Dernier pan d’un triptyque folk assemblé en l’espace de sept mois, « 29 » clôture l’œuvre du maître Adams avec une grâce inattendue. De facture moyenne, les « Cold Roses » et « Jacksonville City Nights », fruits de collaborations entre Ryan Adams et The Cardinals, laissaient présager une nouvelle semi-catastrophe. Que dalle ! Le mec a compris la leçon et balance enfin la véritable pièce maîtresse de sa trilogie. Ici, le singer-songwriter retrouve son mojo et la touche d’obscure splendeur qui traversait déjà l’impeccable double EP « Love Is Hell ». Alors que « Cold Roses » contenait 19 titres tous juste bons à animer une rodeo-party dans un ranch de l’oncle George, « 29 » confirme en neuf exemples que le prolifique trentenaire atteint réellement le sommet de son art, uniquement dans la simplicité. Hommage (ou plagiat, c’est selon) aux Grateful Dead et à leur immense « Truckin’ », le titre éponyme « Twenty Nine » applique une première couche folk dont Jerry Garcia aurait été fier. Suivent alors les deux magnifiques strates du tableau que sont « Strawberry Wine », parfaite ballade introspective de près de 8 minutes et « Night Birds » au charme légèrement taciturne et quasi-céleste. Ne dérogeant pas à ses propres règles, l’homme dépeint l’inévitable élégie dédiée à l’une des nombreuses femmes de sa vie sur l’exquis « Elizabeth, You Were Born To Play That Part ». Si ce n’était pour « The Sadness », altération insignifiante, loin d’être stérile mais ternissant quelque peu l’harmonie de l’ensemble, Ryan Adams tiendrait là le chef-d’œuvre de sa carrière. C'est qu'on pourrait presque lui pardonner son absurde « Rock’n’Roll » de 2003.
Pour son quatrième album, la chanteuse péruvienne est restée fidèle à son habitude d’adapter l’oeuvre d’autrui. Mais il est peu question de folklore africain ou péruvien sur « Travesias » ; on a plutôt droit à un tour du monde de la chanson. Du classique napolitain « Luna Rossa » à l’haïtien « Merci Bon Dieu » en passant par les textes de Pablo Neruda et de Manuel Scorza jusqu’à une reprise de Maxime Le Forestier, beaucoup de continents sont représentés.
« Travesias » est une œuvre mélancolique et acoustique réalisée en compagnie des complices habituels que sont Marc Ribot (guitare électrique), Sergio Valdeos (guitare classique) et Juan Medrano Cotito (percus). On commence (bien) par « Né quelque part », une adaptation très mélancolique de Maxime Le Forestier qui décolle rapidement grâce à un arrangement très soul et des chœurs crépusculaires. « Una copla me ha cantado » est entièrement porté par la voix d’or de Susana Baca. Une comptine d’enfants signée par la chanteuse chilienne Violeta Parra. Maître haïtien de la guitare classique, Frantz Casseus (NDR : il prodigua en son temps des cours de son instrument à…Marc Ribot) a composé « Merci Bon Dieu » ; et l’adaptation ici est très réussie. Plus mièvre, « Estrela » est une jolie mélodie chantée en compagnie de Gilberto Gil ; mais elle souffre d’un excès de sucre largement imputable aux cordes de l’ensemble Tosca Strings. Poème de Pablo Neruda, « Estrela » recentre le propos lors d’un flamenco basé uniquement sur les percus et une guitare classique. L’accent de Susana Baca trébuche un peu sur le dialecte napolitain du sombre « Luna Rossa ». Elle ajoute dans le refrain une dimension plus sentimentale qui n’existait pas dans l’original, déforçant ainsi quelque peu le couplet. L’album s’achève par une touche très (trop ?) mélancolique administrée au « Volcano » de Damien Rice. Le seul authentique faux pas de cet album qui réveille le fantôme de (nooooonnnnn !) Mecano (Une femme avec une femme). A l’arrivée on obtient un album oscillant entre pure magie (surtout le début) et sentimentalisme exacerbé ; une œuvre qui rebutera plus d’un mélomane, mais sûrement pas les amoureux, pour lesquels cet opus emble avoir été conçu.
Née en 1982, cette formation australienne n’avait guère donné de signe de vie depuis l’an 2000. C'est-à-dire lors de la sortie de son dernier opus, "A Mid-Stream Of Consciousness". A un tel point qu’on se demandait si les Fusils Célibataires n’avaient pas déposé les armes… Et paradoxalement, chaque fois qu’on les compte pour morts, ils reviennent à vie. Du line up initial, seuls les deux guitaristes (Kent Steedman et Dave Morris) ainsi que le chanteur (Damien Lovelock) sont toujours au poste. Les différents changements opérés au cours de leur longue existence, n’ont donc affecté que la section rythmique. Et jamais la musique. D’ailleurs, Radio Birdman, les Stooges, les Sex Pistols, Damned, les Saints, les Ramones et MC5 comptent toujours parmi les influences majeures de cet ensemble qui jouit d’une excellente réputation de groupe de scène. La complémentarité des deux guitaristes n’y est pas étrangère. Mais aussi les compositions hymniques, soulignées par la voix âcre, graveleuse, laconique, du vocaliste responsable de lyrics engagés, satiriques, souvent à caractère écologique. « Beyond respect » ne déroge pas à la bonne règle. Il recèle cependant l’un ou l’autre compo plus élaborée, énigmatique, rampante, fiévreuse. A l’instar d’« Alhambra », de « When we meet again » ou encore de « Dre », balayé par les flux convulsifs des six cordes. L’opus privilégie, bien sûr, les plages contagieuses, décapantes, tempétueuses. Et je pense tout particulièrement à l’irrésistible « You won’t love me », au ‘stoogien’ « Nobody knows », à « (We all moved to) Buttland », dont les refrains sont balayés de backing vocaux vindicatifs ; et puis surtout au tribal « Return of the creature with the atom brain », adressant à la fois un clin d’œil à Rocky Erikson (NDR : leader des 13th Floor Elevator, il avait écrit en son temps « Creature of the atom brain », en s’inspirant d’un film d’horreur paru en 1955) et par conséquent aux Cramps, grands collectionneurs de films de série B. En bonus track, cet opus nous réserve une cover de « My generation » du Who. Au-delà du respect il y a encore et toujours du respect…
Ce quintet de Barcelone, peu connu chez nous, vaut la peine qu’on s’y attarde, puisque ce « Dancing Days » rappelle le meilleur de Migala et de Shipping News. En gros, du rock indé qui souffre en silence. D’abord les riffs s’envolent, puis la batterie, les beats, rentrent en hibernation. Défilent alors sur l’écran de notre subconscient des images à l’envers ; même qu’à la fin on ignore où on est : sous la cime d’un rock sauvage ou dans l’œil d’un cyclone post-pop, tendance Acuarela, Tortoise, Windsor For The Derby. Tout ici présage d’un avenir serein, même si du calme ou de la tempête on préfère éviter de choisir… Dans l’interstice, heureusement, il se passe quelque chose, et c’est là que Camping a dressé sa grande tente catalane. Où l’on perçoit, étalés sur le sac de couchage, l’intégrale en cassettes de Ride et de Mogwai, une photo de Ian Curtis et un T-shirt de Slowdive. Parfois le vent se lève et malmène les tendeurs (surtout à la fin), mais l’inquiétude ne dure jamais longtemps. Sur ces onze titres sans véritable début ni fin, l’auditeur s’ébaudit à trouver une constante… Ses doigts s’accrochent et glissent sur les fils d’une mélodie fureteuse (douleur brûlante du frottement), mais peu importe : « Dancing Days », s’il porte mal son titre, vaut bien quelques échardes. Aye aye aye !
Trio de Philadelphie composé de Greg Weeks, Meg Baird et Brooke Sietinsons, Espers s’ajoute à la liste déjà longue des ‘revivalistes’ acid folk apparus à la suite de Banhart et de sa barbe en fleur. Ou comment nous faire croire que les clochettes, la flûte et le clavecin peuvent côtoyer dans un même élan les larsens et les drones… La suite ? Tout le monde s’en fiche, parce que tout le monde est défoncé. Ben Chasny (Six Organs of Admittance) est leur pote et le nôtre, il en connaît un bout question hypnose, mantras babas et fingerpicking. « Needle of Death », chantait Bert Jansch, et on ne parle pas de Robin Williamson, le génie fou d’Incredible String Band… Bref, ce disque sent la défonce, surtout quand l’acoustique se transforme en cerbère, et qu’il lance des éclairs de ses naseaux fumants. Des types portant des masques de grenouille s’incrustent dans le salon, la BO du « Wicker Man » en fond sonore. Ils insèrent le disque d’Espers dans le tiroir hi-fi. C’est la chenille qui redémarre, le Sacré Graal en forme de pipe à eau. On n’y comprend que pouic, mais à la droite du druide qui écoute Perhacs, on aperçoit un type qui lèche la moquette. ‘Yo mec ! Espers, ça te branche ?’ Avant de s’évanouir, les locataires crient ‘Oôôhm’. L’acid folk ? Un petit buvard et hop ! C’est comme en 69.
Inusable. Chaque écoute de ce premier album de Field Music éclaire un nouvel angle, héberge une nouvelle île au trésor. La terre au milieu des mers : l’Angleterre. Dans toute sa splendeur, elle traverse les douze titres de cette cargaison anachronique. Des Who à XTC, en passant par Wire, les mesures ‘so british’ s’alignent. Percutées de plein fouet par le rêve américain de The Left Bank et autres Beach Boys. Ces confrontations générationnelles offrent indéniablement une âme à Field Music. Son corps, quant à lui, repose fièrement sur ses membres : David et Peter Brewis, Andrew Moore et, en perpétuel va-et-vient, Tom English se glisse derrière la batterie, entre deux roulements de tambour chez Maxïmo Park. Le paysage de Field Music est esquissé par nombre d’équipées contemporaines. The Futurheads, The Golden Virgins et Maxïmo Park se présentent comme leurs meilleurs voisins de pallier. C’est pourtant à des miles de ces contrées que se localise la (Field) Music. Des humeurs psychédéliques, des montages baroques, des mélodies illuminées survolent des harmonies vocales à tiroirs. Lequel ouvrir ? L’embarras du choix pousse l’auditeur dans ses ultimes retranchements. Il faut pourtant se décider. Les auditions répétitives découvrent alors des compartiments emplis d’harmonica, de glockenspiel. D’autres débordent de guitares et de saxophone. L’enchantement est permanent. Field Music signe un disque sublime, aventureux. Dangereux à l’ère du tout-au-single ? Risqué, tout au plus. Mais quel bonheur enfin de découvrir l’amour du risque !
Il est sans doute très probable que ce disque, s’il ne profitait pas du revival acid folk de ces deux dernières années (Devendra Banhart et consorts), n’aurait jamais été sauvé de l’oubli dans lequel il croupissait depuis plus de trente ans… Pareil pour Vashti Bunyan, qui depuis son intronisation par Banhart et Animal Collective, est ressortie du bois l’année dernière avec un nouveau disque (« Lookaftering »), trois décennies après son fameux « Just Another Diamond Day ». « Red Hash », qui date de 1973, vient donc d’être réédité par l’excellent label Drag City, au grand bonheur de tous les fans de néo-folk (barbus, pour la plupart) et des fashion victims (ce qui revient au même). Pour la petite histoire, Gary Higgins tenait la basse au sein du groupe Random Concept dans les années 60, dont l’un des autres membres, Simeon Coxe, fondera un peu plus tard les excellents Silver Apples… La suite est plus tragique : en octobre 1972 Gary Higgins est incarcéré parce qu’il dealait de la marijuana. Il reste en taule pendant 13 mois… Juste avant, il aura eu le temps d’enregistrer, en l’espace de 40 heures, ce fameux « Red Hash », alors pressé à 3000 exemplaires par un micro-label, Nufusmoon. Onze titres d’obédience acid folk, d’une qualité irréprochable malgré l’absence de moyens dont souffrait alors le chanteur. Vingt ans plus tard, la galette, tombée dans l’oubli suite à l’incarcération de son créateur et à l’absence de toute promotion et de distribution, s’échange sur le net pour plus de 200 dollars… C’est alors qu’en 2005, le folk hippie bénéficiant d’un regain d’attention de la part des labels et des médias (ils espèrent tous découvrir et signer le nouveau Banhart), ressurgit du néant cette pépite acoustique. Ben Chasny (Six Organs of Admittance, Comets on Fire), pour le coup, enregistre même une cover de « Thicker Than A Smokey » sur son dernier album « School of the Flower », de quoi alimenter le buzz et jouer au kador free folk… Sur « Red Hash » on retrouve donc des flûtes et du fingerpicking, des contes narcotiques et des cordes fleuries. Entre blues acoustique et mantras folk, ces treize titres (dont deux bonus) surprennent encore par leur vitalité, comme s’ils dataient d’hier… D’Adem (le surprenant « Stable the Spuds », quasi folktronica) à BRMC, de Mark Lanegan à Josephine Forster, nombreux sont ceux qui risquent d’avoir une claque en écoutant ce disque. « I Pick Notes From The Sky », titre l’une des chansons : si le ciel peut attendre, il est grand temps de rendre hommage, à l’homme et à son œuvre. Les pépites sont rares, et d’autant plus précieuses.
Du rock’n’roll qui pétarade sans demander son reste, et qui sue des aisselles en tentant de mimer l’Iguane : la tête gigote sur le beat bâtard, les doigts s’accrochent vigoureusement au manche, et les santiags tapent en cadence. Non, il ne s’agit pas d’un film de boules, mais ce disque les fout. On se croirait presque en 69, à l’époque des Stooges, d’où la chanson, et la position. Le sexe, le rock’n’roll, tout ça c’est du pareil au même, et quand elle crie (« She Cried »), c’est qu’elle aime ça. Sur ce disque les Seigneurs d’Altamont crient leur amour du riff débraillé, qui gicle de toute part. On pense aux Seeds et à leur « Web of Sound », le Rhodes en fait des tonnes et ça groove sec sur le linoléum. Un groupe Nuggets en 2006 ? Il y a du « TV Eye » dans le morceau « Let’s Burn »… et de l’Iggy partout ailleurs, en plus garage sixties. Les Lords of Altamont nagent donc en plein délire nostalgique, mais ils y croient tellement que c’en est sympathique. Ayez pitié pour eux, vous les croiserez peut-être en enfer.
La suite des aventures Fargo s’écrit en français : Loizeau. Et, comme il est difficile de changer ses vieilles habitudes, Emily conserve cette part d’anglicité propre au label parisien. Emily Loizeau demeure néanmoins la première signature Française de la maison. Sur « L’Autre Bout du Monde », son album, la demoiselle s’autorise toutes les dérives. Elle s’amuse de la vie, de la mort. Elle voit rouge, broie du noir et nous conte des histoires rose bonbon. Entre franches rigolades et rengaines funestes, le disque façonne les contours d’une personnalité attachante. Loizeau s’envole ainsi pour 13 titres, sifflés en anglais ou en français, accompagnés ou esseulés. Dans la langue de Shakespeare, « London Town » convoque un volatile prolifique en la personne d’Andrew Bird. Ce dernier se risque même à quelques incartades dans le registre de Molière. Mais auparavant, l’équipée alter-mondialiste de Tryo était venue pousser la chansonnette « Voilà Pouquoi » autour d’un feu de bois. Une petite frivolité au cours de laquelle on apprend ‘pourquoi’ Chirac est plutôt un blaireau. Entre Andrew Bird et Tryo, Emily l’avoue : elle ‘ne sait pas choisir’. Alors, c’est Frank Monnet qui est invité autour d’un « Jasseron », histoire de trancher et de remporter le prix du meilleur duo. En solo, Emily Loizeau offre de délicieux moments à ses auditeurs. Divaguant sur ses tourments, la belle dévoile une intrigante part de féminité. Loin des seins siliconés, des Wonderbra matelassés au bubble-gum, Emily Loizeau révèle les craintes, les jalousies et les joies des filles. Tout ce qui plaît réellement aux garçons. Toutes ces choses que les hommes ne comprendront sans doute jamais se trament ici. En filigrane de quelques chansons qui migrent lentement dans nos têtes. Au rythme de Loizeau : toujours plus haut.
Quel disque étrange ! Convaincant sur la première partie, « You are awake or asleep » se prend carrément les pieds dans le tapis au cours d’un deuxième acte (les 5 derniers morceaux) qui ne restera pas dans les annales de la pop, loin s’en faut. Il y a pourtant du talent et un sens évident de la mélodie chez Stephen Brodsky et Mike Law, les deux locomotives d’un convoi qui semble avoir oublié la célèbre morale de la fable du lièvre et de la tortue : rien ne sert de courir, il faut partir à point… Et surtout ne pas tirer trop vite ses meilleures cartouches… Malheureusement, ignorant ces précieux conseils, New Idea Society démarre sur les chapeaux de roues. « Will/ Won’t », « The Aching Bells », « Willing To Wait », « The Waiting » s’enchaînent ainsi dans un joyeux capharnaüm, évoquant tour à tour Austin Lace, les Flaming Lips et toute une flopée de groupes indie/folk américains qu’il serait trop fastidieux d’énumérer. Et puis soudain, c’est la panne… Le charbon viendrait-il à manquer ? Quoi qu’il en soit, à partir d’un « Storm in my eyes » éthéré et franchement ennuyeux, NIS semble chercher son second souffle. Il viendra trop tard (« Anna Lee », hivernale petite ballade bien sympathique), hélas… Cet essoufflement, à la limite de la crise d’asthme, s’explique peut-être par la durée d’enregistrement de cet opus : près de 2 ans ! Un laps de temps bien trop long qui a probablement eu pour effet de mettre ses géniteurs à genoux… Dommage.
Le trio s’est frayé une brèche, s’est échappé de Portland pour prêcher sa bonne musique à travers des contrées éloignées. Joe Haege, Jay Pellicci et Jay Winebrenner composent 31Knots, formation ingénue, génialement impromptue. A la commissure des charges électriques d’At the Drive-In, de la démence maîtrisée de Devo et de l’appétence noisy de Blonde Redhead, 31Knots serre les dents, rentre dedans. Pendant près de quarante minutes déchirées, articulées autour d’intraitables lignes mélodiques, les garçons plaquent des accords déroutants, surprenants. Joyeuses dérives dans lesquelles se noyer devient aubaine. A fleur de peau, les émotions accompagnent les riffs cinglants appuyés par Joe Haege. Pour son troisième album, 31Knots s’attache à marquer les esprits. Quelques réussites spontanées viennent ainsi s’accrocher à nos oreilles. En boucle, « Hearsay » et « Chain Reaction » se révèlent d’excellentes compositions. Des excentricités assumées façonnent également la personnalité d’un groupe généreux. Le désenchantement cabaret de l’éponyme « Talk Like Blood », les séquences ondoyantes de « Busy is Bold » confirment un sentiment éprouvé dès les premières écoutes : 31Knots est une rencontre enrichissante, une découverte avenante. Un disque qui ne limite plus Portland à la charnière de ses Kingsmen et Quasi Dandy.
Concept douteux, voire fumeux dans le cas présent, le « Greatest Hits » présente néanmoins un certain nombre d’attributs. Les tubes, marque de fabrique de ce genre d’arsenal discographique. Ils remplissent les moindres recoins de la surface digitale. L’occasion rêvée pour moult retardataires de se refaire une santé en compagnie des trois rappeurs de Cypress. Ou plutôt de se défaire la santé ! Mais entendons nous bien : Cypress, c’est pas de la soufflette ! C’est de la bombe, un son hip-rock à vous faire verdir de bonheur. Présentés dans une typologie chronologique, les hits sortent du bong : « How I Could Just Kill a Man », « Hand on the Pump », « Insane in the Brain ». Ca scratche, ça roule, c’est cool ! « Dr Greenthumb » met définitivement le feu aux poudres. C’est l’éclate. Et puis, « (Rock) Superstar », s’amuse à paraphraser l’existence présumée des manieurs de guitares fantasmés. Histoire de grosses maisons, de bagnoles de luxes, découverte pour la première fois sur la trame sonore de « Little Nicky », super-production ultra-nulle présentant le burlesque Adam Sandler en progéniture défectueuse de Satan. Mais qui s’en souvient ? Mis à part les quelques déroutés souhaitant posséder une avant-première du fameux « (Rock) Superstar » ? Personne. Brillamment démontré : le « Greatest Hits » permet donc de se remémorer des souvenirs sans intérêt. C’est aussi une façon de planquer quelques titres moins mémorables des dernières productions (« Latin Thugs », « Ez Come Ez Go »). Et enfin, de balancer de subtils appâts en édition limitée (« Can’t Get the Best of Me », « Lowrider »), histoire d'allécher le fan enfumé. « Greatest Hits from the Bong » aligne les psychotropes dansants et remuants. A écouter sans manger. Pour rouler, boire ou fumer. Au final, l’auditeur s’accordera tout de même un petit cake, histoire de se consoler d’une absence de marque : « What’s Your Number », véritable hit from the Bong !
Arno reste un performer attachant. La scène : son élément, sa passion. L’ivresse demeure, les mots s’enivrent. Et, plus que jamais, les musiciens apportent un soutien impeccable aux textes de l’Ostendais. Serge Feys aux claviers et à l'accordéon, Geoffrey Burton aux guitares, Mirko Banovic à la basse et Frederick Van De Berghe à la batterie orchestrent le tout. Enregistré à l’Ancienne Belgique en mars 2005, « Live in Brussels » revêt davantage le costard anthologique que le complet best of. Plus proche des fans, cet album en public s’éloigne des titres de « Chic et pas cher », dernier disque en date. Rétrospective jouissive. Le concert s’emballe d’entrée de jeu dans l’intensité de « Ratata ». Concentré, émouvant, Arno mêle tragique et nostalgique sur « Les yeux de ma mère », chanson belle à faire pleurer une colonie de paternels. « Meets the Freaks » brûle les planches d’un blues électrisant, crispant. Ahurissant. A « 40 ans », les mots semblent plonger l’auditoire dans une écoute attentive, voire réflective. Un message : les générations passent, les années suivent, Arno prend de la bouteille. Le bondissant « With You » en atteste. L’Ostendais se tape des millésimes. A chaque année sa cuvée. « La vie est une partouze » démontre l’option éclectique du répertoire proposé ce soir. Dépouillée, la reprise du « Mother’s Little Helper » des Stones n’en est que plus belle. Initiant ensuite le public à « Françoise », ‘danse, danse comme une Bruxelloise’, Arno signe son contrat de belgitude. Se découvre des racines reggae, le temps du « Bathroom Singer », d’enflammer une nouvelle fois son assistance d’un « Oh La La La ! » à tout va. Et de revenir clôturer son « Live in Brussels » par « Vide », chanson écrite par Stef Kamil Carlens, le joyeux drille de Zita Swoon. Trame d’un grand concert à Bruxelles, capitale du Royaume de Belgique, antre d’une incessante ébullition artistique.
Encore un groupe d’emocore. Un de plus ! Originaire de Long Island, Bayside aime les vocalises affectées et les grosses guitares, c’est une certitude. Bénéficiant d’une production efficace (batterie marteau et mur d’accords électriques), ce premier album le leur rend bien et a apparemment déjà conquis près de 40.000 acheteurs téméraires. Il faut dire que dans la catégorie ‘rock teen-ager émotionnel’ cette formation, qui doit faire chialer plus d’une adolescente dans sa chambre tapissée de posters, se défend plutôt bien. Mélodies héroïques efficaces, voix torturée influencée par Morrisey (« Blame it on Bad luck », un des bon titres du disque, rythmique enlevée digne d’un « Final Countdown n°2 » : le tableau brossé par nos jeunes amis possède touts les atouts pour finir en clip sur MCM, entre le nouveau morceau d’Indochine et une petite ballade de Kyo. Manque plus que quelques plans séquence, montrant un pauvre perdu se faisant humilier par deux ou trois joueurs de football américain, dans un lycée, et l’affaire est dans le sac…
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