Jaymie Caplen et Tom Stanton forment le couple idéal pour nos oreilles sensibles : à deux ils fredonnent de jolies harmonies, sur un lit de guitares, acoustiques, électriques. Du Simon & Garfunkel interprété par des fans de My Bloody Valentine ? C’est une image, mais elle a la volonté d’interpeller : sur « See Saw » l’oreille est subjuguée, à la fois par les nappes de riffs qui ondoient sous la pression atmosphérique, et par ces voix si aériennes, comme en apesanteur. Des titres comme « Side For This », « Silk As Her Era » ou « Iris » révèlent chez celui qui les écoute un soudain romantisme : on s’imagine peloter des cumulo-nimbus, enlacer des arcs-en-ciel et embrasser la lune. C’est beau, un peu gamin comme à l’époque de nos premiers amours. « Summer Storm », grâce à la joliesse de ces mélodies et à la légèreté de ces arrangements, rappelle le premier Gravenhurst (en moins dépressif), Geneva, l’« Adore » des Smashing Pumpkins, et l’intégrale de Galaxie 500. L’écouter, c’est comme manger un marshmallow un soir d’été avec sa petite copine, s’endormir en comptant les moutons des livres de Murakami, caresser le rêve d’une journée sans soucis. En souvenir de nos plus belles années, où tout n’était qu’improbable insouciance, Pellumair nous dédicace son disque (ses dernières paroles : « Everything that’s here’s for you. ») Ca nous fait chaud au cœur, on verserait presque une larme.
Une pochette absolument hilarante emballe ce CD. Le contenant d'abord, pliage de carton impossible à refermer de façon satisfaisante, à moins de l'assembler en cube. Puis les notes, délire littéraire en second degré, souvent en référence au grand écran, et absolument désopilant. Et la musique? Elle se décline en sept plages, de durée fort variable (de 0'44" à plus de 22'). Et on y trouve un peu de tout, à des doses très diverses: c’est à dire de l’ambiant, du planant, du psychédélisme, du jazz déviant, de la soundtrack, de la fugue synthétique, du post-rock, de la cold wave, du kraut et j'en passe. Sans oublier les nombreux dialogues (de films ou séries TV), interviews, déclarations publiques et autres dernières volontés d'un personnage célèbre, qui font partie intégrante de l'œuvre. Malgré ses 'chausse-trappes auditives', l'ensemble dépasse le niveau du gag, maintient souvent l'intérêt de l'auditeur et offre même quelques séquences fort intéressantes ou vraiment agréables. Ceci dit, l'album ressemble quand même un peu à une compile d'ébauches et aurait gagné à moins se disperser. Il révèle en tout cas le potentiel d'une équipe de doux-dingues plutôt sympathiques au surréalisme contagieux.
‘Comme tout ce qui est vrai. Au début ça n’plaît à personne. Une hérésie, une erreur. Un manque de calcium’, explique Ben(jamin) Ricour sur « Je me réveille », titre évocateur de cette première « Aventure ». La voix de Ben, justement, ressemble à s’y méprendre à celle de Gérald De Palmas. C’est tellement vrai, qu’au début ça n’plaît à personne ! Mais il serait regrettable de limiter l’univers de Ben Ricour à celui de De Palmas. Ce premier album du jeune Parisien est attachant. Les textes dévoilent une personnalité entière : celle d’un jeune garçon face à son destin. Conscient de ses inconsciences passées (le précité « Je me Réveille »), éternel amoureux (« Vivre à même l’amour ») et rêveur invétéré (« Plein soleil »), Ben Ricour se donne entièrement à travers les dix titres de son premier album. Ce disque doit beaucoup à la rencontre entre Ben et Pierre Grillet, talentueux parolier, mentor du « Madame Rêve » d’Alain Bashung et ange gardien notoire de Dani ou Alain Chamfort. Résultat de cette collaboration : « L’Aventure », un album folk aux contours radiophoniques. Suffisamment intelligent pour ne pas être repoussant, ce disque fait la part belle aux ballades émotives. Ben Ricour est charmant. Il exprime en musique des sentiments universels : la douleur ressentie par l’éloignement inexorable d’un ami d’enfance (« Ami d’enfance »), la bonne humeur éprouvée par un couple déshabillé (« Le risque »), la joyeuse insouciance engendrée par un quotidien affranchi de toute contrainte (« Pas stressé »). « L’Aventure » discographique de Ben Ricour commence donc bien. Et comme l’affirme le dicton : tout est bien qui finit bien !
On se réjouit de retrouver Jonathan Meiburg (Okkervill River) et Will Sheff (Kingfisher, Okkervill River), les deux maîtres d’œuvre du projet Shearwater. L’année dernière, l’E.P. « Thieves » était venu calmer les ardeurs d’une cohorte d’aficionados en manque de douceur. Quatrième album dans la discographie du groupe, « Palo Santo » dévoile une énergie nouvelle dans l’approche flegmatique du duo. La mise en bouche s’intitule « La Dame Et La Licorne ». Cette fable moderne se chante en anglais et captive d’emblée son auditoire. Personne ne s’en plaindra : le piano et la pédale steel s’entendent toujours aussi bien. Postée aux avants postes, « Red Sea, Black Sea » sème une véritable tempête sur ces territoires peu coutumiers des tourments sonores. La décharge de cette mer rouge et noire tient autant aux atmosphères chéries par Peter Gabriel qu’aux éclats vocaux d’un Patrick Wolf. La puissance dégagée par cette chanson trouve également un écho distordu dans « White Waves ». Plus loin, sur « Seventy-Four, Seventy-Five », les notes de piano chavirent dans un brouillard de guitares. Nos deux compères n’ont pourtant pas délaissé leur passion commue pour l’ornithologie. Une fois encore, ils chantent leur amour des oiseaux sur « Sing, Little Birdie ». L’orgue, le banjo, le vibraphone, le glockenspiel et tous les autres instruments s’unissent alors pour déposer les derniers morceaux de « Palo Alto » dans un havre de paix, antre d’un repos bien mérité en ces jours agités.
La dernière fois (« Supper ») qu’on avait vu Bill Callahan, il pétait presque la forme. Quelqu’un l’aurait même pris en flagrant délit de sourire. Son cas allait bientôt être jugé au Tribunal International de la Félicité : il devait être relâché pour ‘bonne conduite’, après plus de dix ans de réclusion criminelle. Son crime ? Celui de n’avoir jamais chanté une chanson gaie, et de tourner le dos au public. « Supper » et son tempo allègre (une première) auraient donc dû sauver notre homme de l’incompréhension… Mais voilà qu’il sort ce disque, et ré-aggrave son cas. ‘Vous ne faites aucun effort’, lui aurait déclaré l’avocat de Domino à l’écoute de ces dix titres. Une guitare, une batterie (et encore !). Parfois un violon, un piano, peut-être un accordéon. Et rien de plus. Bill Callahan nous refait le coup de l’autiste à l’humour/l’amour laminé(s). ‘Black is all colours at once’, soupire-t-il de sa voix caverneuse sur « I Feel Like The Mother Of The World ». Un beau titre, une belle chanson. Le noir, c’est logique pour un type qui chante l’amour à l’imparfait et se nourrit de turpitudes. Se réjouir, ici, demande donc un effort surhumain.
Les décharges d’électricité peuvent s’avérer amères ; car elles contiennent tout le sel de la vie, même s’il pique aux yeux et gratte l’épiderme. Quand il y en a trop dans l’eau, on flotte à la surface : plus c’est salé, moins on risque de couler… C’est là toute la contradiction, et on peut l’appliquer parfois aux sentiments humains. C’est souvent quand on souffre qu’on se rend compte de l’importance de l’existence. En musique c’est pareil, et on appelle ça de l’EMO : de l’émotion, des illusions perdues, passées au crible du rock le plus criard. Blood Brothers, Fugazi, Appleseed Cast, voire De Portables, et bien sûr les Hollandais de The Spirit That Guide Us, dont c’est ici la première compile. Il ne s’agit pas d’un best of, mais d’une compilation de remixes, d’inédits (trois nouveaux titres d’excellente facture), de live et de faces B. Aucun morceau de leurs deux albums (« The Sand, The Barrier », « North & South ») n’y figurent, au contraire de ceux de leurs divers EP’s… L’objet ravira donc les fans qui ne possèdent que leurs deux longs formats, et servira aux autres de parfaite mise en bouche. A condition d’aimer les guitares qui crissent, les chœurs qui éructent et les montées d’acné. Suivez le guide ! (celui à la casquette et aux Converse)
C’est con : voilà une chronique d’un disque de Test Icicles, super trio punk-pop d’Angleterre, mais qui n’existe déjà plus. Les trois gaillards ont splitté cette année, alors qu’ils venaient de signer chez Domino… Résultat : on est triste, parce que ce disque est une petite tuerie, entre Pantera, The Rapture, les Blood Brothers et les Arctic Monkeys. ‘Attrape-moi si tu peux !’ : tel pourrait être le sous-titre de cette plaque qui part dans tous les sens, directement à du 120 à l’heure. C’est comme le Sirocco : à peine le temps d’accrocher sa ceinture qu’on se retrouve la tête à l’envers, le menton collé sur les genoux. En guise de structure rythmique, de gros beats machinesques, et ces voix de sales gosses qui crachent leurs poumons. Les Test Icicles ont à peine 20 ans d’âge, et ça s’entend : ils ont grandi avec Slipknot (on pogote sur Test Icicles), la techno (on danse sur Test Icicles) et le label Relapse (les Test Icicles font peur). Du grind pop ? Il est malheureusement trop tard pour s’amuser à leur coller des étiquettes… C’est un peu comme la comète de Haley : avant de la revoir on sera sans doute tous morts, mais au moins on se sera bien marré. Se saborder en plein vol vaut parfois donc mieux qu’attraper des cheveux blancs : une belle erreur de jeunesse, donc, car il faut ‘échouer, échouer encore, échouer mieux’, dixit Beckett. Dont acte.
Zucchini Drive, c’est l’alliance explosive entre le Flamand Tom de Geeter (aka Siaz) et le Suédois Marcus Graap, de Stacs of Stamina. Pour rappel, Siaz est l’un des MC’s des excellents Cavemen Speak (et de Gunporn), sans doute l’un des groupes de hip hop les plus inventifs de notre plat pays… et les moins médiatisés. Comptant déjà cinq albums à leur actif, les Cavemen Speak s’avèrent en fait les seuls représentants post-/avant-hop made in Belgium. En bref du rap à la Anticon, s’abreuvant aux sources de l’électronica et du post-rock, et dont le flow se veut le plus souvent acide et mitraillette, comme sous hélium. Pour cet album de Zucchini Drive, Siaz et Graap ont réussi à s’entourer d’une pléthore de producteurs de qualité : Alias (d’Anticon), Lord Grunge (de Grand Buffet), Markus Acher (de Notwist et Lali Puna), Styrofoam, Bernard Fleishmann,… Bref l’internationale de l’indietronica (Morr Music) et du hip hop de traverse, pour un disque saturé d’ambiances mélancoliques et éclectiques (bref un bon disque). Big up au titre produit par Alias, dont le sample de cordes et le beat suave rappellent le meilleur de DJ Shadow, et à Markus Acher, qui réussit à nous captiver malgré sa voix de chiot battu. Pour le reste c’est du rap plein de groove, même si les puristes trouvent sans doute l’exercice un peu trop intello. On pense donc à cLOUDDEAD, à Boom Bip, à 13 & God et à Cavemen Speak (forcément), et rappelons-le ‘c’est du Belge’ ou quasi. Comment se fait-il que ces types ne soient pas connus, c’est là le grand mystère… Parce qu’il faut bien l’admettre : leur hip-hop s’avère quand même bien plus subtil que celui du « district 1030 », ridicule à force de clichés. Big up, donc, et plutôt deux fois qu’une.
Je dois avouer qu’avant d’écouter le 21ème album du Boss, je craignais le pire. 13 compos traditionnelles, toutes associées à Pete Seeger, avaient de quoi laisser les aficionados les plus fervents de Springsteen, sceptiques. Né en 1919, Seeger fut un personnage clef du mouvement folk revendicatif. A l’instar de Woodie Guthrie, il est considéré comme un des guides spirituels de la musique folk américaine. Il constitue d’ailleurs une des influences majeures pour Bob Dylan. Mais rendre hommage à un tel monstre sacré, en évitant les chausses –trappe de la banalité, était un pari risqué. Ce que Bruce est parvenu à gagner en faisant preuve d’imagination, sans pour autant dénaturer les compositions. Comment ? En engageant toute une armada de musiciens. Dix-sept en tout ! Qui ont enregistré ces versions en trois jours. Au sein du salon du Boss ! Dans une ambiance festive, comme il se doit. Et le résultat va au-delà de toutes les espérances, la bande de joyeux drilles privilégiant la spontanéité sur tout schéma conventionnel. Violon, accordéon, banjo, cuivres et une multitude d’autres instruments participent activement à cette ambiance de fête, la voix graveleuse de Springsteen mettant un point d’honneur à la rendre la plus allègre possible. Le disque est accompagné, en outre, d’un DVD consacré à un reportage vidéo sur l’enregistrement de l’album. Une bonne surprise !
Avec un nom pareil, ils ne pouvaient venir que d’Irlande… Et en effet, à l’écoute de « Cashed out on culture », le doute n’est plus permis. Mélant punk oi et musique celtique traditionnelle, les Blood or Whiskey n’y vont pas par 4 chemins. C’est dans un pub de Dublin, un Glenffidish à la main, après une victoire des Bohemians qu’ils sont les plus heureux. Ils peuvent alors faire péter l’accordéon, le banjo, la flûte et les grosses guitares pour le plus grand plaisir des 5 bourrés accoudés au comptoir depuis 10h du mat’. Peut-on leur donner tort ? Bien évidemment leur musique n’est pas des plus originales et tous les morceaux se ressemblent un peu… Mais ça tout le monde s’en fout. L’important c’est qu’en compagnie des Blood or Whiskey on peut se permettre de péter, de roter, de réécouter les Pogues à fond la caisse, de manger des fish & chips et de boire des hectolitres de bière plate et tiède sans avoir honte. Rien que pour cela ils méritent le respect. Allez donc acheter un ticket d’avion Low-cost, direction l’île verte. Les vacances approchent…
Nouveau venu de la chanson française, BabX revêt d’emblée les traits du vilain petit canard. Ses cheveux ‘noir corbeau’ et son regard crâneur se logent sous l’égide d’un genre encore peu exploré dans l’Hexagone : le cabaret jazz néo-réaliste. A 24 ans, ce jeune et bel homme semble prêt à tout pour réussir. Même à coucher… ses chansons dans un registre pompeux, faussement sensuel et négligé. BabX. Rien que ce nom nous refile des boutons. Comme préfabriqué dans une multinationale américaine sise au cœur du cinquième arrondissement, BabX est un patronyme idéal. Idéal pour faire du gringue à toutes ces blondes siliconées, convaincues que Nicolas Sarkozy est un poète à la mode. Mais il n’est qu’un politicien à la noix. Et BabX, un charmeur de tristes aventures : un Higelin abandonné de ses convictions, un Fersen déchu de ses grandes mélodies. Comme il le chante, BabX se voit icône, symbole d’une génération en carton, picolant du champagne au petit dej’, s’enlaçant sous X. De ‘baby’ traînants, pêchés dans les Feux de l’Amour, en grimaces textuelles, maquillées de poésie, ce premier album de BabX tire son lot de banalités. L’homme se veut subversif. Mais ses « Silicone Baby » et autres « Crack maniac » sont autant de hochets de frivolité. La démesure musicale de BabX est à la mesure des grandiloquences littéraires d’Alexandre Jardin. So, BabX, c’est vraiment too much…
Neal Casal est, avec Ryan Adams, un des artistes les plus prolifiques de l’americana et l’une des figures de proue du genre. Mais voilà qu’en 2001, après la sortie de « Anytime Tomorrow », le monsieur décide de s’enfermer chez lui et jure de n’en sortir que le jour où il aura confectionné ce qu’il considérera comme sa plus belle œuvre à ce jour. Entre-temps, ne pouvant s’y tenir et, surtout, afin que ses fans ne l’envoient pas aux oubliettes, il met à disposition quelques inédits sur « Basement Dreams » (2002) ainsi qu’une compile de ses meilleures titres, « Maybe California » (2003) avant d'enregistrer rapidement en 2004 un album de reprises, « Return In Kind ». Le tout, en travaillant parallèlement et d’arrache-pied sur le disque suivant. Le résultat de ce dur labeur paraît donc cinq ans après son dernier effort studio officiel. Et les cinq années qu’il a fallu pour concevoir « No Wish To Reminisce » n’en valent, au final, que moyennement la peine. Certes, il s’agit bien de l’œuvre majeure de Neal Casal, puisque bien supérieure aux précédents opus. Mais quelque chose coince. Démarrant sur une succession de morceaux folk rafraîchissants, « No Wish To Reminisce » s’entérine dès sa seconde moitié dans une pop fade et rouillée avec pour seules exceptions « Travelling After Dark » et le court final instrumental « Saw Stars », qui renvoient à la beauté des premiers morceaux de l’essai. Pas mauvais au demeurant ; mais un brin décevant.
Ce disque est une généreuse anthologie de morceaux enregistrés depuis1989 par la chanteuse espagnole dont les chansons passionnées ont illustré quelques films de Pedro Almodovar. La musique de Luz Casal est entièrement consacrée aux sentiments et aux relations amoureuses en particulier. Sont inclus ici quelques tubes inoxydables : « Piensa En Mi », « No Me Importa Nada », « Entre Mi Recuerdos », « Entre Mis Recuerdos », pour n’en citer que quelques uns. Parfois, la comparaison avec nos Vaya Con Dios nationaux s’impose tant la ressemblance est grande, aussi bien au niveau vocal que musical ; à l’instar du tragique « Un Aňo De Amor » où l’on croit entendre chanter Dani Klein. Nonobstant ces remarques, ses chansons n’ont pas trop vieilli et tiennent plutôt bien la route. Une raison ? La production assez sobre, un savoir-faire mélodique certain et évidemment la voix tout terrain de Luz Casal. De la variété, certes, mais de très bon goût. Au rayon des inédits, on signalera la présence de l’accrocheur « Duel au Soleil », un sympathique duo échangé en compagnie d’Etienne Daho. Moins probant, le duo avec la nasillard Raphaël, qui chante en espagnol comme s’il râpait du fromage suisse. Le reste constitue un point d’entrée idéal à l’univers de la chanteuse, réservé aux femmes romantiques et aux hommes qui acceptent leur part de féminité.
‘Morne pochette, triste album’. Le syllogisme démontre ici ses limites. Certes, l’emballage des Danois a triste mine. Pourtant, à l’écoute des douze titres proposés sur la circulaire digitale, la donne change de camp (ou de site, c’est au choix). D’abord, ce nom : Campsite. Et ce titre : « Names, Dates & Places ». L’hypothèse est trop belle : nos amis sont des ‘festivo-concerts-ovores’ des plus assidus. Des noms, des dates et surtout un ticket d’entrée, implacable condition pour participer à la fête, au concert rêvé. Ne reste plus qu’à trouver une place dans le camping et Campsite nous sort un premier album ! De concerts en concerts, les références se sont accumulées. Elles forment aujourd’hui un joli monticule que le quintette danois cache très maladroitement : Interpol, The Strokes, en tête. Pour les fringues, les solutions sont à chercher du côté de Green Day et… d’Interpol. Bien qu’attrayante, la musique de Campsite traîne péniblement le poids de ces modèles récurrents. Au chant, Johannes Nidam s’en donne à cœur joie, sans jamais parvenir à ses fins. Ce disque manque d’un liant, d’une étincelle. Une plus-value qui éloignerait l’approche du groupe du simple copier-coller. A ce jour, Campsite se présente comme une bande de suiveurs, déjà bien heureux de posséder un ticket pour le prochain concert de Bloc Party. Et puis, vivement les festivals ! Histoire de ne pas camper sur ces positions.
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