N'en déplaise aux musiciens de Ghiribizzi, que toute étiquette semble indisposer, 'Pan'ta Rhei' est bel et bien un album néo-prog de facture très classique. Mais n'allons pas trop vite vers la conclusion désabusée ‘Un de plus !’. Car ce premier essai révèle une association de talents prometteuse. A part 'Remember Paris', plutôt mièvre et assez convenue, toutes les compositions, de la plus courte ('bitter end', 3'23) à la plus ambitieuse ('Asian Love',14'15) tiennent parfaitement la route et accrochent dès la première écoute. A l'écriture très fluide de Franck Centauri, puisant sa sophistication dans les breaks et les digressions plutôt que dans les développements complexes, chaque intervenant apporte une appréciable valeur ajoutée. Les deux claviers plantent les climats et tissent leurs mélodies dans une belle complicité. Les draperies des synthés et les sentiers tracés par le piano se complètent à merveille. La guitare, grasse et grondante à souhait en rythmique, décoche quelques interventions marquantes en solitaire. La rythmique est aussi à l'aise dans la légèreté que dans la cavalcade. La voix et le chant, dans un registre Fish/Gabriel appuyé, rappellent parfois aussi Roger Chapman (Family). Le groupe varie habilement climats, sonorités, tempos et genres. Séquences exotiques, jazzy, rétro voire folkloriques côtoient metal, emphase et symphonisme. Et la sauce prend bien, la technique n'éclipsant jamais mélodie et émotion. Sans bouleverser notre paysage musical, nos Anversois, c'est palpable, ont mouillé leur chemise pour nous offrir un très bon moment. A l'instar de toutes les sorties prog indigènes récentes, cet album est de plus très bien produit et emballé. Taisons donc ses rares défauts de jeunesse et accueillons-le avec l'enthousiasme qu'il mérite.
Les Pays-Bas cachent bien leur jeu. Gem est né en 2003. Un quartet batave réunissant Maurits Westerik au chant, Vincent Lemmen et Bas De Graaff aux guitares, Jeroen Kikkert à la basse et Ilco Slikker à la batterie. Leur style ? Une pop-rock stimulante qui évolue à la croisée des chemins de Franz Ferdinand, des Killers et des Editors… Le groupe a entamé sa jeune carrière discographique par la sortie d'un EP. Intitulé "Go!", il était découpé en trois fragments : "High low", "Rush for you" et le titre maître. La formation vient donc de commettre son premier opus : « Escapades ». Un disque sur lequel figure le fameux morceau "Good to know you", une compo qui a squatté les charts néerlandais pendant de nombreuses semaines ; mais qui a également été retenue pour servir de bande sonore à une pub TV. Pourtant, si ce titre est de bonne facture, ce n’est pas la meilleure chanson de la plaque ; car elle recèle quelques petites perles. Et je pense tout particulièrement à ce fameux "Go!", à "Fight on" et à "Talk talk talk", trois titres très intenses, balayés de guitares cinglantes et galvanisés par des drums explosifs. Je peux déjà, vous avouer que cet album figurera parmi mes coups de coeur de l’année. Quel talent! Etonnant, époustouflant, génial…
Paru mi septembre 2005, ce dernier album de BB souffle ses 80 bougies (NDR : il est né le 16 septembre 1925 à Itta Bena, dans le Mississippi). Et à nouveau, il a voulu célébrer cet anniversaire (NDR : à moins que ce ne soit son label) en opérant de multiples collaborations en compagnie d’artistes notoires, à travers ces fameux ‘duets’ dont il semble si friand ! Il avait ainsi commis "Blues summit" en 93, "Deuces wild" en 1997 et encore "Riding with the King" en 2000 ; et ce dernier flanqué d’Eric Clapton. BB est une légende vivante. Immédiatement détectable, son style a inspiré maints et maints guitaristes ; et en particulier ceux qui firent le succès du British Blues Boom et du renouveau du blues aux USA. Parmi les plus célèbres citons Clapton, Peter Green ou encore Michael Bloomfield. Sa carrière a été couronnée de succès, c’est le moins qu’on puisse dire. Mais surtout et avant tout, il a popularisé une multitude de classiques du blues : "The thrill is gone", "3 o'clock blues", …
Dès l'ouverture, il nous propose la meilleure plage de l’opus : "Early in the morning". BB et Van Morrison, le sublime Irlandais, conjuguent leur voix. L’homme de Memphis fait vibrer Lucille, mais en manifestant beaucoup de retenue. "Tired of your jive" libère pas mal de swing. Les guitares de BB et de Billy Gibbons du ZZ Top s'échangent les notes en ouverture. La voix rocailleuse de Billy est facilement reconnaissable. Pour attaquer le joyau "The thrill is gone", BB a invité son ami Eric Clapton. La version est de bonne facture, mais ce n'est certainement pas la plus convaincante de ce canon du blues. Le "Need your love so bad" de Little Willie John baigne au sein d’une ambiance très laidback. BB chante comme un dieu ; mais la féline Sheryl Crow fait un peu tapisserie. Sa voix et sa démarche paraissent même ici assez fades. "Ain't nobody home" évolue dans un tout autre registre. Soutenu par un front de cuivres, BB goûte au "Philly sound". Pour la circonstance, il est rejoint par d'anciens maîtres du genre : Darryl Hall et John Oates. Bénéficiant du concours du très jeune chanteur, John Mayer, la version de "Hummingbird" me plaît beaucoup. Une compo douce et mélodique, au cours de laquelle les deux voix libèrent énormément de feeling. (NDR : John Mayer vient de graver un excellent album live, "Try it", au sein d’un trio qui implique également Steve Jordan et Pino Palladino). Mark Knopfler (Dire Straits) marque "Fly away" de sa présence. Un moment fort intéressant abordé dans un esprit assez étranger au blues. Les guitares sont exquises et l’excellent piano omniprésent. R&B très cuivré, "Driving wheel" est issu de la plume de Junior Parker. BB est épaulé aux vocaux par Glen Frey des Eagles. Malheureusement, il ne jouit pas d’une voix taillée pour chanter le blues ni pour épouser celle bien plus puissante et orgueilleuse de BB. Long blues lent, "There must be a better world somewhere" est illuminé par la voix de notre King. Par contre Gloria Estefan aurait mieux fait de s’abstenir. Sans pourtant tomber dans le ridicule, Roger Daltrey démontre qu’on ne s’improvise pas chanteur de blues. Surtout quand on doit faire face à son ambassadeur le plus prestigieux. "Never make your move too soon" en est la plus belle illustration. BB est enfin confronté à un partenaire capable de rivaliser avec sa voix ; en l’occurrence un autre vétéran : Bobby Bland. Un remarquable exercice de style opéré tout au long du très dépouillé "Funny how time slips away". L'album s’achève par un boogie furieux immortalisé live : "Rock this house". Elton John tape assez lourdement sur ses touches en ivoire, mais chante un ton en dessous de BB. Heureusement que Lucille se déchaîne. Croisons les doigts pour que BB ait encore le temps de vivre un album plus déterminant avant de rendre son dernier soupir...
Trois Berlin sinon rien ! Petits, ces trois frangins ne jouaient pas en compagnie des autres enfants. Pour eux, ni voitures en plastique ni soldats en bois. Lillian, l’aîné de la famille, n’a pas 17 ans qu’il mord déjà les cordes de sa gratte avec les dents. Très vite, il recrute ses frères (Eve et Bosh Berlin) pour former un groupe, quitter l’école et fuir Saint-Louis. L’échappée donne lieu à une virée sauvage sur des terres essuyées de riffs tranchants. Appuyé par Steve Albini (l’homme qui produit plus vite que son ombre), Living Things enregistre « Black Skies In Broad Delight » dès 2004. Condensé de références courant des Stooges, aux MC5, en passant par les Gun’s n’ Roses et Black Rebel Motorcycle Club, cet album ne sortira pas aux Etats-Unis. Pour des raisons patriotiques, les disciples discographiques d’Oncle Sam refusent d’ouvrir leurs ondes aux graciles rebellions du groupe. Soit, « Black Skies In Broad Delight » ressort de ces jours, troquant son intitulé contre « Ahead Of The Lion », plus rugissant, plus poilu que couillu. Rock’n’roll conquérant, plans piqués chez AC/DC et timbre ténébreux à la Peter Hayes ébauchent une personnalité entendue. En première ligne de cette révolution disciplinée, le single « Bom Bom Bom » et le frimeur « No New Jesus » demeurent passables. Les autres titres ne prônent pas l’émeute attendue. Dommage…
La grosse vague nu-punk ayant envahi les ondes en même temps que les magasins de fringues ‘fashion’, on était en droit de penser qu’il n’y avait plus aucun espoir pour l’esprit punk. Et de l’espoir, c’est en The Lawrence Arms que les jeunes à crête vont pouvoir en trouver un semblant. En balançant « Oh ! Calcutta ! », un surprenant cinquième essai, le trio ravive la flamme du ‘No Future’ et assure le retour en force du pogo. Armé d’une conviction qui se faisait de plus en plus rare dans le genre, The Lawrence Arms crache ses hymnes à la rébellion : « Cut It Up », « Great Lakes/ Great Escapes » ou les incisifs « Key To The City » et « Like A Record Player ». Concentré d’énergie pure, The Lawrence Arms se fait plus incendiaire qu’Alkaline Trio ou Dillinger Four (« Are You There Margaret ? It’s Me, God ») et plus percutants que Less Than Jake (« Loses Your Illusion 1 »). Un retour aux sources tranchant.
Le nouveau CD de ces vétérans du rock indie ricain tournait depuis quelques jours sur ma platine sans générer de réactions particulières. Il est pourtant loin d’être médiocre et recèle même quelques petits bijoux pop-rock qui ravivent en nous les fantômes dorés des Pixies et de Franck Black (« New Comes and Goes », « Garden Party for the Murder Pride »), du Velvet Underground (« Sukiyaki »), de Pavement (« Whacha Holden ») ou encore de Weezer (« Crones »). Un album qui va droit au but, produit sans artifices et entièrement centré sur la mélodie. Oranger ne vise pas l’originalité mais cherche surtout à proposer, en toute honnêteté, des chansons pop de bonne facture. Si les premières chansons démarrent sur les chapeaux de roue, au fil du temps une certaine routine commence à s’installer. Néanmoins, la qualité des compos est souvent de mise. On regrettera seulement le manque de folie et de personnalité, éléments qui auraient donné une autre dimension à « New Comes and Goes ».
La ‘french-touch’ a rendu son dernier soupir. OMR l’a bien compris. Aujourd’hui plus proche d’un Hooverphonic que d’un Lali Puna, le duo français a rangé au placard l’éléctro-pop de « Side Effects », sorti en 2004, pour se concentrer sur une pop atmosphérique mature et de bonne facture. Enregistré partiellement dans une église abbatiale, « Superheroes Crash » offre un ensemble beaucoup plus zen et mélodieux que sur le disque précédent, même s’il semble parfois trop travaillé. Transportées par la voix charnelle de Virginie Krupa, les harmonies célestes de « Clean and Tidy », « Immobilized » ou « I Don’t Know » vont jusqu’à lorgner du côté de Mogwai. Sans être véritablement surprenant, « Superheroes Crash » réussit à captiver sans effort.
Entièrement composé et interprété par l’ex-reine de l’âge de pierre, « Demolition Day / III The EP » n’a de Split CD que l’aspect. Explorant dans un premier temps un univers semi-acoustique jubilatoire en solo, « Demolition Day » sonne comme une vengeance personnelle. Une manière efficace de démontrer que le bassiste n’a besoin de personne pour égayer les tympans de ses fans. Il se permet d’ailleurs de revisiter le tubesque « Autopilot » de son ancienne formation à l’aide de Mark Lanegan, co-interprète originel du morceau. Après six morceaux méritoires, Nick Oliveri rejoint son Mondo Generator, entamant une seconde partie tonitruante pour laquelle il faudra malheureusement se contenter de 4 morceaux. Du charme guitaristique de la première moitié au gros son de la seconde, ce Split CD ravira ceux qui n’avaient pas apprécié l’éviction du petit chauve du palais royal de Josh Homme.
Amateurs de Five Horse Johnson, Nebula et autre Nashville Pussy, voici un nom à mémoriser dans les plus brefs délais. En effet, Pearls and Brass ne tardera pas à faire parler de lui, cela ne fait pas l’ombre d’un doute. Non pas parce que ses membres sont originaires de Nazareth, petite bourgade située au cœur de la Pennsylvanie, mais bien parce que ce brillant « Indians Towers » possède un petit supplément d’âme. Contrairement à ses congénères nourris à la Budweizer et au steak de bison, Pearls and Brass évoque les vallées baignées par le crépuscule et les couchers de soleil derrière le grand Canyon. Un peu à la Queens of the Stone Age, mais en produisant un son heavy rock qui doit autant à Mountain qu’à Black Sabbath, à Grand Funk Railroad qu’à Cactus. Sans pour autant posséder la science de ses héros, le combo s’en sort avec les honneurs pour un deuxième album dédié à la nature et à ses merveilles. Intermèdes acoustiques, tantôt apaisants, parfois inquiétants viennent ponctuer onze titres fiévreux, mais pas forcément accessibles à la première écoute. Le déroutant « The Boy of the Willow tree », le graisseux « Wake in the Morning » et le très southern rock “No Stone” constituent autant de skeuds taillés pour la scène. Le titre final tout en grattes sèches de « Away the Mirrors » inspirera quant à lui les scouts en mal de veillées autour d’un feu de camp...
C’est chez les Falcons, groupe de Doo-Wop gospellisé, que le jeune Pickett trouve tôt sa marque de fabrique en commettant le tube « I Found A Love ». Le jive parlé de la rue accouplé au cri primal suintant l’âme damnée. Sauf que comme le racontait Jerry Wexler : ‘Wilson pouvait crier des notes alors que les autres chanteurs ne pouvaient crier que des sons’. Le shouter en personne. Il suffit d’écouter sa version de « Hey Jude ». Pas de ad lib à la limite de l’écœurement mais un déluge de hurlements à vous bouillir le sang, le tout enrobé par la guitare incandescente de Duane Allman. Après avoir décroché un nouveau succès, mais sous son propre nom cette fois (NDR : le « If You Need Me » repris par les Stones et Solomon Burke, excusez du peu !), le soul man est repéré par ce même Wexler qui le signe chez Atlantic. Et c’est donc via la filiale Stax et associé à Steve Cropper qu’ils signent les mythiques « In The Midnight Hour » et « 634-5789 (Soulville U.S.A.) ». C’est ensuite chez Rick Hall, à Muscle Shoals qu’il allait graver une nouvelle page de son histoire. « Land of 1000 Dances » repris à Christopher Kenner, allait toucher tous les publics en devenant le premier titre de sa carrière à percer dans le top 10 des charts pop. Wilson est entré dans les annales.
Cette indispensable double compilation dégage un double constat. Le premier, implacable : la majesté de l’œuvre de Wilson Pickett, immaculée et éternelle. Le second, tragique : les morceaux repris ici s’étalent de 1963 à 1972, période de gloire du chanteur. Faites le compte, une trentaine d’années d’errance à ressasser la légende. Aujourd’hui intacte. Comme sa féerique représentation en maquereau céleste par Guy Peelaert dans « Rock Dreams ». Céleste. Wilson Pickett, 1941-2006.
« Rope skipping for flies » constitue le huitième album de cette formation limbourgeoise (de Nieuwkerken très exactement) née en 1984, sous le patronyme Perverted by Desire. Du line up initial, il ne demeure plus que Genis U. Et la réduction en Perverted s’est opérée, lorsque les deux autres compères ont abandonné l’aventure. Excellente initiative, on retrouve le trio originel sur un bonus disc qui accompagne le nouvel opus. En l’occurrence le tout premier elpee, « Dance music for dying soldiers », paru en 1990 ; un disque qui n’était toujours disponible qu’en vinyle. Et il a été remasterisé. Mais venons-en à ce nouveau long format. Découpé en 15 fragments, il est gorgé de références. Tout d’abord à cause des titres et des sous-titres des chansons. Epinglant clairement Cat Power, Mark E Smith, Ian Curtis, Mark Lanegan, Leonard Cohen, Kim Gordon, Neil Young, Mike Watt, Femi Kuti ou encore Elvis Presley. Mais pas pour les adapter. En fait, le combo s’est imaginé dans la peau d’un de ces illustres artistes interprétant une compo de Perverted. Et le résultat est parfois étonnant voire détonnant. D’autant plus que le band y injecte ses propres influences qui oscillent des Pixies (« Cancion de deseo y passion »), à Red Hot Chili Peppers (« Viva hesbaya morente »), Gang of Four, Shellac, et Virgin Prunes. Le tout vivifié par le timbre vocal de Genis U qui campe toujours un hybride entre Johnny Rotten, Jello Biafra et Peter Murphy. Et pour concocter « Rope skipping for flies », le trio a notamment reçu le concours de la chanteuse 2M, du bidouilleur Mr Rainder (Tokamat Fusion Test Reactor) et d’Elvis Peeters (Aroma Di Amore). Sans oublier celui de Dolf Planteijdt (The Ex, De Kift) et de Zlaya Hadic (Sonic Youth, Low, Motorpsycho, Tortoise) à la production (NDR : le groupe est souvent parvenu à engager d’illustres ingénieurs du son ; en 1994, lors de l’enregistrement de « Kuvun Huuto », il avait ainsi bénéficié de toute l’expérience de Kramer). Oui, mais la musique alors ? Paradoxalement, à force de manger à tous les râteliers, elle finit par devenir originale, mais surtout contemporaine. Apre, complexe ou éclectique elle peut même être pervertie par le post industriel, le funk blanc, la world, le reggae ou le psychédélisme. Un groupe unique en son genre !
Le premier contact peut indisposer, tant les filiations sont évidentes. Mais très vite les résistances fondent devant la maestria de ces jeunots, qui en seulement deux albums passent du statut de découverte à celui de groupe incontournable. Car même s'ils ont beaucoup écouté les récents travaux d'Opeth, Pain of Salvation, Anathema et Porcupine Tree, nos Polonais ont très vite trouvé leur propre syntaxe. Vous vous en doutez, les ambiances sont essentiellement mélancoliques et tourmentées. Le propos est très largement dominé par la guitare électrique de Piotr Grudzinski et la très belle voix de Mariusz Duda. Les éruptions exaspérées et les soli incandescents du premier se jouent de l'auditeur comme une mer déchaînée et l'emmènent vers de larges dérives anxiogènes peuplées de boucles hypnotiques. Le second ponctue son chant clair de cris de douleur déchirants et de litanies incantatoires. Michal Lapaj déroule de longues nappes sourdes et pesantes de claviers. A peine nous concède-t-il parfois quelques notes plus chaudes de piano électrique. Sans oublier le travail appliqué et intransigeant de la rythmique, assuré par la batterie de Piotr Kozieradski et la basse de Mariusz. C'est beau comme un lever de soleil hivernal sur les Pyrénées, grandiose comme une cathédrale, furieux comme un tsunami et absolument ‘bouleversifiant’. La production et le design de la pochette sont à la hauteur. Un incontournable, vraiment!
Au cours des trois dernières années, Hugo Race s’est montré particulièrement productif. Non seulement il a multiplié les projets les plus divers, mais flanqué de True Spirit, il a commis « The Goldstreet Sessions » en 2003, « Live in Monaco » l’année suivante et « Ambuscado », l’année dernière. Ce qui nous change des habitudes de l’Australien, car il avait fallu attendre quatre longues années avant qu’il ne se décide à retourner en studio avec son groupe (« Last Frontier », en 1999). Bref, Hugo respire la forme ; et son nouvel opus, « Taoist Priests » en est la plus parfaite illustration. Un disque intense, climatique, envoûtant, complexe, parfois cosmique, mais aux mélodies soignées qui confirme que l’artiste visionnaire atteint la pleine maturité. Il ne faut pas perdre de vue qu’il a participé à la confection de 6 albums des Bad Seeds ; et que si son aventure chez Wreckery n’a guère été médiatisée, elle a quand même accouché d’une discographie fort intéressante, dont trois elpees et deux Eps. Hugo possède une voix chaude, graveleuse, confidente, dont le timbre navigue quelque part entre celui de Tom Waits et de Chris Rea. Parfois même, on a l’impression qu’il chuchote à votre oreille. Côté musical, les 13 fragments de l’elpee oscillent entre le psyché/indus (le titre maître) au trip hop (le morceau caché), en passant par le post blues marécageux au refrain hymnique, contagieux « Ready to go », l’énigmatique « I know you », le savoureux « On the bright side », plage imprimée sur un mid tempo (Tony Joe White ?), la ballade narrative, confessionnelle, « Into the wood » (Chris Rea rencontre Léonard Cohen), l’instrumental cinématique « Beyond Babylon (autre rencontre hypothétique, mais cette fois entre Ennio Morricone et Tuxedo Moon), les floydiens sous leur forme lunaire la plus sombre « Unknown 04 » et « Walker », l’alt country « Cold mother » (Wilco ?), le blues indolent et spectral « Don’t mess around », l’incantatoire « Daytuna » (Robert Wyatt ?) et l’hymnique « Pray on », une compo balayée de chœurs et de cloches. Maintenant, il ne faut pas oublier le rôle des musiciens de True Spirit. Et en particulier du trompettiste Michelangelo Russo, dont les interventions cuivrées, jazzyfiantes, apportent davantage de profondeur à l’expression sonore.
Aussi bien en solitaire que chez le Red House Painters, Mark Kozelek s’est régulièrement consacré à l’exercice de style des reprises. Kiss, John Denver, Yes, Simon & Gardfunkel et même Genesis ont ainsi déjà fait l’objet de l’une ou l’autre adaptation. Mark avait même consacré un album complet aux covers d’AC/DC en 2001, « What's Next to the Moon ». Et il vient de remettre le couvert en réservant un opus complet à des reprises de Modest Mouse. Honnêtement, je dois avouer qu’après une première écoute, je n’étais guère enthousiasmé. Ce n’est qu’après avoir écouté très attentivement chaque plage que j’ai enfin pu en déceler la quintessence. En fait, Mark a déshabillé toutes les compos pour les laisser absolument nues. Ce qui rend le résultat particulièrement austère, dépouillé. Pourtant, la voix de Kozelek est toujours aussi bouleversante. Les cordes de sa guitare, jouée en picking, tintinambulantes. On a même parfois l’impression qu’elles sonnent comme celles d’un banjo. Les arrangements (orchestre symphonique, guitare steel ou électrique, backing vocaux) sont tellement subtils qu’ils en deviennent à peine perceptibles. Mais l’ensemble souffre d’une trop grande linéarité. Et la présence de trois ou quatre morceaux aux mélodies beaucoup trop ternes n’y est pas étrangère. Heureusement, Mark a encore ce sens inné de la complainte mélancolique qui vous berce l’esprit et vous fait chavirer l’âme. Mais c’est largement insuffisant pour un artiste de la trempe de Mark Kozelek…
Nederlands 
Français 
