D’abord, il y a l’artwork somptueux du successeur de « Lateralus », attendu depuis près de cinq ans. Tool, qui n’est décidemment pas un groupe comme les autres, offre à ses fans un cadeau qui laissera pantois plus d’un nostalgique de l’époque bénie du vinyle. Car depuis « The Raven », le corbeau en 3D des Stranglers, le « This is a Brick » de Jethro Tull emballé dans son journal, ou le « Space Ritual » dépliable d’Hawkwind, on avait rarement vu ‘emballage’ aussi original. Imaginez un superbe digipack en carton très épais, solidarisé avec un rabat équipé d’une paire de lunette en verre, qui permet de feuilleter un livret de 15 pages illustré d’images en 3D. L’effet est absolument hallucinant, grandiose, énorme… Même mes collègues de bureau et de rédaction qui se gavent quotidiennement de Patricia Kaas et de Patrick Bruel ne peuvent s’empêcher de pousser un léger râle de jouissance, en contemplant les images subliminales et psychédéliques illustrant le livret de la nouvelle livraison du combo qui squatte la tête des charts métal, Outre Atlantique. Même s’ils ne sont pas sympathisants de la bande à Maynard Keenan, les amateurs de collectors vont se précipiter sur cet objet hors du commun.
Puis, il y a la musique, mélange entrelacé de volupté, de rage, de métal hurlant, d’envolées progressives, de délires hypnotiques ; le tout ponctué par des rythmes saccadés et des ambiances transcendantes. Dire que l’œuvre de Tool est complexe est un doux euphémisme, car chaque titre regorge d’une multitude d’influences, de digressions, de théories alambiquées. Le monde créé par la formation ricaine sur ce « 10,000 Days » évoque de précédents opus, comme « Aenima » sans nul doute. Mais ici le côté heavy est davantage mis en avant. Les guitares sont lourdes, très lourdes, et les quatre musiciens excellent dans les parties les plus hargneuses. Il est clair que le disque est bien plus métal dans son ensemble, un durcissement imputable à la mise en forme de Joe Barresi, producteur des Melvins et autre Queens of the Stone Age.
Aucune chanson ne dépasse la barre des sept minutes, comme si le combo avait voulu densifier l’espace sonore tout en insufflant du dynamisme à ces douze compositions aux accents tribaux.
Tool semble former une unité parfaite sur cet opus ; l’alchimie est parfaite. Le résultat divin.
Bienvenue dans le monde féerique de Winterpills, quartet mené par Philip Price, homme aux projets multiples (The Maggies, Feet Wet, Memorial Garage, Gay Potatoes,…) mais qui semble, avec cette formation, avoir enfin trouvé sa voie. Disque aux faux accents de désespoir, « Winterpills » passe en revue les maux de ce monde et se donne comme mission de les éradiquer en n’usant que de la beauté lyrique de son contenu paradoxal. Le micro se partage entre la voix claire-obscure de Philip Price et le souffle divin de Flora Reed contant en chœur les tourments de leurs amis proches, sur des arrangements opaques (« Pills For Sara », « Cranky », « Letter To A Friend In Jail »). Sombre de prime abord, la formation change ensuite la donne en promettant aux âmes les plus amères un futur meilleur (‘you will live forever’ fredonnent-ils sur « Found Weekend »). Bien plus qu’un bout de plastique, le premier album de Winterpills, oscillant entre slo-core et folk acoustique, peut sans aucune difficulté faire office de calmant, de psy ou de confident de substitution. Magistral, intelligent et relaxant.
Spectacle visuel et sonore enregistré à l’Orangerie du Botanique en décembre 2005, le premier DVD du fascinant Labyala Nosfell recrée à la perfection l’atmosphère envoûtante d’un concert du jeune homme et de son éternel compagnon de route, Pierre Le Bourgeois. La réalisation, extrêmement bien léchée, nous transporte durant une heure et demie aux portes de Klokochazia, contrée atypique imaginée par Nosfell, où l’on parle un dialecte issu d’un mélange d’anglais et de Klokobetz. Le public, qui semble conquis à l’image (parfaite), le sera tout autant en se procurant ce DVD, assez bien fourni. Dans la section bonus : choix entre son stéréo et 5.1 pour une expérience sonore optimale, huit inédits sous forme de plages audio, une courte interview ainsi que deux extraits de concerts ; l’un acoustique dans une église et l’autre au Festival des Vieilles Charrues. On regrettera simplement que les huit nouveaux titres n’aient pas été offerts dans un CD audio séparé.
Quatre filles et cinq garçons constituent le line up des Kouzines. Mais ne vous y trompez pas, même si la gent féminine est en infériorité numérique, ce sont elles qui mènent la danse! Il suffit d´ailleurs d´écouter les paroles de "1er quart de siècle", pour s´en apercevoir ; des lyrics parlant d’amour et puis des hommes… qui en prennent... pour leur grade. Côté musique, l´album s’ouvre par un titre a capella. Ce n’est pas une raison pour penser que les Kouzines sont les dignes héritières des Pow Wow. Car la suite de l´elpee nous démontre que ces artistes sont capables d’élargir leur palette sonore ! Les quatre voix féminines viennent se greffer aux rythmes latino, jazz, mais aussi ragga et hip-hop pour consentir un opus aux couleurs chaudes et pétillantes. Un premier elpee, au final, très réussi, né après cinq années d´expériences scéniques et de répétitions. L’accent féministe, en plus !
Originaire de Gand, ce trio nous propose son cinquième album. Un disque produit de main de maître par le chanteur français Gabriel Yacoub (Malicorne). Soutenus pour la circonstance par une section rythmique batterie/contrebasse, violon, accordéon, guitare et banjo y font la loi. De son timbre rocailleux, rappelant les débuts d’Arno, Arno Tom Theuns chante la plupart des titres. En néerlandais, français ou anglais. Vera Coomans et Gabriel Yacoub se chargeant du reste. De la musique folk donc, qui emprunte au tango, à la musique slave ou arabo-andalouse, à l’instar de « Down In Sulamonia ». Des morceaux comme « L’Avion », « Près d’un Cerisier » et « Sometimes It’s Gold » font mouche. De jolies mélodies toutes simples qui évoquent une fête à la campagne, en été, à une époque où l’électricité n’existait pas. Parmi les réussites, on mentionnera aussi le mélancolique instrumental « Joséphine » et « De Matroos », une adaptation d’un traditionnel. Le solde est d’un niveau fort honorable, mais souffre parfois d’une certaine propension à la théâtralité (« Sur la rive gauche », « Krakalin », « How Far We Are Near »), propension qui devrait sûrement coller aux prestations scéniques, mais moins au disque.
Encore une formation gantoise! Au sein de laquelle milite le violoniste de Sioen et ex Zita Swoon, Jeroen Baert. Un quintet qui pratique une musique instrumentale, fruit d’un mélange de folk, de rock, de pop, de jazz et de classique. Le tout parfois épicé d’un zeste d’électronique. Pour vous donner une petite idée, pensez à DAAU et surtout à Yan Tiersen. Faut dire que leurs compos sont particulièrement cinématiques. Et pourraient facilement servir de bande sonore à un long métrage aux images romantiques… Pour enregistrer « Small house, wide open view », Bal des Boiteux a reçu le concours de Stef Kamil Carlens, à la production. Violon, accordéon, contrebasse, guitare et drums, mais aussi épisodiquement samples, violoncelle et percussions alimentent les 10 fragments de cette œuvre climatique, dont on retiendra surtout les excellents « Almost house » et « Desperado ». Pas que le reste soit de mauvaise facture ; mais il souffre d’une langueur dont la monotonie finit par susciter l’ennui. Faudrait voir maintenant comment l’ensemble se débrouille sur les planches. Notamment s’il peut bénéficier d’un support visuel. A mon avis, il devrait alors prendre une autre dimension.
En voilà une idée qu’elle est bonne : un guide urbain pour découvrir les magasins, les hôtels, les bars et les restos ‘les plus cool’ de la Grosse Pomme, avec pour conseillers persos le duo electroklash Fischerspooner. En pratique, il s’agit à la fois d’un CD et d’un DVD (dual disc), l’un compilant les titres préférés du duo néo-warholien, l’autre présentant la face cachée de New York – celle qu’on ne trouve pas forcément dans le Guide du Routard… A l’origine de cette initiative originale, le magazine Time Out, qui compte bien réitérer l’expérience avec d’autres villes branchées et ses artistes autochtones. Sur la compile mixée, on retrouve à la fois Broadcast et Bloc Party, David Caretta et Princess Superstar, Model 500 et The Fiery Furnaces, bref un mélange abrasif de styles tout-terrains, qui selon le communiqué de presse ‘capture la vision musicale éclectique de Fischerspooner’… Evidemment il y a aussi leur fameux « Emerge » (remixée par The Hacker !), le tube electroklash par excellence qui les rendit célèbres. A quand un petit tour de la ville d’Austin en compagnie d’Omar Rodriguez de Mars Volta ou de Detroit avec Jeff Mills ?
Compilée par le dj anglais Patrick Forge, cette précieuse collection exhume quelques pépites musicales enregistrées entre 1968 et 1980 pour le compte du label EMI-Odeon par la fine fleur des musiciens brésiliens. Bien qu’ils aient été enregistrés dans une période sombre où la répression policière et la censure régnaient, la plupart de ces titres respirent la vivacité. Synthèse parfaite entre la musique pop anglaise, le funk américain et les rythmes brésiliens, le texte reste malgré tout chanté en portugais. Parmi les chefs d’œuvre, signalons le « Garra » de Marcos Valle : une mélodie digne des Beatles sur un rythme décontracté qui flirte avec la soul de Marvin Gaye. Un titre parfait qui justifie à lui seul l’écoute de cette compile. Toujours dans la mélodie, « Maita » de Doris Monteiro mélange les guitares funk aux arpèges de guitare acoustiques et les flûtes bucoliques. Tandis que Claudia marie sur « Baoba » le funk le plus crade à un grand orchestre pop, Djavan nous sert avec « Nereci » un subtil mélange de disco et de samba qui doit avoir le pouvoir de faire bouger les popotins sur les pistes de danse. On pourrait encore parler du jazz déjanté de Joao Donato, de la rumba mélancolique de Simone ou encore de Joyce (qui faisait partie de La Familia Sagrada, récente réédition chez Vampi Soul)…. Mais je vous laisse le soin de découvrir la multitude de surprises rencontrées tout au long de cette plaque. Car il n’y a quasi rien à jeter sur ce « Brazilian Funk Experience ». Si vous n’achetez qu’un disque par an…
On l’a vu lors de la sortie de « They’ll Have To Catch Us First » chez Domino Records, les compiles de labels sont devenues vachement tendances. En fait, pour être ‘In’ à mort, il faut en posséder au moins une dans sa discothèque. Idéal pour se la péter entre potes, « Can You Hear Me Clearly » est donc l’exemple parfait de la compile représentative de la hype actuelle et des genres ‘soon to be radio-friendly’. A côté des évidents Bloc Party, Hot Chip, The Rakes et Architecture In Helsinki, on retrouve les futures valeurs sûres de Moshi Moshi Records, à savoir Roland Shanks, les excellents Lo-Fi FNK, les bien nommés Au Revoir Simone ou encore Matt Harding et son splendide morceau instrumental « October ». Moshi Moshi n’échappe cependant pas à quelque erreur de jugement en y incluant un futile Hot Club de Paris, que quelqu’un a certainement du déposer par mégarde sur la table du compileur. Pour tous les ‘jeunes cools’ et ceux qui croient l’être.
Après avoir concocté le fantastique « In the Heart of the Moon » en compagnie du défunt Ali Farka Touré, le roi de la kora s’est fendu d’un projet plus personnel et ambitieux. Enregistré en une nuit ( !), ce « Boulevard » convie un ensemble de cordes et de cuivres, ainsi que des chanteurs pour une œuvre qui hésite entre gouaille (« Toumani », « Ya Fama ») et contemplation, à l’instar du superbe titre maître. La kora de Diabaté est ici un instrument parmi d’autres. Point de démonstration de virtuosité sur cet opus ; tout le monde se mettant au service de la chanson. Habitué des collaborations prestigieuses (Roswell Rudd, Taj Mahal), le Malien se fait donc plaisir et explore différents styles musicaux sur 9 longues plages. « Ya Fama » évolue entre le funk et Mory Kante. « Mali Sadio » et le très beau « Tapha Niang » marient la tradition à une section de cordes très ‘cinématographique’, tandis que le dansant « Salsa », caractérisé par ses cuivres bondissants, fait référence à l’Amérique Latine. L’œuvre s’achève par « Single », une envolée funky qui mériterait bien quelques passages radio…
Ce sont les disques de Townes Van Zandt qui ont donné l’envie à Jeffrey Foucault de se lancer dans la musique. Son nouvel album, le troisième, est produit par Bo Ramsey, qui a déjà bossé en compagnie de Greg Brown et Lucinda Williams. Eric Heywood (Son Volt, Richard Buckner) tient la pedal steel, Dave Moore l’accordéon, et Kris Delmhorst, la femme de Foucault, chantonne sur « One For Sorrow ». Ils s’y tiennent la barbichette, parlent de mariage, d’union sacrée, bref, d’amour consommé en plein Massachusetts, du John Mellencamp dans le lecteur, ou bien ce bon vieux Bruce – country, blues, le mix tranquille pour une après-midi à se tourner les pouces. Il fait chaud, l’ambiance est légèrement pesante, du pollen circule au milieu des voitures, les filles éternuent en silence. Des images inspirées d’un sursaut d’amertume à chroniquer ce disque. Jolies chansons, mais il fait beau dehors. Tout ça pour dire qu’il manque à ce « Ghost Repeater » de vraies fulgurances mélodiques pour qu’on l’écoute en boucle. S’extirper du vortex sudiste, aller nager à la piscine, se promener sans but. Comme un fantôme, peut-être. Aaaaaah !
L’équipe marseillaise qui s’était fait connaître en son temps sur le « Bad Boy de Marseille» d’Akhenaton a fait son chemin et peut s’enorgueillir d’être toujours présente dans le monde impitoyable du hip hop français. Le ton général de leur nouvel opus ressemble à la pochette qui l’habille : il est froid et gris. Pas de blagues et de gouaille marseillaise ici, mais bien la peinture pessimiste d’un ‘monde qui part en couilles, et c’est pas qu’un truc climatique’ (sur « C’est plus comme avant »). Des instrumentaux down tempo à l’ambiance « Blade Runner » constituent l’essentiel de cette (trop) longue plaque, rythme pépère brisé par quelques salutaires hausses de ton (« Comme on débarque ») un peu rares. La Fonky Family tient à ‘représenter’ à tout prix et nous conte tout ce qui ne va pas dans la triste France de Sarkozy en fustigeant l’état (« Le Plus Grand Des Voyous »), les villes en déliquescence (« Le Quartier », « Chez Nous », « Ils le savent ») ou encore l’état du monde en général (« La Guerre »). Le problème est qu’ils enfoncent des portes ouvertes, restent dans les poncifs du rap geignard, à l’instar de l’ultra cliché « C’est plus comme avant », qui évoque la nostalgie à deux balles d’un Francis Cabrel. Seul « Dans les Yeux » parvient réellement à toucher, car plus vrai et plus nuancé dans sa chronique toute simple de la difficulté de se construire une vie digne lorsqu’on est né au mauvais endroit. Réservé aux inconditionnels de hip hop hardcore à l’ancienne.
Depuis Norah Jones et Michael Bublé, le jazz semble avoir trouvé un second souffle tout en devenant radiophonique. Il fallait naturellement s’attendre à voir bourgeonner les émules. C’est donc avec un train de retard que débarque le premier album solo de Tom Gäbel. Il n’y aurait pas grand-chose à reprocher aux 12 morceaux de bonne facture, si la bio qui l’accompagnait ne vantait pas ‘sa voix unique’ et ‘ses talents créatifs’. Pour autant que les prédispositions vocales de l’Allemand soient indiscutables, prétendre qu’elles soient uniques relève de la plaisanterie. Imitant à la perfection son inspiration première (NDR : le grand Sinatra), Tom Gäbel étale ses ‘talents créatifs’ sur pas plus de trois titres, le reste se limitant aux reprises. Honorable mais manquant considérablement d’originalité, « Introducing : Myself » est un disque incontournable pour les jours de grand nettoyage, en bruit de fond. Avec l’aspirateur allumé.
Le Nord ne manque décidément pas de ressources. Second essai des Suédo-danois de Lampshade, « Let’s Away » vacille entre un spleen glacial et une luminescence ardente. De ces deux pôles antinomiques découlent douze titres bruts articulés autour de la voix délicate de Rebekkamaria. Comme sous une neige éternelle, le disque nous plonge dans un état d’hypothermie auditive constante. Les sens engourdis, on se noie dans les profondeurs du splendide « It’s Ok », les aigres regrets de « Silver » ou les tourments sanguinaires de « Come Closer ». Lampshade malmène les solitaires en jonglant avec leurs émotions. Si la formation tend la main aux délaissés sur des titres tels que « Come Closer » et « Joy », c’est pour ensuite vicieusement les replonger dans un lent désespoir sur « Feather Of Lead » ou « Tonight I Will Retire ». Entre pop d’une gracieuse légèreté et trip-hop obscur bien agencé, le successeur de « Because Trees Can Fly » marque les esprits de par la richesse de ses paysages sonores. A écouter sous la couette ; seul, à deux, à trois ou plus si affinités.
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