo se cache Mark Mitchell, travailleur de l’ombre d’une pop-song artisanale brodée sur des lichettes de boucles électroniques. Un peu à la manière d’un Marc Bianchi au sein de Her Space Holiday, Mitchell met en musique ses songes et ses envies. Seul derrière les claviers, une guitare en bandoulière, il esquisse un univers délicat où les notes se répètent et les sons se ressassent. Jamais assommant, « One Way, It’s Every Way » impose sa quiétude au gré de 10 chansons joliment troussées. De « Ignore The Forest Floor » à « The Just » en passant par « Nine Thousand Nautical Miles », tous les titres de cet album s’écoulent paisiblement. Pourtant, l’élément déclencheur manque à l’appel. Le déclic mélodique ne se produit pas et la lassitude menace chaque seconde de ce disque sans jamais parvenir à pervertir complètement l’enregistrement. Au risque de nous ennuyer, nous passerons notre chemin en méditant : « One Way, It’s Every Way »...
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