La pochette du dernier album de The Czars est explicite. La larme à l’œil, le regard figé de l’ange déchu se déporte sur la droite, laissant une large place à l’ultime intitulé discographique du groupe de Denver : « Sorry I Made You Cry ». Après plus de dix ans d’existence, la bande de John Grant jette l’éponge. Dans l’indifférence la plus totale, The Czars s’arrête au bord du chemin pour chanter une dernière fois. Alors, il glorifie tous ces groupes et artistes qui les ont influencés tout au long des années. Les chants traditionnels, les classiques country chantés par Loretta Lynn (« I Fall To Pieces ») ou Tim Buckley. Même à l’agonie, The Czars chante ses héros. La démarche est belle, sincère. Mais, au final, qui se souviendra de ce timbre ténébreux, de ces petites tristesses de crooner invétéré ? Pas grand monde. La vie est injuste. « Sorry I Made You Cry ». Mais il est trop tard pour pleurer...
On se souvient d’un temps (que les moins de 20 ans...) où Kimya Dawson s’affublait d’un costume de lapin géant tout en donnant la mesure au jeune Adam Green. Ce dernier, déguisé en Robin des bois, accompagnait Kimya au sein des regrettés Moldy Peaches. Mais Adam Green devait en avoir assez de cette scénette anti-folk, marre de prendre aux riches pour donner aux pauvres. Préférant prendre aux riches pour devenir riche, Adam Green abandonna Kimya et Robin s’évada dans les bois pour la carrière solo qu’on lui connaît. Trop sensible, intègre et effacée, Kimya préféra s’engager dans la continuité de ses premiers essais discographiques. Perpétuant la tradition anti-folk délaissée par Adam Green, la voici aux commandes d’un cinquième album solo : « Remember That I Love You ». Après avoir sorti de nombreux disques lo-fi autoproduit, elle récidive par l’entremise de douze titres lorgnant sur les cordes d’un folk urbain. Ce nouvel album de Kimya Dawson ne change guère la donne. L’univers est identique, inamovible. Mais ce disque sent le soleil, les relents des pots d’échappement new-yorkais. Si la notion même d’anti-folk se cherche toujours une définition, il s’agit certainement du pendant le plus citadin de la musique folk. Et, à ce titre, Kimya demeure une des figures de proue de ce mouvement musical. « Remember That I Love You » n’est pas le meilleur enregistrement de Kimya. Mais l’intitulé même de ce disque constitue une confession poignante. On s’en souviendra...
Electric President des Etats-Unis d’Amérique vient juste de signer sur le label allemand Morr Music. Et, de fait, on s’émerveille de ces petits détails sonores qui font la grande fierté du label berlinois : moments d’electronica mêlés de pop bidouillée. Ben Cooper et son acolyte, Alex Kane, deux jeunes gars de Jacksonville, composent ici une musique bercée sous le soleil de Floride. Electric President régénère le carcan éculé par son label sans pour autant s’éloigner des musiques de Morr. Entre Styrofoam et The Postal Service, on s’amusera désormais à évoquer les contributions musicales d’Electric President. Deux gars qui, l’air de rien, signent un disque sans faute. « S/T » guide l’auditeur sur un lit de gimmicks électroniques d’une sensibilité extrême. Les guitares viennent également appuyer le côté bricolé de ces chants désenchantés. Pas très loin de Grandaddy dans la filiation musicale, Electric President s’approche de nos oreilles sur la pointe des pieds. Discret, le groupe mène une propagande silencieuse. Les élections approchent. Le scrutin sera Electric.
Après avoir commis cinq albums en quatorze années d’existence, Grandaddy a donc décidé de splitter. Ou plus exactement Jason Lytle a mis un terme à l’existence du groupe. Ce qui peut aisément se comprendre, quand on sait que pour enregistrer ce « Just like the Fambly Cat », il a pratiquement tout fait seul. Dans son studio maison. Un collaborateur de marque quand même : l’ingénieur du son Dave Trumfio ! A contrario des trois premiers elpees qui traitaient de sa relation amour/haine avec la technologie moderne ou de ses observations rurales /urbaines de la vie, cet ultime essai est beaucoup plus personnel. A la limite autobiographique. Dès les premier instants du disque, une voix d’enfant demande : ‘Qu’est-il arrivé à la Fambly Cat ?’ Traduisez : ‘Qu’est-il arrivé à Grandaddy ?’ Et la suite est partagée entre chansons empreintes de nostalgie, de réflexion existentielle et de résignation même. Des chansons qui réalisent la parfaite synthèse entre « Under the Western freeway », « The sophtware slump » et « The Broken Down Comforter Collection » (NDR : ne me demandez pas pourquoi je n’inclus pas « Complex Party Come Along Theories », il est devenu une pièce de collection). On a droit en fin d’opus à deux titres en forme d’épilogue. Tout d’abord le psychédélique « Disconnecty » et puis le space rock déchirant « This is how it always starts ». Mais après avoir tourné définitivement une page de sa vie, il nous adresse un dernier au revoir déchirant (NDR : n’auriez-vous pas un mouchoir ?), en remettant une couche lors du morceau caché « Shangri La », compo au lyrisme meurtri qu’il chante accompagné d’une voix féminine scandant ‘I’ll never return’. Tout au long de cet album l’électronique et le basique font à nouveau bon ménage. La chanson peut être contagieuse (« Elevate myself »), féroce et torturée (« Jeez louise »), visionnaire et mélancolique (« Summer… it’s gone »), lancinante et brumeuse (« The animal world »), punkysante et sauvage (« 50% »), mystérieuse (l’instrumental « Skateboarding saves me twice ») ou encore capricieuse et sardonique (« Campbershell dreams ») : le sens mélodique est toujours intact. En outre, le falsetto délicieux de Jason fédère ce mélange de styles, de formes et de modes. Le livre de Grandaddy vient de se refermer ; mais Lytle a déjà derrière sa tête de nouveaux projets. Seul l’avenir nous apprendra s’il a pris la bonne décision…
Après l’engouement suscité par ses prestations ‘live’, le plus british des groupes belges était attendu au tournant. Il ne lui en fallait pas beaucoup plus pour faire taire les mauvaises langues. Sans être totalement original, au vu de ses (trop ?) nombreuses influences, Montevideo s’impose tout de même comme l’une des formations les plus innovantes de notre pays. En 11 titres, le quatuor distille une énergie fracassante qui fait du bien aux oreilles. Entre les machines à danser « Nu Song », « Groovy Station » ou « Sunshine » et les rouleaux compresseurs rock « H.E.A.T. » ou, surtout, « Boys From Brazil », Montevideo n’a plus grand-chose à envier à son parrain. Pourvu que ça dure…
Vers le milieu des années ’90, Bif Naked sortait son premier opus éponyme, un disque qui remporta un large succès aux Etats-Unis. Il sera suivi quelques années plus tard de « I Bificus », un album qui fera un carton plein dans son Canada natal, notamment grâce à « Spaceman », single diffusé en boucle sur MTV. Depuis la jeune femme brasse de l’air et, à en croire la pochette de son nouveau disque, a décidé de miser sur son physique plutôt que ses talents vocaux. Sentiment exacerbé par la bio qui nous la présente comme ‘l’une des 10 femmes les plus sexy selon TV Week’ ou encore ‘la femme tatouée la plus sexy, selon la chaîne musicale Much Music’. Que de futilités... La musique passe donc au second plan et on serait tenté de dire que c’est un mal pour un bien. En effet, entre des « Abandonment » et « That’s Life » sonnant comme le plus mauvais des Roxette et une resucée karaoké de « Nothing Else Matters » de Metallica, Bif Naked nous sert du rock FM réchauffé, coincé quelque part dans les années ’90. Même lorsqu’elle se lance dans un rock plus heavy (« I Want », « The Question Song »), la jeune femme a énormément de mal à convaincre. Reste toujours la pochette truffée de photos de miss Bif Naked en tenues légères. C’est toujours mieux que rien…
Nous connaissons très mal Portland. Certes, nous vivons une relation intense, presque amoureuse, depuis plus d’une décennie en compagnie des Dandy Warhols. Et, suite à la découverte des riffs cinglants de 31Knots, nous sautons quotidiennement sur nos murs, tête la première. Ensuite ? Ensuite, il y a Quasi, un duo amateur de folles échappées psychédéliques. « When The Going Gets Dark », septième album de la paire composée de Sam Coomes (chant, guitare, claviers) et Janet Weiss (batterie), célèbre le mariage d’un clavier déjanté et d’une batterie martiale. Au cours de cette histoire, la guitare tient le rôle de l’amante parfaite. Mariés et divorcés, les deux ex-tourtereaux n’en sont pas moins restés volatiles. De son côté, Sam Coomes aime à déstructurer ses chansons décomplexées. Et, pour sa part, Janet Weiss (derrière la batterie de « Dig Me Out », le grand classique de Sleater-Kinney) n’a rien à envier à ses collègues masculins. Taper sur les fûts, c’est son truc. Restés en couple malgré la disparition des alliances, Sam et Janet font toujours bon ménage. Meilleures preuves de l’adéquation de leur union : « I Don’t Know You Anymore », « Peace and Love » et « Death Culture Blues ». Ces titres invitent tant d’univers contradictoires qu’il convient de les explorer encore et encore. Pour chercher et trouver les liens subtils rapprochant Quasi de Pavement, Elliot Smith, Sebadoh, Sonic Youth et des Meat Puppets. « When The Going Gets Dark » constitue une excellente porte d’entrée vers la discographie du groupe. Ne reste plus qu’à franchir le pas...
Les Français de Sleep Talker ont une démarche intéressante et assez originale. Conçue comme un ‘Work On Progress’, la formation présente sur son premier album éponyme une suite de 13 morceaux, dont 10 sont instrumentaux. Le quatuor propose à ses fans et tous ceux qui apprécient leur musique d’enregistrer eux-mêmes des chants sur les plages instrumentales et de leur faire parvenir la démo afin de pouvoir peut-être avoir la chance d’être publiée ! L’idée, sympa au départ, se complique à l’écoute du disque. En effet, la force des compositions de Sleep Talker réside en la rareté des vocalises qui auraient pu les desservir sur la longueur. En témoignent, d’ailleurs, les titres chantés « Disposable Bra », « Last Resort Before Jealousy » et « Picador, My Love », plutôt intrusifs. On préférera donc se plonger dans l’indie-rock 100% instrumentale de « Sink Or Swim », « Goldfish Memento » ou encore «Watching Monica », morceaux qui ne jureraient pas en en fond sonore de l’un ou l’autre film indépendant made in US.
Rien de neuf au rayon des compiles Switch ou pour tout dire que le meilleur de l’électro de ces derniers mois, comme d’habitude. De l’eighties bien léchée signée Tiga (son album, « Sexor », sort d’ici peu, et c’est une ribambelle de tubes), des hits FM customisés pour le dancefloor (« Number 1 » de Goldfrapp, « Sow Into You » de l’ex-Moloko Roisin Murphy, « Jacques Your Body » des Rythmes Digitales, vieille scie électro-pop remise en selle par une pub automobile), et quelques bombes de minimal techno de derrière les fagots (« Just Fucking » d’Audion alias Matthew Dear, « Les Beaux Jours » du Français Agoria, l’épatant « Enuffs Enuff » de Pnau). Tu veux du gros son à écarquiller les mirettes, du beat en rut qui réclame son coït ? « Zdarlight » de Digitalism, « Darkness » de Carl Craig et « This Fragile Addiction » de Jesse Somfay t’appellent du pied sous la boule à facettes. Une claque sur tes fesses et c’est parti pour le grand huit : ton cœur fait boum boum boum, « laisse-moi donc te dire ‘ass’ ». Ass, ass, ass, ass, ass,…
Lentement mais sûrement, le Canada est en train de devenir un pourvoyeur important de formations rock iconoclastes. On en a une nouvelle preuve avec Think About Life, trio originaire de Montréal. L’instrumentation minimale (claviers bon marché, boîte à rythme Bontempi et batterie) est mise au service de chansons pop brouillonnes mais attachantes qui hésitent entre espièglerie et mélancolie, le tout au sein d'une atmosphère souvent bruyante et punky. Malgré l’absence de guitares, ce premier album respire le rock’n’roll, situation qu’on mettra sur le compte de ces nappes distortionnées de synthé et du chant braillard (un peu usant à la longue) de Martin Cesar. On notera aussi un certain goût pour les expérimentations sonores (« In her Heart ») qui rappellent un peu le Beck des débuts. La chose essentielle du disque restant un grand talent pour les mélodies accrocheuses. « Paul Cries », « Bastian and the Boar », « Fireworks », « Money », « Serious Chords », « What the Future Might Be » sont des morceaux qui restent gravés à l’esprit et qui rachètent largement un son parfois un peu limite et une légère tendance à noyer dans le bruit, les pannes d’inspiration.
Sherman est originaire de Beaux Bridge, un patelin sis non loin de Lafayette, en Louisiane. Il a passé sa jeunesse à Houston, au Texas. Contaminé par le virus du blues, il tâte très tôt de la guitare et se retrouve, dès la fin des 60s, derrière Bobby "Blue" Bland et Junior Parker. Il monte alors son groupe : le Crosstown Blues Band, en compagnie duquel il commet deux albums pour le label Lunar. Quelque temps plus tard, on le retrouve au sein du backing band de Clifton Chenier, le roi du zydeco, à la guitare. Cette aventure durera cinq ans. Une aventure au cours de laquelle il tournera inlassablement en Europe et aux Etats-Unis. Paul Simon en personne l'invite pour participer à la confection de son album "Graceland". En 1986. Le célèbre producteur britannique, Mike Vernon, le repère et le pousse à enregistrer son premier elpee sur son label Code Blue : "I'm the man". En 1993. Trois ans plus tard, il concocte "Here and now", toujours chez le même label, désormais distribué par Atlantic. En 98, il édite "Going back home", chez Audioquest. Il s’agit de son dernier elpee studio à ce jour. Un opus pour lequel il avait reçu le concours de deux musiciens de Little Feat : le pianiste Bill Payne et le batteur Richie Haywayd. Depuis, il n’a pratiquement plus jamais quitté la route. Et n’a donc plus beaucoup de temps à passer en studio. Ultime solution : immortaliser ses prestations ‘live’. L’occasion s’est présentée en mai 2005, aux Pays-Bas. Lors du Kwadendamme Blues Festival cher à Pete Kempe des Juke Joints. "Guitar man Live" vient donc de paraître chez Crosscut. Pour la circonstance, il a reçu le concours du Blues Move, soit Julian Grudgings aux claviers, John Moloney à la basse et Mike Hellier aux drums. Cette équipe nous sert un cocktail subtil et personnel dérivé du cajun louisianais et du blues groove texan, baptisé "Loutex".
Le concert s’ouvre dans le pur R&B par "Out of sight out of mind", une composition signée Chris Youlden qui figurait sur son album solo "Mattico", un disque paru en 1993. Longtemps chanteur de Savoy Brown, ce musicien demeure un des fleurons du british blues boom des sixties. La voix de Sherman est chaleureuse, puissante, taillée pour ce genre de répertoire. Il la pousse avec une facilité déconcertante. L’orgue Korg de Julian occupe une place prépondérante dans le décor sonore. Sherman passe à la vitesse supérieure en attaquant son "Long way from home". Canalisé par les courtes phrases de la Fender Stratocaster, ce blues rock galope. Les vocaux de Sherman éclatent avant que les cordes sortent d'une réserve à peine contenue. Plus rien ne peut désormais l'arrêter. Albert Collins hante son esprit ; tout en ayant le souci de ne pas tomber dans le fac-similé. Shouter affûté, il implore "Shake rattle, roll". La puissance de feu est constante. Elle dévaste tout sur son passage. Survolté, Sherman fait suer tout les Blues Move en imprimant un tempo funky sur son "Guitar man". Plus personne dans l'assistance zélandaise ne tient en place. C'est le moment choisi pour détendre l'atmosphère et concéder du smokin' blues bien texan, même si la version ralentie du "Dust my broom" de Robert Johnson est pratiquement méconnaissable! Le musicien est possédé par sa musique. Il ne fait plus qu’un avec sa guitare. La voix et les cordes ne peuvent plus de détacher. Il libère nerveusement des flots de notes bien senties. Toute la sensibilité de l'artiste imprègne ce blues chaleureux. Le rythme refait surface pour le "Home of the blues" de Colin James. Tout au long de ce R&B assez funky, Sherman racle les mots au fond de sa gorge. Il n’est pas loin d'un Robert Cray, mais la voix est plus grave, moins lisse. Il manifeste énormément de vécu dans sa démarche. Robertson semble possédé pour exécuter la version du "Linda Lu" de Ray Sharpe, à la manière du maître de la Telecaster, Albert Collins. Une cover qui vire rapidement à une orgie de guitare. Slow blues, "Make it rain" constitue uns des meilleurs morceaux du concert. La voix de Robertson est à la fois bouleversante, puissante et poignante. Il se consacre exclusivement au chant, délaissant délibérément ses cordes. L'orgue Hammond assure la partie instrumentale. Le concert s’achève par une très longue version de "Tin pan alley", une compo imprimée sur un mid tempo. Il s’y fait encore une fois shouter, répondant à coups de phrases acérées.
Michael Feerick a fondé Amusement Parks On Fire à l’âge de 16 ans (NDR : il en a aujourd’hui 21 !). Son A.P.O.F., puisqu’à l’origine il était seul maître à bord. Non seulement il assurait les vocaux, mais il se réservait tous les instruments : guitares, basse, drums. Ce surdoué a été bercé par la musique qu’écoutait ses parents : le Pink Floyd, Genesis, Emerson Lake & Palmer. Puis il a découvert les Pixies, Sonic Youth, My Bloddy Valentine, Smashing Pumpkins et Sigur Ros. Ce n’est que tout récemment qu’il a fondé un véritable groupe (NDR : un quintet !) responsable l’an dernier d’un premier opus éponyme. L’enregistrement du deuxième elpee de la formation s’est déroulé dans les studios de Sigur Ros. A Reykjavik, En Islande. Et Jón Bór Birgisson est venu donner un bon coup d’archet. Un disque qui a bénéficié, en outre, du concours Howie Weinberg, à la mise en forme. Un ami de Michael, qui avait déjà bossé sur son premier long playing. Bref, après tout ce que je viens de vous raconter, vous devez déjà vous faire une petite idée du style pratiqué par Amusement Parks on Fire. Fondamentalement noisy. Vous regrettez la disparition de My Bloody Valentine, Ride, Pale Saints ou encore Swervedriver ? Vous adorez Mogwai tout en regrettant que les parties vocales soient réduites à la portion congrue ? Vous ne pouvez passer à côté de ce « Out of The Angeles ». Bruit blanc mélodique, cordes de guitare rugissantes, rougeoyantes, soniques, gémissantes, bringuebalantes, orgiaques, en couches, chargées de feedback, mélodies sinusoïdales, vertigineuses, claviers fluides en filigrane, voix diaphane, éthérée ; le tout régulièrement enrichi de cordes ‘sigurosiennes’ : l’élixir sonore parfait pour vous faire tourner la tête. A jouer le plus fort possible, de préférence. Et au plus j’écoute ce disque, au plus il m’envoûte…
William Lee Broonzy serait né en 1901. A Scott, dans le Mississippi. D'autres sources situent sa naissance en 1893, voire en 1898 ; ce qui est plus vraisemblable s'il a effectivement participé à la première guerre mondiale. Sa famille s'établit en 1903 dans l'Arkansas. Au cours de sa jeunesse, Willie apprend d’abord le violon, puis la guitare. En 1920, à l’instar de nombreux de ses contemporains, il émigre à Chicago. Ses premiers enregistrements remontent à 1927. Accomplie entre 1927 à 1951, toute son œuvre a été colligée sur une série de douze CDs, un recueil paru sur le label Document. Big Bill fut un des premiers bluesmen à traverser l'Atlantique et à se produire en Europe. En juillet 1951, son périple passe par l’Allemagne, la France et l’Angleterre. L'année suivante, il revient sur le Vieux Continent et joue en Belgique et aux Pays-Bas. Il est alors régulièrement accompagné du pianiste Blind John Davis. Il revient encore fin 1955, 1956 et en 57. Mais en juillet de la même année, il rentre à Chicago pour subir une opération des cordes vocales. Atteint d’un cancer, il s'éteint le 15 août.
Les enregistrements réunis sur cet opus, sont issus de bandes originales de sets immortalisés à Amsterdam, en février 1953. Une tournée organisée par l'Amsterdam Jazz Society. Ces bandes traînaient depuis belle lurette dans un tiroir poussiéreux, lorsque le label Munich a pris l’excellente initiative de les extraire de leur anonymat. Et le résultat est très surprenant pour des enregistrements ‘live’ issus de cette époque. Le son est d'une clarté prodigieuse. On jurerait presque être en présence de Big Bill Broonzy. Dans la même pièce. Le plus intéressant procède du dialogue ou plus exactement de la présentation opérée par Big Bill de son répertoire. Ce qui transforme cet opus en témoignage unique. L'artiste est seul avec sa voix et sa guitare. Il nous accorde près de deux heures de spectacle ; un spectacle partagé entre ses propres compositions, des chansons traditionnelles et quelques reprises. Il est indispensable d’écouter les deux CDs dans leur ensemble.
Cette œuvre est incontestablement marquée par quelques moments plus intenses ; à l’instar du "When the sun goes down" de Leroy Carr, du traditionnel "Down by the riverside", de "Mindin' my own business", une compo au cours de laquelle une émotion extrême émane de son chant plaintif et du superbe "Just a dream". Tout au long de cette cover, souvent reprise par d’autres artistes, sa voix y est vraiment saisissante. Pour le second disque, nous retrouvons Broonzy deux jours plus tard ; c’est à dire le 28 février, toujours à Amsterdam. "John Henry" est enrichi par la complexité de son jeu sur les cordes. Pour exprimer ses sentiments, il met bien en relief sa voix sur le "Backwater blues" de Bessie Smith. Son interprétation de "Kansas city blues" n'a pas pris une ride. Au bord des larmes, la gorge serrée par l’émotion, il chante le "Trouble in mind" de Curtis Jones. Et il remet le couvert pour "Louise, Louise Blues". Il adapte également le traditionnel notoire "The midnight special" et le "Good night Irene" de Leadbetter. Après la guerre, Big Bill était surtout réputé pour son style urbain électrifié, chicagolais ; mais lorsqu'il atterrissait sur le Vieux Continent, il changeait radicalement de style. Broonzy en revenait alors au folk blues, celui de son âge d'or des années 30, lorsqu'il chantait en solitaire flanqué d’une guitare acoustique. Proficiat à Munich pour le soin accordé au digipack de ce disque. Cartonné, ce double cd est enrichi de notes fort intéressantes et de remarquables photographies.
Prenez un câble électrique de haut ampérage, ouvrez la bouche et croquez. Alors, peut-être, ressentirez-vous l’électricité éprouvée en plongeant les oreilles dans « Midnight World », deuxième livraison toxique de Black Time. Certainement enregistré en une seule prise après une overdose de trois jours, ce nouvel album dépoussière le rock-noisy à grands renforts de riffs garage. Inévitablement, on songe aux Hunches, à Sonic Youth, aux Clone Defects, à Pussy Galore. Un son primaire, une attitude primale, Black Time n’en fait qu’à sa tête. Au diable les concessions ! Pas question de retourner son perfecto. Mieux vaut rester dans sa cave et faire fuir les cafards. Une musique jouée à fond les pistons pour servir le rock’n’roll : une noble cause pour laquelle se battent encore quelques irréductibles, à l’instar d’un Billy Childish, vieil adepte des œuvres sans compromis.
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