Encore plus à la bourre que le lapin blanc d’Alice au pays des merveilles, l’Europe découvre en octobre 2005, soit plus de trois ans après le Canada, un brin de femme venu redéfinir les bases de la chanson française. Exception à la règle de l’importation exclusive des chanteuses québécoises hurlant dans le micro, Ariane Moffatt fait figure d’anomalie dans le paysage musical francophone. Officiant dans un genre qui n’appartient qu’à elle, la jeune femme nous déballe l’un des albums francophones les plus riches et innovants de l’année. Sept mois à peine après que son premier essai, « Aquanaute », s’étale dans les bacs de nos contrées, « Le cœur dans la tête » prend déjà la relève. Teinté à la fois de mélancolie et d’incandescence, le second disque de la Canadienne jongle avec une facilité déconcertante entre des styles qui, en général, ne se marient pas forcément bien entre eux. Là où d’autres n’auraient concocté qu’une ignoble soupe indigeste, Ariane créé un ensemble cohérent et original. De la légèreté du dub-reggae de l’ode à « Montréal » à la complexité dédaléenne du trip-hop de « Farine 5 Roses », en passant par le R’n’B obsédant de « Retourne chez elle », l’auteur-compositeur-interprète prouve qu’il n’y a pas un seul genre qu’elle ne sache maîtriser. Nappé suivant les circonstances, d’une fine couche d’électronique, « Le cœur dans la tête » est un album sans faille, à glisser aux côtés de ceux de Camille. Plus que prometteur.
Frère cadet de l'un des membres fondateurs du mythique et défunt Grateful Dead, John fonda les groupes Monster Magnet (89) et Wellwater Conspiracy (94). Depuis 2004, il s'est attelé à la réalisation de 'The In-Flight Feature'. On pourrait qualifier la première plage de 'space bagatelle', à savoir un gentil exercice de style évoquant à la fois Larry Fast et Tangerine Dream. 'In Santiago Airspace', qui la suit, est très clairement space rock. Tandis que 'Centaur of the Sun', première plage chantée, revisite le pop psychédélique des sixties. 'Motherboard' laisse ensuite traîner ses effluves de synthé sur une rythmique typiquement trip-hop. Retour aux sixties hallucinogènes avec l'enjoué 'HubbleBubble', avant l'intéressant et énergique 'Farewell Iron Age', aventureux garage psyché aux relents crimsoniens. Annoncé par 'VS666', dominée par la guitare sèche façon Amon Düül (sur 'Wolf City'), 'Metronomicon' est une longue détente mêlant synthés en volutes et guitare sèche, ponctuée de spasmes électriques. Le cocktail est agréable et évoque un peu Steve Hillage et les teutons pré-cités. Bref, nous avons affaire à un album varié et aventureux, alliant des ingrédients hétéroclites. Soulignons les nombreux effets de production, qui s'apprécient surtout au casque. Le CD plaira aux amateurs d'expérimentations syncrétiques, ses trois plus longues plages s'avérant les plus accrocheuses.
A l’écoute de ce troisième album de Mazarin, on ne peut s’empêcher de croire que le monde est beau. Le pas léger et assuré, nous avançons tranquillement sur le chemin de la vie. Gentil, ce disque demeure d’une simplicité déroutante. Chef de projet au sein de son groupe, Quentin Stoltzfus plante la pop de Mazarin dans un champ de psychédélisme. Aux côtés des Flaming Lips et autres Midlake, Mazarin alimente une nouvelle vague d’hymnes psychédéliques. Pour s’en convaincre, il suffit de boire les paroles de « For Energy Infinite ». L’intitulé de cette chanson prendra alors tout don sens. « At 12 To 6 » mêle le répertoire des Américains aux descentes pluvieuses des Britanniques d’I Am Kloot. Les guitares tendues d’« I’ll See You In The Evening » perpétuent le trip pop-psyché de ces quatre tarés. La fleur au bec, les soucis en poche, l’auditeur déprimé peut se laisser aller. A petit prix, la thérapie de Mazarin est à portée de main. « We’re Already There » vient donc nous rappeler qu’il est inutile de s’inquiéter. Il suffit parfois de chercher autour de soi pour apercevoir les traits de ses nouveaux amis. En route pour la joie !
Malibu Stacy serait à la recherche du point “G” ! Comment ne pas y penser en observant l’image de la jeune fille qui illustre la pochette ? Et puis rien qu’à travers le titre de leur premier album ? Un disque enregistré à Bologne, sous la houlette de Francesco Donadello (Yuppie Flu). Sur cet opus, on retrouve trois morceaux qui figuraient sur leur Ep, paru en 2005. Tout d’abord, le single « Sh sh », caractérisé par cette ligne de basse ténébreuse, instituée par Peter Hook (NDR : les plus pessimistes penseront à Joy Division, les plus optimistes à New Order) et la voix théâtrale de David de Froidmont (Pulp ?). Une inflexion à laquelle le chanteur a recours régulièrement. Et en particulier sur « Runaways ». « Sex in Malibu », ensuite. Une pop song paradoxalement contagieuse et frénétique exécutée dans l’esprit de Maxïmo Park. « Los AnGeles » enfin. Une plage hymnique, allègre, digne de Weezer. Pas pour rien que ce fragment a été choisi pour faire l’objet d’un clip vidéo, un clip tourné à L.A.. Un Weezer qui hante également « Feck this (1985) », nonobstant le final dont les célèbres lyrics (« Hey you, what’s that sound ? Everybody look what’s going down ») ont été empruntés à Rhymes Digitales. Plus surprenant, cinq titres lorgnent manifestement vers la britrock. Essentiellement celle de Shed Seven ; et puis des Killers sur le très eighties « Soda Pop », un fragment balayé de guitares cinglantes. De cette plaque, je retiendrai encore la ballade mid tempo « Saturday night fisher » et puis le sauvage « VHF-VUF », une compo punkysante, presque stoogienne. Un seul regret : nonobstant un premier elpee de bonne facture, Malibu Stacy n’est pas parvenu à communiquer cette intensité unique qui fait leur force en ‘live’.
‘The Oslo Deadtrash Project is a suicidal draft’ indique le livret de ce CD… Suicidaire ? Pourquoi ? Sorti sur l’excellent label « Carte Postale », le premier album solo de Pierre Arthur Lejeune n’a pourtant rien d’un concept voué à l’échec… Bien au contraire… A l’écoute de cette très bonne plaque d’électropop on ne peut en effet que s’étonner du peu de visibilité accordée à un artiste qui mériterait que l’on s’intéresse bien plus à lui. Alors que l’indie belgo/belge truste actuellement l’ensemble des ondes radiophoniques de notre décidément bien petite francophonie, « Headpixel data » apparaît comme un remède plus qu’agréable à l’indigestion qui menace… 12 petites pilules d’electronica et ça repart ! ! ! Après les avoir croquées on avouera cependant une petite faiblesse pour les très tarwateriens « Rallyman » et « 1000 reasons to kill you today (rotten for desk enrol ) ». De splendides morceaux qu’il serait…suicidaire de laisser dans la pénombre. Si « The Oslo Deadtrash Project » ne fait pas un peu parler de lui, c’est à n’y plus rien comprendre… Allez, trêve de plaisanterie messieurs…
Groupe notoire de la scène polonaise, Quidam a déjà réalisé quelques albums étiquetés 'néo-prog' assez inoffensifs, voire soporifiques. Un profond changement de line-up est intervenu depuis le dernier opus: le groupe a perdu sa chanteuse, Emilia Derkowska, remplacée par Bartek Kossowicz, et a renouvelé sa section rythmique. Y a-t-il lien de cause à effet? En tout cas le style a radicalement évolué. Les premiers arguments définissent clairement la nouvelle direction: riffs acérés, claviers exaspérés et rythmique nerveuse, cédant à un chant aérien sur lit de guitare sèche sereine. Quidam a choisi de s'engouffrer dans la brèche néo-psyché ouverte par Porcupine Tree. Seules les premières parties de deux plages, « The fifth season » et « Queen of Moulin Rouge », rappellent leur ancien style. A l'instar des brillantes interventions de flûtes et de discrètes colorations folk, elles esquissent la nouvelle et attachante marque de fabrique du band. Celle-ci s'avère suffisamment typée pour ne pas trop souffrir de l'aura grandissante de son (désormais) encombrant aîné. Il faut dire que toutes les plages de « surREvival » sont très réussies et que l'actuel chanteur convient parfaitement au nouvel écrin musical. Sa belle voix chaude évoque parfois Alan Reed (Pallas), en moins emphatique toutefois (c'est le cas par exemple sur « Not so close »). Une métamorphose plutôt réussie pour Quidam à qui on ne peut que souhaiter de maintenir cet excellent niveau de qualité à l'avenir.
Entre blues et jazz, le timbre de voix grave de Cassandra Wilson s’était jusqu’ici illustré dans des productions majoritairement acoustiques. Pour ce « Thunderbird » à la pochette ratée, elle a convié le producteur T Bone Burnett, responsable de la très chouette bande originale du film « O’ Brother Where Are Thou ? ». Parmi les musiciens invités, figurent notamment l’infatigable Marc Ribot, Keb Mo et Mike Elizondo, précieux collaborateur de Dr Dre dans la confection de tubes pour Eminem, Busta Rhymes ou encore Mary J. Blidge. Le disque s’ouvre par le très hip hop et excellent « Go To Mexico », un morceau basé sur un sample d’un groupe funk de la Nouvelle Orléans. Un contagieux mélange de boucles rythmiques et d’éléments live qui atteint sa cible. La cover du « Close To You » des Wallflowers est plus convenue, alors qu’« Easy Rider » trempe dans le blues. Sombre et hanté, « It would be so easy » renoue avec les sonorités funk-soul de la plage d’ouverture, tout en réalisant le mélange parfait entre claviers d’époque comme le clavinet et les guitares ciselées de Marc Ribot. Signé Willie Dixon, « I want to be loved » est ici repris dans une clé très groovy qui rappelle le blues funk d’Albert King, tandis que « Lost » (partagé en duo avec Marc Ribot) reste le moment le plus jazz du disque. « Thunderbird » s’achève plutôt bien par « Tarot », une autre petite pépite soul-jazz à l’atmosphère rêveuse. En bref, malgré ses passages à vide, on vous conseille vivement cette plaque.
Ce double album témoigne des prestations scéniques de deux formations distinctes menées par le trompettiste suisse. Enregistrée en 2005 à Lausanne et Toulon, la formule « Ladyland » (batterie, contrebasse, samples, guitare, trompette) lorgne surtout vers le dub, le rock (tendance rock progressif années 70), le funk et quelquefois la drum and bass. Spécialiste du chant soufi tunisien, Mounir Troudi pose sa belle voix sur quelques titres, conférant un parfum africain à la musique. De son côté, le rappeur Nya (qu’on a entendu récemment sur le dernier album de nos compatriotes Flexa Lyndo) pose quelques efficaces rimes sur les pièces musicales disloquées du quatuor. A l’instar du Miles Davis des années70, Erik Truffaz passe sa trompette à la moulinette pour produite des effets (distorsion, écho, loop station). De la musique à haute teneur technique, brillamment exécutée, mais qui manque un peu de feeling et de thèmes mélodiques un peu plus évocateurs. La deuxième rondelle expose les travaux du quartet d’Erik Truffaz. Le fidèle Nya est toujours présent lors d’une performance plus typiquement jazz, qu’on situera entre In A Silent Way et Bitches Brew, pour citer les travaux du grand Miles, qui semble être la grande influence de ces musiciens. On sent ici que l’interaction entre les musiciens est plus grande, ce qui est logique vu que cette formation a déjà quelques albums derrière elle. Plus inspiré donc, avec une recherche dans les sons qui tendent tous vers la distorsion avec l’obligatoire pédale wah-wah sur la trompette de Truffaz. Funky cool donc, même si de nouveau l’ensemble est un peu être un peu trop propre et emprunté pour susciter les frissons qu’est sensé procurer ce style de musique. Pour les fans, uniquement.
Soyons honnêtes… C’est l’esprit embué par les préjugés que votre humble serviteur fit sa première écoute de « Whatever people say I am, that’s what I’m not ». Il faut dire que les Britons d’Arctic Monkeys collectionnent les ‘tares’… Next big thing outre-Manche (et on sait en général ce que cette allusion implique en matière de réputation surfaite), ces quatre jeunes lads ont également la mauvaise idée d’être très jeunes (19 ans de moyenne)… Le bourrage de crâne presque obscène opéré par les médias aurait dû également finir d’achever tout espoir de bonne chronique. Et puis, en s’attardant un peu, un rayon de soleil printanier au travers des fenêtres et un petit verre à la main, il faut bien avouer qu’il y a quelque chose… Bien sûr les Arctics Monkeys n’ont pas inventé la poudre à canon et encore mois le feu nécessaire à déclencher l’explosion…
Que ceux qui parlent de ‘révolution rock’ aillent donc potasser leur petite encyclopédie de musique populaire. Mais ce premier album recèle une sacrée énergie et quelques morceaux de garage punk-rock (c’est bien de cela que nous parlons, ne nous y méprenons pas) du plus bel effet. Sur la première partie de l’opus surtout, les plages teigneuses à souhait s’enchaînent sans vraiment lasser. Du single teen-ager « I bet you look good on the dancefloor » au très convaincant « Dancing shoes » en passant par « You probably couldn’t see for the lights but you were staring straight at me », on peut dire que ces petits singes savent comment balancer de solides noix de coco à la face du public… « Still take you home » clôture la première salve de bien belle manière au moyen de chœurs pompeux et de guitares à couper au couteau… Par la suite, il faudra malheureusement attendre la fin de l’opus et « When the sun goes down » pour retrouver à nouveau un peu de consistance ; « Riot van » et « Mardy bum », plus mélodiques, peinant à convaincre. Un constat s’impose alors : c’est dans le riff bien sauvage que les Arctics Monkeys se sentent apparemment le plus à l’aise… Une impression confirmée par un « From the ritz to the rubble » cliché mais rendu assez jouissif par une basse sonique à souhait.
Après avoir passé les 13 morceaux au crible, un verdict s’impose ; et… il est plutôt positif. Ne jouons pas aux vieux cons, les Arctics Monkeys ont tout pour plaire aux (post)teen-agers en mal de déflagrations sonores. Et ils le méritent. S’ils ne révolutionnent pas le rock, ils ont au moins le mérite de sonner comme un bon petit groupe de punk…
A vingt ans et encore moult excès de sébum, ces jeunes Anglais ont littéralement conquis les charts britanniques. En 2005. Leur premier single "I bet you look good on the dancefloor" s'est classé numéro 1, dès sa sortie. De même leur premier album, "Whatever people say I am that what I'm not" s'est vendu à 360.000 exemplaires dès sa première semaine d'exploitation ! ‘Arctic Monkeys, Bigger than Beatles’ titrait le Times (NDR : ex-détenteur du record de vente, les Beatles avaient écoulé 300.000 exemplaires en une semaine.) Cette futile comparaison ouvrira la porte à d'autres ; mais pour la circonstance, elle s’adresse à leur musique. Bien qu'ils ne révolutionnent en rien la matière, ces rejetons de l'Arctique sont bigrement efficaces lorsqu'il s'agit de répandre l'hystérie sur les dancefloors. Cependant, grâce à la plume d'Alex Tuner, chanteur et leader du groupe, ils n’ont rien à envier aux autres bands en vogue ; Alex dépeint dans un style vif, parfois provocant, la réalité froide de leur vie de jeune banlieusard, partagée entre filles, soirées alcoolisées et émeutes. Des textes judicieux et engagés, servis à grands coups de guitare électrique. Mais peut être est-ce la clef du succès de ces singes de l'Arctique ? Pas mal pour des jeunes qui se sont fait remarquer dans des pubs, distribuant des CD gravés par leurs soins, leur musique étant librement téléchargeable sur le net... Magie de la technologie : aujourd'hui les groupes prometteurs sont repérés via Internet, la musique se propageant d'internautes en internautes, de blog en blog, de sites spécialisés en... maisons de disques. Qui a dit que le téléchargement et Internet nuisaient à la création musicale ?
Orphelin de Suart David et d’Isobel Campbell (NDR: c’est à dire le co-fondateur et la chanteuse du groupe) depuis 2002, Belle and Sebastian était quand même parvenu à sortir la tête de l’eau en commettant le très honnête « Dear catastrophe waitress ». En 2002. Depuis, les aficionados ont dû se contenter d’un opus enregistré en public (« If You're Feeling Sinister: Live at the Barbican », 2005), de quatre singles ("Step Into My Office, Baby", 2003; "I'm a Cuckoo", 2004; Books, 2004 et "Funny Little Frog", 2006) ainsi que d’une compile de singles et Eps parus sur le label Jeepster (« Late Night Tales: Belle and Sebastian », 2005). Bref, pas grand-chose à se mettre sous la dent. Autant dire que le nouveau long format était très attendu. Bénéficiant de la production du réalisateur Huffer (Beck, Supergrass, Mariane Faithfull), « The life pursuit » nous offre toute une série d’excellentes compositions, avant de s’essouffler aux deux tiers du parcours. Délicatement bossa nova, « Act of the apostle I » est raffiné par de superbes harmonies vocales sixties. Légèrement countryfiant et délicieusement suranné, « Another sunny day » est traversé de guitares byrdisiennes. Le refrain est accrocheur. La combinaison du chant féminin et masculin judicieuse. Et la nostalgie omniprésente, malgré le tempo allègre. Imprimé sur un tempo rappelant vaguement Gary Glitter, « White collar boy » concède une mélodie pop réminiscente des Shins. « The blues are still blue » et le boogie « Sukie in the graveyard » évoluent manifestement dans un registre glam bolanesque. Discrètement cuivrée par une trompette, « Dress up in you » est une belle ballade satinée d’harmonies vocales à la Chumbawamba. R&B contagieux, « We are the sleepyheads » conjugue choeurs et claviers, dans un style immortalisé par Booker T & The MG’s. C’est à partir de cet instant que l’œuvre perd de sa superbe. La formation écossaise s’essaie alors au cabaret, au disco ou à l’électro. Sans vraiment convaincre. Reste quand même « For the price of a cup of tea », sorte de postcard teinté de soul et de r&b comme l’imaginait si bien Orange Juice. Et puis le très sixties « Funny little frog », dont le refrain semble pompé au « Death on two legs » de Queen et éventuellement le final de six minutes, « Mornington crescent », ballade qui met bien en exergue la voix posée, douce et sensible de Stuart Murdoch. Dommage que la fin ait ainsi été bâclée, sans quoi « The life pursuit » aurait pu revendiquer une place parmi les albums de l’année…
Projet inventif du label italien Suiteside, la compilation « Playing The Indie Game » propose de (re)découvrir 11 formations d’indie pop-rock s’amusant à créer des morceaux sur des instruments jouets. Au programme : des inédits de John.Wayne.Shot.Me, Lo-Fi Sucks, Anorak, Blimey et d’autres éternels enfants ayant accepté de se prêter à l’expérience. Accompagnée d’une pochette servant également de jeu de l’oie (!), la compilation de Suiteside, aussi amusante qu’elle soit, reste néanmoins quelque peu inégale. On retiendra essentiellement King Of Woolworth qui parvient à tirer son épingle du jeu tout au long de son « Dog Cat Game ». Divertissant, sans plus.
Cet album porte bien mal son nom… Attendus au tournant après le carton de l’éponyme « Franz Ferdinand », les Ecossais auraient en effet difficilement pu faire mieux que ce deuxième opus au titre décidément bien étrange. Ne reniant pas le trip binaire disco–punk de leur première œuvre, les sociétaires de Glasgow ont cependant eu le bon goût de se diversifier, de tenter d’offrir plus de variété musicale à un cercle de fans devenu énorme. Et le résultat est à la hauteur des espérances. S’appuyant sur une production irréprochable, Franz Ferdinand passe la surmultipliée, enchaînant morceaux efficaces proches de leurs précédentes productions et plages trempées dans une pop rock plus classique mais diablement bien faite. Si l’on excepte « Do you want to », single solide mais menaçant d’exploser sous l’effet des anabolisants, le groupe semble en effet avoir également atteint une maturité mélodique que l’on ne trouvait que de manière plus diffuse sur son premier album. Alliée à une énergie pure assez impressionnante, cette nouvelle aptitude fait mouche et des morceaux comme « This boy », « Evil an a heathen » ou encore « You’re the reason I’m leaving » (qui aurait sûrement fait un single plus original que « Do you want to ») marquent directement les esprits. On mentionnera aussi « Outsiders », disco crapuleux à la rythmique de galères romaines, et le cliché rock and roll jubilatoire de « You could have it so much better ». Egalement parsemé de sympathiques petites chansons pop éthérées comme « Fade together » et « Eleonor put your boots on », ce deuxième album de Franz Ferdinand à décidément tout pour plaire…
Pensionnaire de Drag City depuis 1997, Edith Frost ressort du bois pour « It’s a Game », quatrième album de sa discographie. Déroutante, la chanteuse s’immisce au coin des genres. Sans jamais les pénétrer, elle cultive le mystère, l’art de mélanger sans déranger. Ses vocalises jazzy se pointent ainsi sur le perron du folk et de la country. Les chansons d’Edith côtoient les univers d’Aimée Mann et de Cat Power, ses plus élégantes contemporaines. Pourtant, derrière ce doux chant féminin, il s’égrène une force tranquille, une puissante mélancolie. Les délices acoustiques de Will Oldham (Bonnie « Prince » Billy) s’invitent alors au répertoire d’Edith Frost. Mélancolique, jamais tragique, la chanteuse revisite le thème de l’amour déchiré. L’espoir de revoir l’amant d’un soir, la tristesse d’abandonner l’être aimé, la joie d’exister, de croire, encore, aux possibilités de cet impossible amour. Ces sujets de réflexions, sources de passions et de crispations, dessinent les contours de cet album. Edith Frost se pose en observatrice de l’ivresse. Elle nous rappelle qu’en amour, on peut être heureux, puis malheureux : « It’s a Game » et les règles sont changeantes. Mais ce jeu en vaut la chandelle !
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