Malgré les apparences, Statistics est en réalité le fait d’un seul homme, Denver Dalley, ex-guitariste de l’excellente mais éphémère formation emo Desaparecidos, qui comptait parmi ses membres un certain Conor Oberst. Le groupe ayant splitté en 2002, quelques mois à peine après la sortie de l’unique et pittoresque pièce de son catalogue, « Read Music/Speak Spanish », Dalley décida de suivre l’exemple de son ancien collègue en donnant à son projet solo des allures de collectivité. Succédant à « Leave Your Name » (2004), « Often Lie » étale sur une petite trentaine de minutes un melting-pot alternatif assez déconcertant. De fait, à l’issue de l’écoute des neufs morceaux proposés par Dalley, il est quasiment impossible de juger du talent de l’homme. Car si les très posés « Nobody Knows Your Name », « By(e) Now » et « At The End » enveloppent « Often Lie » d’un voile d’ébaudissement auditif, les longueurs bancales des « Final Broadcast » et autres laborieux « A Foward » bradent irrémédiablement les efforts de l’homme. De l’ensemble on retiendra surtout « I0.22 », expérimentation post-rock plus que crédible. Même s’il n’arrive pas à la botte de son ex-collègue, Denver Dalley et ses Statistics sont à surveiller de près.
Les deux premiers albums de Benoît Burello (« The Newton Plum » et « Spacebox ») étaient d’une beauté inépuisable. Il y tendait un miroir dans lequel on plongeait corps perdu, sûr que l’âme y flottait, de là la vérité. De la musique à écouter en silence, dans un état de grâce que seuls Mark Hollis, Robert Wyatt ou Bill Fay arrivaient jusqu’alors à nous faire ressentir… Et puis là, Burello décide d’affoler les V.U. et de lorgner du côté du krautrock et de la post-pop, avec ce « New Lines » au groove rondelet, aux basses louvoyantes. « Newsprint », le titre d’ouverture, sonne ainsi comme du Sea & Cake joué par Orange Juice : finies les ambiances sages et recueillies, place aux rythmes en oblique et aux boucles tordues. A l’instar d’esthètes multi-terrains à la Kadane (Bedhead, The New Year) et à la Grubbs (Squirrel Bait, Gastr Del Sol), Burello prouve par ce disque qu’il aime aussi l’apparente vacuité du dancefloor… Toujours sophistiquée mais sans cesse élégante, sa musique pour une fois donne envie de danser, de la tête jusqu’aux pieds. « Bed », comme ‘lit’, mais alors le matelas gorgé d’eau : ça tangue quand on s’installe, puis la fusion s’opère. Telle une décharge de (punk) funk blanc joué par Pinback, « Into The Void » remporte haut la main le titre de ‘chanson groovy’ de l’année, mais sans en avoir l’air. C’est là tout le mystère, et l’impeccable réussite, de ce troisième album de Bed : provoquer la surprise, et en même temps donner du réconfort. Ce n’est pas chose commune.
Le quatrième album de Gustav Ejstes, alias Dungen, était paru en Suède, dès 2004. Il arrive enfin chez nous ; et le moins qu’on puisse écrire c’est : ‘super - joie - enthousiasme’. Un de ces disques barrés qu’on attend sans y croire, parce qu’il ne sonne comme rien d’autre. Du rock psychédélique, de l’électro, du folk, du prog ; mais aussi plein d’instruments dans tous les sens et puis des textes, un accent, suédois. Tout commence en plein maelström, on dirait un geyser : de sons, d’ambiances, de rythmes. Imaginez des Super Furry Animals à la chasse aux champis en pleine Scandinavie : un truc de ouf, surtout pendant la digestion. Et puis le tempo s’emballe, les claviers vont au ciel, la guitare part en vrille, et l’oreille au Pays des Merveilles. Sorti sur l’excellent label anglais Memphis Industries (The Go Team, Blue tates, El Perro Del Mar,…), « Ta Det Lugnt » nous ferait presque croire qu’il existe un ailleurs où tout est volupté. Un véritable trip féodal, aux confins des genres (cfr. Cornelius, King Crimson, Four Tet, Michel Colombier,…) et des frontières de ce bas monde.
Ses fesses se trémoussent ardemment sur la piste de danse, suivant de ses courbes graciles le beat qui part en cacahouète : ça s’appelle « Bootylicious », et c’est un tube des Destiny’s Child. Aujourd’hui le mot est entré dans le dictionnaire de la langue anglaise : la preuve tangible que Beyoncé excite autant les intellectuels que la jeunesse, fan de hip hop et de r’n’b, de sucreries FM et de refrains qui tuent. Et il y en a un paquet sur ce ‘best of’, parce que les Destiny’s n’ont quasi chanté que des tubes depuis leurs fracassants débuts, en 1999. A l’époque pourtant, leur succès ne dépassait pas encore le cercle fermé des amateurs de black music fiévreuse, mais limite ‘cheesy’… C’était avant Missy Elliott et son « Get Ur Freak On », avant la claque Neptunes et l’arrivée du crunk, de Timbaland et de l’électro sur le devant de la scène hip hop. Il n’empêche qu’avec le recul, des tubes comme « Jumpin’, Jumpin’ », « Say My Name », « Bug A Boo » et « Bills, Bills, Bills », on s’en souvient comme de nos premiers amours. Les mois passent, le truc devient énorme, on parle d’elles en pétillant des yeux, ça s’émoustille sur le dancefloor, certains les comparent aux Supremes, les hits-parades s’affolent et nos braguettes aussi. L’album « Survivor » fait alors un carton planétaire : Beyoncé devient une icône glamour façonnée par la chaîne MTV, incarnant à elle seule l’ultime fantasme masculin, la panthère dorée qui ronronne sur le plaid en lançant des clins d’œil carnassiers. C’est une femme indépendante (« Independent Women Part I »), qui gère son business d’une main de fer dans un gant de velours. « Survivor », le clip, les voit déguisées en Jane des temps modernes, plus sexy qu’un canapé de chez Tonton Tapis. La gente masculine brame en chœur, c’est le braquemart qui n’en croit pas ses yeux, entre deux pubs L’Oréal. Après des incartades solo (le fameux « Crazy in Love », non repris ici), les Destiny’s reviennent en 2005 avec « Destiny Fulfilled ». Un autre tube, « Lose My Breath », assied pour de bon les trois divas au rang de stars mondiales du r’n’b. Leur petite entreprise ne connaît pas la crise : il s’agit même du plus bel exemple de conquête FM de ces dernières années. « Bootylicious » ? Un néologisme qui leur va à merveille. « L’Origine du Monde » version 2006, mais rasée de près et en technicolor… De la bombe bébé, à consommer direct avant de s’en mettre partout. Quelqu’un a du PQ ?
Rencontré en import quelques mois plus tôt, le premier album de Florian Horwath jouit enfin d’une distribution nationale. Son disque, « We Are All Gold », n’a pas changé, alternant les variations pop, écumant les perspectives de ses passions musicales. L’ouverture des festivités laisse augurer du meilleur. Une musique simple, touchante, catapultée sur le haut de l’estrade par de véritables tubes : « Codeine » ou « Golden Teeth ». Florian Horwath ravive les souvenirs. Un élan faussement maladroit, piqué chez Pavement, une aisance mélodique, aperçue chez Ed Harcourt, un bric-à-brac bricolo à ranger du côté des barbus démissionnaires de Grandaddy. Une perle sporadique de gospel (« Not Half Awake ») vient finalement s’inscrire dans la bible comme un évangile harmonique avant le déluge. Car, en compagnie du brillant Peter Von Poehl (dont on attend toujours le premier album solo), Horwath s’égare, s’enfonce dans de vaines complaisances dramatiques, sobrement dénudées du tissu mélodique qui les habillait jusqu’alors. Dans les aigus, la voix de Florian Horwath chevrote, trébuche, s’effondre (« I Feel You So »). Cette inéluctable constatation nous titille le tympan. Mais c’est en concert que le juge disposera de toutes les clefs du procès. A souligner, le superbe « Clear Night For Love », cinglant hommage à Rocky Erickson (13th Floor Elevators) dont la folie a certainement dépassé les bornes de l’humanité.
Fernando Corona, le Brésilien qui se cache derrière Murcof, s’est fait connaître en 2002 lors de la sortie de son premier disque : l’étonnant « Martes ». Un mix ahurissant de clicks’n’cuts mélancoliques et de samples organiques, entre Clogs, Jobim, Autechre et Arvo Pärt. C’était quasi nouveau, ces ambiances hitchcockiennes pleines de sursauts électroniques et de caresses néo-classiques (piano, violon) : au final un beau disque, qui ne vieillira sans doute pas… Trois ans plus tard, Corona rempile en nous livrant ce « Remembranza », une plaque taillée dans la même veine, presque gothique. Si le silence ici se fait davantage pesant, c’est peut-être pour souligner la présence, en arrière-fond sonore, de fantômes menaçants. Il fait sombre tout au long de cette œuvre ; comme si Murcof, en parlant de mémoire, pensait à « Vertigo » : quelle vérité se cache donc sous le vernis glacial de ces beats en suspens, de ces cordes brumeuses ? Sous les bleeps en quinconce l’oreille cherche l’issue fatale : s’agit-il d’un mirage ou d’une échappatoire ? La lumière brille au loin, quasi inaccessible. C’est un rêve éveillé, comme le temps qui s’arrête. Un souvenir lointain, qui s’efface peu à peu.
Ces jeunes gens de Toronto sont parrainés par les Broken Social Scene, qui ont décidé de les soutenir en sortant leur premier effort sur « Arts & Crafts », leur propre label. Comme les Flaming Lips de la première période, ils affectionnent les titres à rallonge et à l’humour bizarre, du genre ‘the protagonist suddenly realizes what he must do in the middle of downtown traffic’. Les chansons concassées qui habitent cet étrange disque exaspèrent autant qu’elles fascinent. Structurées comme des poupées russes, elles flirtent avec les atmosphères rêveuses et le psychédélisme en général. L’instrumentation est détaillée : une formation rock classique renforcée par une nuée de claviers et des rythmiques électroniques qui évoquent les productions des poulains du label Saddle Creek. La voix de fausset du chanteur (un peu dure à supporter sur tout un disque) est souvent soutenue par les chœurs de ses camarades qui hésitent entre l’exaltation mystique et les beuglements de supporters de foot. Les changements de tons sont la règle. On passe allègrement de paysages sonores rêveurs au punk rock le plus bourrin en passant par le jazz électronique et les guitares folk. L’incroyable « Where cedar nouns and adverb walk » résume bien l’esprit qui a présidé à la création d’ « Underwater cinematographer ». Il commence par une rythmique drum and bass, se noie dans les claviers avant de repartir sur un refrain très pop où les guitares se font de plus en plus ‘noisy’. Brouillon vous dites ? Certes, et le fait que chaque morceau soit enchaîné à l’autre accentue la confusion. Ainsi, si « Underwater Cinematographer » ne compte que 11 plages gravées, on a l’impression d’en avoir entendu 45 à la fin du disque. Plusieurs écoutes seront donc nécessaires pour apprécier pleinement la pop psychédélique de nos amis, qui malgré quelques sacrés passages à vide démontrent assez de talent et d’inventivité pour garder éveillé l’intérêt de l’auditeur.
The Beautiful New Born Children débarque d’Allemagne et remet les méthodes “Do it yourself” sur la platine. D’abord, une pochette façon copier-coller, en noir et blanc, illustrant l’arrestation d’un cool par des flics (par définition pas cool). Ensuite, la musique écorchée du quatuor encule férocement les règles. Flash ! Les contrôles de vitesse ne les effraient même pas. En 23 minutes, ces adorables nouveau-nés nous balancent neuf chansons boostées pour un ultime record de piste. Pieds au plancher, les huit premiers projectiles demeurent planqués sous la barre des deux minutes. Et laissent près de sept minutes de distorsion à combustion au morceau final (« Up and Down and Round and Round »). Bienvenue à la maison : Per à la batterie, Lolli à la gratte, Kirsten à la basse et son diable d’époux, Michael, au chant. Point commun de ces quatre cocos : un bébé. Pas très rock’n’roll, certes… Néanmoins, tous sont les heureux parents de gentils bambins. Certainement sourds dès leur plus jeune âge, ces marmots vivent dans un cocon familial énergétique. Dès l’ouverture, entamée tambours battant par « Do the Do », on plonge dans une ambiance électrique : du Velvet branché sur 10 000 Volts. Cet album des Beautiful New Born Children s’adresse à tous les fans frustrés des Strokes période “Take it or Leave It”. Du larsen initial au larsen final, des riffs percutants ne cessent de porter une voix noyée sous une saturation permanente de micro. Cette formation célèbre la rencontre des Libertines et des Strokes, de Jesus & Mary Chain et du MC5. Aimer ces groupes, c’est adopter The Beautiful Newborn Children. Chez eux, les chansons s’affublent de noms sympas, aussi courts à épeler qu’à gueuler : « A Good Dose », « I Do To », « Left, Right, Forward » ou encore « OK, Allright, Fine ». En définitive, le problème réside dans la possibilité de freiner un disque chevauchant à cette allure. Le crash ne peut être évité. Bang ! Du sang plein la face, les oreilles calcinées par ce mur de son, on se relève. Tremblant, on tend le bras, on serre les dents. Cette dose sera peut-être la dernière. Mais tant pis, la dépendance n’a pas de prix.
Ils sont jeunes, beaux et jouent de la musique. Le rock’n’roll, Pet sounds de ce début de millénaire, est le terrain de jeu favori de ces drôles de bêtes. Be Your Own Pet tente ainsi de raviver la flamme punk. Emmené par la superbe blonde platine Jemina Pearl, le quatuor de Nashville nous ressert une jungle binaire à la Yeah Yeah Yeahs. Le single « Adventure » lorgne ainsi du côté des artifices déjantés de Karen O et nous rappelle aux bons souvenirs de « Our Time ». Révélés par « Myspace.com », nouveau puits artistique du tout-Internet, Be Your Own Pet flingue les lapins roses à coups de timbales tribales, de riffs incisifs et d’étendards criards. Engager la cohérence de ce disque ou foncer dans le mur : même combat ! Mieux vaut évoquer le bordel qui agite les quinze titres de cet album. Enregistré en studio comme un live, l’éponyme « Be Your Own Pet » souffre d’un manque de concision, d’un côté épars, qui peine à faire décoller ces histoires de bicyclettes et de chats sauvages. Comme le chante Jemina, c’est « Fuuuuuun » ! Mais est-ce suffisant pour redresser les crêtes punks ? Indulgent avec cette blonde furibonde et ses potes hystériques, on leur accordera le bénéfice d’un premier album transcrit dans la frénésie adolescente. Viscéraux, ces animaux farouches font donc preuve d’une férocité à toute épreuve. Espérons cependant qu’ils échappent à la muselière commerciale...
Originaire des Iles Vierges mais installé aux Etats Unis, Bambu Sation pratique un reggae ‘srictly roots’ qui n’a pas encore touché les rivages européens mais risque bientôt d’y parvenir en sortant un nouvel album tout prochainement. Paru trois ans plus tôt, ce « One Day » parvient à se différencier de la pléthorique production reggae grâce à un salutaire ancrage dans la soul et un son moelleux qui renforce l’indolence de rythmiques ‘one drop’ déjà très lentes. Parmi cette collection de longs morceaux aux paroles graves émergent « Humanity Bawlin », « Even Man Cry », « Gusnmoke » et « Amadou Diallo », des plages aux belles mélodies naviguant quelque part entre Beres Hammond et Luciano. Le reste du disque n’est pas vraiment passionnant et se contente de répéter des formules top souvent exploitées ailleurs. Cet opus demeure malgré tout un effort digne de respect, mais s’adresse plutôt aux mordus du genre, qui pour leur part ne devraient pas être déçus.
La France dispose désormais de sa propre fondation dub aux senteurs asiatiques. Faisant honneur au titre de leur second album, les Bad Joke réalisent une impeccable fusion de rap, reggae, drum’n’bass, rock, electro et dub, à l’image de leurs maîtres britanniques. Aussi engagés que ces derniers, les Rouennais déballent leurs armes mélodiques et s’insurgent contre les médias, le rejet et la haine, le tout sans vulgarité. Que ce soit en français ou en anglais dans le texte, la formation fait preuve d’une technicité singulière et maîtrise intelligemment son Sound System C’est donc en pleine poire qu’on se prend les « Leitmotiv », « L’œuf Story » et autres « T-Rex ». L'alchimie fonctionne tout au long du disque mais c'est véritablement en live que les compos doivent dévoiler leur vraie force. A quand la tournée générale ?
Ce jeune chanteur/guitariste/compositeur s'est établi à New York, en 1995. Dans la "Big Apple", il s'est forgé une solide réputation de guitariste de jazz en accompagnant des artistes célèbres. Norah Jones est ainsi probablement la plus notoire. Faut dire que ses maîtres dans cette discipline répondent aux noms de Miles Davis et de John Coltrane. Pourtant, il concède également de solides références blues ; à cause de son admiration pour Albert King et Little Walter! D’ailleurs, lorsque Bergson chante, il s’inspire bien du blues. Au cours de l’année 2004, il s’est produit en compagnie de son band tous les mardis au Jazz Standard, un grand club de Manhattan! Cet opus est paru en 2005. Apparemment, ce serait déjà son quatrième. Il fait suite à "Blues for some friends of mine" édité en 1997, "Wait for spring" en 2001 et "Blues" en 2003.
Ce nouvel elpee s’ouvre par "Come and gone". Le rythme est légèrement funky. Sa voix se détache immédiatement de l'ensemble. Une voix grave, austère, qui donne une nette impression de vécu. Matt Wilson à la batterie et Chris Berger à la basse fixent le tempo. Le saxophone ténor de Jay Collins se détache délicatement, pendant que la guitare se concentre ici sur des plans rythmiques. L'atmosphère très cool qui émane de cette plage est incontestablement bercée par le jazz. Douceur, délicatesse et simplicité régissent "High above the morning". Tout au long de ce titre lent, la section rythmique minimaliste joue un rôle déterminant. Enrichi par l'orgue Hammond de Brian Charrette, ce slow R&B très mélodique est d’une grande beauté. Lorsque les cordes lâchent les notes, c’est avec une fragilité extrême. Et au compte-gouttes. Mais quelle splendeur dans le dépouillement! Cette sérénité, ce calme, alimentent les sources d'inspiration de Bergson. Jolie ballade indolente, "Sweet white lie" baigne au sein d’une ambiance country, une ambiance propice à chanter autour d’un feu de bois. Une plage qui pourrait devenir un hit, si elle était chantée par … les Eagles. Son timbre vocal pur et grave domine ce fragment au cours duquel seule la guitare tapisse le décor sonore. Le rythme fait son retour sous la forme d’un funky jazz pour nous inviter à prendre la route qui mène à la "Greyhound station". Collins souffle dans son sax et donne la réplique vocale. Bergson se réserve une excellente sortie dans le registre jazz rock, tandis que Wilson martyrise ses peaux. La suite est un réel bonheur pour les amateurs de country blues. Dans un silence glacial, il aborde son "Three sisters", une compo inspirée par Skip James. Il chante d’un timbre passionné et sensible en dialoguant avec ses cordes. Mais son interprétation est tellement naturelle, qu’on se rend à peine compte de la métamorphose de cette plage. En faisant glisser paresseusement son bottleneck, il la transforme - fin de parcours - en une version du "Death letter" de Son house". Titre jazz particulièrement limpide, "Up in Buffalo" constitue le moment de gloire pour Jay Collins. A cet instant, nous ne sommes plus très loin de John Coltrane ; ce qui n’empêche pas les autres musiciens de venir apporter tour à tour leur contribution. La plage finale est également le titre maître. La mélodie est à nouveau brillante. En écoutant ce morceau, on comprend mieux pourquoi la musique de Bergson évolue à la croisée des chemins du jazz, du blues et de la roots music. C’est le moment choisi par Charrette pour faire son retour à l’orgue, dans un registre digne du Band, l'ex backing band de Bob Dylan. Excellent !!
Vu la sortie du film “Walk the line”, un long métrage retraçant la vie tumultueuse de Johnny Cash, Columbia a eu l’idée judicieuse de ressortir les deux albums qu’il avait enregistré dans les prisons de Folsom et de San Quentin en 1968 et 1969. Deux des pièces maîtresses de sa discographie, sous un même coffret. Il y chante de sa voix de baryton si caractéristique, virile, des chansons aux textes sombres, mélancoliques, mais aussi ironiques qui parlent de problèmes sociaux, d’histoires d’amour tragiques, de meurtre et de rédemption… Et si sa musique était taxée de minimaliste, elle était souvent interprétée sur un tempo allègre, sans jamais tomber dans la répétition. A cette époque, on la considérait même parfois comme une forme alternative de rockabilly. « A boy named Sue », mais aussi « Jackson », « Green green grass of home », “I walked the line », “Cocaine blues”, « Ring of fire » et les inévitables « At folsom prison blues » et « San Quentin » figurent donc bien parmi les 37 morceaux de ce box. Décédé à l’âge de 71 ans, le 13 septembre 2003, The Man In Black a enregistré plus de 1500 chansons en plus de 40 années de carrière et décroché 11 Grammys. Non seulement, il constitue une des figures emblématiques de l’histoire de la musique country, mais il a exercé et exerce encore aujourd’hui une influence majeure chez des artistes ou des groupes aussi notoires que Bob Dylan, Léonard Cohen et dans un registre plus contemporain Nick Cave.
Après les transes de Konono n°1, Crammed nous propose de découvrir une série d’artistes qui naviguent dans les mêmes eaux. Des musiciens qui lèvent l’ancre en choisissant pour point de départ les musiques traditionnelles de différentes parties du Congo (Kinshasa, Mdai Dombe, Bacongo). Un périple vers le futur accompli en amplifiant violemment ces musiques ancestrales. De manière à leur permettre de passer au-dessus du vacarme citadin. En tout neuf prestations enregistrées ‘live’ où l’hypnotique et la distorsion des instruments font la loi. Semblant venir d’une autre planète, cette expression sonore devrait régaler les amateurs de sons étranges. Parmi les titres les plus intéressants, j’épinglerai le « Kiwembo » de Sobanza Mimanisa : un gros riff de likembe empli d’effets « fuzz », des percus et un sifflet dans le style du carnaval de Rio, des arpèges de guitare très mélodiques et un maître de cérémonie qui incite à la danse. Plus calme, le « Kabuangoyi » des Kasai All Stars est une longue variation sur une belle mélodie percussive. Accompagnée d’arpèges de guitares, elle est traversée de sons bizarres produits par diverses percus et une gratte noyée dans la reverb et la distorsion. Un titre qui évoque les douces variations à la kora d’artistes comme Ballake Sissoko ou Toumani Diabaté… On retourne à la danse sur le génial « Soif Conjugale » de Kisanzi Congo, totalement dominé par les impros de likembe distordu et une ligne de basse imparable. « Le laboureur » est une relecture bruitiste et funky d’une fable de La Fontaine tandis que la prestation de Konono n°1 captée au Couleur Café aurait pu naître d’une jam hypnotique entre Jimi Hendrix et un orchestre traditionnel qui aurait abusé des substances psychotropes. Sachez que le pendant visuel du disque filme six collectifs (musiciens + danseurs) en pleine action dans les rues et salles de Kinshasa lors de l’enregistrement du disque. L’esprit « Do It Yourself » anime ces personnages à l’imagination colorée et débordante. A l’instar du collectif Tulu qui a inventé un instrument en reliant deux gros ressorts à une boîte à sardines…
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