Michel Cloup, ton univers impitoyable… Après Diabologum, cette canaille de Toulousain avait fondé un nouveau clan, l’irascible Experience. Où le bonhomme se lâche et vitupère, contre cette société qui nous programme, nous ficelle et nous dévore tout crus, avant l’indigestion. Une expérience sans compromis, qui laisse des traces et même un mauvais goût, dans les oreilles et dans la bouche. Comme son pote Michniak à l’accent nonchalant, Michel Cloup régurgite son cerveau pour mieux clamer sa haine. De la bêtise, du confortable et de nos certitudes. Qu’il sorte un disque de reprises est étrange… Pour massacrer l’ennui ? Mais l’ennui est une chose saine, mes bons amis, et même l’une des marques de l’esprit sain, qui raisonne bien, amen, et tant que l’ennui existe, c’est qu’il reste des choses à faire, à côté. Comme jouer de la musique, et en écouter, et pourquoi pas s’amuser à jammer entre potes sur des reprises de Public Enemy (« Show ‘Em Watcha Got »), Shellac (« Prayer to God »), Q Ant Not U (« Collect the Diamonds »), Suprême NTM (« Qu’est-ce qu’on attend ? ») ou encore Bonnie « Prince » Billy (« Sombre », une belle adaptation, toute en tension EMO, du grandiose « I See a Darkness »)… En bonus, un DVD d’1h30 d’extraits de concerts, en France, en Espagne et ailleurs, de clips, d’images backstage, sur la route, en van, en avion, en métro russe, récoltée et montée par Widy le guitariste. Allez, un peu de karaoké à la sauce Experience n’a jamais fait de tort à personne.
Drôle d’idée de sortir en l’espace de quelques semaines un même opus sous deux formes différentes. D’autant plus que les titres écartés ne sont ni des ‘live’, ni des remixes. La version épurée recèle 13 chansons. Double, elle en contient 22 (dont un bonus track du « Pink water » interprété intégralement en anglais). Alors si vous êtes fans d’Indo, vous savez ce qu’il vous reste à faire. Vous avez sans doute déjà eu l’occasion d’entendre ou d’écouter le single et le titre maître de cet opus, sur l’une ou l’autre station radiophonique (NDR : dans la négative, c’est que vous n’écoutez jamais la radio !). Une chanson qui annonce parfaitement la couleur de cette nouvelle œuvre. La dixième. Plus pêchue, électrique, rock, new wave ou même gothique. Pas pour rien que Brian Molko est venu donner de la voix sur « Pink water ». Une ballade mélancolique, dominée par l’instrumentation électronique, tellement proche de Depeche Mode. D’autres invités ont bien sûr participé aux sessions d’enregistrement ; et parmi eux des musiciens des Wampas (« Harry Poppers »), d’Aqme et d’Asyl (« Les portes du soir »). Concept album, il s’inspire de l’histoire de deux jeunes fans du groupe qui se sont donné la mort en sautant d’une falaise. Rien à voir donc avec Alice aux pays des merveilles de Lewis Carroll. Ce serait plutôt le destin tragique de deux adolescentes précipitées dans l’univers ‘sex drugs & rock’n roll’. Bref bien dans l’esprit d’Indochine. Si lors de l’album précédent, Nicola avait reçu le concours d’une pléiade de collaborateurs pour écrire les lyrics, sur « Alice & June », il signe l’essentiel des textes. Le groupe participant plus activement à la composition de la musique. Il ne faut cependant pas négliger pour autant le rôle de l’ingénieur du son Olivier de Sat, dont le travail est absolument remarquable. Les mauvaises langues vont certainement traiter la nouvelle orientation d’Indochine d’opportuniste ; tout simplement parce qu’elle a pris une couleur plus contemporaine. Davantage au goût du jour, si vous préférez. N’empêche, ce double elpee contient quelques petites perles. Le single, bien sûr, l’inévitable « Pink water », le très contrasté « Ladyboy » déchiré entre chœurs insouciants et lyrics sombres, le douloureux « Sweet dreams » (NDR : allusion à son frère défunt ?), et enfin et surtout la trilogie « Talulla »/« Morphine »/ « Starlight » qui clôt la deuxième plaque. Soit un poème de Valérie Rouzeau (NDR : elle a également écrit « Ladyboy »), une mini symphonie guidée par la voix et le piano qui bénéficie d’arrangements de cordes (surtout des violoncelles), de cors et de chœurs, et puis un final typiquement Indochine, sorte de synthèse ou de coup d’œil dans le rétroviseur, auquel Nicola est devenu coutumier.
Ne tournons pas autour du pot. Les Hollandais, qui ont tout compris, l’ont adoptée depuis quelques années. Il est désormais du devoir de notre humble pays de réserver un accueil digne de ce nom à cette incomparable artiste. Dayna Kurtz est en deux mots une révélation. Avec un C.V. répertoriant déjà cinq albums et un DVD, il est difficile à croire que l’on n’ai que peu, voire jamais, entendu parler d’un tel talent. La dame, ayant saisi toute l’étendue de notre ignorance, nous offre une chance de nous rattraper après avoir écouté ce surprenant « Another Black Feather ». Porté par une voix androgyne imprégnée de whisky et de cigarettes, le recueil emporte l’auditeur dans un voyage introspectif à travers une Amérique redéfinie. Déchirée par des passions antagonistes, Dayna Kurtz dépeint une nation aux paysages chatoyants sur « Nola », ode à la beauté de la Nouvelle Orléans, et l’intime « Banks Of The Edisto », traçant délicatement les contours de la Caroline Du Sud. La New-yorkaise laisse ensuite éclater sa colère sur un frémissant « It’s The Day Of Atornement, 2001 » aux accents bohémiens, constat affligé et affligeant d’une société post-11 septembre, celle dans laquelle nous devons vivre aujourd’hui, corrompue par la religion, les guerres qu’elle entraîne et toute la connerie de ces hommes qui s’en frottent les mains. ‘They can all go to hell if there is such a thing !’ a-t-on envie de hurler en chœur avant de laisser le sulfureux « Showdown » calmer le jeu. Version jazzy d’un classique de Johnny Cash, « All Over Again », hommage qui n’a gardé de l’original que les paroles, confirme la virtuosité de l’artiste qui clôture son chef-d’œuvre sur « The Miracle », dont les arrangements feraient pâlir de jalousie un certain Ryan Adams. Entre blues, folk et jazz, « Another Black Feather » est à écouter les yeux fermés pour en apprécier toute la splendeur.
A les entendre, on croirait que ces Helvètes s’ennuient ferme dans leur patelin, et qu’il faut bien jouer du metal pour passer le temps et chasser ses démons, à défaut d’autre chose (le bouquetin, c’est moins drôle). Après deux albums aux ambiances à la Neurosis/Isis/Todd, Knut enfonce le clou, jusqu’à taper dessus pendant des heures. En fin de compte, le metal et ce qui s’en suit, c’est de l’ordre du T.O.C. (bientôt à « Ca se discute » ?) : on martèle sans arrêt la même chose, comme si gueuler servait à quelque chose. Et je t’en fous plein la gueule, moi, de mes vocaux hirsutes, de mes riffs qui t’agressent, de mes drones qui t’abattent ! Chose étrange, seuls les titres 2-3-4 s’avèrent pourvus d’un semblant de cordes vocales. Après c’est de l’instru, parce que Didier Severin, le leader de Knut au patronyme d’attaché-case, avait peut-être mal à la gorge… Toujours est-il que ça ressemble à Neurosis, mais en moins inspiré. La Suisse, pays de la neutralité : un peu chiant tout de même, surtout quand on se croit méchant.
Au menu du nouveau festin concocté par Missy Elliott, toujours aucun danger d’indigestion, ni de surcharge pondérale. La preuve : dans le livret, Missy pose en Scarlett O’Hara, et elle est presque mince. Sans doute est-ce dû à un nouveau régime minceur, à base de samples un peu couillons mais efficaces (« Clear » de Cybotron alias Juan Atkins sur « Lose Control », la scie « Apache » des Shadows sur l’autre tube « We Run This », et du Slick Rick par-ci par-là) et de hip hop facétieux mais sans conservateurs (ni trop de colorants)… Certes, il reste un peu de couenne (le r’n’b de « Can’t Stop », de « 4 My Man » et de « My Struggles », feat. Mary J. Blige), mais l’essentiel est composé de tracks qui valent bien une bonne heure de spinning. Autre constat : les Neptunes, encore une fois, réussissent la gageure d’écrire un gros hit, taillé pour le dancefloor (l’épatant « On & On »), et Timbaland prouve qu’il a encore de beaux restes (« Joy » et « Partytime », en apéritif). Missy Elliott s’essaie même au crunk sur « Click Clack », qui comme c’est écrit claque plus fort qu’une fessée sur le c... de Lil’ Jon. Plus forte qu’une biatche en plan serré dans un clip de 50 Cent, Missy Elliott prouve une fois n’est pas coutume que le hip hop n’est pas qu’une histoire d’hommes. « Please stand uuuup !!! »
James est né en 1941. A West Nashville, dans le Tennessee. Ses parents étaient musiciens. Le paternel jouait du piano et de l'harmonica. Sa mère était également pianiste et chantait. Le fiston hérite d’ailleurs des dons de vocaliste de sa maman et se met au gospel à l’âge de 20 ans, avant de se lancer dans l'opéra au cours des années 50. Ce qui ne l’empêche pas de s’intéresser à la basse puis à la guitare. Un attrait qui va le conduire à rejoindre King James and the Scepters, puis NTS Limited (au sein duquel milite alors un certain Billy Cox à la basse), et plus tard encore le Band of Gypsies de Jimi Hendrix. Il retrouve même Cox chez les New Imperials, dans les années 70. Ses débuts discographiques ne datent que de 1985 : un single produit par Charlie Daniels. Fin des 90’s il a commis deux albums gospel. Sous son patronyme. Toujours à Nashville. "Me, myself and the Lord" en 97 et "Stand up" en 99. Son premier opus de blues ne date que de 2002 : "No end to the blues". Un elpee mis en forme par Fred James et paru sur le label hollandais Black Magic Records. James reconnaît pour influences vocales majeures Sam Cooke, Lou Rawls et Johnny Taylor. Il a composé les 14 plages de « Back down South », un nouvel album de blues. Il chante, joue de la guitare, parfois de la basse et de l'harmonica. Il s’est chargé des prises de son et a assuré la production, au sein de son propre studio.
Le disque s’ouvre par le titre maître, un bon downhome blues qui démontre immédiatement que sa voix est taillée pour chanter le blues. Jéremy Nixon s’y réserve le piano. Cette voix illumine l’intégralité de cette œuvre, une voix très soul, soul/blues même digne des vocalistes de la Music City. Un orgue discret berce "Baby just be you". Superbe ballade soul, très mélodique, proche du chant gospel, "Don't let love walk out the door" excelle dans le style. Face à la douceur émouvante du piano, il hausse le timbre qui parvient, sans forcer, à atteindre une hauteur inouïe. Plus proche du Memphis Blues, "How to sing the blues" élève le tempo. L'orgue de Kenny Zander est doublé du piano tout au long de ce R&B boogie très alerte. R&B très prononcé, "Snake in the grass" inaugure une première sortie des cordes amplifiées de Mr Nixon. Le son est particulièrement perçant, sauvage mais contenu. Autre ballade soul attachante, "Numbers man" consacre une mélodie à la fois belle et fragile. Des cordes perçantes introduisent "I'm so in love with you", un titre légèrement funky qui bénéficie d’une bonne assise rythmique. Malheureusement, les claviers synthétiques font un peu tâche d’huile dans l’ensemble. James y dispense un solo au cours duquel chaque note comptée est empreinte d’une grande sensibilité. "Try love on for size" renoue avec le funk. James et Shannon Williford (NDR : issu de Baton Rouge, mais établi Nashville, il anime régulièrement des ateliers musicaux en compagnie de Nixon) co-signent "Close to you", une plage blues tonique. Shannon a emporté son harmonica. Il injecte un coup de fraîcheur au style primaire de James. Blues délicat nappé d’orgue et de piano, "Please never ever leave me again" met en exergue sa superbe voix. Et il accorde sans doute sa meilleure intervention sur les cordes lors de l’indolent "Baby just read my mind". A l’instar de Roscoe Shelton, Earl Gaines ou encore Charles Walker, James Nixon est une des valeurs sûres de Nashville…
Elle est seule, à la guitare. Electrique. Dans l’air, bourdonne l’envie d’envoyer tout péter, à la face d’un monde qui somnole en croyant qu’on va lui foutre la paix. Mais la fille, menue, nerveuse sous sa perruque, compte bien réveiller le zombie qui sommeille aux tréfonds de notre âme. L’esprit farouche, oblique, elle attend la batterie. Et tout à coup, la voilà qui s’active : lourde, martiale, quasi diabolique. « Hot to Death » : l’Anglaise ne croit pas si bien dire… Et ça pète, donc, avant de s’abîmer dans le silence, qui n’annonce rien de meilleur : « Cheer me oooooon ! », éructe-t-elle sur « Pompoms », Infante majorette aux faux airs sainte-Nitouche. C’est qu’elle s’amuse la fifille, à tripoter ses cordes et son kit de batterie (comme si le rock n’était pas une affaire de sales gosses…). Steve Albini, derrière ses lunettes et son desk, écoute les mains jointes : arrivera-t-elle à se calmer ou désire-t-elle une bonne fessée ? ‘Un soupir exhala de sa poitrine. Le brasier s’embrasa d’une flamme vive sur l’autel de l’amour et laboura le sein des infortunés martyrs’. C’est elle qui mène la danse, celle qui réveille les morts. ‘Je veux leur sang, leur sang !’, s’écrie-t-elle dans un excès de rage. Cette fille n’est pas bien dans sa tête, mais sa musique est bonne. Combien pour la rançon ?
De ce septième album du trio de Brooklyn, on retiendra surtout l’étrange variété : de la pop aérienne, du krautrock, de l’acid folk, du post-punk, du stoner et du psychédélisme. Voilà donc un groupe inventif et pas con, qui pioche dans le dico du rock sans regarder l’index. La grande nouveauté, c’est qu’Oneida s’essaie cette fois à de vraies mélodies – celles qui restent dans la tête et peuvent même s’écouter entre amis. L’intro, « The Eiger », charme ainsi le quidam par ses belles rouflaquettes estampillées sixties, avant que « Lavender » et ses boucles ne l’emmènent dans l’espace, pour un voyage interstellaire. Drogues, cerveau, musique : au jeu des trois erreurs, il n’y en a pas. Tout fonctionne à l’envers à l’endroit, c’est sans dessus dessous, sauf que maintenant sur certains titres l’écriture est concise. Et ouais, et même qu’il y a du banjo, du xylo et du Black Sabbath (« Did I Die ») ! « The Wedding » aurait pu donc, dans le meilleur des mondes, faire parler de lui, et même plaire à un nombre plus grand. Le marketing sauvage en a décidé autrement. Le mieux c’est de s’en taper, évidemment, et d’écouter ces mantras en pleine indifférence : pour cela, se farcir le tiercé de fin de disque (« Heavenly Choir », « Leaves », et « The Beginning Is Nigh »), en expirant bien fort. Ca dégage les bronches, comme du Vicks à sniffer sous la douche. Attention : rien ne dit qu’écouter Oneida est une menace pour la santé mentale. Il s’agit simplement d’une musique hors-concours, mais qui reste accessible à qui veut bien l’entendre.
La quête de la chanson pop parfaite : chaque semaine, des filles et des garçons aux idées larges tentent de relever le défi, et se cassent les dents sur le ‘couplet-pont-refrain’ qui tue, comme à l’époque… ; enfin bref, il y a longtemps. L’Arlésienne de l’artiste lambda qui croit qu’un type nul lui a piqué ses idées est devenue un classique. Certains musiciens comme Sean O’Hagan ou Stephen Merritt sont encore et toujours à la recherche du Saint Graal, Don Quichotte pop des Temps Modernes. Indice : on l’aurait aperçu au Canada, chez les orfèvres de P:ANO, qui viennent de sortir un beau disque, du nom d’une comédie musicale de Vincente Minnelli, eh oui. Alors, forcément, ça le fait : 24 mignonnettes pleines de cuivres, de piano, d’orchestrations hors pair, comme à l’époque des Beach Boys, de Bergen White et des Mama’s & the Papa’s, enfin bref, il y a longtemps. C’est beau, et il y a de quoi faire, puisque rien ici n’est à jeter. Si Gene Kelly n’était pas mort, il pourrait faire appel à ces jeunes gens pour composer un joyeux chant du cygne. En attendant que Sufjan Stevens s’attaque à l’Alaska, « Brigadoon » restera bien au chaud au sommet de la pile de nos disques à chérir.
Mis en scène par Chritina Vandekerckhove, « Ceci n’est pas un film » immortalise le concert du 5 mars 2005 accordé au Kopergietery de Gand par Sioen et son groupe. Un set pour lequel la formation avait reçu le concours d’un trio de musiciens à cordes et épisodiquement d’une choriste. Particulièrement en forme, Frédéric Sioen y propose 16 titres issus de ses albums « See you naked » et « Ease your mind » ; mais le Dvd inclut également un dessin animé, des interviews, des vidéos, des sessions studio et un détour – non dénué d’humour - par les coulisses. Parfois filmés en noir et blanc. Parfois fondus avec d’autres prestations ‘live’. A l’instar de « Too good to be true », accordé lors du dernier festival de Werchter. Un moment de pure magie ! Ou de « Sleeping beat », au cours duquel Toots Thielemans est venu donner un petit coup d’harmonica. D’abord lors de la dernière édition du Folkdranouter, et puis en studio. Mais le plus intéressant procède du style particulièrement ample développé par Sioen tout au long de sa prestation. Capable d’osciller de la pop au funk, en passant par le prog (NDR : tout naturellement celui du Vandergraaf Generator), le flamenco, le jazz et le classique, Sioen peut également compter sur une équipe d’excellents instrumentistes, même si la palme revient au violoniste John Baert qui est parvenu à remplacer - et ce n’était pas du tout cuit - le talentueux Renaud Ghilbert parti chez Absynthe Minded. Et le cd reproduit tout simplement le concert en audio.
Aaaah, le mouvement Riot Grrrl, des fifilles au look butches ou quasi midinettes, plantant leurs ongles vernis sur des manches à guitare ! Le désir d’être aimées mais pas ‘objectualisées’, et de gueuler que l’homme, justement, n’est plus forcément l’objet de leur désir… Et cætera, et pourvu que la musique, du rock, du punk, soit bonne, au pieu et sur la scène. Pour son septième album, Sleater-Kinney s’est adjoint les services de Dave Fridmann, le type qui a transformé Mercury Rev en couilles molles néo-psychédéliques. Coup de bol, cet album déchire – c’est l’hymen rock’n’roll qui saigne et qui en redemande. Il se pourrait même bien qu’il s’agisse du meilleur album du trio, mais pour ça…. faudrait les avoir écoutés tous (sic). Rythmiques complexes, chant acerbe mais pas crispant, batterie vitupérante, mélodies en tiroirs : « The Woods » aurait dû faire partie des tops 2005, mais sans doute est-il trop subtil, (et puis, il y a Franz Ferdinand…), trop puissant, trop rentre-dedans (‘Et tape dans tes mains, et dis Ouais !’). Ecouter « What’s Mine Is Yours », pour comprendre où se cache l’héritage de Led Zep, et d’un bon King Crimson (au hasard, « Fracture »). Ou « Let’s Call It Love », et chialer dans sa barbe devant ces 11 minutes d’élévation sonique. Crac ! Boum ! Hue ! « The Woods » n’oublie jamais de dire que le rock est une affaire d’intempéries bruitistes, entre rage éclair et brise douce-amère. Allons donc tous au bois, pour faire l’amour avec les arbres.
Sufjan Stevens est notre ami, parce qu’il en a tout l’air : un type sympa, qui a une bonne tête, et qui s’amuse depuis deux disques à brosser le portrait d’une Amérique qu’on avait oubliée depuis que Bush fait ses mimiques dans son bureau ovale. Entendez : une Amérique avec des gens dedans, qui ont leurs joies et leurs chagrins, et qui vivent vraiment, loin des statistiques de CNN, et de l’alarmisme ambiant. Et même quand il parle de serial killers (« John Wayne Gacy, Jr. »), c’est magnifique, et l’on se rend compte alors que ce disque, ben ouais, regorge d’humanité. Et c’est un bonheur, qui vous prend à la gorge dès les premières notes, et on dirait du Philip Glass, voire du Steve Reich, bref c’est tellement pétulant d’harmonies qu’on verrait bien ce type dans une publicité pour Mobistar, où tout le monde il est beau et il est gentil et il est insouciant et à la fin on se dit que la vie est super belle, à l’aise. « Illinoise », c’est encore mieux que « Michigan », et on attend le « Texas » avec grande impatience. Des cascades de chœurs plus miroitantes qu’à Niagara, de la country que même le Man in Black il s’habillerait en rose, de la pop universelle. Encore mieux qu’un Empire ! C’est bien simple : les 22 morceaux qui composent ce disque donnent envie d’aimer tout le monde, du péquenaud de Chicago au Superman de la pochette (bientôt un collector, parce que Marvel Comics n’est pas content – rires gras). Les blasés ventripotents pourront toujours blaguer que ‘ce type, quelle tante ! Un mormon qui miaule entouré de majorettes !’ ; mais c’est du pur cynisme. Sufjan Stevens, lui, est un homme valeureux, optimiste, une espèce d’artiste à la gracilité féconde. Il illumine le quotidien de ces comptines sereines, et vice versa. C’est un impressionniste, doublé d’un chroniqueur mondain, et le Monde ne se limite pas aux States (même si c’est le concept). L’universel, en particulier : voilà vers quoi ses chansons tendent, en racontant, en fin de compte, les ‘petites choses de la vie’… Mais ‘Il n’est pas une seule chose qui soit trop petite pour une créature aussi petite que l’homme. C’est en nous attachant aux petites choses que nous atteignons au grand art, l’art d’avoir le moins de peine et le plus de bonheur possible’ (Samuel Johnson). God Bless Sufjan Stevens !
Une bonne surprise, vraiment… Etant donné que cela n’arrive pas souvent, réjouissons-nous mes frères de ce sixième album de Tanita Tikaram. Propulsée au rang d’icône teenager pop à la fin des années 80, cette Anglaise a vendu, à l’époque, pas moins de 4 000 000 d’exemplaires de son premier album (« Ancien heart »). Elle n’avait alors que 18 ans ! les 90’s se sont révélés cependant plus calmes, une période au cours de laquelle elle a quand même enregistré quatre autres albums, le dernier datant de 1998… Il a fallu le temps, mais la chanteuse ne s’est jamais découragée ; et le moins que l’on puisse dire c’est qu’elle a eu raison. Hormis deux ou trois morceaux un peu plus faiblards ou carrément kitsh, son « Sentimental » est en effet une franche réussite (notamment les duos « Everyday is new » et « Forever », échangés en compagnie de Nick Lowe). Pour le reste Tanita Tikaram chante sa langueur de vivre et ses amours déçus d’une voix chaude à laquelle l’auditeur devra peut être s’habituer ; mais lorsque le charme va opérer, il finira par l’enlacer pour ne plus le lâcher. Lorgnant parfois du coté d’Elysian Field, des Tindersticks ou de Nina Simone, des compositions comme « Play Me Again », « My Love » ou encore le génial « Got to Give You Up » sont de plus servies par des arrangements convaincants (cordes et cuivres très discrets) et une production splendide, toute en chaleur et en couleurs feutrées. Une musique parfaite pour accompagner un petit café matinal après une cuite monumentale ou une rupture douloureuse.
En signant ce groupe, le label InsideOut s'est éloigné quelque peu de son domaine de prédilection, à savoir les grosses pointures du rock progressif actuel. Mais sans fléchir sur ses exigences de qualité. En effet, John Crosby, visiblement seul maître aux commandes de Vast, propose un rock très inspiré, tonique et mélodique à la fois, très accessible et bonifiant au fil des écoutes. La parenté est évidente avec U2. C'est parfois hallucinant jusque dans la voix. Passé ce constat qui peut indisposer, on a vraiment droit à 14 plages sans faiblesses (y compris les deux bonus, de même qualité que l'ensemble). Vast est aussi à l'aise dans les plages en colère ('Turquoise') que dans les incursions pop apaisées ('Don't take your love away'), aussi efficace dans les riffs lancinants ('Be with me'), que dans les petites douceurs ('Lost', un sommet de l'album). Rythmiques et arrangements fuient la facilité. Les plages sont truffées de petites trouvailles sonores toujours savoureuses. Le tout est très bien chanté, avec théâtralité et conviction. La grande variété des sonorités et une production imparable parachèvent un CD qui, très vite, devrait devenir un invité permanent de votre lecteur. Vraiment conseillé!
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