On a fait la connaissance d’Apollo Nove sur le premier album de Cibelle. L’homme se réservait la production et l’emballage sonore du premier et prometteur opus de la belle brésilienne. Ce premier album solo ne doit pas faire oublier que le personnage est loin d’être un débutant : il a trempé dans le hip hop dans les années nonante en compagnie de Marcelo D2 au sein du groupe Planet Hump. Depuis, il a continué sur sa voie en produisant d’autres artistes et en commettant quelques remixes. « Res Inexplicata Volans » est la formule latine pour désigner les O.V.N.I. ; et on peut dire que ce patronyme est parfait. Une œuvre psychédélique qui part de la musique brésilienne pour l’emmener dans l’espace et sur d’autres planètes. Apollo chante sur plusieurs titres (dont l’excellent titre maître) mais a aussi invité plusieurs chanteurs de premier choix : Cibelle, Seu Jorge, Céu ou encore Tita Lima. Entre expérimentations sonores et mélodies, ce premier effort est forcément inégal mais contient une flopée d’excellents morceaux. On a déjà cité la bossa nova psychédélique d’« Inexplicata », mais la bossa r’n’b de « Traz Um Alivio » fait également mouche. Dans un registre assez lascif, Seu Jorge phéromonise la ballade « Ensaboar Você » qui devrait figurer prochainement sur toutes les compilations dédiées au sexe. On épinglera aussi une reprise iconoclaste d’AC-DC : « I’m Rocker ». Ponctuée de scratches mélodiques étranges mais réussis, elle est interprétée en clé bossa. Le reste est un cran au-dessous, car Apollo Nove noie souvent ses morceaux sous des couches d’effets et de claviers qui finissent par disloquer les chansons ; mais l’ensemble a au moins le mérite d’être audacieux et original, ce qui se fait rare de nos jours.
Nouveau venu sur la scène métal, ce groupe belge propose 12 compositions simples et efficaces, alliant énergie et mélodie, la plupart sous un format FM. Aucune démonstration cependant ; le groupe privilégiant un travail collectif plutôt réussi. Rythmique, guitares et claviers se partagent l'espace sonore avec amabilité. On a bien droit à quelques soli, d'ailleurs efficaces, mais rapidement décochés, et au service d'un rock essentiellement festif qui ne se prend jamais trop au sérieux. Tout n'est pas irréprochable. Certains trouveront même un ou deux titres patauds. Mais une majorité de plages sont fort agréables, dans un registre Hard/Pop mélodique et énergique sans agressivité. Et certaines s'avèrent furieusement bonnes (« Media Vision », « Freak Show », « Tomorrow is gone »). En outre, ce Cd plus qu’honnête bénéficie d’une production très. Un bon début pour Beyond the Labyrinth ; mais qui toutes vérifications faites, s'avère aussi un bon groupe de scène.
Ziriguiboom est une division du séminal label belge Crammed dédiée à la nouvelle musique brésilienne. Constitué d’artistes internationaux (principalement brésiliens mais établis aussi à Londres, New York et Amsterdam), la démarche du label consiste à mettre en avant des artistes puisant dans leurs racines brésiliennes tout en y intégrant des éléments communs à la musique populaire d’aujourd’hui. La musique électronique y est fortement représentée mais aussi le hip hop ou encore le reggae. Ce deuxième volume réunit donc les travaux passés et à venir d’artistes ayant déjà largement fait leur preuve : Bebel Gilberto, Cibelle, Zuco 103 ou encore Bossacucanova. De la musique qui favorise ses éléments dansants et mélodiques mais qui se prête plus aux atmosphères tamisées qu’au bruit et à la fureur propres aux dancefloors. Néanmoins, cette compilation constitue une excellente introduction aux travaux du label et recèle beaucoup de bonnes choses. On citera « Inexplicata », l’excellente bossa psychédélique d’Apollo Nove, la mélancolie électro acoustique de Cibelle manifestée tout au long d’« Esplendor », le plus classique mais plaisant Celso Fonseca, le déjanté « Trancelim de marfim » d’Isaar et de Dj Dolores, le remix de Bebel Gilberto opéré par Thievery Corporation et enfin « Love is Queen Omega », une improbable collaboration entre Lee Scratch Perry et Zuco 103.
Projet ‘solo’ de Mike Shinoda, tête pensante de Linkin Park, Fort Minor déverse son premier flot de rimes hip-hop sur un « Rising Tied » commercialement bien ficelé. De la pochette de l’album jusqu’à ses sonorités, l’intégralité de l’univers de Fort Minor résonne comme son équivalent néo-métal. A défaut de créativité, le pseudo-rappeur ressert la formule magique qui fait le succès de son premier groupe : des refrains entêtants entrecoupés de deux ou trois couplets raps bien balancés. Pas étonnant donc de se surprendre à fredonner les airs de « The Rising Tide » ad nauseum. C’est en cette capacité d’interpeller l’auditeur, bon gré, mal gré, que réside tout le prodige de Shinoda. Preuve en est le succès immédiat de « Believe Me », un premier extrait indéniablement engageant. Véritable concentré de singles potentiels, ce 1er album semi-autobiographique conte le parcours du jeune homme, de son enfance (le radical « Kengi ») à sa carrière actuelle (« Get Me Gone », brève lettre ouverte aux détracteurs de son groupe de rock, intelligente mais trop réfléchie pour être sincère). On lui reprochera principalement de ne pas avoir compris le principe du side-project, l’ombre de Linkin Park se faisant parfois trop pesante sur certains titres (« Right Now », « Slip Out The Back »). Outre les collaborations prestigieuses des John Legend, The Roots et autres Common, Fort Minor s’offre également la présence de Jonah Matranga, roi de la multiplication de projets Emo, sur un « Where’d You Go » Jimmy Eat Worldien ainsi qu’un moins probant « Red To Black ». Quiconque aura beau s’efforcer à ne pas adhérer à la nouvelle frasque musicale de Mike Shinoda devra néanmoins lui reconnaître une efficacité incontestable.
Le groupe bruxellois recueille l’unanimité. Hooverphonic, c’est le Nord et le Sud du pays, Kim Clijsters et Justine Henin sur la même portion de terrain. Depuis la sortie de « Blue Wonder Power Milk » en 1998, le projet totalitaire d’Alex Callier est devenu un buzz énorme. Chouchou en sa patrie, admiré par une cohorte de spectateurs internationaux, Hooverphonic revient aux affaires par l’entremise de « No More Sweet Music ». Le groupe, représenté par le trio Geike Arnaert (voix), Alex Callier (Dieu tout-puissant) et Raymond Geerts (guitare), arpente le même tapis rouge que lors de ses précédentes réalisations. Sous les flashes, les paillettes et le strass de la réussite, ce sixième (double) album trotte sur les hits, bottes en cuir et costard en flanelle pour tout apparat. « Plus de musique douce ? » Et le cul des auditeurs, c’est du poulet ? Soyons sérieux : Hooverphonic inscrit ce disque dans la continuité de son œuvre et, si les 11 titres de cet album ne scintillent pas d’une originalité éblouissante, ils ont le mérite d’afficher une propreté irréprochable. De « We All Float » à « Your Heart Me » en passant par « Wake up » ou l’éponyme « No More Sweet Music », les hits radio sont à nouveau au rendez-vous. Cette collection de tubes, impeccable et propre sur elle, accentue les contours d’une musique évoluant aux confins de l’electronica, de la pop et d’une imagerie cinématographique condescendante Complété par deux DVD et une remise en contexte électronique des titres originaux de « No More Sweet Music », l’album affiche sa générosité et sa volonté exploratoire. Cet album est donc la suite réussie des aventures d’Hooverphonic : une évolution qui conflue au gré d’un long fleuve. Tranquille, forcément. « No More Sweet Music ? »
Lagwagon revient de loin. Après nous avoir balancé une demi-douzaine de ‘punk rawk’ acide en pleine poire, après avoir engagé Ken Stringfellow (The Posies) pour un court moment et, surtout, après avoir fait le deuil de son batteur, Derrick Plourde (NDR : il s’est suicidé en 2005), le groupe californien nous offre « Resolve », troublant témoignage d’une incontestable apogée artistique. En addition des riffs, toujours aussi brefs et efficaces, Lagwagon n’hésite pas à dévoiler une écriture plus orientée par les émotions que sur ses efforts précédents. Une indéniable sensibilité se dégage de titres tels que « Days Of New », « The Contortionist » ou l’excellente hidden track « The Chemist ». Un peu plus posé qu’auparavant, le punk rêche du groupe californien laisse parfois transparaître un côté pop-rock familier. Si bien que, par moments, le fantôme des Foo Fighters (période éponyme) plane au-dessus de certaines compositions (« Virus »). Malgré l’absence évidente d’allégresse, « Resolve » s’écoute en définitive comme une virevoltante et sincère ode à l'espérance.
A Birmingham, Magnétophone enregistre les discussions sonores du duo Matt Saunders et John Hanson depuis les premières lueurs du siècle nouveau. Des débats éthérés, hypnotiques qui, doucement, gravitent dans l’air, déposant, ici et là, d’innocentes notes de mélancolie. Evoluant dans une sphère dédiée à l’électronica, le nouvel album de Magnétophone fait la part belle aux collaborations. Et c’est cool ! Puisque Kim Deal est au rendez-vous... En compagnie de Kelley, sa frangine au violon, elle se pose derrière les fûts et participe à une expérience étrange, au gré des boucles hallucinogènes de « Kel’s Vintage Thought ». Toujours belles, les instrumentations tracent de fabuleuses sinusoïdes qui, subtilement, se glissent entre une basse, un clavier, toujours accompagnées d’effets électroniques avenants. Sur « The Man Who Ate The Man », le synthétiseur marque son territoire d’un bout à l’autre, rapprochant l’univers de Magnétophone des structures intelligentes d’Autechre. Parmi les collaborations, la touche écossaise de James Yorkston sur « I’ve Been Looking Around Me » nous rappelle qu’après la pluie et la grisaille, vient le beau temps, les jours meilleurs, le psychédélisme en prime. Comme le confirment les relents psychotropes de « In The Hours After » et « Motion G ». Lentes Superpositions Décompressantes en perspective.
Plus de huit mois après sa sortie, la première pierre de The Others entame son processus d’effritement. Sans se montrer passéiste, il conviendra de souligner la jolie tignasse de ‘Robert Smith’, maladroitement exhibée par le bassiste, Johnny Others (quel nom !). A première vue, on se demande même pourquoi ce speedé des quatre cordes se trimballe un corbeau mort sur la tête. Mais tous les goûts sont dans la nature… Après, le cas du chanteur, Dominic Masters, demeure plus problématique. Célèbre complice de défonce de Pete Doherty, il est régulièrement agité de secousses de folie douce, s’acharne à s’égosiller par le nez (est-ce humainement possible ?) et affiche un inquiétant rictus de perturbé notoire. Ensuite, c’est l’histoire d’un disque volontaire, de titres qui se jettent aveuglément dans une bataille sans ennemi. Peu importe, c’est jouissif. Surfant sur une rythmique empruntée au répertoire de Gang Of Four, « Lackey » entame la mise à feu. « William » poursuit l’effort par l’entremise d’un refrain à hurler saoul, voire complètement bourré. Plus loin, ce sont les Ramones qui sont conviés chez The Others. C’est rapide, urgent et déjà entendu. Mais le tout est beuglé avec une telle passion que le disque s’acquitte rapidement de son plagiat. L’énergie suinte de partout et les mélodies tentent d’imprimer le rythme imposé par ces impérieux gamins londoniens. The Others, des ‘likely lads’ convaincus de l’impact conséquent de l’œuvre des Libertines. Et si, en 2006, l’enfer, c’est ‘les autres’, les Babyshambles démontrent que la chute n’en sera que meilleure : ‘Down in Albion, mister Prime Minister !’, ‘Down in Albion’…
Fondé à la fin des 90’s, Okkervil River nous vient du New Hampshire. Une formation drivée par Will Sheff et Seth Warren. Et responsable de 4 albums à ce jour. Guitariste mais surtout chanteur, Will a également développé un projet alternatif, Shearwater, en compagnie duquel il a déjà commis trois elpees : “The Dissolving Room” en 2001, “Everybody Makes Mistakes” en 2002 et “Winged Life” en 2004. Si à l’origine, le line up se résumait à un quatuor, il est passé aujourd’hui à un sextuor. Ce qui explique sans doute la diversification de leur expression sonore. Fondamentalement alt country, Okkervil River évoque tout d’abord Centro Matic. Ou plus exactement South San Gabriel. Surtout dans sa phase la plus acoustique. Aussi gémissante que celle de Johnson (NDR : Will également), la voix de Sheff n’est pas étrangère à ce phénomène. Mais tout au long de « Black sheep boy », Okkervil River a le bon goût de varier les styles, le tempo et l’instrumentation. Une instrumentation riche, très riche même. Bien sûr, les guitares (acoustique et électrique), la basse, les drums sont très présents. Mais aussi la lap steel, l’orgue à soufflets, la mandoline, les percus, le vibraphone et le Wurlitzer ; le tout saupoudré d’un zeste d’électronique. Sans oublier celle que se réserve les invités, parmi lesquels figurent une section de cordes et une trompette. Ce dernier (Michael Kapinus) apportant une coloration très cuivrée à plusieurs des fragments. Un peu dans l’esprit de Calexico. L’elpee recèle même l’un ou l’autre titre plus insolite. Et je pense tout particulièrement à « Black », morceau imprimé sur un tempo new wave et fouetté par une basse caoutchouteuse. Ou encore « The latest toughs », morceau alerte trempé dans la power pop. Plage longue (7 minutes) particulièrement élaborée, « So come back, I’m waiting » nous entraîne dans un voyage sonore tumultueux mais mélancolique parsemé de déflagrations émotionnelles et climatiques, un périple qui s’achève dans la paix d’arrangements somptueux. Le meilleur morceau de l’opus ! Et probablement la synthèse de l’énorme potentiel affiché par Overkill River.
Issu de la rencontre entre Eemily Soler, Laurent Mounier et Eric Cihigoyenetche, les Français de People On Holiday viennent de commettre un premier album : "Is It a New Gnu ?" Un opus qui s’inscrit dans la lignée des Eps que le groupe avait d’ailleurs autoproduit. Echafaudé sur une structure, ma foi, fort classique (guitare/basse/batterie), ce trio a le bon goût d’intégrer épisodiquement d’autres instruments tels que les cuivres ou les percussions. Manifestement inspiré par des grosses pointures comme Talking Heads, Sonic Youth ou encore Dionysos, cet elpee est un véritable plaisir pour les oreilles. De la folie pure maîtrisée par un groupe complètement déjanté. Ne poursuivant qu’un seul objectif : vous apprivoiser. Et comment rester insensible à cet accent délicieusement ‘frenchy’ du vocaliste ? Qui chante ses lyrics en anglais, vous vous en doutez. J’ai particulièrement flashé sur trois morceaux. Tout d’abord les très rafraîchissants "Glasses Songs" ainsi que "Whimsical Stories", et enfin "I Am an Exile", plage dont la musique évolue dans un registre assez proche de la mythique et défunte bande à David Byrne. Un disque d’excellente facture qui laisse augurer la naissance d’un tout grand groupe…
Si les cavaliers de l’apocalypse devaient un jour déployer leur courroux sur notre misérable planète, il serait de notre devoir à nous tous, pauvres pêcheurs, de lutter contre ces créatures avec les armes dont nous disposons. Exit les armes traditionnelles ! Dieu sait qu’un arsenal ordinaire ne serait point de taille à vaincre ou, tout du moins, affaiblir les quatre paladins de la mort avant que ces derniers ne nous effacent à jamais de la surface de ce globe. Il nous faudra donc être créatifs. Pour ma part, je propose un simple plan. Ayant constaté l’effet dévastateur de ce « Still Not Getting Any… » sur ma personne, je propose d’en faire notre arme ultime, celle par laquelle nous triompheront de la damnation... Plus sérieusement, le second opus du groupe de teenagers canadiens, sorti en octobre 2004 puis réédité cinq mois plus tard dans une « Special Tour Edition », ne contient aucun élément permettant de s’y attarder. Des horripilants « Shut Up ! » et, surtout, « Jump » aux ballades de bon aloi que sont « Crazy » et « Untitled », les gamins de Simple Plan réinterprètent à la perfection le top 10 pop-punk de MTV en n’y apportant absolument rien de neuf. La rage adolescente parcourant les titres « Me Against The World » ou « Welcome To My Life » fera, sans aucun doute, un tabac en musique de fond dans les Skate-Parks mais sera difficilement endurable dans un monde de ‘grands’. A mettre au chaud pour votre petite sœur ou pour le jour du jugement dernier.
Shora nous vient de Genève et a déjà tourné en compagnie de groupes aussi divers que Black Dice, The Dillinger Escape Plan ou Suicide. On a connu pire comme curriculum. Pratiquant un post-rock sépulcral tout en évitant sagement les écueils grandiloquents du gothique, les Helvètes nous infligent d’envoûtantes mélopées dont on ne ressort jamais indemne. Contrairement aux grandioses Explosions in the sky, climat réconfortant menant à un orgasme salutaire, Shora s’ébat dans un style raide et glacial. Ici, le climax est au service du grand frisson. Un rouleau-compresseur oppressant qui laisse gisant et pantois. Quelques notes de piano s’égrènent, un orgue clérical pousse à la contemplation. S’ils sonnaient comme ça dans les églises, il y a belle lurette que nous nous serions tous remis à la prière. Tout ici s’apparente à un voyage au cœur d’un esprit contrarié en perpétuel changement d’humeur. Alors, ne cherchez pas, vous ne serez en sécurité nulle part. Adieu bonnes gens.
Dignes héritiers d’un univers plaqué sur les cordes de Dylan, de Cohen ou du Velvet, Tiger Saw explore une délicate plage indie au bord de laquelle il est de bon ton de chantonner, siffler ou simplement psalmodier des airs faussement heureux. « Sing ! », troisième disque du collectif de Los Angeles, agrémente ainsi une veine de musique folk, allongée sur une confortable paillasse de cordes acoustiques. Au chant, Jason Anderson se voit régulièrement soutenu par les voix de ses muses, Nikole Beck et Juliet Nelson, à l’instar d’un Léonard Cohen. Les vagues de ce disque ne se briseront certainement pas sur nos côtes. Pas d’ouragan Tiger Saw en vue sur nos contrées. Mais peu importe, l’océan de quiétude dégagé par la musique du groupe donne envie de s’abandonner aux activités les plus intimistes. Ne le cachons pas, ce disque s’adresse avant tout aux radins de la chanson délicate, avare notoire des belles mélodies qui, seuls dans leur chambrée, s’enferment, montant le volume pour se noyer égoïstement dans ces eaux claires. L’appel du large, des grandes étendues, autant de représentations transportées par des compositions affranchies de toute règle. « Sing ! », « For Adrian » et « The Sea » resteront certainement les plus beaux souvenirs de cette traversée bucolique. Et puis, ces impressions s’effaceront. Pour un jour, peut-être, remonter à la surface.
Kenny Lavitz est issu de la scène de Portland, dans l’Oregon. Une scène fort dynamique au sein de laquelle il exerce ses talents de guitariste aussi bien dans le domaine du blues, du jazz que du rock. Il a fait ses débuts dans le New Jersey et à New York avant d’émigrer à Miami, en Floride, en profitant pour introduire des éléments latins dans sa musique. Il met ensuite le cap sur Los Angeles avant de terminer son parcours de globe trotter à Portland, où il a fondé son Kenny Lavitz Kombo, un projet de Bluesjam et de funk blues. Pour le concrétiser, il engage Rudy Battjes à la batterie, Jon Hughes à la basse et Tim Bly au saxophone. Kenny avait déjà commis un premier album en compagnie de Scott White : "Muddy Water".
Ce nouvel opus s'ouvre sous les accents métalliques, bruts et primaires dispensés par la slide de Lavitz. Il y impose un tempo puissant et enlevé. L'orgue Hammond de Dave Fleishner tapisse le décor. Naturelle et légèrement rauque, la voix s'engage dès ces premiers instants. "Frogs feet" emprunte un profil funky. Le rythme est assuré ici par Rudy, Jon et les claviers de Dave. Soutenu par cette solide assise, Kenny concède même des accords très rythmiques. Tim Bly se libère au saxophone tandis que la guitare égrène quelques petites phrases particulièrement jazzyfiante. Le rythme accélère pour affronter le boogie léger "No lake". Mais qu'est-ce que la guitare de Lavitz peut dégager comme énergie ! Il semble planer dans son propre univers ; lorsque soudain, un harmonica survient d’on ne sait où. Et devinez qui vient de pousser les porters du Westside studio ? Le souffleur northwest américain par excellence : Paul deLay. Le Kombo souffle quelque peu et Kenny épingle une très belle ballade à la mélodie généreuse : "Stumblin". Il semble jouer sur un dobro acoustique. L'orgue est toujours bien présent. "Religion of the rhythm" bénéficie d’excellents arrangements. Au sein de cette mélodie féconde se pose la voix féminine de Pam Baker. Mais également le dobro, la guitare bien amplifiée mais parcimonieuse, l'orgue et le chant paresseux. Et le résultat est étonnant ! Battjes martèle ses peaux sur un tempo lent, délicatement funky tout au long de "Low blood brothers". Une compo qui ne manque pas d’allure et qui permet à Kenny de se réserver un solo équilibré tout en libérant le sax. La slide opère son retour lors de "Thru the night", un superbe blues frappé d’indolence. Mais chaque phrase vocale est ponctuée par les accents toniques de la slide. Courte plage instrumentale, "Birdscraps" est un exercice très technique, purement jazz, au cours duquel Kenny peut rendre hommage à Charlie Parker. R&B tonique, "Fried fish" aligne des changements de rythmes entrecoupés de très jolis passages instrumentaux. De nouveau jazz mais amusante, "Out of my head" est une plage presque dixieland. La clarinette de Madison Lavitz s’y révèle très présente ; mais on y décèle surtout les brèves interventions empreintes de virtuosité sur les cordes. Lavitz est seul pour interpréter "Another day". Il y célèbre le country/blues en s’accompagnant uniquement d’une guitare sèche, sur laquelle il fait glisser son bottleneck. Insolite, cet opus ne semble pas avoir de fil conducteur. Cependant, il permet à l'artiste d’afficher différentes facettes de son talent. Les idées y foisonnent. Et le jazz refait constamment surface. A l’instar de "Conversation", un fragment qui permet à la guitare de disserter tout en choisissant pour trait d'union, l'orgue Hammond de Fleishner. L’elpee s’achève officiellement par "Going fishing". De sa voix légèrement fausset, Kenny entonne une ballade blues du sud. Il sera rejoint par son voisin, Paul deLay. N’éteignez pas votre lecteur Cd, car le disque recèle encore une plage cachée. Kenny y chante à nouveau seul. En s’accompagnant à la guitare sèche, le bottleneck au doigt…
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