Depuis quelques temps, on assiste à un regain de popularité du gospel. Pour le meilleur et pour le pire, cette musique religieuse est occupée de reconquérir une certaine visibilité. La chorale de Soweto fait partie des pointures du genre et leur premier disque « Voices from Heaven » a été une des meilleures vente de ‘world music’ aux Etats-Unis. Il est important de signaler que les gains engrangés par la chorale lors de ses tournées mondiales servent à financer des actions sociales dans la ravagée Afrique du Sud. Musicalement, les nombreux morceaux proposés sur ce disque oscillent entre traditionnels africains, reprises (« Asimbonanga » de Johnny Clegg) et évidemment classiques du genre tels que le beau « I Bid You Goodnight » ou encore l’immanquable « Happy Day ». L’accompagnement instrumental se résume souvent à de simples percussions africaines, même si parfois une formation basique (piano-basse-guitare-batterie-cuivres) soutient la chorale. Un accompagnement de toute façon discret, puisque les plus important procède des belles performances de ces chanteurs d’exception.
EP camouflé en album (7 morceaux, 27 minutes), « From the Bubble to the Box » est la première plaque de Des Murphy, alias Solid State Revival. Débutant par « Step into the sun », morceau pop franchement emballant, l’oeuvrette a ensuite tendance à s’essouffler quelque peu sans pour autant sombrer dans la médiocrité. Evoluant dans un registre pop indie saupoudré d’électro, Solid Sate Revival propose ainsi deux ou trois autres morceaux de qualité plus que correcte. « Circles » lorgne du côté de Flaming Lips période « Yoshimi Battle The Pink Robots» alors que « Better » se rapproche de certains morceaux des Américains de Wheat. En un peu moins bien, cependant…
‘Approchez, approchez mesdames et messieurs !’. A première vue, l’invitation est saine, on l’accepte. Le cirque de Svald semble sensible, poétique. Une fois à l’intérieur de cette « Loyale Mutinerie », changement de décor. L’auditeur n’a plus qu’une idée en tête : quitter le palais des horreurs ! La musique de Svald est bien déguisée. Sous des airs de clowns itinérants, les nordistes transgressent les codes et optent pour une fusion gothique de heavy, de black metal et d’emocore. Tracer la tangente entre ces genres n’est guère aisé. De loin, la fresque évoque Evanescence crucifiant le timbre de Lara Fabian d’un brame médiéval. Les vampires s’en donnent à cœur joie, les autres restent planqués. Protégeant leurs oreilles, attendant sagement la venue du jour, le soleil, la libération. L’œuvre proposée par Svald impose le funambulisme à vie, un équilibre instable entre la folie et la démence. Svald jongle méticuleusement avec l’hystérie. Y a-il une vie après la lypémanie ? Sincèrement, on l’espère…
Première signature de Team Love, le nouveau label de Conor Oberst (leader de Bright Eyes), Tilly And The Wall pratique une pop inspirée par le malaise et les tourments de l’adolescence. La composition du groupe est atypique ; deux voix (fille et garçon), beaucoup de claviers aux sons ‘enfantins’ et des instruments à vent, peu de batteries naturelles mais plutôt des percussions diverses et variées, dont une joueuse de claquettes (tap dancer), qui doit sûrement constituer l’attraction principale lors des concerts. Côté musique, Tilly And The Wall lorgne particulièrement vers la pop des Bataves de john.wayne.shot.me ; faussement légère et emprunte de mélancolie. Les ballades pastorales constituent les meilleurs morceaux du disque : « Fell Down The Stairs », « Bessa », « Reckless », « Let It Rain », « Shake It Out », « I Always Knew » ; toutes parfaites et qu’on écoutera en boucle. Si vous avez versé une larme sur le disque d’Hermann Düne, vous pouvez franchement écouter Tilly And The Wall ; et vous ne serez pas déçus…
Hommage balourd au film « The Player » de Robert Altman, le quatrième album studio de Daan déroute. Une fois de plus... Après quelques morceaux de bravoure opérés en compagnie de Dead Man Ray, Daan Stuyven s’en est allé. En solo, ce sera Daan : pour le meilleur et pour le pire. A l’écoute de ce nouvel album, un constat s’impose : l’apogée créative et populaire du musicien est passée. C’était en 2004, les doigts en ‘v’, nous acclamions la sortie de « Victory », une collection de hits disco pop outranciers et réjouissants. Mais depuis, Daan a cherché à métamorphoser sa pop synthétique. Et tout ne s’est pas déroulé comme prévu. « The Player » en témoigne. Pas de tube dance de l’envergure de « Housewife » sur ce disque, pas d’« Eternity » non plus. D’ailleurs, de son propre aveu, Daan commence franchement à trouver cette chanson absurde. Dommage. Cette absurdité nous plaisait...
Après un voyage aux Etats-Unis et quelques coups de sécateur dans le « Jardin secret » d’Axelle Red, Daan a esquissé les bases de « The Player », compilation décevante de titres grandiloquents, souvent énervants. Cette fois, le dandy flamand chante en anglais, en français et en allemand. Après les frasques d’un single éponyme fort léger, le nouvel album se perd dans de bas fonds, souillés de pauvres touches jazzy et de résidus électroniques estampillés eighties. En allemand, ce n’est pas très alléchant. D’entrée de jeu, Daan se risque à chanter dans la langue de Goethe sur « Mirror ». Le résultat est (d)étonnant : un morceau composé pour une collaboration future entre Rammstein et Hooverphonic ? Qui sait... Le reste de l’album creuse cette même veine. On y entend Daan épuiser tout son registre de cyborg d’opérette sur un tapis sonore eurodance de mauvais aloi. Alors, qui dit mieux ?
Thomas Ruf a concocté une collection très intéressante consacrée aux femmes impliquées dans le blues féminin ; et plus particulièrement aux chanteuses et guitaristes. Faut dire que dans son esprit, il a toujours le souvenir impérissable de Memphis Minnie, un véritable mythe qui a composé, chanté, joué et enregistré le blues pendant plus de 40 ans. Ce double CD est partagé entre deux styles de blues. Le premier disque s’intéresse au blues contemporain (NDR : le plus souvent électrique) et le second au blues traditionnel.
L’œuvre s’ouvre par une adaptation du "Can't quit the blues" de Buddy Guy opérée par le Lara Price Band. Une plage très électrique introduite par plus de deux minutes de guitare vagabonde avant que le chant de Miss Price n’entre en scène et puis s'impose. Mais on en retiendra surtout la dégaine versatile d’une certaine Laura Chavez, une fille de 22 ans préposée pour la circonstance au manche (NDLR : ça rime presque !). Dès les premiers accords de "Takin' it all to Vegas", on reconnaît sans peine la présence d’une autre Californienne : Debbie Davies. Après avoir fréquenté l'école d'Albert Collins, cette chanteuse/guitariste a acquis une expérience certaine et drive même ses propres troupes depuis un bon bout de temps. Une chose est sûre, son intervention est sans faille. Alice Stuart fait déjà figure de vétéran. Faut dire qu’il y a quarante ans, elle pratiquait déjà du folk blues ; et puis elle a milité chez les Mothers of Invention de Frank Zappa. Elle possède une bonne voix y et met toute sa conviction pour interpréter "The man's so good". En outre la formation affiche une excellente cohésion et ne s’égare pas dans les fioritures instrumentales. Sue Foley (NDR : cette Canadienne qui a forgé sa notoriété à Austin, au Texas, écrit actuellement un livre consacré aux ‘femmes guitaristes’) laisse échapper des grappes de notes hispaniques de ses cordes acoustiques, tout au long de l’instrumental "Mediterranean breakfast". Une compo chargée d’émotion et empreinte de charme, caractérisée par des percussions efficaces et un orgue discret. Cependant, lorsque Miss Foley décide de brancher l’amplification, nous pénétrons dans un univers sonore redoutable, proche du grand Peter Green. Un moment privilégié qui illumine cette collection! Deborah Coleman a commis quelques albums d’excellente facture, au cours de la dernière décennie. A un tel point que la fréquence de ses sorties nous est devenue familière. La féline se réserve ici un instrumental climatique : "The river wild". Joanna Connor amorce un "Livin' on the road" en douceur, avant d’y communiquer une étincelle électrique, virant alors vers un hard rockin' blues, expression sonore tonifiée par le vocal plutôt agressif et une slide opiniâtre. De nationalité serbe, Ana Popovic concède un autre instrumental : "Navajo moon", une plage cool, jazzyfiante, inspirée par Ronnie Earl et Stevie Ray Vaughan. Carolyn Wonderland n'est pas très connue. Elle compte pourtant quelques elpees à son actif. Elle chante, joue de la guitare, mais aussi de la trompette, de l'accordéon, de la mandoline et des claviers. Pour attaquer "Judgement day blues", elle a reçu la collaboration de Guy Forsyth à l'harmonica. Le tempo est bien enlevé tout au long de ce titre puissant et immédiat. En se dirigeant vers la Louisiane de Baton Rouge, le climat devient plus intimiste. Soutenue par ses Exiles, l’excellente Miss Eve Monsees (NDR : une inconnue également établie à Austin, au Texas) irradie le célèbre "Lonely lonely nights". Sa voix est un peu frêle mais la guitare manifeste une grande efficacité. Maria Muldaur et Bonnie Raitt se sont réunies pour interpréter "It's a blessing". Un moment de grande intensité alimenté par les deux voix très pures de ces artistes notoires. Elles chantent avec beaucoup de bonheur ce succulent fragment de country blues acoustique. Et le recours au bottleneck accentue cette sensation de fraîcheur. "Dreamland" durcit le ton. L'attaque est brute, primaire. La slide libère un son totalement pourri. La responsable ? Une Finlandaise ! Un bout de femme plutôt frêle qui répond au nom d’Erja Lyytinen. Elle devrait bientôt sortir un album chez Ruf. Une œuvre à laquelle il faudra se montrer attentif. Barbara Lynn épingle un autre instrumental : "Lynn's blues". Un morceau bien ficelé dynamisé par une section rythmique qui ne manque pas de groove. Nonobstant leur fragilité, les cordes atteignent facilement leur cible. A premier abord peu farouche, Tracy Conover affiche une fameuse santé. Jolie, blonde, cette Texane exécute le célèbre "Goin' down", jadis immortalisé par Freddie King, d’une manière très convaincante. Elle a déjà du métier et semble apprécier le jeu de Jimi Hendrix! La première plaque s’achève par Beverly "Guitar" Watkins et le gospel de Ruthie Foster.
Consacré à un blues plus traditionnel, le second morceau de plastique implique quelques artistes confirmés. Solide sexagénaire issue de la Georgie, Precious Bryant amorce ce disque par son "Fool me good". Elle milite au sein d’une organisation remarquable qui répond au patronyme de "Musicmaker Relief Fund". A l’instar de trois autres membres ici présentes : Algia Mae Hinton, Etta Baker et Rory Block. Agée de 76 ans, Algia Mae Hinton manifeste une grande habileté à la guitare sèche. En outre, elle possède une voix poignante, qui a du vécu… Issue de la Caroline du Nord, Etta Baker aura bientôt 93 balais. Tout au long de "One dime blues", elle fait preuve d’une grande clarté dans son jeu. Rory Block impressionne lors d’un enregistrement immortalisé en public : le "Fixin' to die" de Bukka White. Le premier elpee de Ellen McIlwaine (« Fear Itself ») remonte à 1969. Depuis, elle en a édité une flopée. Originaire de Nashville, elle affiche une grande habileté sur le manche sur "Dead end street". Les sonorités de sa six cordes résonnent comme celles d’un sitar ! Deux artistes impliqués sur le CD contemporain se produisent ici sous une forme ‘unplugged’ et y démontrent tout leur talent. Tout d’abord Sue Foley, dont la voix de fausset charme "Doggie treats" et puis Alice Stuart lors d’un "Rather be the devil" particulièrement réussi. Mais un des sommets de ce volume est atteint par Jessie Mae Hemphill, une artiste issue du Mississippi. Sont style très original est imprimé sur le rythme du chemin de fer. Gaye Adegbalola est (très) blonde, mais noire de peau. C’est également la guitariste de Saffire. Son timbre vocal est âpre. Rory Block l’accompagne tout au long de son "Nothing's changed". La fin de l’opus est hantée par quelques fantômes. De grandes voix du blues aujourd'hui disparues qui nous font encore vibrer. Tout d’abord la Britannique Jo Ann Kelly dont le timbre sublime et beau à pleurer magnifie "Ain't nothing in ramblin". Mattie Delaney, Elvie Thomas et Geeshie Wiley étaient issues du Mississippi. Elles ne sont guère connues. Et pour cause, leurs enregistrements remontent à 1930. Pourtant, leurs interprétations ne maquent pas de sensibilité. Pour clore cette œuvre, il était impossible de passer sous silence l'inspiratrice de cette collection : l'inoubliable Memphis Minnie, décédée en 1973, à l'âge de 76 ans. Thomas Ruf a choisi "In my girlish days". Une bien belle collection passée en compagnie de ces dames du blues…
Fondé en 1991, Double Stone Washed est issu du Sud Ouest de la France. Des adeptes du rockin' blues ou plus exactement du pub rock des seventies ; un style magnifié autrefois par Dr Feelgood. La rencontre entre ce genre musical et le punk rock de la fin des 70s allait déboucher sur la naissance d'excellentes formations comme Eddie & the Hot Rods, Nine Below Zero, les Inmates ou encore Little Bob Story. Et il ne fait aucun doute que les D.S.W. se sont inspirés de ce courant. Réservé à des compositions maison et emballé sous une pochette en jean délavé, leur premier opus, "Take it", est paru en 1994. En 96, ils commettent leur deuxième elpee : "Live at the Bateau Ivre". Il faudra patienter jusqu’en 2001 pour retrouver la trace d’un enregistrement. Ce sera à l’occasion de leur participation à la collection "Tribute to Lee Brilleaux". Un an plus tard, ils éditent enfin un nouvel opus : "Don't stop washing". Un disque concocté sous le patronyme de Double Stone Washed Blues Band qui épingle de nombreux standards du blues. Enfin, en 2004, ils ont immortalisé leur set accordé en public, au Festival blues de Traverse. A Cléon, en Normandie. En supporting act de Ten Years After. Un brûlot gravé sur cette plaque.
Sur scène, le line up implique le chanteur/harmoniciste Lilian Descorps, les frères jumeaux Franck et Frédéric Villafagne, respectivement à la guitare et à la basse ainsi que le drummer Julien Bigey. Episodiquement, Laurent Chêne (NDR : le manager !) se fond dans les chœurs. Enfin, quand il le sent bien! Les Double Stone ne font pas dans la (fine) dentelle. Ils ont une pêche d’enfer. Leur rockin' blues est sans compromission.
Franck attaque nerveusement ses cordes sur le devant de la scène. Rivé derrière son micro Lilian éructe puissamment ses vocaux ; mais dès qu'il relâche l'attention, Franck se libère. Très rythmique, les deux compos d'ouverture, "Stammering days et "Come on in my house" (NDR : elles sont signées par le groupe !) plantent définitivement le décor. En effet, dès que Lilian souffle dans l'harmo, nous entrons de plein pied dans l’univers pub rock. Proche d'un Doctor Feelgood ; mais en plus puissant, en plus implacable. Plus intéressant encore, lorsque la machine imprime un tempo boogie, rien ne semble pouvoir l'arrêter. A l’instar de "Well I done got over it", une compo au cours de laquelle on a l’impression que tous les musiciens sont en surrégime. Fervents adeptes des Pirates du gratteur Mick King, ils attaquent le redoutable "Shakin' all over", un titre que jouait jadis (NDR : n°1 en 1960 !) King, lorsqu’il secondait le rocker Johnny Kidd. Fred se démène comme un beau diable, en injectant le maximum d'écho dans ses cordes. Le rythme file à toute allure pour la cover du "Hong Kong Money" de Dr Feelgood, époque Gypie Mayo. Les D.S.W. sont vraiment à leur affaire lorsqu'ils rockent et rollent. Et ils déménagent littéralement quand ils reprennent le "Travellin' band" du Creedence Clearwater Revival. Le Double Stone Washed me rappelle Count Bishops, un groupe anglais méconnu qui a sévi à de la fin des 70s. Leur line up impliquait deux guitaristes (Zenon De Fleur et Johnny Guitar) ainsi que le chanteur Dave Tice, dont la voix grave est fort semblable à celle de Descorps. Nos Sudistes ( ?!?!?) ont atteint leur (folle) vitesse de croisière. Lilian s'époumone sur son harmo pour balancer le "Parchman farm" de Mose Allison, une plage qui emprunte au détour le Bo Diddley beat. Frank se met dans la peau de Mick Green pour interpréter "Quit while you're behind", un morceau signé Will Birch et bien sûr enregistré par Dr Feelgood. Le combo ne desserre jamais l’étreinte, emportant tout sur son passage, dont le "Witch queen of New Orleans" de Redbone, une version super speedée du "Drinkin' wine spoo-dee-oo-dee" de Brownie McGhee et enfin une adaptation amusante du "The dog" de Rufus Thomas. Le rock'n'roll blues de Double Stone Washed est rude. Mais ce type de formation est nécessaire ; car il apporte le bonheur au public. Et puis il déploie une telle énergie et manifeste une telle volonté de faire partager sa passion et ses rythmes, qu’il en devient un garant de l’authenticité. Lors du rappel, le combo en profite pour adresser, à travers "Call the doctor", un clin d’œil à qui vous savez. Frank se secoue alors comme Wilko Johnson pouvait le faire trente ans plus tôt…
Le lieu de naissance d’un individu demeure le meilleur prétexte de sa vision de la vie, de son interprétation du monde. Dieu, la guerre, la culture. Tout, en définitive, semble déterminé par un point géographique arbitraire, choix d’une mère nature énigmatique. Aux Etats-Unis, par exemple, la morale et la religion s’unissent contre l’axe du mal, la musique et la country se fondent dans une même industrie, formatée pour rythmer la conception américaine d’un univers américain. En Californie, sous le soleil de San Diego, Nickel Creek n’a pas échappé à la règle. Le quatuor perpétue ainsi les traditions ancestrales de ses ancêtres musiciens. La voix douce, aimable et plaintive de Sara Watkins cherche le réconfort sous l’égide protectrice du timbre chaud du mâle, Chris Thile. En filigrane de cette attendrissante relation, bluegrass et country alimentent le spectre des stéréotypes. Nickel Creek coïncide avec la conception européenne du folklore yankee. A l’écoute des couches contemporaines de banjo, mandoline, guitare, et violon, l’Européen retrouve toutes ses représentations collectives attachées à la vie des cow-boys. C’est rassurant. C’est idiot aussi. Le nouvel album de Nickel Creek séduira d’abord les amateurs de mythes conventionnels. Pour les autres, les quatorze mélodies du groupe sont là. A prendre ou à laisser. A écouter ou à interpréter.
Encore un groupe issu de New York. Responsable de quatre albums à ce jour, il a connu toute une série de changements de line up depuis sa fondation, c'est-à-dire depuis 1997. Finalement, la formation est aujourd’hui réduite à un trio. « Collisions » constitue déjà son quatrième opus. Un disque pour lequel le groupe a reçu le concours de Chris Zane (Televised) à la production et surtout de Victor van Vught (Nick Cave, PJ Harvey) au mixing. Découpé en 11 titres, « Collisions » évolue au sein d’un univers sonore tout à tour cosmique, psychédélique ou noisy. Le spectre de My Bloody Valentine n’est jamais très loin, même si les mélodies pop prennent le plus souvent une forme hymnique. A l’instar du superbe « It dawned on me », plage balayée de cordes de guitare bringuebalantes, cristallines, et raffinée par des harmonies vocales limpides, qui aurait pu relever du répertoire des Byrds voire de Teenage Fan Club. Ou mélancolique. Une mélancolie douce, ténébreuse, infusée par les vocaux caressants d’Aurelio Valle, dont le timbre, sis quelque part entre celui de Conor Oberst et d’Elliott Smith, semble chuchoter au creux de votre oreille. Ce qui n’empêche pas le band d’explorer d’autres formes musicales. Et je pense tout particulièrement à l’atmosphérique, presque trip hop, « Pulverized », au cinématique « Stumble », ou au final « Oveshadowed », profilé sur un crescendo épique. Mais la quintessence de cette œuvre est atteinte sur les morceaux qui libèrent l’adrénaline la plus pure, la plus sauvage. « Swagger » en est probablement le plus bel exemple ; mais également le tribal « Testify » ou encore le capricieux et luxuriant « So far, so what ». Un bien bel album !
Même si les Dirty Three en sont déjà à leur septième album en l’espace de 14 ans, on a beau dire mais ‘non non rien n’a changé’, et tout continue, cahin-caha, sans grands bouleversements sonores : la seule grande nouveauté de ce disque, c’est Chan Marshall (Cat Power), qui pousse la chansonnette sur le joli « Great Waves ». C’est en effet la première fois qu’un album des Dirty Three n’est pas intégralement instrumental, mais à part ça, rien de nouveau dans la besace de Mick Turner (guitare), Jim White (batterie) et du Bad Seeds Warren Ellis (violon). Si les morceaux ont peut-être gagné en concision et en vigueur (« Doris », « The Zither Player »), ou s’approchent rythmiquement d’un jazz néo à la Chicago Underground Trio (« Rain On »), ce « Cinder » n’arrive cependant pas à éclipser la splendeur du fameux « Ocean Songs » sorti en 1998. Les Dirty Three, ancêtres du post-rock à la Constellation ? C’est la bio qui le dit, mais à vrai dire tout le monde s’en fiche. On bâille.
En 2003 sortait un bel album de pop altière, « Mouthfuls », et avec lui, de l’anonymat, Eric Johnson, songwriter émérite biberonné aux Beatles plus qu’aux Stones. Aujourd’hui secondé par Dan Strack et John Byce, Johnson réanime ses Fruit Bats, le temps d’un chouette album soft pop qui rappelle les Shins, Modest Mouse et les frères Nourallah. Pourtant, il paraît que Johnson voulait que ce disque sonne comme un beau chant du cygne – noir, le cygne : ‘I was going to write this dark bummer record with shades of optimism, but my life started getting better’… D’où ce disque, romantique, comme si Gram Parsons était fan de Ravel et mangeait tout le temps des pissenlits, mais pas par la racine. Et qui dit romantisme, dit nostalgie : les seventies, les sixties, rien de bien neuf mais rien à redire, d’ailleurs Johnson aime Tim Buckley, et Tim Buckley est un génie. Pour conclure cette critique, un titre, le dernier de l’album : ‘Everyday That We Wake Up It’s a Beautiful Day’. Si c’était vrai chaque matin, on proclamerait Fruit Bats « meilleur groupe du monde ». Ach, pas de chance : ce n’est vrai pour personne.
Confidence pour confidence. Gitbox ! dévoile un magnifique trompe-l’œil, esquissé du nom de quatre musiciens. Pourtant, derrière les ornements de façade se cachent les idées de Roeland van Niele, manufacturier alternatif depuis 1994. Créé aux Pays-Bas, en cette annuité de douleur pour le rock – Kurt vient de se planter une dose de plomb dans le cortex – Gitbox ! amasse les miettes d’un genre voué aux arpenteurs de caves et autres clubs enfumés. Ce nouvel album s’infiltre ainsi dans les commissures d’illustres précurseurs pour lesquels le succès n’était qu’un vaste et vague concept. Le Velvet Underground, Big Star ou les Meat Puppets bordent les contours de ce « Songs for Shiftless Days ». Les compositions impulsées par Roeland van Niele brillent d’une évidente appétence mélodique. D’une humeur à l’autre, Gitbox ! pose ses 13 nouvelles chansons sur le chemin de la ritournelle pop. Intègre, conscient d’appartenir à une scène ignorée (inexplorée ?) des ondes radiophoniques, le groupe s’empresse néanmoins d’étaler quelques lumineuses touches mortifères. L’album devient alors l’apanage d’un auditoire restreint : collectionneurs de disques, rats des villes, fureteurs de concerts confidentiels. En Belgique (et ailleurs), Gitbox ! pourrait trouver une place de choix dans le cœur des aficionados de Venus ou dEUS. A moins de trouver refuge auprès de Zita Swoon, un véritable 'Band in a (Git)Box !'
Les Hush Puppies nous viennent d’outre-quiévrain. Un quintette réunissant quatre perpignanais et un parisien ; mais établi depuis quelques années dans la capitale française. C’est d’ailleurs à Paris que le groupe s’est forgé une solide réputation sur les planches en se produisant, notamment à la Scène, au Glaz’art ou encore au Nouveau Casino. Après avoir commis l’un ou l’autre Ep, la formation a décidé d’enregistrer son tout premier album. Un disque qui fait la part belle au garage. On imagine d’ailleurs que le combo doit est nostalgique de la musique pratiquée au cours des sixties et au début des seventies. Et puis d’avoir beaucoup écouté les compiles 'Nuggets' et 'Peebles' (pensez aux Seeds, à Count Five ou encore à Chocolate Watch Band). Encore que les ombres des Flamin’ Groovies, des Fleshtones, des Charlatans (à leurs débuts) et de Coral, planent tout au long de cet opus. Là on dépasse le cadre des 60’s et on entre progressivement, dans un univers de plus en plus contemporain. D’ailleurs, à l’instar de 22 Pistepirkko, les Hush Puppies n’hésitent pas à tirer parti de la technologie moderne. Le tableau de références dressé, on peut donc passer à l’analyse de ce « The Trap ». Vous ne serez guère surpris d’apprendre que la musique fait la part belle aux mélodies contagieuses, hymniques, balayées de déflagrations électriques, alimentées par des guitares fuzz, malsaines, une basse entêtante, des claviers jouissifs, rognés, liquides ou spectraux et des drums luxuriants, souples. Des mélodies le plus souvent imprimées sur un tempo allègre. Mais les Puppies peuvent compter sur la présence d’un chanteur à la voix ample, bien timbrée, dont les inflexions peuvent osciller d’un Guy Chadwick à Ray Davies en passant par James Skelly (The Coral) ; nonobstant un accent frenchy… N’empêche, cette plaque plutôt revivaliste est plutôt bien fichue et surtout très agréable à écouter. Elle recèle même quelques titres irrésistibles, comme le single « You’re gonna say yeah ! » ou encore ce « Marthelot ‘n clavencine », dont la superbe mélodie est constamment lacérée par des accès d’électricité démoniaques. Dans un registre différent, « Bassadautobahn » est même sculpté dans une forme assez subtile de new wave électro. Le titre maître ? Un piège : une plage d’un peu plus de 2’30 de silence… Les Hush Puppies sont actuellement en européenne et se produiront notamment ce vendredi 24 février à la Maison de la culture de Tournai, dans le cadre du festival D’Hiver Rock 2006.
Romantisme crasseux et morbide quand tu nous tiens… La saison hivernale aidant, on appréciera particulièrement « Bushido Karaoke » un bon whisky à la main, par une froide et lumineuse journée alors que les rayons du soleil pâlissent. Troisième opus des Américains de « Mayday », l’oeuvrette, fortement influencée au dire de ses géniteurs par les ‘Death Ballads’ des 50’s, se révèle effectivement crépusculaire et poussiéreuse à souhait. Dans ses meilleurs moments (« Standing in Line at the Gates of Hell »,) on peut y ressentir l’influence bienveillante d’un certain Nick Cave, auteur en son temps d’un … « Murder Ballads » que l’on n’a pas oublié. Les chansons bibliques paranoïaques de 16 Horsepower ne sont jamais loin non plus (« Father Time »)… On notera cependant que l’ensemble a du mal à tenir la route sur la longueur et quelques morceaux comme « I’m not afraid to die » (quand on parlait de Nick Cave…) ou « Dave D. Blues » sont carrément nuls à c… Des égarements vite oubliés par la grâce de titres tels « Burned my Hands » ou encore « Billy boy Blues » aux couleurs délicieusement Rednceck. Un album très correct…
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