Rob Donavan est issu de Dallas, au Texas. Depuis qu'il dirige son groupe, il a eu l’opportunité d’ouvrir les sets de Sam Myers, Johnny Moeller, Hash Brown, Chris Zalez (Mike Morgan & the Crawl), Robin Banks et bien d’autres. Peu connu extra muros, il pratique pourtant un blues de très bonne facture. Il avait déjà commis un album en 2004 : "Donovan's riff". "She´s got soul" constitue son second opus. Un disque pour lequel il a tout composé, enregistré, mixé et produit. Il a cependant reçu le concours de Jerry DeCicco à la basse, Ron Franklin aux drums et Bill Johnston à l’harmonica.
Une guitare bien texane ouvre le feu dès l'instrumental "Pretty Polly". Une plage immortalisée live au Pigeon Hole d’Irving. Le style est clair, proche d’un Anson Funderburgh voire d’un Mike Morgan. A moins que ce ne soit de Freddie King qui inspira des générations de gratteurs texans et d'ailleurs! Le tempo accélère. L'harmonica de Bill Johnston se met en évidence. Rob chante ce "Leaving just the same", d'une voix bien assurée. La section rythmique remplit son rôle. D’un niveau honnête, l'harmo décoiffe, puis décolle. Ses échanges opérés avec les cordes de Rob libèrent pas mal de swing. Blues lent, "Good time girl" affiche une sensibilité très texane, inspirée mais certainement pas purement et simplement pompée chez Stevie Ray Vaughan. Elle lorgne d’ailleurs davantage vers son frère, Jimmie Vaughan. La formule est simple et dépouillée mais très efficace. La voix passe bien la rampe. "My name is drink" produit un swing léger. Une compo qui démontre l’éclectisme de Mr Donavan. Ainsi, l'instant suivant, il s’embarque sur "Fool me once twice", un fragment bien rythmé, exécuté dans l’esprit d'Albert King ou alors s’engage sur "Killing floor", un morceau au cours duquel Johnston se met en exergue à l'harmonica! Ballade bluesy, "Every hour of every day" est imprimée sur un tempo lent ; un titre mélodique qui autorise une envolée de guitare aux notes parcimonieuses, mais bourrées de feeling. Dans les grandes lignes, Rob partage son répertoire entre style chicagolais très orthodoxe et blues bien texan. Ce qui ne l’empêche pas de dispenser certaines mélodies plus ‘swinguantes’. A l’instar du captivant "I dont need for nothin", caractérisé par son solo récréatif. Côté Chicago, "Like, love, leave" consomme sa dose d'harmo, alors que le rythmé "North Side baby" permet à un Rob extraverti, très agressif, de déverser des flots de notes. Sur la route texane enfin, le shuffle "When will I be a hole" et le titre maître ne naviguent jamais tellement loin de l’univers de Vaughan. De bonne facture, cet opus n’affiche cependant pas de grande prétention.
Sorti aux Etats-Unis l’année dernière, ce live de Lagwagon résume l’esprit qui anime ces éternels adolescents depuis plus de quinze ans. En gros : une rythmique sonique à la vas y que je te pousse, un humour hésitant entre doigt dans le nez et main dans le cul. Enregistré en direct du « House of Blues » d’Hollywood en 2003, « Live in a Dive » propose un tour d’horizon des tubes incisifs des trublions de Santa Barbara. « Tu me diras pourquoi… ? » Oui, pourquoi écouter ces brûlots à haute teneur pipi caca ? Pour se détendre. Pour faire son Américain devant le miroir de la salle de bain. Pour bouffer du pop-corn en sautant la sœur du voisin. Pour se peroxyder le cuir chevelu. Pour toutes ces raisons (et bien d’autres encore), ce concert de Lagwagon vaut la peine d’être vécu. En short, en Vans et socquettes blanches. Et de reconnaître à ces gaillards un don inouï pour la scène. L’écoute de « Sick », « Give It Back » ou « Razor Burn » suffit à persuader les réticents au pogo. Plus d’une heure de turbulences adolescentes, 22 chansons gentiment triturées à la Gibson. Un moment agréable pour picoler son milk-shake. Dans la bouche, un goût d’Amérique, courant de NOFX à The Bronx, de Pennywise aux Descendents.
Quatrième album en dix ans de carrière pour l’enfante de Norwich, la tendre Beth Orton. Une fois encore, elle signe la bande-son préférée de nos dimanches. Pluvieuses de préférence, ces journées dominicales n’en seront que plus belles. « Comfort Of Strangers » est l’incarnation musicale de sa pochette : un arc-en-ciel lumineux venu éclairer des plaines de mélopées cotonneuses. Enregistré en deux semaines en compagnie de Jim O’Rourke (Sonic Youth, Gastr Del Sol, Loose Fur), ce disque s’installe progressivement dans nos vies. Ni primesautier ni emballé, l’ouvrage se révèle aux détours de plusieurs écoutes attentives. Comme un ami dévoilant progressivement sa charmante personnalité. La mélancolie habitée de « Daybreaker » (2002) se fait oublier et laisse entrer le soleil, l’espoir. Véritable cri de ralliement, l’optimisme se glisse au revers des comptines bucoliques versées par Beth Orton. Les arpèges folks spartiates, antre du succès de l’initial « Trailer Park », alimentent aussi ce nouvel album. « Shadow of a Doubt » suffit pour s’en convaincre. Les plus beaux morceaux de ce disque demeurent gravés dans un écrin de douceur. Ainsi, « Worms » et « Shopping Trolley » bercent l’auditeur dans un rêve éveillé, orchestré d’instruments variés, facilement authentifiés : piano, harmonica, orgue, guitare acoustique, accordéon esquissent ainsi l’univers éthéré de « Comfort Of Strangers ». Un petit paradis sur terre.
Aaah, Röyksopp et ses membres aux noms imprononçables ! Ceux-là même qui nous ont fait goûter à leur délicieux « Melody A.M. » et ses irrésistibles perles électroniques avant d’en décevoir plus d’un en servant le correct mais tiède « The Understanding ». Pour la suite, on pouvait s’attendre à mieux mais Svein et Torbjorn viennent de remettre le couvert en nous servant un EP ‘live’ d’une froideur nordique. Au menu : un « What Else Is There ?» mutilé, un « Only This Moment » sans saveur et un « Remind Me » nappé d’un vocoder indigeste. Et on ne parle que des entrées… Vu le massacre, on ne regrettera pas un seul instant l’absence de « Eple », la bombe des dancefloors. En lieu et place, on a droit à un « Go With The Flow » des Queens Of The Stone Age à la sauce suédoise. Ecœurant ! Nul doute que cet enregistrement public vise les véritables mordus de Röyksopp. Et peut-être aurait-il mieux valu au duo de le proposer uniquement via son site internet.
Pour situer nos nouveaux amis, il convient de les ‘contextualiser’, de les replacer dans leur milieu naturel : sur scène. Celle des bars austères de la Motor City. Saturday Looks Good To Me (ce nom !) est le compagnon de route d’autres formations régionales, toutes prêtes à faire péter la banque mondiale des hits : The Avatars, The Greenhornes, Blanche, Ko & the Knockouts, The Sights, The Dollfaces, Terror At The Opera, etc. A l’analyse, ils sont nombreux à croupir dans l’ombre de la cape dorée de Jack White. Enregistré fin 2004 sur les rives du lac Michigan, ce troisième album de Saturday Looks Good To Me parvient enfin aux portes de notre continent par la magie de l’import. Ainsi disponible dans toutes les bonnes confiseries, « Every Night » est « le » disque à brandir à la face des lourdauds qui viennent de découvrir les White Stripes. Un disque pour frimer ! Et sans déguisement, s’il vous plaît. Au vestiaire les chemises rouges, à la poubelle les grimpants blancs et sur la tombe de Johnny les sapes noires ! Aujourd’hui, c’est samedi, l’air est léger, tout est merveilleux. Ces douze titres sont en harmonie avec l’essence du rock’n’roll. Une dose maximale de reverb, des chansons nuancées de blues, de soul. Un collectif (ils sont plus d’une quinzaine à avoir participé à la confection de cet album) familial dopé aux stations oldies crachouillées par le transistor. Car, « Every Night » s’inscrit indéniablement dans une mouvance passéiste. Un album enregistré à l’ancienne, à la maison, entre la carrosserie et le moteur. Tout grésille, tout pétille autour de ce scintillement de cordes abrasives. La pop recouvre ses lettres de noblesses le temps d’un disque rétroactif, à glisser précieusement entre The Detroit Cobras et Holly Golithly. A la gouverne de Saturday Looks Good To Me, Fred Thomas se montre courtois, invitant Betty Marie Barnes à dérober le micro pour quelques moments mémorables, enveloppés d’une douce nostalgie. A l’évidence, nos samedis ne seront plus jamais les mêmes.
On croyait d’abord en une réédition de deux albums perdus d’un songwriter qui le serait encore plus, mais non : Richard Swift est bel et bien vivant, et aussi jeune que le montre la pochette. Ses deux premiers mini-LPs sortis précédemment se voient tout simplement réunis sur un seul et même CD, et c’est sans doute pour la bonne cause. De fait, qui a déjà entendu parler de Richard Swift ? Pas grand-monde, et pourtant ce jeune type vaut bien un Ed Harcourt (si pas deux). Dans une veine orchestrale à la Tin Pan Alley et tout le tintouin (cuivres, banjo, harmonica, piano, etc.), Swift dégaine ses mélodies sixties/seventies en jouant les beaux gosses. Précision : « Walking… » semble plus abouti, voire plus tubesque (« Half Lit » et « As I Go »), comme du Harry Nilsson chanté par Ryan Adams. Ailleurs le timbre de Swift rappelle celui de Mark Lanegan (« The Novelist », « Lovely Night »), et partout l’air est chaud, amical et serein. En conclusion, rien ici n’est vraiment renversant, mais si chaque disque était une claque on finirait aussi par s’ennuyer.
Le secret le mieux gardé de la culture rock indépendante s’évangélise peut-être sous les paroles de Viva L’American Death Ray Music. Les mélomanes qui éprouvent une certaine « sympathie pour l’industrie du disque » ne peuvent passer à côté de ce quatrième album. Impossible ! En huit titres, le trio touche à l’essence de Televison, caresse les doux rêves proto-punk du Velvet. Ces grandes références n’effraient guère ces missionnaires éclairs du rock’n’roll. Pire, la liste des clins d’œil s’allonge : Roxy Music, Galaxy 500 ou The Modern Lovers enrichissent encore un catalogue référentiel étoffé. Derrière la batterie, on retrouve Jeffrey Bouck, figure hippie croisée dans la troupe ensoleillée de Polyphonic Spree. A la guitare et au chant, Nicholas Ray prend la mesure des lignes de basse de Harlan T. Bobo. Ensemble, les trois garçons tissent des toiles mélodiques perforées de refrains entêtants. Des hymnes à l’indépendance, à la joie de griffer ses chansons en toute liberté. Sur « Same Suit Different Tie », la formation parvient à raviver la flamme garage rock attisée par les Stripes sous l’étendard de « De Stijl ». Plus âpre, singulièrement rock’n’roll, Viva L’American Death Ray Music semble traverser les époques pour n’en retenir que l’essentiel. Passion, débauche et grands frissons.
Wünjo sont des Rebelles. Le R en lettres capitales, s’il vous plaît. Non, non, pas ceux que tu vois le jeudi soir ou le samedi après-midi sur MTV! Wünjo, ce sont des vrais, j’te dis ! Ils ont tout l’attirail : le whisky, la bière, le cigare, les lunettes de soleil, la crête, le doigt d’honneur et le reste. Eux, ils font la nique au système, ils révolutionnent, ils cassent tout et, en plus, ils n’ont pas peur de dire ce qu’ils pensent. Bref, des marginaux originaux, quoi... Des gars qui n’ont pas peur de scander des slogans-choc du genre « Fuck Your Revolution » ou « Vengeance ! » et, cinq minutes plus tard, d’assumer pleinement leur côté féminin en fredonnant des 'Choup Choup' à tue-tête. Et t’avises pas de les traiter de chochottes. Pour prouver qu’ils sont dangereux, ils ont même habillé leur disque d’une pochette qui fait trop peur : y’a une tête de mort, du sang et tout ! On aurait presque pu croire qu’il s’agissait d’un Iron Maiden. Mais le contenu, lui, ne trompe pas : les Iron et leurs textes bidon, c’est du passé. Ici, c’est la jeunesse qui parle et ça s’entend. Les cinq gaillards de Wünjo, ils ont compris ce que les djeuns veulent : du sexe, des drugs, du wok’n’wol à plein tube. Aaaah, si seulement j’avais encore 12 ans…
Originaire de Manchester, ce trio a le mérite de s’être déjà attiré l’intérêt de nombreux médias et de maisons de disques (il vient d’être signé par Sonic Wave et sortira, dans quelques mois, un premier cd distribué par SonyBmg) via cette démo trois titres. Débrouillard, il est aussi parvenu à se hisser sur la même scène que Raging Speedhorn et Entombed lors du dernier Damnation Festival. Allerjen, c’est du costaud, donc ; et son metal très teinté hardcore l’est également, c’est une évidence. Les gros riffs côtoient allègrement les rythmiques endiablées, propulsées par Paul Tarbuck, le nouveau Mister T des batteurs. Les trois titres de cette démo n’ont rien de révolutionnaire mais, en tout cas, carburent au méga-super et révèlent un groupe à suivre de près. Attendons le full album pour confirmer…
Très branché sur la musique orientale, Robert Plant a donc choisi Orange Blossom pour assurer le supporting act d'une partie de sa tournée en France. Une formation cosmopolite établie à Nantes qui pratique une musique résolument tournée vers l'Orient (NDR : l'Egypte en particulier) tout en y incluant des éléments électro et tzigane. Fondée en 1995, son line up actuel date cependant de 2001. Partagé entre un violoniste, un drummer, un percussionniste et une chanteuse, ce quatuor ne se débrouille pas trop mal sur scène. Dans le style, cet ensemble me fait penser à Transglobal Underground, lorsque Natacha Atlas était encore présente au chant ; mais en plus frénétique. Leïla Bounous possède un joli timbre velouté, onctueux, qui sied bien à leur solution sonore d'inspiration tribale. En outre, au cours de son set le groupe parvient à libérer un excellent groove propice à la danse. Evidemment, vu le monde en présence, on voit mal comment le public aurait pu remuer davantage que les doigts de pieds et la tête…
Les lumières faiblissent, la sono joue le remix « Shine it all around » à fond la caisse. Le public scande 'Robert' à tue-tête. Mais il faudra attendre la fin de cette intro pour voir apparaître Plant et son groupe : The Strange Sensation. En l'occurrence Clive Deamer aux drums (ex Portishead), John Baggot à la basse ou à la contrebasse (ex Portishead, ex Massive Attack), Skin à la première guitare (l'ancien guitariste de Cast) et Justin Adams, un musicien qui avait milité dans les groupes de Sinead O'Connor, Jah Wobble ou Wayward Shakes, à la seconde gratte. Le public est déjà très chaud et acclame cette entrée en scène. En ouverture, Plant se la joue blues et semi-acoustique, un titre des plus trompeurs, car la suite sera dominée par un son très rock, même si les influences arabisantes demeureront omniprésentes durant la quasi intégralité du set. Pour le second titre, le bassiste a déjà abandonné son imposant instrument à quatre cordes pour une contrebasse. Au gré des titres proposé, il va ainsi jongler entre ces deux instruments et une guitare électrique, pour répondre au riffeur de service, Justin Adams, un Justin dont les prouesses guitaristiques évoquent parfois un certain Jimmy Page, même si le comparse de Plant possède une réelle personnalité et surtout affiche un jeu absolument fascinant. Plant commence à frapper des mains en invitant le public à le rejoindre : c'est « Freedom fries », une composition davantage contaminée par la world. Et puis, le combo attaque le « Black Dog » du Led Zep, un des titres phares de l'album de « l'homme au fagot de bois ». Bien qu'ayant conservé toutes ses caractéristiques hymniques seventies, cette compo a subi un fameux lifting, particulièrement au niveau de son institutionnel riff de guitare, absolument méconnaissable. A tel point que certains fans ne réalisent pas de suite qu'on est bien en présence d'une version réactualisée et moins féroce d'un classique parmi les classiques. Plant nous parle du Pays de Galles. Une région de l'ouest de l'Angleterre qu'il aime tout particulièrement. C'est d'ailleurs là qu'il avait enregistré « No quarter », en compagnie de Page, en 1994. Pendant ce temps, les deux solistes de service ont empoigné respectivement une sèche et un banjo. L'émotion est particulièrement forte au sein de l'Aéronef bondé, tant l'organe vocal de Plant a conservé toute sa chaleur. Son timbre tant imité mais jamais égalé a à peine subi l'érosion du temps. Certains affirment même que sa voix a encore gagné en maturité. Place ensuite au single « 29 palms ». Le seul extrait de l'album « Fate of nations ». Un single encore régulièrement programmé sur de nombreuses stations radiophoniques, également proposé dans une version totalement remodelée. La play list continue à surprendre, même les fans les plus assidus ! Percussif, hypnotique, « Another tribe » nous donne l'occasion de découvrir l'immense talent et le jeu créatif du drummer charismatique Clive Deamer. Visiblement, Plant ne recrute pas chez les manchots, c'est le moins que l'on puisse écrire. De nouveaux claquements de mains et un tempo espagnol conduisent l'épatant « Four sticks ». Un climat fiévreux enrobe « Tin pan valley », une chanson du dernier album, une compo soutenue par des effets électroniques bouillonnants et balayée d'explosions extatiques. « Gallows pole » est incontestablement un des grands moments du concert. Le public enflammé par cette version très alternative du Led Zep se laisse alors transporter par l'ombre d'un dirigeable incontrôlable, alimenté par les sonorités ambiguës d'un folk psychédélique qui enivre et touche les âmes. Et pour clôturer le set proprement dit, Plant et sa bande reviennent au blues. Un blues au départ intimiste, mais qui graduellement va gagner en intensité.
Le rappel était attendu et il ne s'est pas fait (trop) attendre. Le groupe l'entame par « Shine it all around », un extrait du dernier elpee, « Mighty rearranger ». Cosmique, presque floydien, cette chanson place les claviers à l'avant plan. A cet instant, le light show sobre mais efficace balaie toute la salle. Tout au long de cette plage à la fois planante et énergique, nostalgique quoique résolument moderne, le public est à genoux et n'a d'yeux que pour l'icône vivante qui semble prendre plaisir à lancer des vannes dans la langue de Molière dès qu'une bonne occasion se présente. Il fallait donc une apothéose. Ce sera le final. Un long medley incluant le standard du blues « Hoochie coochie man », une chanson en arabe et l'inévitable « Whole lotta love ». A cet instant, on se rend compte que la rythmique n'a rien perdu de son côté heavy. Au contraire ! Le refrain est scandé par une foule entièrement dévolue à la cause de ce géant du rock'n roll, qui a réussi à se renouveler tout en gardant une totale intégrité et puis à séduire près de quatre générations, sans jamais sombrer dans la facilité ou dans le piège de la médiatisation. Nonobstant son statut, Robert Plant et sa troupe remercient chaleureusement le public de leurs longs applaudissements. Et puis rideau ! Le temps de regarder sa montre, et on se rend compte que le set n'a duré qu'une heure quarante. Un moment de bonheur intense, mais trop bref à notre goût. Ils se produiront à Werchter cet été…
Organisation : France Leduc Production
Easy Bill Bower réside à Denver. En 2001, ce jeune chanteur/guitariste monte la formation Easy Beat en compagnie du bassiste RD Jones, du drummer Craig Westwood, du saxophoniste Ken Plum et du pianiste Mark Richardson. En 2003 le combo commet un premier elpee fort prometteur : "Midnight Creep". Un disque enregistré dans le studio de Radio KUVO, là où Easy Bill animait son radioshow : le "R&B Jukebox". Ce nouvel opus a été concocté à Elgin, dans l'Illinois ; et de nouveau sous la houlette de l’excellent bluesman, Nick Moss!
L'entrée en matière brille de mille feux. Les accents jump de la guitare alimentent ce "My kind of woman", une espèce de west coast rockabilly que Bill chante sur un ton convaincu et convaincant. Tout est bien en place et en particulier le sax de Ken Plum et le piano de Mark Richardson. Ce dernier se révèle un claviériste très talentueux. Il introduit "$100 woman", un boogie jump qui vous électrise jusqu'au bout des doigts de pieds. Le pianiste est insatiable. Il ne relève pas la tête, même lorsque notre Easy Bill prend le relais. Il chante comme s'il était sur une scène au beau milieu des fifties, l'époque du rock'n'roll naissant. La machine du Big Beat maintient le tempo pour attaquer "The kind of girl". Du vrai rock'n'roll made in New Orleans. Pourtant au bord de l’asphyxie, les danseurs sont incapables de déserter la piste. Bill chante. Il semble possédé par sa musique. Plum et Towber s'entredéchirent à coups de soli hyperactifs. Bill habille sa guitare d'une tonalité bien T-Bone Walker pour aborder le lent et savoureux "Jeanine", une plage imprimée sur un tempo louisianais qu'aurait bien revendiqué Guitar Slim. Il exploite ici toute l’amplitude de son registre vocal. Ce jeune homme progresse à pas de géants et lorsque les cordes peuvent s'évader, il nous confectionne un solo magique, épaulé par son ami Gerry Hundt. Excellent! Le Big Beat est définitivement lancé. Le riff cher à Elmore James nous conduit… "On your hook". Le saxophone, le piano et l'orgue s'accrochent à la slide, mais le son est pourri, poisseux, tout droit issu de ces tous vieux juke boxes des 50s. On se croirait revenu dans les studios de Leonard Chess à Chicago. Le son bien gras de la Gibson dirige les débats. Le "Right string but the wrong yo-yo" de Willy Perryman (Piano Red, Doctor Feelgood), répercute des sonorités surannées. Hilares, les musiciens s’abandonnent au plus profond de cette plage à la cacophonie mesurée ; et pour cause, Chris Beers tape dur sur ses fûts. Instrumental, "Fruit boots" (NDR : une compo qui figure au répertoire du saxophoniste Red Prysock) poursuit dans le même style. Ken Plum fait hurler son saxophone, pendant que Bill accorde un solo époustouflant sculpté dans le West Coast jump, réveillant en notre for intérieur, les meilleurs plans du légendaire Hollywood Fats. Le Big Beat ne desserre pas son étreinte. Toujours aussi infecté par ce R&B qui rocke, "Twenty-five lies" met en exergue, une nouvelle fois, la complicité entre les différents instrumentistes. Lorsque le combo change radicalement de style, ni la chaleur ni la qualité n’en font les frais. "City girl" emprunte un Bo Diddley beat imparable. Le son des cordes est pourri à l’extrême. Billet et Nick Moss sont réunis pour notre plus grand bonheur ; et le retour de Gerry Hundt à l'harmonica est un régal pour les oreilles. Le "Honey bee" de Little Milton nous replonge dans un R&B dévastateur, tempétueux, dansant. Cette plage autorise des échanges lumineux entre l'orgue et la guitare très largement amplifiée. Hundt souffle alors dans un registre très Sonny Boy Williamson pour exécuter "Back in the game", un Chicago shuffle issu de de la plume de Bill Towber. Ce superbe album s’achève par "Stay tuned!", une plage instrumentale, théâtre d'échanges entre les différents solistes, dont les deux gratteurs réunis, Easy Bill et Nick Moss. Le pied!
Eddie Hinton n'est plus de ce monde. Il est disparu en 1995, à l’âge de 51 ans. Il était originaire de Tuscaloosa, dans l'Alabama. Au cours de sa jeunesse, il milita au sein de groupes obscurs comme les Spooks ou les Five Minits. Il acquiert une certaine notoriété, fin des 60s, lorsqu’il devient le guitariste des célèbres studios Muscle Shoals. A cette époque, il partageait un appartement en compagnie de Duane Allman, avant que ce dernier ne fonde l’Allman Brothers Band. Entre 1967 et 1971, il apporte sa collaboration à des célébrités comme Wilson Pickett, Arthur Conley, Aretha Franklin, Joe Tex, Percy Sledge, Elvis Presley, les Box Tops et Otis Redding. En 1977, il commet "Very extremely dangerous", sous la houlette de Barry Beckett. La vague du disco le prive cependant de travail ; et il doit se résoudre à élire domicile dans la rue. A Decatur, dans l’Alabama. C'est là qu'un ami, John D Wyker, le retrouve et l’encourage à enregistrer un nouvel elpee : "Letters from Mississippi". Hinton signe ensuite chez Bullseye et y édite deux opus : "Cry and moan" et "Very blue highway". En 1995, il retourne chez lui à Birmingham où il travaillait sur un nouvel album lorsqu'il est emporté par une crise cardiaque. Ces dernières années, le label Zane avait déjà consacré deux collections à des sessions d'Eddie Hinton : "Dear y'all" et "Playin' around".
« Beautiful dreams » constitue donc le troisième volume de ces sessions, immortalisées entre 1966 et 1980. Hinton possédait une voix extraordinaire. Eraillée, graveleuse, elle était taillée pour chanter le R&B. En 1964, Eddie végétait chez les Spooks. L'année suivante, Fred Styles, bassiste des 5 Menits, lui demande de rejoindre son groupe. Il y retrouve alors le drummer Bill Connell et le claviériste Paul Hornsby. L'année suivante Connell quitte cette formation pour les Allman Joys (des frères Allman). Johnny Sandlin le remplace. Si Hornsby se forgera un nom, notamment comme producteur du Marshall Tucker Band et de Charlie Daniels, Sandlin deviendra le producteur des Allman Brothers Band. Des enregistrements du quartet avaient été opérés en 1966. Ce sont les quatre plages qui terminent cette plaque. Vu l'époque, les reprises de R&B sont exécutées de manière assez brute et primaire, mais elles ne manquent ni de dynamisme ni de conviction. L’enthousiasme et la bonne humeur envahissent "Blue blue feeling", "Lay it on me" ainsi que la reprise du notoire "Turn on your love light", un morceau jadis popularisé par Bobby Bland. Les mêmes musiciens allaient se retrouver quelques années plus tard. En 1974. Chez les Tuscaloosa All-Stars. Ils y concocteront quelques démos en studio. L’aventure impliquait également le guitariste Tippy Armstrong et le claviériste Mike Duke (qui joua en compagnie de Delbert McClinton). "Nice girl" ouvre ce disque. Une gentille ballade soul caractérisée par la profondeur du chant. Le jeu sur les cordes est clair et parcimonieux. "You made me sing" est un plage qui vous flanque des frissons partout, tant la voix libère de l'émotion. Pas étonnant qu'on lui ait donné le surnom d'Otis Redding blanc! Plus rythmé et dansant, "Just another wild love affair" est toujours d’aussi bonne facture. Deux plages datent de 1975. Des sessions qui ont alimenté l'album "Dear Y'all". Tout d’abord "You left the water running", une compo qui fut également adaptée par Otis Redding. Hinton est ici uniquement soutenu par la fameuse "Muscle Shoals Rhythm Section" : David Hood à la basse et Roger Hawkins aux drums. Le timbre vocal d’Eddie est très proche de Sam Cooke. Sur "Beautiful dreams", Hinton est seul. Il chante et joue de la guitare acoustique. Cette plaque recèle aussi des prises alternatives de titres gravés auparavant sur support. Et notamment l’énergique "Everybody meets Mr Blue" et le séduisant "Let it roll". Deux morceaux qui bénéficient du concours des Rocking Horses. Ces plages me rappellent quelque part les Box Tops, combo qui faisait régulièrement appel aux Muscle Shoals! Cette œuvre recèle encore quelques plages puisées ça et là, comme l’inédit "Alleyway", un R&B largement cuivré et très funky datant de 1979 ; ou encore des démos à l'accompagnement dépouillé, et en particulier "I won't let you down" et "Same old thang". De bonne facture, cet opus honore la mémoire de cet excellent chanteur, hélas toujours aussi méconnu…
Techniquement impeccable, « Les choses qui nous dérangent » porte néanmoins assez bien son titre. Les vocalises, plus lourdes (lourdingues ?) que la musique elle-même, font parfois trembler les tympans d’effroi, comme sur les simplistes et peu subtils « Buvez du cul » ou « Humide Song ». Placardés au second plan, les textes politiques moralisateurs mais incontestables qui ont fait les beaux jours de Lofofora ont laissé leur place à des ritournelles indignes d’un groupe de cet acabit. Et c’est certainement là que se situe le véritable défaut de ce disque. Quelque rares titres sortent du lot et accordent à l’ensemble un seuil d’audibilité acceptable, tels que la mirifique « Eclipse », la « Rock’n’Roll Class Affair » issue de la collaboration entre la formation métal et le didji hip-hop DJ Tag Off (qui ça ?) ainsi que l’épatant « Quelqu’un de Bien ». C’est donc de justesse que Lofofora évite l’étiquette de métal de supermarché, genre Pleymo, pour ne citer qu’eux. Même si « Les choses qui nous dérangent » est épisodiquement faiblard, il devrait sans aucun doute cartonner en ‘live’.
Après avoir commis “Alone with everybody” en 2000 et “Human conditions” en 2002, Richard Aschcroft nous propose son troisième album solo. Richard y aborde encore et toujours des thèmes qui l’obsèdent : l’amour, le bonheur, la dépression, la religion et la mort. Faut dire qu’il éprouve toujours le même désenchantement vis-à-vis du monde contemporain. Un sentiment qu’il a transformé en mélancolie douce et qui sied parfaitement à son timbre vocal remarquable. Tout au long de « Keys to the world », cette voix est d’ailleurs irréprochable, empreinte d’une grande sensibilité et évoque de plus en plus souvent celle d’un célèbre crooner : Neil Diamond. Passons maintenant à l’aspect musical. Soyons honnêtes, découpé en 10 fragments, cet opus m’a laissé mi-figue mi-raisin. En fait on peut diviser ce disque en deux parties distinctes. Quatre des cinq premières chansons sont absolument superbes. Depuis la big music de « Why not nothing ? » (Mike Scott ?) à l’envoûtant « Keys to the world » et ses chœurs féminins soul, en passant par le très ‘phillysoundesque’ « Music is power » et son sample de Curtis Mayfield (NDR : qu’il co-crédite d’ailleurs), plage interprétée dans l’esprit d’un Todd Rundgren, en passant par le single mid tempo « Break the night with colour », magnifique ballade conduite par un clavecin. Le reste ne manque pourtant pas de raffinement ni de sophistication. A cause des somptueux arrangements orchestraux dont il est coutumier, bien sûr. Mais l’accumulation de ballades concentrées en deuxième partie d’elpee, finit par lasser. A cet instant, davantage de dépouillement aurait sans doute permis de donner une autre dimension à des morceaux trop mielleux pour mériter une quelconque référence à Dylan, auquel l’artiste semble pourtant vouloir rendre hommage…
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