Songs : Ohia, suite et fin… Mais que tout le monde se rassure : Jason Molina, le fils thuriféraire de Neil Young, n’a pas déposé sa guitare. Il a juste changé de groupe, et de nom (indice : il s’agit du titre du dernier disque de Songs : Ohia), mais au final rien de bien neuf sous le soleil cramé de la country la plus crépusculaire. Entouré d’une ribambelle de musicos au doigté fourmillant (dont Michael Kapinus, des excellents Okkervil River), l’Américain à la voix lancinante (cfr Will Oldham, Steve Wynn, Bob Seger) nous gratifie encore une fois d’un beau disque de country-rock rural, moins tourmenté que ses prédécesseurs. Après le live « Trials & Errors » (enregistré à l’AB en 2003), Molina tente ici de raviver la flamme d’un genre qui, dans ses meilleurs moments, reste plutôt souterrain. A l’instar d’un Bonnie « Prince » Billie ou d’une Carla Bozulich, Jason Molina s’empare des traditions américaines pour mieux les fourvoyer, actrices d’un spectacle nocturne qui annonce des lendemains qui déchantent. Si le titre d’ouverture, « The Dark Don’t Hide It », rappelle le Young de « Tonight’s The Night », des morceaux comme « Hard to Love a Man » ou « Northstar Blues » semblent tremper dans le spleen consumé de la Grande Dépression. « Que reste-t-il après le blues ? », suggère le titre de l’album… Un sentiment d’avoir vécu sans réussites (« How can I be the only one / Whose heart refused to try ») et sans lumières (« I Can Not Have Seen the Light ») ? L’envie d’avoir envie, et d’autre chose que de souffrance (« I can’t remember what comes first / Is it the hurt / Or knowing that it hurts ») ? Le mélodrame, façon Molina : on s’en repaît avec voracité, comme si l’avenir n’était qu’une abstraction.
Le monde est si injuste. Allumez la télé. Zappez sur MTV. Qu’y voyez-vous ? A coup sûr, une bande d’anorexiques prétentieuses à la jupe plus courte que mon index et la cervelle plus vide qu’un portefeuille de chômeur. Et sous le prétexte hypocrite que leurs œuvres n’entrent pas dans les critères sélection de ce type de postes télévisés, de grands artistes ne voient et ne verront peut-être jamais leur talent reconnu. Elle-même injustement ignorée, beaucoup plus à cause de son tour de taille que toute autre raison, Angie Stone n’a, hélas, jamais réellement cartonné commercialement. Cette compilation est donc, à juste titre, un « Best Of » plutôt qu’un « Greatest Hits ». Cependant, à l’écoute de ce recueil à la sensualité troublante, il est indéniable que ce « Stone Hits » aurait pu, aisément, revendiquer la seconde étiquette. Les médias, dans l’un des rares moments où ils ne fixaient pas le fond de leurs poches, ont toutefois reconnu le potentiel des singles « Wish I Didn’t Miss You » et « Brother Part II » qui ont été un éphémère instant des hits FM. Leçon de rattrapage pour ceux qui auraient raté les 3 épisodes précédents, « Stone Hits » résume avec conviction la carrière de cette grande dame de la Soul. La synthèse parfaite entre les envolées vocales et les voluptueuses mélodies qui parcourent ce disque invite à la romance et à ses dérives les plus épicuriennes. Des savoureux « Little Boy » et « Wish I Didn’t Mis You » ou des funkys « Lover’s Ghetto », « I Wasn’t Kidding » et « What U Dyin’ For », on retiendra surtout la prédisposition d’Angie Stone à captiver, même lorsqu’elle use des doses les plus faibles de son élixir (« Bottles & Cans », « Time Of The Month »).
Deux albums en l’espace de six mois, qui forment un diptyque féroce : « Mesmerize/Hypnotize », beau plan d’attaque pour envahir les ondes et les oreilles des fans de metal pas trop con, un poil au-dessus de la mêlée. Il n’empêche : à regarder le compteur de notre chaîne hi-fi à la fin de chaque disque, on se demande pourquoi ne pas avoir réuni le tout sur un seul bout de plastique ? C’est sans doute plus chic, et plus conceptuel. Il n’empêche : il n’y a pas de différences énormes entre cet « Hypnotize » et son prédécesseur. Moins de r’n’b quand même (rappel : « BOYB »). A la place, les Arméno-Américains ont pondu une grosse daube de single (l’affreux titre éponyme, plus mou du genou qu’un tube de Trivium), et d’autres machins grandguignolesques un peu limite (« Banana banana banana terracotta » !!!). Le gros problème vient de Daron Malakian. Il compose toujours la plupart des morceaux, mais s’est mis en tête - pour ces deux disques - qu’il avait une belle voix… Eh ben non ! Il chante comme un cartoon qui aurait trop écouté du metal en 1985, en s’habillant comme tel, bref : c’est moche. Mieux : sur « Stealing Society » il s’essaie même au rap et on dirait presque un vieux Living Colour. Pour le reste on a droit à du bon SOAD, avec double pédale, le Grand Huit question couplets/refrain, et des textes engagés, parce que c’est la guerre (de dieu !). Un bon « Attack » dans la figure, et on comprend pourquoi Slayer les aime... D’autant qu’ils ont les mêmes coupes de cheveux (aaargh). A noter le slow qui tue, « Lonely Day », bientôt à la télé. Il est certain qu’à ce moment-là, les SOAD finiront bien par trébucher vers la consécration : tapis FM, costumes Armani, et candidature pour les prochaines présidentielles. C’est la Turquie qui va morfler.
“Sing!”, le troisième album de Tiger Saw, est sorti en 2005, dans l’indifférence générale. Il s’agit pourtant d’un bon groupe de slowcore/country, le trait d’union parfait entre Low et les Cowboy Junkies. Collectif à géométrie variable, ces souffreteux du Massachusetts aiment donc les ambiances de fin de soirée, quand tout le monde est bourré et qu’arrive l’heure du spleen, avant la gueule de bois. C’est un peu l’heure du loup, sauf qu’ici c’est un tigre, et qu’il se sent patraque : d’où ces chansons à l’étirement relax, pleines de voix qui caressent nos tympans et de guitares qui bavent, sur l’édredon. A l’instar de Galaxie 500 ou de Bedhead, Tiger Saw raconte ses rêves comme on compte les moutons : les yeux mi-clos et le corps en position foetale, à l’abri du danger et des heures qui filent. “How to be Timeless Tonight”, c’est même le titre d’un morceau... Ca tombe bien : la réponse est (dans) le disque.
Randonnée musicale, post-Coppola. Sofia a personnalisé Trip Fontaine sous les traits de Josh Hartnett, charmeur charismatique à la dégaine de crocodile, toujours prêt à se mettre une vierge sous le croc. Virgin Suicides. L’histoire des sœurs Lisbon connaissait son tragique destin, le cinéphile aussi. Un scénario dévoué à la suspension de l’incrédulité, à l’attente du geste final.
Dans la sphère discographique, l’auditeur se donne un peu d’Air et s’essaie aux guitares tapageuses de cet autre Trip Fontaine, virile équipée allemande basée à Francfort. Un quintet d’esthètes bruitistes pistant des mélodies grillées sur les braises du post-rock, de l’emo, du punk et du hardcore. Riffs martiaux pour rythmique guerrière, Trip Fontaine offre une vision germanique du trip viscéral proposé par …And You Will Know Us by the Trail of Dead. Le temps d’une première partie, ces deux fratries se congratuleraient de leur fascination commune pour d’illustres influences : Sonic Youth, At The Drive In et autres Q and Not U. « Selling the Summer », « Lilith », « In Full Bloom », autant de titres déchirés par une tessiture faussement enragée. Un disque attendrissant mais qui ne peut rivaliser face aux inégalables tourbillons soniques des inévitables And You Will Know Us by the Trail of Dead, véritables frères de sang. Des Blood Brothers en somme.
En langage médical le syndrome X Fragile constitue une maladie génétique héréditaire, forme d’aliénation mentale la plus fréquente qui soit. Dans le pays d’Angers, X Fragile est loin d’être assimilé à la médecine, mais constitue néanmoins pour les ados amateurs de pop post-grunge un véritable remède contre la morosité. Guidé vers la lumière par la sacro-sainte trinité Sonic Youth, Pixies, Nirvana, le trio français s’inspire sans aucun complexe de la scène indépendante des années 90, incorporant ça et là quelques éléments proches d’un métal moderne façon Tool ou Helmet. Le chant dans la langue de Molière, qui contribue à créer une ambiance éthérée, est une autre caractéristique essentielle de cette démo cinq titres enregistrée en octobre 2005 sous la houlette de Frank Bergère, batteur de JivePuzzle et de The Drift. Sympathique !
Les groupes belges francophones auxquels les radios nous avaient habitués jusqu’ici officiaient, pour la grande majorité, dans une catégorie pop-rock d’une qualité quasi-irréprochable mais plutôt standard. Pour leur première sortie officielle, les petits Bruxellois de Zaccharia, eux, ont décidé de prendre plus de risques. Après avoir tâté du métal et du hardcore durant ses premières années d’existence, le quartet semble avoir trouvé ses marques dans un style emocore radiophonique des plus jouissifs. Condensé de 7 compositions bouillonnantes, « Divorce » démontre que la scène belge francophone ne se limite désormais plus uniquement aux arrangements gentillets des Girls in Hawaii ou aux pulsations electro de Sold-Out. A faire pâlir de jalousie la troupe de rockbands clonés made in USA, les assemblages eurythmiques de « Chrysalis », « Clara » ou de « Liquor » évoquent tour à tour les univers hétérogènes de AFI, Hoobastank et Foo Fighters. On leur reprochera toutefois l’étrange similarité instrumentale entre la ballade « For What It’s Worth » et le « Tourist » d’Athlete. Hormis cette fausse note, on ne peut que souhaiter à Zaccharia un « Divorce » propice au plus brillant des avenirs. Yes, Belgium rocks !
La subversion est-elle facteur essentiel d’évolution? La question partage visionnaires, prophètes et hauts dignitaires du rock. Pour leur part, les artisans de la musique moderne persistent à tisser les mailles d’une histoire dont la métamorphose n’exige aucune réponse. Les chantres du siècle nouveau s’activent, visitent les alvéoles des genres et en retirent le nectar le plus précieux. Architecture In Helsinki est de ceux-ci. Cameron Bird, cheville ouvrière de cet audacieux projet, propose une collection de titres qui s’agenouille dans les chapelles sans jamais s’attarder pour la prière. L’electronica, le rock, le baroque, le folk et le psychédélisme se côtoient, tournoyant ensemble autour de multiples instruments en bois. La sensation de légèreté foudroie l’auditeur : c’est exubérant, doux et sautillant comme une fin de soirée estivale. Ne rien faire, s’amuser, écouter ces sons loufoques affluer et converger vers un point commun, zénith de naïveté et de génie. De « Tiny Paintings » à « Wishbone » en passant par « Do The Whirlwind », Architecture In Helsinki ne laisse aucune place à l’amertume. Les huit membres de la chorale australienne (et non finlandaise) traversent des textes graves, moments délicats de l’existence (« In Case We Die », « The Cemetery »), sans accorder la moindre importance à la désespérance. Comme chez The Arcade Fire, les ‘funérailles’ sont prétextes aux plus belles réjouissances. Architecture In Helsinki livre ses confessions les plus intimes, le cœur empli de passion et de bonnes résolutions. Filles et garçons, à l’unisson, chantent et construisent un disque que ne renierait pas l’architecte Alvar Aalto. Assurément conquis par ces formes innovantes et organiques.
Bienvenue chez les syncopés de The Briefs. Ici, on aime le punk-rock, la vitesse. On affiche une attitude : froc ‘moule-bite’, cravate, perfecto collant et tignasse peroxydée. ‘Vivre moche mais heureux’, telle est la devise. The Briefs n’est pas là pour parader. Personne ne viendrait se risquer à tel défilé. Non, les pensionnaires de Seattle s’activent à griffer des guitares en un temps record. Et de fait, les 11 titres bombardés sur nos tympans viennent à bout de toute énergie vitale en moins de 28 minutes et 40 secondes. Les Briefs ont mangé du Ramones, se sont fringués new wave et sont parvenus à convaincre une maison de disque de produire leur speed musical en grande quantité. En se penchant sur la discographie des vilains, l’auditeur averti (en vaut cinq) découvre une production stakhanoviste : quatre disques en quatre ans. Ces types sont nerveux. Mais sont-ils réellement dangereux? C’est en tout cas l’hypothèse défendue par la pochette de ce nouvel album : cavalcade sanglante de quatre sprinters de syllabes. The Briefs vit une passion sans concession. Mais au final, que reste-t-il ? Rien. L’expérience fut Briefs mais intense.
Groupe belge, Cornflames pratique un émorock proche de Jimmy Eat World ou des Get up Kids. Intitulé « 197666 », leur nouvel EP 5 titres est plutôt fichu. Une chose est sûre, il devrait plaire aux aficionados du genre, en Belgique. Faut dire que notre plat pays recèle peu de combos évoluant dans ce style trusté en général par des formations issues des States. Des Cornflames qui pourraient tout à fait en revendiquer l’origine. Et c’est un compliment… On les imagine bien en short baggy, un maxi de Pepsi en main, occupés à jouer « This is how it feels », leur morceau le plus catchy, au bal prom’ du collège de San Antonio. Bon, évidemment, il faut avouer un faible pour MTV, « Pimp my ride » et ce genre de chose. Dès lors…
Le nouveau travail de Cibelle Cavalli est un bel objet double face. Le premier disque recèle quatre traces audio annonciatrices d’un deuxième album et l’autre le pendant visuel de ces compos sous un format dvd. S’ouvrant par « About A Girl », la magie opère et cette relecture électro bossa du classique de Kurt Cobain est empreinte d’une atmosphère mélancolique contagieuse. « Esplendor », une ballade acoustique truffée de subtiles interférences électro et portée par le beau timbre de voix de Cibelle constitue sûrement le meilleur morceau des quatre. Plus proche des paysages musicaux déjà exploités sur son premier album, « Gracefully » renoue avec les textures électroniques, les breakbeats et les atmosphères suspendues et froides. Réalisé en compagnie de son vieux compère Apollo Nove, « Noite de Carnaval » débute par une ligne de basse acide qui rappelle les débuts de la house avant de rencontrer une rythmique minimale et des accords de guitare concassés. Ici aussi, c’est une atmosphère proche du rêve fiévreux qui domine. Côté visuel, parmi les petites vignettes basiques de Cibelle et Elsa Dahmani à l’esprit bricolo, la plus jolie s’avère la colorée « Esplendor ». Un travail intrigant mais prometteur, qui pourrait constituer un bon point d’entrée dans l’étrange univers de la belle brésilienne.
Petit label normand indépendant, tout nouveau, tout beau, Bent Records a eu une idée vraiment pas conne. A défaut de dénicher la perle rare et de débourser des milliers d’euros en promo pour celle-ci sans garantie de retour sur investissement, Bent a préféré s’introduire sur le marché en déballant immédiatement le meilleur de son catalogue. « Nuisance Sonore » et son assemblage éclectique et efficace fait donc office de curriculum vitae du label, listant 12 artistes et autant de titres vacillants entre pop-rock et metal-hardcore. Bien que certains morceaux soient moins comestibles que d’autres, « Nuisance sonore » offre un ensemble syncrétique plutôt cohérent. Démarrant à la sauce Placebo (« Moe Sad » de 39th and norton) pour se conclure dans un fracas de distos et de hurlements gutturaux (« Dimey » de Kwashiorkor), l’autoproclamée ‘compilation des musiques actuelles’ contient quelques splendeurs telles que le séduisant « Drops » des Lyonnais de May Fly, parfaite bande son pour de longues nuits d’hiver, ou l’aérien « Father’s Falling » de Immune. Comme tout débutant ne peut éviter les erreurs de parcours, on laissera filer le vulgaire « Splaffeusplaff » de La Mygale, clone de TTC, ainsi que l’inutile « Vaginhate » de Greenwald. On conseillera néanmoins au label de se débarrasser illico presto de ces deux formations, pour le bien de nos tympans. Malgré ses faiblesses, « Nuisance Sonore » ne se définit pas comme une énième compilation insignifiante mais tel un authentique concentré de découverte et une preuve tangible que la scène indé française a de l’avenir.
La comparaison a beau être facile, elle n’en est pas moins inévitable. Les frères Devlins sont incontestablement les enfants spirituels de leurs compatriotes irlandais : « Waves », c’est tout simplement du U2. Mais on serait presque tentés d’ajouter ‘en mieux’. Débutant sur un captivant « Everything Comes Around », le disque des Devlins transporte instantanément l’auditeur vers d’autres lieux, là où l’herbe est plus verte, où le soleil brille toute la journée, où les « vagues » viennent achever leur course sur le sable brûlant… En période morose, les excellents « Someday », aux arrangements à la Turin Brakes, « Coming Alive », transporté par son délicieux choeur féminin, et surtout l’entêtant single « Don’t let It Break Your Heart » ont bien des chances d’être plus effectif qu’un Xanax. Toutefois, les quelques petites zones ombrageuses que constituent « Feel It When You’re Gone » ou encore « Headstrong » ternissent légèrement le bleu du ciel Devlinien. Sans grandes conséquences, dira-t-on, la magie réopérant dès les plages suivantes. Même s’il est impossible de se faire sortir la bande à Bono de la tête pendant toute la durée du disque, quelques écoutes suffiront à convaincre les plus réticents. Avec tout ça, je prendrais bien des vacances, moi…
Ben Gibbard est un bon mélodiste, on l’a sans doute assez répété : qui se souvient de son side-project The Postal Service n’osera dire le contraire, et versera même peut-être une larme, tellement c’est beau. Désormais signés sur une major, Ben Gibbard et ses potes avaient donc intérêt à sortir un disque plein de tubes, si possible ‘radio friendly’… « Plans », sans verser dans le FM putassier, réussit la gageure d’être à la fois plaisant, consensuel et subtil. Ce n’est pas une insulte d’être fan, en 2005-06, de Death Cab For Cutie, et c’est tant mieux pour l’amour propre. La voix toujours aussi câline, comme celle d’un ami cher, Ben Gibbard pianote et tricote joliment, des chansons du dimanche qui plairont aux sensibles. La mélancolie, ce sentiment propice à la belle musique pop : ça ne mange pas de pain, mais ça coule lentement comme du miel dans l’oreille. Un baiser ? « I Will Follow You into the Dark » (guitare-voix-miracle), ou bien, quand ça déprime entre quatre murs, « Your Heart Is an Empty Room ». A l’instar de Nada Surf ou de Styrofoam, Death Cab For Cutie s’avère la BO parfaite de vos prochaines Cuddle Party. On se câline, on se caresse, sans sexe ni arrière-pensée. Il paraît que ça existe. On n’arrête pas le progrès.
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