Rigole, pisse dans ton froc. C’est quoi ce truc ? Tes ancêtres t’ont laissé un disque en héritage ? Pour tous les atrophiés du bulbe rachidien qui se risqueraient à telle allégation, une solution existe : courir loin de chez moi ! Oui, Hayes Carll a une sale gueule ! Mais sa musique est traversée d’une sève essentielle, d’une imagerie américaine que ne peuvent renier les passionnés, adorateurs de Johnny Cash, Merle Haggard et autres Townes Van Zandt. Seul à la guitare acoustique, notre homme écume les accords comme les bars de la Côte Ouest. Le troubadour balancé au bord de la route. L’homme seul face à son destin. Une vie à traverser, une gratte pour seul allié. Hayes Carll est de ceux-là. De ces gens qui ont planté leur existence entre six cordes. Typiquement yankee dans sa conception, ce deuxième album traverse le cœur de 50 états en moins de 11 titres. Allergiques à cette expression typiquement ricaine, passez votre chemin ; laissez ce monsieur en compagnie de ses tourments. C’est suffisant. Il se contera de séduire quelques âmes rencontrées au bord du chemin.
Faire valser les gens à contretemps ? Un soir de Saint-Sylvestre, orchestré d’effets pyrotechniques joyeux, Joseph a détourné les yeux, ressassé cette immuable question. Les idées noires côtoyaient désillusions et revers amoureux. « La vie était une putain ». Temps de se prendre en main, de chercher de meilleurs lendemains. Entre hésitations et déterminations, Joseph s’affuble d’un patronyme métropolitain. D’Anvers débarque des bouches éponymes d’une station de métro du IXe arrondissement. Paris : ces trottoirs, sa vie nocturne, taciturne, nostalgique, impossible. Les thèmes se bousculent aux portes du répertoire de Joseph d’Anvers. Les rencontres aussi. Comme celle, décisive, en compagnie de Daniel Darc. De bars en salles indescriptibles, le musicien gagne finalement ses jalons sur une compilation des Inrockuptibles. L’univers personnel de Joseph s’orne alors de nouvelles contributions. Celles de Jean-Louis Piérot (Daho, Brigitte Fontaine, Bashung) ou de Miossec demeurent déterminantes. Au bout du compte, Joseph d’Anvers étale ses sentiments et regarde, enfin, « Les choses en face », son premier album. Quatorze titres, ni trop tristes ni trop mélancoliques, qui empruntent un itinéraire subtil, posé entre la trame de Dominique A et les confidences de Miossec (en duo sur « La vie est une putain »). L’ombre de Daniel Darc, aussi, n’est jamais très loin. Un disque sombre et, paradoxalement, haut en couleurs. Ces textes précieux s’installent dans les oreilles des malheureux, des cœurs brisés, au gré d’une production impeccable. Mais ce disque n’est pas l’apanage exclusif des âmes tourmentées. Un tout un chacun somnole inconsciemment en filigrane des jolis refrains de Joseph d’Anvers. Les belles chansons (« A contretemps », « Nos jours heureux », « Comme un souffle ») s’alignent. Sans se ressembler, elles donnent envie d’aimer, de rêver. De se laisser vivre, toujours avec le sourire.
Si, au cours de votre jeunesse, vous aviez pour habitude d’écumer les concerts de post-punk dans le but vous exploser les tympans à coups de Ludwig von 88, Jean Paul II et son immaculée contraception ou même de Renaud première époque, le nouvel album des Frères Couenne devrait vous valoir de belles bouffées de nostalgie. Militant à l’origine sous le patronyme des Amis d’ta femme, ces Nancéiens ont récemment changé de nom, à défaut d’orientation musicale. Musette potache, chansons à boire parlant de bitures et de femmes plus ou moins faciles sont ainsi toujours au programme… Et il faut dire que l’ensemble est plutôt sympathique… Bien sûr, la musique ne révolutionne vraiment pas le genre ; mais deux ou trois morceaux valent le détour pour les paroles… Certains moments de bravoure sont ainsi particulièrement appréciables. A l’instar de ‘A quoi ça te sert Jean-Claude, une sono de 300 watts, pour écouter de la daube encore plus fort qu’en boite ? Tes jantes sont aussi larges que le cul de ta mère et tes vitres fumées pour cacher ta misère’ sur « Tuning » et ‘Ma Julie est partie avec le voisin d’en bas qui en aurait, soi-disant, une bien plus grosse que moi. Peut-être que depuis son plus jeune âge il tire dessus comme un sauvage…’ sur « Pour quelques centimètres de plus ». La finesse, vous l’aurez compris, n’est pas au rendez-vous… Mais ‘Ca fait touchour pien rigoler !’.
Issu du Michigan, ce vétéran joue de la guitare depuis plus de quarante ans. Pour lui, l’enfer est pavé de bonnes intentions, pourvu qu’il soit saturé de boogie, de hard rock, de blues et de metal. Un style pur et dur auquel ce nouvel opus carbure. Il s’est forgé une réputation en s’inspirant des mythiques Albert, BB et Freddie King, ainsi que Jerry Lee Lewis et Elmore James. En 1974, il émigre à l'Ouest. A Los Angeles, très exactement. Mais ce séjour n’est guère productif ; et après deux ans, il retourne sur ses terres, dans le Nord. En 84, il commet son premier elpee, "Boogie all over your head". Un opus qui ouvre la voie à une production dont les titres en disent long sur le contenu : "Proud to be loud", "Rip it hard" ou encore "The rage called rock'n'roll". Son dernier album remonte à 2002 : "Bad machine".
Dès les premières secondes de "Back to your cages", on se rend compte qu’on est bien dans l’univers sonore de Katon. Son style est direct, agressif, âpre, dur, lourd et efficace : du tout bon Katon, quoi ! Le booklet mentionne que toutes les plages ont été composées et interprétées par Katon. Aucune indication relative à l’un ou l’autre collaborateur. Aurait-il joué à l’homme-orchestre ? La voix de Michael emprunte un timbre grave, caverneux, pour attaquer "On the prowl for a hoochie mama". Ce fragment semble venir d’un autre monde. Un monde impitoyable au sein duquel les riffs de la slide se mêlent à la rythmique de plomb. Et lorsque cette slide passe à l'avant-plan, c’est pour emprunter un profil plus tortueux, gémissant. Le "Diablo boogie" sort tout droit de cet enfer. Une constante : la slide agresse, éclate, vomit et vocifère. La douleur est insupportable ! Blues rock plus classique, "Need it awful bad" est toujours aussi acéré ; mais sans surprise, c’est avant tout un hommage à Jimi Hendrix. Les cordes sont en feu. La débauche se mue en orgie. Impressionnant ! La machine de guerre continue de piétiner tout ce qui ose se manifester sur son passage : "Rock'n'roll man", "Whiskey hill", etc. "In the land of rock'n'roll" permet de souffler quelque peu... Différent, il concède un soupçon de mélodie. Moins coriace, il permet à Katon de démontrer une toute autre facette de son talent. En fait, il cache bien son jeu, car il est capable de se montrer bien plus inventif, en produisant des riffs hypnotiques, aventureux. Ce voyage psychédélique, on l’imagine accompli sur les routes du pays du rock'n'roll à bord de sa Chevy noire ou de sa Ford V8. Superbe ! "Dirty thang" nous remet bien vite le chemin du boogie. Extravertie, sa slide évolue devant les riffs rythmiques bien métalliques. Blues indolent, "Luv a dawg" célèbre une nouvelle rencontre avec le fantôme d’Hendrix, converti aux techniques du 21ème siècle. Démoniaque, cet opus ne pouvait s’achever que par un boogie infernal : "Motor Cycle blues". La section rythmique qui soutient aujourd'hui Michael est composée de Sid Cox à la basse et de Johnny Bee à la batterie (NDR : pour votre information, sachez que Johnny "Bee" Badanjek militait autrefois chez les Detroit Wheels de Mitch Ryder!! Mon Dieu que c'est loin!) Katon est tellement satisfait de cette équipe, qu’il compte réaliser un album ‘live’ lors de sa tournée actuelle, un périple qui passait par le Spirit of 66 de Verviers, ce 6 mars. En outre, il compte éditer un nouvel elpee au cours de l’année 2006. Sur son label Wild Ass. Son titre ? "Diablo boogie : Blues brewed in Hell". Vous êtes prévenus !
Fraîchement débarqués de Brighton, mère patrie des filles d’Electrelane, voici les garçons de The Kooks. Quatuor né de la cuisse de la Prude Albion, reflet concentrique d’une tranche de Britpop électrique. D’abord, The Kooks : un patronyme en forme de révérence à Bowie et son inusable « Hunky Dory ». Ensuite, la musique : à l’approche de leur vingt ans, ces lads ne s’en cachent pas : la chanson qui les a réunis pour la première fois autour des instruments était bien « Reptilia » des Strokes. Contemporains, enfants d’un siècle, les musiciens échappent pourtant au cloaque de clichés dans lequel sombrent moult avatars de proto-post-punk. Leur force ? L’art de renouveler l’emballage. En d’autres termes, The Kooks croisent les références sans se soucier des vétérans. La démarche peut sembler agaçante mais conserve un certain potentiel : « Eddie’s Gun », « Ooh La » en témoignent. En traversant ce premier album, des âmes s’élèvent : Dexys Midnight Runners, Supergrass et autres Coral. La recette est spontanée et la sauce prend sans mal. Quelques mimiques des-déjà-oubliés Dogs Die In Hot Cars et petites transgressions punks efféminées à la Hot Hot Heat ramènent pourtant « Inside In/Inside Out » sur terre. Légères déficiences qui obligeront The Kooks à défier l’adversaire pour, peut-être, s’imposer au plus haut des charts d’une Nouvelle Musique Express.
Cinquième signature du label parisien Drunk Dog, Porcelain ne déparera pas dans le catalogue de cette boite réputée pour ses groupes de post rock tout à fait honorables. Le deuxième opus de cet ensemble normand propose en effet 10 morceaux crépusculaires à souhait et, pour la plupart, assez inspirés. Il faut croire que les falaises abruptes, les lichens sur les pierres et les froides bourrasques les inspirent. A tel point qu’on ne pourra s’empêcher de rapprocher Porcelain de compagnons météorologiques tels que Sigur Ros. Alors, Normandie, Islande, même combat ? Ouh lala, n’exagérons pas et modérons notre enthousiasme. Porcelain n’est pas encore prêt à rejoindre Reykjavik en Drakkar… Pour arriver à bon port, il leur faudra affiner la figure de proue de leur navire en taillant un peu dans le bois… En effet, dans tout embarcadère viking de ce nom, des morceaux comme « Encore » ou « Good Morning Star » auraient tôt fait d’être passés par le fil de l’épée ! ! ! Si Porcelain veut atteindre le Valhalla, quelques raids sur les côtes… normandes semblent encore nécessaires. Mais qu’ils ne se découragent pas… Des titres comme « Fifteen Minute Glory », « My shame », « Found » ou « Elegy » font déjà parler la foudre, par Thor !
Alléluia, le P.O.D. nouveau est arrivé ! Attendu par les ados américains comme les fidèles attendent la messe dominicale, « Testify » annonce la couleur : 2006 sera plus spirituel que jamais. Refusant l’étiquette ‘rock chrétien’ durant ses premières années d’existence, la formation rap-métal de San Diego a enfin décidé de cesser de jouer aux hypocrites et d’afficher distinctement son amour pour le tout-puissant. Les quelques crucifix ornant la pochette de ce quatrième pamphlet en témoignent. Les Californiens continuent de prêcher la bonne parole en colportant des thèmes universels tels que le respect de soi-même et de la nature, la célébration de la vie ou encore l’amour fraternel (NDR : bien ironique pour un groupe ayant éjecté l’un de ses membres ayant osé évoquer la possibilité d’un projet solo…). Si l’écriture se veut encore plus inspirée - bibliquement, cela va sans dire - que dans leurs efforts précédents, le quatuor reste musicalement si fidèle à lui-même que l’on croirait entendre un de leurs disques précédents. Fidèle à son éternel condensé de rap énergique sur riffs énervés et de chants flegmatiques sur mélodies aériennes, P.O.D. fini par exaspérer. A eux seuls, les embarrassants « Strenght Of My Life », « Mark My Words » et « Lights Out » suffisent à décourager le plus fervent amateur de 'rapcore'. Sur « Goodbye For Now » Sonny s’interroge : « When Will We Sing A New Song ? ». Apparemment, c’est pas pour tout de suite…
Attention, attention, attention... Préparez-vous, bande de fous furieux en vue, ça va décoiffer. « Quintron & Miss Pussycat » ou comment arriver à faire rocker deux claviers moogs et une boîte à rythme cheap ? Un aveu : ce disque entrera sûrement dans l’histoire comme un des plus barrés de ces dix dernières années, au moins. Vous trouvez The Kills ‘Super géééniaaal, vraiment rock and roll’, les White Stripes ‘Tellement folklore américain quoaaaa’ ? Allez plutôt vous laver les oreilles et prenez-vous ce « Swamp Tech » en plein dans le bas ventre, entre le foie et la rate, là où ça fait le plus mal… Vous l’aurez bien mérité ! ! ! Parce que, chers amis, le vrai Rock and Roll pétage de plomb mâtiné de folklore américain façon série Z ne vit pas auprès de ces chantres poussifs d’un rock garage bien mal en point… Non… Il s’est au contraire réfugié, en ces temps difficiles, dans le cerveau dérangé d’un couple de dingos ‘coming directly from New Orleans’ qui, de leur union bénie par les moustiques et les alligators, ont donné naissance à un véritable OVNI. Il est dès lors vraiment difficile de décrire clairement la musique de « Quintron & Miss Pussycat ». Pour faire bref, elle pourrait procéder d’un croisement improbable entre le Jon Spencer Blues Explosion (pour la voix et la manière de chanter de Mister Quintron) et les Shadows ou autres Trashmen (surtout leur rock garage 60’s), qui auraient beaucoup écouté une compilation des plus grands titres moogs de Marek Bilinski. Ajoutez y la voix d’entremetteuse hystérico-paranoïaque de Miss Pussycat, plongez le tout dans une ambiance digne d’un remake 70’s de Nosferatu, et vous obtiendrez peut être une description plus ou moins correcte des 13 titres qui figurent sur cette plaque. Un opus qui ne fera probablement, et malheureusement, jamais parler de lui, tant il est inclassable. Depuis « Shoplifter » agrémenté de bruitages dignes de la version initiale du jeu « Frog » sur Spectrum à « Witch in the club » en passant par un « Fly like a Rat » taillé pour le dance-floor, Quintron & Miss Pussycat réussissent à mettre l’auditeur à genoux en une quarantaine de minutes. Des minutes souvent éprouvantes mais ô combien jouissives. En tirant parti de quelques claviers pourris et en manifestant une sérieuse dose de folie, nos deux nouveaux amis arrivent à sonner plus punk et plus rock que la plupart des ersatz garago/punko/new-wave actuels. C’est déjà beaucoup…
Aaaah, Ambrosia… Révélé au grand public grâce à « Goodnight Moon », son tube planétaire, Shivaree est aussi et surtout le groupe d’Ambrosia Parsley, chanteuse dont la voix et les déhanchements délicieusement mutins suffiraient à déformer la toge de Ratzinger lui-même… Pour le reste, le combo n’est plus jamais arrivé à produire de morceaux atteignant la qualité de leur hit et il faut bien admettre qu’on les avait un peu oubliés malgré un album (« Rough Dreams ») paru en 2002. Il a donc fallu attendre un peu plus de trois ans pour que les Californiens nous reviennent avec « Who’s Got Trouble ? ». Troisième opus de leur discographie, celui-ci peut être accrédité de la mention ‘bien’, sans pour autant péter des flammes. On retrouve en effet, au détour des 11 morceaux proposés, les qualités et défauts qui font que Shivaree est et restera une formation attachante, mais à la production assez inégale. Bonnes ambiances, parfums d’Amérique déjantée, compos country mélodiques et de caractère, voix dont nous n’avons déjà que trop parlé ; l’ensemble pourrait sembler tout à fait séduisant s’il ne manquait ce petit quelque chose, cette petite étincelle qui, parfois, transforme l’argent en or…
OC Blues est un quatuor français qui monte. Une formation niçoise fondée par José, Dominique et Tony Cosoleto, respectivement chanteur/guitariste, bassiste et drummer. Trois frangins qui vont rapidement être rejoints par Renaud Cugny, au piano et à l’orgue Hammond. Le line up est régulièrement renforcé par une section de cuivres : Fabrice Vaure au saxophone ainsi que Georges de Martino et Joan Vincent Lanzillotti aux trompettes. En novembre 2005, ils sont devenus lauréats du tremplin organisé par le festival Blues sur Seine, dans la catégorie électrique. La sortie de leur premier album officiel est prévue pour ce printemps 2006. Il sera composé de titres originaux. En outre, les lyrics sont issus de la plume du romancier Philip Leroy. Partagée en trois chapitres, cette démo a été concoctée en 2005. Le premier a été immortalisé par le quartet de base dans les studios Nobuzz de Nice. Six plages qui nous démontrent les aptitudes du combo à jouer le blues. Un blues urbain, ma foi fort classique. Puissante et souple, la voix de José Coseloto accroche instantanément. Et puis elle s’adapte facilement à tous les styles : blues, R&B et soul.
OCB ouvre les hostilités par le "Livin' my neighbourhood" de Buster Benton. La guitare est bien aiguisée. L'orgue Hammond de Renaud tapisse la toile sonore. Une compo qui tient bien la route. Blues/gospel lent "Same old blues" est une cover savoureuse d’un standard de Don Nix. L'ami Cugny est passé au piano avant de reprendre l'orgue. Le chant de José est hanté par Ray Charles. "Baby won't you please come home" opère dans le même registre. Autre classique, le "You don't have to go" de Jimmy Reed a subi un traitement speedé. José empoigne la slide pour aborder un autre canon du blues : le "Long distance call" de Muddy Waters. Plus surprenant, il achève cette séquence par "Police dog blues", une adaptation de Ted Bogan et Howard Armstrong (NDR : à moins que ce ne soit de Blind Arthur Blake) sculptée dans le prewar blues acoustique. Le deuxième volet nous emmène à Villefranche sur Mer. En live. Le quartet y concède deux reprises de T-Bone Walker. Tout d’abord "Shufflin' the blues", une version caractérisée par une excellente intervention au piano boogie de Renaud et les sorties successives du trio de frères. Ensuite l'inévitable "Stormy Monday", une cover bien ficelée, hydratée par l’orgue Hammond majestueux et illuminée par le jeu de cordes à l’approche jazzyfiante. Le dernier acte avait élu domicile au Château de Mouans-Sartoux. Neuf plages à mettre à l’actif du septuor. Une bonne quarantaine de minutes d'un show bien huilé. Les inévitables cuivres alimentent le "Caldonia" de Louis Jordan, un R&B réminiscent des années 40. J’apprécie tout particulièrement "As the years go passing by", un slow blues empreint d’une grande sensibilité. Un fragment que tant de bluesmen ont interprété. Dont Albert King. A qui OC Blues rend hommage à travers "I'll play the blues for you" et "Overall junction". Freddie King n’a pas été oublié. Le band reprend, pour la circonstance, "The stumble" et "Ain't nobody's business". Mais comment ne pas craquer en écoutant la voix tellement expressive de José reprendre "I"ve been loving you" et "Try a little tenderness", la quintessence du slow R&B d'Otis Redding. Des adaptations excellentes au cours desquelles l'émotion est à fleur de peau. Je suis impatient de vous présenter le premier véritable opus OC Blues. Et c'est pour très bientôt!
‘Songez-vous au suicide ? Pas de panique, vous n’êtes pas seul dans le cas’. Un traitement s’impose cependant. Que diriez-vous d’une bonne cure discographique en compagnie de cette tendre Leslie Woods ? D’abord un petit saut sur le site Internet de la jouvencelle country : les jambes écartées, l’accueil réchauffe forcément. Ensuite, c’est une histoire de goût. Mais prêt à parier que « Luxury of Sin » peut sauver la vie de nombreux traumatisés, on vous le prescrit. En douze titres et près d’une heure de malheur, Leslie et ses potes musiciens raclent le cul des clichés. Talons aiguilles, flingues in the pocket, jupe au ras des pâquerettes et autres cow-boys alcooliques se bousculent au portillon d’un disque stéréotypé jusqu’à la pointe des Santiags. C’est une conscientisation. Quel bonheur d’élever la parodie en philosophie ! Se retaper le moral à coups de plaisanterie ? Inutile : un disque suffit. Un album, un geste, Leslie fait le reste.
Cette formation a été fondée en 2001 par Véronique Sauriat, une chanteuse qui a longtemps sévi au sein du Difference Gospel Choir. Elle a ainsi partagé les planches avec le Golden Gate Quartet et Carole Fredericks. A l’instar de la plupart des autres vocalistes contemporaines, elle cite volontiers Big Mama Thornton, Sister Rosetta Tharpe, Aretha Franklin et Etta James comme influences majeures. Pour interpréter son blues teinté de jazz, de soul et de R&B, elle s’est entourée de musiciens talentueux et compétents. Et en particulier les Tortilleurs de Benoit Blue Boy, le guitariste Stan Noubard Pacha et le bassiste Thibaut Chopin, considérés -au cours de ces dernières années - comme les meilleurs instrumentistes français. Cependant, il y a quelques mois, le dernier Tortilleur (NDR : en l’occurrence le batteur Fabrice Millerioux) a été remplacé par Simon Boyer. Sans oublier un des trésors cachés de la scène hexagonale : le jeune pianiste Julien Brunetaud. Vu le cv de ces musiciens, il n'est guère difficile d’imaginer cette équipe s’attaquer aux exercices de style les plus délicats. Mama's Biscuits avait déjà commis "Strange things are happening" en 2003.
L’opus s’ouvre par le "Can't no grave hold my body down" de Rosetta Sharpe. Et c’est une excellente idée ! La voix sensuelle mène le débat sur un rythme qui emprunte au blues, au jazz et au gospel ; un aperçu de ce qui nous attend par la suite. "Good rocking daddy" ajoute un soupçon de jump à son swing. La section rythmique est veloutée. Le saxophoniste Ruud De Vries est venu prêter main forte à l’ensemble. "Let me down easy" baigne au sein d’un climat intimiste. La voix de Vero affiche bien l'étendue de son registre. Elle est également capable d’y accumuler une grande sensibilité, avant de la déverser lorsqu’elle déborde, face à ses accompagnateurs qui manifestent une grande modération, tout en demeurant sûrs d'eux-mêmes. Le titre maître est une synthèse de ce qui se fait de mieux dans le blues. Nous sommes alors quelque part entre les scènes de Chicago, de Memphis et de Kansas City. Pacha dispense de petites grappes de notes inspirées par BB King pour introduire "Hello baby". Il est rapidement rejoint par les ivoires de Brunetaud. On se croirait presque au sein d’un juke joint bien enfumé des années 50s. Le timbre de Véronique peut se révéler plus agressif. A l’instar de « Hello baby », un délicat slow blues issu de la plume du regretté Texan Jimmy Hughes. Un moment très fort de l'elpee ! La chanteuse puise alors dans son passé de choriste de gospel pour reprendre le "Something's got a hold on me" d'Etta James. La cover du "Because it's love" de Slim Harpo est un autre grand moment. L’émotion est à son comble lorsque les Biscuits virent vers Baton Rouge. Thibaut Chopin souffle dans l'harmonica devant une section rythmique bien homogène. Seul le piano vivace de Julien parvient à s’y extraire. L'inspiration s'évade une nouvelle fois pour embrasser les rythmes syncopés et exotiques des Caraïbes tout au long d’"Ocean of tears". La pause est de courte durée, car nous repartons du côté des swamps lors de l’indolent "Shake a hand" de Joe Morris. Miss Sauriat vit passionnément cette plage. Pacha est bien dans son élément au cœur de cette Louisiane qui a toujours inspiré Benoit Blue Boy! Une grande complicité lie Chopin et sa patronne lorsqu’ils chantent "I wanna know" de Sugar Pie Desanto, une plage ensoleillée, illuminée par le jeu de Julien. Les solistes sont une nouvelle fois en verve pour interpréter "I don't believe". Stan se fait et nous fait plaisir lors de ce bon Chicago shuffle. L'œuvre ne souffre d’aucune faiblesse. Sémillant, le "Please Mr Jailer" de Wynonie Carr constitue le blues fin de soirée. D’un timbre félin et suave, Véronique susurre les lyrics de "Cold cold feeling". Elle est pourtant face au public. Pacha semble inspiré par le grand T-Bone. De connivence, le piano prend progressivement l’ascendant. Le tempo accélère et se métamorphose en boogie rock léger pour exécuter le "I want to do more", écrit par la paire Leiber/Stoller. Thibaut et Véro se partagent "If Ican't have you", la finale de cet excellent opus. Si vous appréciez ce style musical, je vous invite à découvrir la formation de Julien Brunetaud : le JB Boogie ; et en particulier l'album "Cocktail Bues and Boogie". On y retrouve Thierry Chopin, mais également le guitariste Anthony Stelmaszack.
Bonne nouvelle pour les amateurs de musique pop moderne : il y a du neuf du côté des labels. Il s’appelle Moshi Moshi et compte déjà à son actif quelques plaques d’évidente qualité. Après le disque pétulant d’Architecture in Helsinki, saluons donc l’apparition dans les bacs de cet EP d’Au Revoir Simone. Quatre jeunes filles de New York, toutes fans de Mum, Lali Puna et de Stereolab, qui de leur quarante doigts tapotent des synthés en chantant de jolies choses, comme c’est dit dans le titre. Enregistré à Brooklyn dans l’appart d’un pote, « Verses… » distille donc ses charmes mélancoliques comme une bonne vieille tisane après une nuit d’enfer. Et le brunch automnal un dimanche d’ennui ? Aussi… Bref il s’agit bien d’un disque à écouter en couple, ou même quand on est seul, pour se rappeler l’être absent, comme quand on renifle ses draps. Un truc de filles fait par des filles pour des filles ? Entre autre, mais Au Revoir Simone, comme ses contemporains de Morr Music (par exemple), titille nos zones d’ombre (les textes) et réveille la part de l’autre (masculin/féminin) qui sommeille en chacun de nous. C’est beau, touchant et chaleureux : de la pop synthétique qui appelle l’édredon, terrain des rêves et du confort à deux. A bientôt, Simone…
Petite remarque préliminaire : il ne s’agit pas d’une démo, mais bien d’un groupe du même nom. Et justement, ce 5 titres sonne comme tel… Le jeu de mot est facile ? Mais il fallait le faire, même si on sent chez ces quatre Lillois une volonté tenace de pratiquer un rock coriace, tendance Pleymo, Placebo, ce genre de groupes pour ados. Créé à la fin de l’an 2000, Demo a changé son fusil punk rock d’épaule pour un rock plus FM, bourré de riffs (tics ?) néo-metal et de textes engagés. Ils y parlent de la guerre (que c’est pas bien de la faire), des jeunes qui sont déboussolés, de leur futur qui part en couilles et de l’argent qui ne fait pas le bonheur. En gros que des thèmes sociétaux qui importeront toujours, mais traités avec la maladresse qui incombe au jeune âge… « Démo », comme ‘premières armes’, mais au fil du temps l’écriture s’affinera. Qu’ils lisent donc « Le Monde Diplomatique » à la place du « Rock Sound », peut-être que cette lecture leur servira !
Nederlands 
Français 
