Le single « Big City Life » aura cartonné cet hiver, sans doute parce qu’il fleure bon le printemps et le crépuscule d’une journée sans histoires, à flâner dans les bois en tenant sa copine par la main… Marlon Roudette (voix) et Preetesh Hirji (son) viennent tous les deux de Londres, même s’ils ont grandi loin des ‘suburbs’ anglais, aux Caraïbes et en Inde. D’où cette impression de melting-pot sauvage, qui donne le plus souvent de grands disques (exemples : Massive Attack, Day One, Finley Quaye, M.I.A., Roots Manuva,…)… à chérir les pieds en éventail et le cure-dents au coin de la bouche. Mix fiévreux de hip hop, de dub, de pop et de calypso, « Signs of a Struggle » déroule ses délices comme un loukoum après un bon repas : ça fond dans les oreilles, sans trop de risque pour le cholestérol. Parmi les 14 titres, il y a beaucoup de tubes (« Gangster Blues », « Passer By », « I To You », « Everyone Around You »,…), même si la recette ne change pas d’un iota. De chouettes chansons au carrefour de différentes cultures, entre saveurs organiques et raout électro. Des beats, de l’acoustique, une grosse basse et du rap falsetto : Mattafix, c’est mieux que de l’après-solaire. Bénéficiant du concours des invités vedettes Robbie Shakespeare et Phil Thornally (oui, l’ex-Cure !), le duo londonien a réussi le disque qu’il nous fallait pour patienter jusqu’aux premiers bourgeons : cool, sucré et sensuel.
Fondé en plein blues boom de la fin des 60’s, cette formation répondait, à l’origine, au patronyme de Climax Chicago Blues Band. Un ensemble, qui nonobstant diverses fortunes rencontrées au cours de sa longue histoire, existe toujours aujourd'hui. Cependant, il faut reconnaître que son succès, il l’a essentiellement récolté outre-Atlantique. Une formation dont le line up originel impliquait le chanteur multi-instrumentiste Colin Cooper, le guitariste Pete Haycock, le batteur Georges Newsome, le bassiste Richard Jones et le claviériste Arthur Wood. Paru en 1969, leur premier elpee "Climax Chicago Blues Band", émargeait bien sûr au blues. C’est au cours de cette année que le quintet décide de soustraire le terme Climax de son nom. Le Climax Blues Band commet l'excellent album "Plays on" quelques mois plus tard. La musique est déjà plus aventureuse, mêlant blues, jazz et avant-garde. Si les deux opus suivants, "A lot of bottle" en 1970 et "Tightly knit" en 71, adoptent toujours un profil blues, on y décèle une percée rock de plus en plus marquée. Premier long playing enregistré ‘live’, "FM Live" paraît en 1973. Le band concocte alors un album, presque tous les ans. Mais on en retiendra surtout "Gold plated". Edité en 1976, ce disque recèle "Couldn't get it right", une compo qui va devenir un hit et surtout leur servir de carte de visite! En 1984, le guitariste Haycock quitte le navire. Il est remplacé par Lester Hunt. Le succès se fait plus rare. Pour célébrer les 20 années d’anniversaire de la sortie de leur premier elpee ‘live’, le groupe enregistre une nouvelle plaque immortalisée en public : "Blues from the Attic", en 1993. « The River sessions » navigue entre deux époques. Il aura donc fallu près d’un quart de siècle pour voir paraître ces fameuses "River sessions" accordées en direct pour Radio Clyde. En février 82, très exactement. Au Queen Margaret Union de Glasgow. Les deux leaders, Colin Cooper et Pete Haycock sont ici soutenus par le bassiste Derek Holt, le drummer John Cuffley, et le claviériste George Glover. Dix plages ont été exécutées, dont trois issues des deux derniers albums de l’époque, soit "Flying the flag" (1980) et "Lucky for some" (82).
Le concert s’ouvre par "Blackjack and me". Le rythme est soutenu. Les deux chanteurs conjuguent leurs voix : grave pour Cooper, et plus frêle, moins affirmée de Haycock. Colin se réserve l'harmonica. "Cuttin' it rough" évolue au sein d’un emballage FM que le groupe semblait alors privilégier. Les deux timbres que tout oppose se complètent. Le climat vire au jazz. A cause du piano électrique de George. Et puis du saxophone de Colin, un instrument qui était devenu une force chez le Climax BB. Ce qui n’empêche pas Pete de prendre un envol original et séduisant sur les cordes. Idéal pour la scène, "Shake it Lucy" aurait pu figurer dans le répertoire des Stones. Les riffs sont efficaces, les percussions solides et le sax se libèrent. "Could'nt get it right" demeure incontestablement la meilleure compo du Band. Elle est reprise en chœur par l'assemblée. La reprise du "Evil" de Willie Dixon renoue avec le blues leurs débuts, un fragment balayé par une excellente intervention à l’harmonica. "Horizontalized" replonge dans l’ambiance entretenue tout au long de l’album "Plays on". La guitare et l'harmo jouent à l'unisson. Plus classique mais toujours de bonne facture, "The last chance saloon" campe un blues lent caractérisé par une intervention de Haycock. "Gotta have more love" était paru, à l’époque, sous la forme d’un single. Mélodique, il épouse une démarche fort proche de "Could'nt get it right". Exquis ! Le concert s’achève par l’interprétation de grands standards de scène du Climax BB. En l’occurrence la reprise du "Going to New York" de Jimmy Reed et un medley rock'n'roll introduit par l'inévitable "Johnny be good". Une délicieuse tranche de blues !
Est-il nécessaire de rappeler aux fans de riffs braillards que les Texans d’At The Drive-In étaient (et demeurent) les plus beaux spécimens d’une certaine idée du rock américain de ces dix dernières années ? Faut-il enfoncer le clou en déclarant sans rougir que « Relationship of Command » (2000), leur dernier disque avant la chute, tel Icare, s’avère un chef-d’œuvre d’emocore irascible et malin ? Avant les Strokes et toute leur clique de garçons gominés, At The Drive-In osait jouer un rock toutes guitares en avant, sur la piste d’un cirque déserté par la masse. 2001, le rock emballe à nouveau les minet(te)s, les Texans lâchent l’affaire. Ils sont déjà ailleurs, chez Mars Volta pour les uns, chez Sparta pour les autres. Sur cette anthologie on retrouve trois titres du classique de ces gars d’El Paso (« One Armed Scissor », d’où est tiré le titre, « Enfilade » et « Non-Zero Possibility »), même si tout l’album s’avère encore cinq ans plus tard, un beau ‘best of’ à lui tout seul. Pour le reste, des extraits des premiers Eps (« Vaya » et « El Gran Orgo ») sortis à l’époque dans une indifférence totale, mais aucune trace du premier long format de la bande à Bixler/Rodriguez (« Acrobatic Tenement », 1996). Où l’on découvre qu’avant la gloire subite At The Drive-In pratiquait un rock hardcore/noisy davantage convenu (l’axe Big Black/Sonic Youth/Fugazi), dont Jim Ward - chez Sparta -reproduit aujourd’hui tristement l’héritage. Des titres comme « Incetardis » et « Rascuache » (écoutez également la cover du « Take Up Thy Stethoscope and Walk » de Pink Floyd) annoncent quant à eux le virage plus prog rock des fantasques Mars Volta, sans doute l’un des groupes rock actuels les plus impressionnants, sur scène comme sur album. « Metronome Arthritis » ? Une écoute intensive de cette anthologie prévient la maladie. Le médecin nous l’a dit : ‘Au moins trois fois par jour, avant le repas et avec un verre d’eau’. Le régime est drastique, le résultat ahurissant.
Etablis à New York, les Alegre All Stars réunissaient, au cours des sixties, la crème des musiciens latins. Sous la houlette du pianiste Charlie Palmieri et du timbalero Kako Bastar, des pointures du latin jazz se rencontraient pour des ‘descargas’, c’est-à-dire des joutes musicales. Ce collectif à géométrie variable a commis plusieurs disques au cours de la décennie, ne sensibilisant malheureusement que les érudits. Vampisoul a pris l’initiative de nous présenter quelques unes de leurs meilleures faces éparpillées sur quatre albums enregistrés entre 1961 et 1966. Des sessions décontractées et fortement alcoolisées où les musiciens s’amusent à improviser sur les bases mélodiques. Un charme incroyable émane de ces sessions déjantées où les musiciens se chamaillent ou lancent des vannes avant d’entamer les morceaux. Un groove tranquille domine les compos au cours desquelles d’excellents chanteurs (dont le légendaire Cheo Feliciano) interviennent régulièrement. Une série d’excellentes plages qu’il est inutile d’énumérer ici, tant la rafraîchissante unité de cette compilation fait mouche. Sachez surtout que si vous êtes un mordu des musiques de fête et de jazz d’inspiration latine, ce disque est un must.
A Hawk And A Hacksaw est le dernier projet en date de Jeremy Barnes, du groupe culte Neutral Milk Hotel. Et cette fois, l’Anglais s’attaque à la musique klezmer, en la dynamitant de l’intérieur. « Laughter in the Dark », le morceau d’ouverture, sonne ainsi comme une drôle de comptine transylvanienne, bardée de cuivres menaçants, d’accordéon qui crépite, de piano magique et de percus en transe. Et ce n’est que le début, car la suite est du même acabit : on se croirait presque chez Silver Mt. Zion, à la (grande) différence qu’ici les cordes sont remplacées par des grelots et des trompettes qui hurlent. C’est l’Europe de l’Est qui se retrouve dans le collimateur, avec à l’affiche du drive-in local (en pleine forêt noire) « Le Bal des Vampires ». Mieux que le générique de « Strip-Tease », « Darkness at Noon » doit sans doute s’écouter au clair de lune, surtout si elle est pleine. C’est alors qu’on commence à entendre des voix, qui sifflent comme le vent au milieu des sapins. Au loin, une étrange lueur sépia attise notre inquiétude : on se croirait dans l’« Europa » de von Trier. T’y comprends quelque chose ? Non, mais bon : ça vaut toujours mieux que le pouêt-pouêt à la Kusturica. Plus fou que foufou, « Darkness at Noon » n’a guère d’équivalent dans les bacs des disquaires. C’est pour ça qu’il fait peur, et c’est bon d’avoir peur. Pas vrai ?
‘Le nouvel album de Tracy Chapman’. Cette sentence dégage un formidable parfum passéiste. La prononcer, c’est s’accorder une cure de jouvence verbale (essayez, vous verrez). Et l’exercice fonctionne dans toutes les langues : ‘repeat after me : The new album of Tracy Chapman’. Lancée sur les jupons de sa mère (« Mother Mother ») en 1996, signée sur une major (Island Records), Tracy reste posée là, assise sur les recoins du cortex, grattant les derniers neurones d’un organe planté dans les limbes des nineties, recouvert (pour mieux camoufler un passéisme mal assumé) d’une tignasse peroxydée. Chez certains, le pantalon baggy serait encore de rigueur. A l’autre bout du monde, on dénombre encore quelques tribus chaussées de Pump. Oui, Tracy Bonham hante les connexions nerveuses d’un siècle passé. Explication rime ici avec production. Un disque tous les cinq ans en moyenne. La performance est de taille. Comment peut-on aller moins vite ? Passé le single précité, oubliés les rêves de gloire aux côtés des Joan Osborne, Meredith Brooks et autres Alanis Morissette, Tracy affiche les couleurs de son troisième album. « Blink the Brightest » s’inscrit dans la continuité de l’œuvre de l’artiste, dans une époque guidée par la bande hertzienne. Diablement contemporain, le disque contrarie les idées reçues. Non, Tracy n’est pas qu’un spectre des années 90. Ces douze nouveaux titres le chantent à qui veut l’entendre. Tracy Bonham trace son chemin artistique. Lentement, sûrement. Bien. Qu’elle continue, bon pied, bonne âme.
Férus d’horror punk metal, accrochez vous à votre rockin chair. Imaginez une surprenante ‘reconstitution’ musicale qui permet de redonner vie à cette forme de théâtre kitsch et gore joué avec succès de 1890 à 1950, au théâtre du Grand-Guignol à Paris. Une prouesse brillamment accomplie par Bloodsucking Zombies From Outer Space, trois joyeux drilles légèrement barjots responsables d’une deuxième plaque dont les influences oscillent d’Alice Cooper aux Misfits, en passant par Electric Frankenstein, Nekromantix, Motley Crue et les Cramps ! Une œuvre particulièrement riche et diversifiée qui épingle un conte macabre en quatre actes « Fairytale of Billy the Butcher », façon papy Alice grande époque ; mais aussi des titres plus percutants, parfois glamoureux, souvent punkysants. De la plage d’ouverture à la conclusion (que nous ne dévoilerons pas), on ne s’ennuie pas une minute à l’écoute de ce skeud aussi jouissif qu’inattendu. Les spécialistes ne pourront s’empêcher de faire le lien avec l’œuvre du groupe culte Devil Dolls, dont la démarche était exactement identique, il y aura bientôt dix ans. Souvenez-vous du succulent « Dies Irae », malheureusement épuisé dans le commerce. A l’instar des poupées du diable, Bloodsucking Zombies from Outer Space, transcende l’irrationnel et joue avec les émotions, sans pour autant tomber dans les clichés insupportables et gratuits des pestilentiels combos de musique gore à dix balles !
Carptree est un duo : Niclas Flinck, chanteur à la belle voix chaude très ‘gabrielienne’, et Carl Westholm, claviériste inspiré et polyvalent. Ces deux Suédois composent ensemble, mais Niclas se réserve les lyrics. Ils convoquent pour les aider le 'No future Orchestra', ensemble de musiciens et choristes dont l'apparente stabilité dément le nom. En effet, on retrouve grosso modo les mêmes intervenants sur cet opus et le précédent ('Superhero', 2003, très recommandable). L'album commence de façon très séduisante. La première plage s’ouvre par un dialogue intimiste entre Niclas et le piano de Carl, avant de prendre de la hauteur à grands coups de chœurs. La suite jouera sur le contraste entre sobriété et emphase, équilibre seulement rompu par un court solo de synthé un peu torturé. 'Titans' pénètre directement dans un univers musical à la fois très symphonique et plein de sensibilité. Et le chant théâtral à souhait de Niclas est un pilier majeur de cet édifice majestueux. 'Sunshine Waters', seconde plage plus mélodieuse, creuse le même sillon, tout en accentuant le côté emphatique. A son tour, 'The weakening Sound', caractérisé par son côté plus dramatique, séduit et charme nos oreilles. L'affaire est entendue: ce CD ne quittera pas le lecteur de sitôt. Les deux bougres s' y entendent à créer une ambiance ou camper un climat. Et leur musique, toute en délicatesse et en émotion, riche en sonorités éphémères et en petits détails truculents, coule de source comme si elle était familière. C'est bien là un des autres atouts de Carptree : ce qu'ils font nous semble d'emblée proche, alors qu’on serait bien en peine de les présenter par comparaison à d'autres groupes. Tout au plus peut-on dire qu'ils ont la finesse et le sens mélodique tant apprécié chez Roger Hodgson (ex- Supertramp), et la même prédilection pour les atmosphères que Marillion. Mais ces repères sont bien loin de permettre au commun des mortels de se faire une idée. Certains estimeront que parfois, Carptree tire trop sur la corde (sensible) ou que certaines plages auraient gagné à être un peu plus courtes. Ce qui n'empêche pas l'album de s'écouter volontiers d'une traite. Il réserve d'ailleurs sur la fin une plage un peu plus audacieuse. Et s'avère définitivement fort attachant.
‘Vise son bras ! On dirait le steak dans ‘Poltergeist’ !!!’, dit-il à son copain lors du concert des Red Hot au Sportpaleis d’Anvers. Yeux fermés, mine défaite mais concentrée, John Frusciante balance laconiquement le riff d’« Under The Bridge », et les briquets s’allument. Mais l’homme aux bras fondus se fout bien du star-system, des stades de foot remplis jusqu’aux toilettes : dans sa tête il ulule, à l’amour, à la mort, et face à lui tout est vide. Qu’y a-t-il à l’intérieur du vide ? C’est la question qu’il se pose, de disques en disques. Parce qu’en plus d’être le guitariste du ‘plus grand groupe de rock du monde’ (Mojo), John Frusciante est aussi un des plus grands songwriters américains. Pas moins ! Et l’un de ses plus beaux écorchés vifs. Depuis son premier album qui puait le suicide (« To Clara » : l’album 100% déprime), John Frusciante a joué avec le feu. Revenu de très loin (la drogue), sa réintégration au sein des Red Hot signera l’apothéose de leur carrière, en commettant le très bon « Californication ». Normal : les mélodies dessus, c’est lui. Et il en a encore plein la cervelle, à en juger sa productivité : cinq albums et un EP en moins d’un an (+ l’album « Shadows Collide With People », plus FM, hors cette collection) ! De quoi décourager tout apprenti rockeur, d’autant que les compos ici disséminées sont loin d’être médiocres. Rock abrasif, ballades rimbaldiennes, folk à la Fahey, délires chamaniques, électronique tribale, cold wave squelettique,… John Frusciante laisse libre cours à son talent fantasque, en réaction sans doute au formatage obligé de l’écriture RHCP, dédiée aux compiles rock et aux ambiances de festivals. Et de découvrir que derrière le masque de la rock star se cache en fait un homme assailli par le doute, aux épaules trop menues pour porter le succès de son groupe, préférant l’ombre aux paillettes, etc. L’incarnation typique du musicien maudit parce qu’incompris, balançant ses pépites aux pourceaux, qui réclament un gros slow ou du funk-rock qui tire la langue. Le symptôme Syd Barrett, en quelque sorte… Mais notre chance, c’est que John Frusciante a réussi là où les autres ont raté (la liste est longue), bref qu’il est toujours en vie. Sans doute a-t-il besoin de jouer pour ne pas perdre pied (autre cliché), sauf que cette fois le plus dur est passé, et la vie de reprendre. D’où cette impression d’entendre un homme, si pas en paix avec lui-même, du moins en plein travail de réadaptation. Et de prendre conscience pour de bon, s’il restait une légère hésitation, qu’il s’agit bien d’un des guitaristes les plus impressionnants de sa génération. A l’instar d’un Ben Chasny (Six Organs of Admittance, Comets On Fire), d’un Ray Davies (The Kinks) ou d’un Omar Rodriguez (At The Drive-In, The Mars Volta, ici présent), John Frusciante est capable de tout faire avec sa guitare (écoutez le disque signé Ataxia, en fait lui, Josh Klinghoffer et Joe Lally, de Fugazi). Quant à sa voix, elle varie du cri dépressif aux baisers de l’araignée : une fois qu’elle vous tient, c’est souvent jusqu’à l’hypnose. Il est temps de rendre justice au Frusciante de l’ombre, celui dont les mélodies nous percent de leur intensité. Un petit génie du rock comme c’est devenu très rare, là où tout le monde ne voit en lui qu’une bête de foire.
Réduit à un trio depuis son précédent opus ('Random Harvest'), FoDM persévère à nous restituer couleurs, parfums et ambiances typiques de la fin des sixties/début des seventies. Le gros changement, c'est que le propos est beaucoup moins redevable à Pink Floyd. 'Landfall', première plage, nous ramène dans les parages de Popol Vuh. 'Somewhere over the Waves' et 'All in the golden Afternoon' restaurent ce climat désuet, mélancolique et un peu lugubre cher au Air de 'Virgin Suicide'. Quelques plages, dont 'Heart of Darkness', rallient le krautrock, 'Dusk' évoquant un peu Amon Düül. Les compositions sont souvent moins développées que sur le précédent elpee. Certaines semblent laissées en friche, comme pour lancer une méditation. Les sonorités sont également moins variées. Instrumental de bout en bout, l'album privilégie climats et ambiances, outre quelques sections plus expérimentales. Les guitares, souvent saturées, sont mises en avant. Les claviers, essentiellement en nappes, plantent plutôt le décor. Emballé dans une superbe pochette digipack, ce CD laisse quand même l'auditeur un peu sur sa faim. Gageons que le groupe nous reviendra prochainement flanqué d’une œuvre plus captivante.
Prince pop de la comptine surréaliste, enchanteur enchanté débitant ses histoires comme on joue à ‘Taboo’, Hugo s’amuse avec la langue française, et l’on sourit aussi. Espiègle, coquin, rêveur, ce Français au timbre cajoleur ‘livre des moustiques à l’Institut Pasteur’, ‘vole des bicyclettes pour écouter leur sonnette’, se retrouve ‘au Brésil d’un seul battement de cils’, bref il est ‘fou, mais pas beaucoup’. Juste assez, en fait, pour qu’on lui trouve du charme, sans parler de ses humbles chansons : telles des sauterelles qu’on attrape dans l’herbe en joignant les deux mains, elles chatouillent nos oreilles de leurs belles mélodies. Avec son Fender Rhodes qui rougeoie sous les coups de soleil, du piano joué debout pour éviter les crampes, des guitares gentillettes qui rappellent Voulzy, voire Melon Galia (et la pochette, signée Dupuy et Berberian !), « La Nuit des Balançoires » donne envie de dire « oui ! » à toutes les filles qu’on croise dans la rue. Vivement le printemps, que les jupes fleurissent sur les plaines de jeux !
On n’avait plus de nouvelles du Suédois depuis son premier disque, « Songs From A Two-Room Chapel », paru il y a quatre ans. Il aurait beaucoup voyagé, surtout en Amérique, qu’il connaît bien pour y avoir grandi. Rien d’étonnant dès lors à ce qu’il jongle si bien avec les codes de l’americana, le country-rock, ce genre… Songwriter bien connu de ses compatriotes, Christian Kjellvander continue donc son petit bonhomme de chemin sur les terres désolées de l’acoustique en berne (cfr Thomas Dybdahl, Kristofer Aström, Nicolaï Dunger). Enregistré dans une école abandonnée à Skane, dans le sud de la Suède, et mixé par Craig Schumacher (Giant Sand, Calexico,…), « Faya » compte 11 chansons aux ambiances un peu tristes. Manque plus que le rocking-chair et le plaid en peau de bête pour que tout le monde chiale (« Juanita », « Union Lake », « Chose The City »), mais heureusement il y a Nina Persson des Cardigans. Elle chante les chœurs sur « Roaring 40’s », et ça réchauffe un peu. Sous le plaid en peau de bête avec Nina Persson ? Un instant : je fais chauffer du thé.
Du metal qui fume, et qui ne craint pas le ridicule : heureusement d’ailleurs qu’il ne tue pas, sinon ces types de Valenciennes seraient déjà morts. Adepte d’un metal à la limite du progressif, Lopsided n’a donc pas peur de pousser les V.U. dans le rouge, en tricotant des soli qui n’en finissent jamais. Quatre titres, 20 minutes, et l’on ne parle pas de montagnes russes : plutôt de train-train metal-rock, entre grunge (Alice in Chains pour la voix, Pearl Jam pour les plans seventies) et fusion (cfr la pochette, affreuse). Ce n’est pas joli joli, mais ce n’est qu’un début.
David Edwards aime la mer, le déo qui sent l’Océan Pacifique, l’électronica des années 90 (Warp) et la pop des années 80 (qui a dit Hall & Oates ?!?). « Maritime » est son deuxième album, après le joli « Chiff-Chaffs & Willow Warblers » sorti en 2001. Au début, ça sonne comme un pot-pourri de toutes ses belles passions : du vibraphone, de l’accordéon, des BPMs et Steve Reich coincés dans un ascenseur, et on oublie la clarinette, le piano et le violon. Parfois, on dirait du Mum, du Four Tet, de l’ambient de chez Skam, voire même du Plaid. D’où : mélancolie, Bristol morne plaine, « Equinoxe » de JMJ, « Journées Mondiales de la Jeunesse », beauté, aube, la mer, oui, celle dont le ressac berce nos tympans un jour paisible de juillet, à Coxyde après une after au Barbu avec des types en chemises à rayures. Certains vont dire que ce disque, c’est du ‘folktronica’ tellement mignon que ça donne envie de pleurer en regardant au loin les digues de Douvres. Parfois, pourtant, on dirait du Steely Dan au synthé, et il faut mentionner que c’est vraiment très moche. ‘Mais, enfin ! On ne peut pas tout avoir !’, comme on le dit souvent… Oui, certes, mais là on tourne en rond.
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