Protégé de Van Morrison avec lequel le mimétisme vocal est parfois saisissant, James Hunter se la joue old school. Entre le vieux rhythm and blues cher aux intrépides danseurs et le voluptueux reggae des fieffés fumeurs. Sans blague, on croirait que l’enregistrement fut un incessant aller-retour entre les studios de Muscle Shoals et Kingston. Baignée d’orgue sixties et de guitares langoureuses, mâtinés de cuivres chaloupés, sa musique évoque toute une palette de sentiments bigarrés. Genre, je suis un gangster mais avec un putain de bon cœur. Sans même parler de cette voix, gracieuse et chaleureuse comme le corps d’une femme et posant ci et là quelques inflexions dignes du grand Ray. Le tout jouissant d’une production impeccable enfantée dans les studios vintage Toe Rag qui accouchent d’un grand album de Blue-Eyed Soul comme on n'en fait plus. Alors bien sûr, c’est absolument rétro mais le voyage est plutôt chic. Un saut dans la machine, quelqu’un ?
Hail Social décrit sa musique comme ‘une bande-son roller-skate des années 80, jouée par un groupe de métal’. Surtout, rester calme : s’astreindre à ne pas les vexer ! La bande-son des années 80… Voyons voir… Ah mais certainement : la belle carcasse rouillée de Duran Duran se profile à l’horizon. Pour le côté patins à roulettes, le problème est retourné sous toutes les acrobaties. Et, décidemment, le détail nous échappe. Reste le groupe de Metal. L’idéal serait d’envoyer un exemplaire promo de Hail Social à l’adresse postale du fan club de Burzum. Là, les quatre gigolos de Philadelphie auraient du souci à se faire. Invoquant le blasphème, une armée de Scandinaves chauffée à la scie circulaire se plairait à leur raccourcir les pattes arrière. Restons sérieux. Malgré une impressionnante série de concerts en première partie d’Interpol, Secret Machines, Rogers Sisters et autres TV On the Radio, Hail Social peine à sortir du lot, à aiguiser ses propos. La mèche demeure humide, le pétard mouillé. Où sont les tubes ? De gauche à droite, de droite à gauche, la lecture reste inchangée. L’album de Hail social trépasse, inodore, indolore. Poli à l’extrême, le son du quatuor ne rend pas hommage à leur bonne volonté. Une production imberbe grave le disque dans le musicalement correct et, quelques bons titres mis à part, le plaisir est instantané, rapidement évaporé : une bonne branlette sonore en somme.
A 28 ans, Lauren Hoffman n’a plus rien à apprendre. Signée à 17 ans par Virgin pour son premier album (« Megiddo »), la jeune fille tombe d’emblée sur une rivale impromptue : Fiona Apple. A l’époque, malgré un joli succès, cette concurrence tourne à l’avantage des courbes sensuelles de Fiona. Alors, la Major lui fait de gros yeux. Et Lauren détourne le regard, le plongeant sous d’autres cieux, créant Union Record, son propre label. Elle signe « From the Blue House », second album acclamé. Mais accablée par la gestion afférente à une maison de disque, miss Hoffman ordonne l’autodestruction de la structure et s’accorde une pause carrière pour ses 21 ans. Retour à la case départ : une vie familiale rangée dans une ferme de Virginie. Là-bas, elle ressasse l’histoire du folk, s’ennuie. Elle décide donc de s’envoler vers la Grosse Pomme, où elle vit des aventures humaines, danse sur des rythmes contemporains, étudie et grandit. Aujourd’hui, Lauren revient aux affaires par le prisme de « Choreography », abîme de mélodies endolories. La profondeur des textes, la beauté des notes d’un piano, l’éclat folklorique d’une guitare acoustique pointent Lauren Hoffman au firmament des univers de Cat Power, Fiona Apple et PJ Harvey. Irrésistible comme sur « Broken », cathartique, voire introspective sur « Solipsist », Lauren Hoffman nous offre un véritable exercice de style, grande leçon de persévérance. En onze titres, « Choreography » indique la marche à suivre et élargit les perspectives de la jeune chanteuse.
Le jeune chanteur Iba est originaire des Iles Vierges mais vit désormais aux Connecticut. Il est abrité par le label des musiciens de Bambu Station, autre formation originaire du même coin des Caraïbes. Il nous propose ici du reggae ‘strictly roots’ et empli de rhétorique rastafarienne. Le son est chaleureux, les musiques de Bambu Station sont soignées et bien produites, mais se cantonnent au style ‘one drop’ popularisé par Bob Marley. Le registre vocal emphatique de notre homme évoque un croisement entre Dennis Brown et Jacob Miller, tandis que ses vers font penser aux textes sans concessions de Max Romeo. Résultat, ce disque n’est guère novateur, et les maîtres du genre ont fait beaucoup mieux, il y a presque trente ans. Evidemment, les mordus incurables de ce style de reggae devraient trouver leur compte tout au long de cette galette ‘roots’ un peu convenue.
La pochette et les photos intérieures de ce disque font craindre les pires stéréotypes… Un type musclé et tatoué, de long cheveux noirs, un regard sombre, des poses plus cliché les unes que les autres... Bref, on se dit qu’on a hérité d’une plaque du digne héritier de Julio Iglesias…
Juan Esteban Aristizabal, alias Juanes, a débuté sa carrière à la fin des années 80 dans la sombre Colombie où Pablo Escobar faisait la loi. Son groupe Ekhymosis pratiquait du heavy metal et a même connu un certain succès. Entre-temps, Juanes a émigré aux Etats-Unis et a renoué avec ses racines colombiennes. Il a signé trois albums (entièrement en espagnol) qui ont fait de lui une superstar en Colombie et parmi la communauté latino-américaine vivant aux Etats-Unis. Ce nouvel album hésite entre des ballades un peu convenues (« Para tu amor », « Qué pasa ? », « Volverte a ver ») et quelques morceaux un peu plus intéressants où notre homme élargit sa palette musicale. Ouvrant l’album, le sautillant « Amame » donne le ton à « Mi Sangre » : une production efficace qui favorise les guitares et les orgues sans oublier les rythmiques (les batteries sonnent vraiment très bien). Focalisé sur une guitare sèche, « La camisa negra » est un mélange réussi entre des contretemps quasi reggae et des rythmiques traditionnelles. « No siento penas » trahit les influences Beatles de Juanes, tandis que « Damelo » est une incursion dans le funk rock tel que le pratique Lenny Kravitz. « Lo que me gusta a mi » et « Rosaria Tijeras » puisent quant à eux dans les rythmiques colombiennes et cubaines. A la fin, ce curieux assemblage qui oscille entre recherche musicale (plutôt réussie d’ailleurs) et ballades très FM laisse donc perplexe. On vous laissera donc le soin de juger, mais la production musicale de notre homme vaut en tout cas mieux que l’attirail visuel qui le présente.
Petit pot-pourri de réflexions à propos des Argentins de " Los Calzones ". Premièrement, gageons que les membres du groupe ne sont jamais allés manger dans une pizzeria… Deuxièmement, ils sont bien Argentins puisque la première page du site Web consacré au combo est barrée du splendide titre " Los Calzones & Diego Maradona ", photos à l'appui. Troisièmement, on confirme leur goût prononcé pour le football ; étant donné que les chœurs de hooligans semblent être la marque de fabrique de la musique qu'ils pratiquent. Quatrièmement, le groupe existe déjà depuis 1988 et se pose en chantre d'une sorte de ska/punk particulièrement indigeste. Cinquièmement, le solo de basse est probablement une des choses les plus laides jamais imaginées en musique populaire. Sixièmement, les Skatalites doivent se retourner sur leurs chaises roulantes en apprenant que les Los Calzones ont commencé à jouer par amour pour ces inoxydables défenseurs du ska originel. Septièmement, " Frecuencia Extrema " est un album… extrêmement mauvais…
Mieux connu pour son rôle de leader chez Apples in Stereo, Robert Schneider aime aussi cultiver son petit jardin secret. C’est ainsi qu’après 10 années de stand-by, notre homme a décidé de réactiver « Marbles », projet qu’il mena à ses débuts musicaux, bien avant de s’investir dans le commerce des pommes stéréophoniques. Pour y parvenir, il a disposé 10 morceaux sursaturés de claviers vintages, clairement estampillés 80’s, sur son petit étal du marché de la pop. Au consommateur, dès lors, de faire son choix entre les fruits trop ou pas assez mûrs et ceux prêts à la dégustation. Histoire de garder le meilleur pour la fin, on commencera par éliminer de son panier des titres comme « Circuit », « Jewel of India » ou encore « Magic », qui aurait pu figurer sur une fausse compilation de Supergrass achetée sur un stand de CD’s, à Bangkok. En amuse bouche electro/cheap 8 Bit à la saveur de lychees en boîte, on s’attardera ensuite sur « Expo » avant d’enchaîner par le plat de résistance composé d’une juteuse grappe à laquelle pendent « Out Of Zone », « When you Open » ou encore « Hello Sun ». Pour ces trois derniers titres, m’sieurs dames, vous pouvez y aller les yeux fermés, ça vient de chez Rentals, en face…
Paru en 2001, « Salt Rain », le premier album de Susheela Raman, tentait de redéfinir les contours de ce qu’on nomme souvent sans réfléchir la ‘world music’, une étiquette devenue presque insultante à force de clichés réducteurs. En mixant les sonorités traditionnelles de son pays d’origine (l’Inde) aux rythmes occidentaux (soul, rock, funk, folk,…) qui l’ont bercé depuis sa tendre enfance (passée en Australie et au Royaume-Uni), Susheela Raman avait pondu un disque rassembleur, d’une étonnante modernité. Embrasser différentes cultures, mais éviter l’indigeste ‘fusion’ qu’on nous sert à la louche depuis le « Graceland » du petit Paul Simon : voilà le pari qu’elle se fixe à chaque disque, et qu’elle arrive jusqu’ici à tenir, malgré les mauvaises langues. La nouveauté de ce troisième album, c’est la présence sur la plupart des titres de musiciens traditionnels indiens. Ceux-là même qui gardent bien vivante la mémoire d’une culture musicale, peu connue sur notre continent. Ce qui donne une succession de morceaux aux tonalités chamarrées et subtiles, où les tablas côtoient la guitare électrique et le sitar les notes funky du Rhodes… Sans parler de cette voix, qui s’exprime aussi bien en anglais qu’en hindou, voire en français sur un titre charmant (« L’Ame Volatile »). Enregistré entre Madras, Londres et Paris, « Music For Crocodiles » distille ses charmes universels sans verser dans le stéréotype qui colle souvent à ce genre de musique. Ici c’est du vécu, et ça s’entend. Les faussaires sont prévenus.
On ne donnait pas cher de la peau du Saïan Supa Crew depuis que Specta s’était barré en douce et que les autres s’étaient lancés, pour la plupart, dans une carrière solo après le succès de « X Raisons », en 2001… C’est donc avec bonheur qu’on les retrouve aujourd’hui, pour un troisième disque qui sonne directement comme leur plus bel effort. Dès « Blow », le titre d’ouverture, le beat claque et le flow subit d’incroyables embardées : ‘un bon son brut’, mais pas pour les « truands »… Même si sur l’ensemble de l’album le Saïan se montre plus dramatique qu’avant, un peu plus sombre. Mais que le b-boy lambda se rassure : au programme il y a de quoi faire la fête, de l’impeccable « La Patte » au comique « Feceps », une ode aux gros derrières et à la ‘booty dance’ qui va avec. Ailleurs, le ‘posse’ parisien n’oublie pas ses racines africaines et DOM-TOM (« Jungle », « Jacko »), et tente humoristiquement de faire valdinguer les clichés ‘sarkozystes’ qui collent à leurs banlieues (le puissant « Zonarisk »). Léger changement : la gymnastique verbale que tout le monde leur envie se fait ici moins bégueule, et sert d’abord le texte. Moins de frime, de tchatche et de refrains trop variet’ : pour toutes ces (x) raisons, « Hold up » est le meilleur album de Saïan Supa Crew. En plus, il y a Camille comme invitée sur le joyeux « Si j’avais su » : un gage de bon goût, là où d’autres rappeurs auraient choisi une biatche qui tire trop vite la langue (et l’agrafe de son 95C). Voilà un disque qui donne du peps et pétille aux oreilles : dans ce genre de braquage, on veut bien tous lever les mains en l’air.
Susan Tedeschi est née dans les faubourgs de Boston (Massachusetts). Elle est aujourd'hui âgée de 35 balais. A 15 ans, elle chantait dans le gospel choir du Collège de musique de Berklee. Elle fonde son band en 1994. Fin 95, elle sort son 1er album "Better days", un disque qui ne bénéficiera que d’une distribution confidentielle. Elle signe chez Tone-Cool Records en 98 et commet "Just won't burn", un opus qui la fera connaître. En 2000, elle enregistre deux plages pour l'album "Been a long time" de Double Trouble (la section rythmique de Stevie Ray Vaughan). En 2001, elle épouse Derek Trucks, préposé à la slide au sein de l'Allman Brothers Band et leader de sa propre formation. Fin 2001, elle grave "Wait for me", une plaque produite par Tom Dowd. Et en 2004, "Live from Austin TX" sur New West.
« Hope and desire » constitue déjà son cinquième elpee ; une œuvre consacrée aux reprises, l’album soul qu’elle avait toujours rêvé concrétiser. Nonobstant sa réputation d’excellente compositrice, elle se concentre ici sur ses performances vocales. Faut dire qu’au cours des dernières années, elle a donné naissance à deux enfants : Charlie et Sophia. Normal dès lors, qu’elle ait négligé sa création. Le talentueux Doyle Bramhall II se réserve la guitare, tandis que son époux, Derek Trucks intervient à sa slide sur trois plages. Le bassiste Paul Bryan, le drummer Jay Bellerose ainsi que les claviéristes Jebin Bruni et David Palmer ont participé aux sessions d’enregistrement.
Ce nouvel elpee s’ouvre idéalement par une reprise poignante de "You got the silver" des Rolling Stones (NDR : cette compo figurait sur "Let it bleed", un album paru en 1969). Susan chante généreusement cette version country/folk/blues caractérisée par les interventions lumineuses de Derek Trucks à la slide. Les sonorités volontairement surannées du piano de David Palmer introduisent "Soul of a man" de Fontella Bass. Le timbre radieux de Susan y épanche toute sa sensibilité. Une remarquable relecture de cette plage soul. Ballade gospel folk signée Bob Dylan, "Lord protect my child" rencontre la beauté à l'état pur, le dénuement extrême au service de l'efficacité. Derek s’y réserve le dobro acoustique. Susan passe spontanément au registre soul lors de l’adaptation du "Tired of my tears" de Ray Charles. Elle est soutenue par les voix puissantes de Jean McClain et de Niki ; mais également, et pour la dernière fois, par la slide de son époux. Douce ballade, le "Share your love with me" d’Aretha Franklin est enrichi par l'orgue Hammond de Bruni. La voix légèrement rocailleuse de Susan sort de sa réserve sur l'excellent "Evidence". Du tout bon R&B au cours duquel l'orgue et le piano électrique conjuguent leurs efforts. Quel que soit le registre abordé, la voix de Susan est d'une réelle beauté. Et c’est encore le cas tout au long de la ballade country pop "Sweet forgiveness", du morceau soul pop "Loving you is sweeter that ever" ou encore du R&B dansant "Security", une plage au cours de laquelle son timbre évolue dans un registre proche d’Etta James voire d’Aretha Franklin. L’émotion est à son comble, lorsqu’elle s'entoure des merveilleuses voix des Blind Boys of Alabama pour attaquer le "Magnificent sanctuary band" de Donny Hathaway. Lors de la cover de "Follow", elle a le bon goût de respecter la majesté du chant d’époque de Richie Havens. L'album s’achève par "The danger zone", un blues lent particulièrement accrocheur. Des drums de Jay Bellerose à la guitare sensuelle de Doyle, l’interprétation y manifeste une grande sensibilité. Si cet elpee demeure de bonne facture, je dois avouer attendre impatiemment sa prochaine œuvre personnelle…
Quel judicieux choix d’illustration pour la pochette. On n’aurait pas fait mieux : un triste monsieur sur un pont, prêt à se jeter par-dessus bord. C’est qu’on le jalouserait presque... Psalmodiant leurs incantations burlesques dans un français abscons, Wombat apporte une pierre à un édifice qui n’en avait pas forcement besoin. Les Valenciennois officient dans un rap-métal insipide lorgnant aléatoirement du côté hardcore de la force mais sans réelle énergie. Les vocalises lassantes de ce second EP ressassent des thèmes déjà mille fois usités, au détriment de la variété des arrangements de certains morceaux comme « Mauvais sort » ou « Esclaves en sursis » qui auraient pu quelque peu relever le niveau. Sans grand intérêt.
« Here I stand victorious / The only man who made you come » : Robbie Williams is back, prêt à faire chialer les gonzesses de ballades de plus en plus subtiles. Subtiles, oui, parce qu’ici l’ex-Take That a choisi un très bon songwriter pour lui écrire des tubes : rien moins que le Stephen Duffy, l’ex-leader des Pale Fountains, inconnu des fans mais culte chez tout amateur de mélodies jolies. Si James Blunt ravalait sa salive de crooner midinette et exigeait qu’on lui refile pareil bras droit pour torcher ses scies de « Rock’mantique », imaginez comme la vie serait belle… Heureusement, Robbie Williams est là, et que celui qui n’a jamais apprécié un de ses hits nous jette la première pierre. Depuis plusieurs années maintenant, notre homme sait comment faire pour trousser de belles chansons FM : c’est déjà mieux que rien, même si personne n’ose vraiment le dire. Alors, on l’écrit : Robbie Williams, c’est l’antidote au snobisme. Même que « Ghosts », « Sin Sin Sin » et « Random Acts of Kindness », eh bien ça sonne comme du David Bowie, ou presque. Un Bowie eighties, façon « Let’s Dance » (au pire) et « Scary Monsters » (au mieux). Voire du Neil Tennant (Pet Shop Boys), et l’on se demande d’ailleurs si le Robbie, tiens…, ne serait pas un peu bi (« I’ll be your gay friend »). Qu’importe le lynchage, la vie sans lui au hit-parade apparaîtrait bien fade. Plus de slows à la « Advertising Space » pour emballer la fille qui pieute au bar, ni de refrains tubesques (au hasard, « Tripping ») pour ensuite lui montrer qu’on danse comme personne. Ah, sans Robbie, qu’est-ce que la vie serait monotone ! D’accord on exagère, mais lui aussi et c’est pour ça qu’on l’aime.
Bouuuh qu'ils ont l'air méchants… ! ! ! Sur la pochette de leur nouvel album, les membres de The Apers tirent des tronches de circonstance. Yeux plissés, lèvres pincées, blousons en cuir : on est des durs les mecs ! Ouais les gars, c'est bien beau, mais faudrait peut être aussi que la musique suive, ce qui est loin d'être le cas. On vous l'accorde, votre punk and roll est certes plutôt burné… Mais purée, qu'est ce qu'il est laid ! ! ! C'est bien simple, tout auditeur un peu sensé n'attendra pas plus de dix minutes avant d'extraire " Skies are turning blue " de son lecteur et d'utiliser le disque comme sous-verre pour l'alcool bien serré qu'il se servira afin de se remettre de ses émotions. ‘Theeerrreee Sheee Goeeesss Agaaaain ! ! !’ éructe le chanteur à la voix de pochetron sur le sixième titre de la plaque ; de loin le plus laid d'entre les laids. Votre humble serviteur n'est pas allé plus loin… Non mais, faut pas exagérer ! ! !
« L’Emeraude », pierre précieuse du printemps éternel, brillance insoumise, pied de nez au diamant. Oui, Daphné est de celle-là. Elle joue sur un timbre sauvage, indomptable. Les mots se suivent. Sans se poursuivre, ils recherchent un sens. En vain. Alors, ils se mélangent, s’égarent, glissent, font des bulles. La voix de Daphné tend à l’abstraction, au surréalisme sonore. Un monde imaginaire, un paysage poétique où s’esquissent ces textes improbables. Daphné aurait pu s’accrocher à la branche hybride de Camille, déverser son univers au gré d’une Nouvelle Vague. Il n’en sera rien. « L’Emeraude » de Daphné restera emprisonnée dans une mine abstraite. Simple objet de convoitise qui suscitera les passions de quelques collectionneurs de préciosités.
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