Claud et la musique

Claud sortira son troisième opus studio, « Me and the Music », ce 23 octobre 2026. Ce long playing succède à Supermodels paru en 2023. Pour accompagner cette annonce, il a partagé le single « She Doesn't Love Me », sous forme de clip (et il est disponible…

Un clip d’animation pour le nouveau single d’Σtella

L'artiste grecque Σtella dévoile son nouveau single intitulé « Belinda ». Cette nouveauté s'accompagne d'un clip officiel au format visualizer, dont les illustrations sont nées sous la plume de la chanteuse elle-même, complétées par les animations de Yokanima…

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Guns N Roses
Biohazard 8/8/26

The Dears

No cities left

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Cette formation canadienne est née à Montréal. En 1995. Mais du line up initial, il ne reste plus que le chanteur Murray Lightburn, un vocaliste dont le timbre et les inflexions peuvent faire penser tantôt à Damon Albarn (Blur), à Morrissey (Smiths) ou encore à Jarvis Cocker (Pulp). Et vous vous doutez bien que ces trois formations ont eu et ont encore une influence sur la musique des Dears. Mais à l’écoute de ce « No cities left », les choses sont beaucoup plus complexes qu’on n’aurait pu l’imaginer. En fait l’opus aligne quelques titres ‘britpop’ tour à tour dramatiques ou contagieux (NDR : l’épique « Don’t lose the faith »), avant de prendre une forme beaucoup plus élaborée. Des cordes et des cuivres apportent même une touche symphonique ou jazzyfiante à l’ensemble. Classique, jazz, mais également cabaret et prog ont également leur mot à dire. Un peu comme si Mansun et Divine Comedy avaient décidé d’entrer en osmose. Et les 9 minutes d’« Expect the worst/Cos she’s a tourist », fragment au cours duquel la formation explore ces différents tangentes musicales, en est la plus belle démonstration. Jusqu’en fin de parcours, les Dears rivalisent d’audace, invitant même sur « Postcard to purgatory » Tuxedo Moon et Nick Cave à danser un pseudo tango qui s’achève dans le métal, ou adressant un clin d’œil au « 21st century schizoïd man » de King Crimson sur le bruitiste « Pinned together ». Le funk contamine même le luxuriant « Never destroy us ». Une seule pause : « 22 : the death of all the romance », au cours duquel Lightburn et Natalia Yanchak échangent un duo d’amants superficiels. Bref, un ‘must’ !

Dead Prez

Get Free Or Die Tryin´

M-1 et Stic.man font partie de ces rappers qui n’ont pas leur langue en poche pour pointer les dérives de notre société : en appuyant là où ça fait mal, ils se posent en dignes successeurs d’artistes comme Public Enemy et KRS-One, féroces justiciers d’une Amérique impérialiste et raciste qui préfère miser sur sa Bourse qu’aider ses opprimés, cette lie du peuple dont il n’y aurait rien à tirer… L’argent, seul rêve américain pour lequel il serait digne de se battre… M-1 et Stic.man préfèrent, eux, parler de liberté : 50 Cent (le clin d’œil du titre), avec ses grosses bagouzes et ses allures de « pimp » de série B, n’est qu’un pantin dont les fils sont cousus de fil blanc. Rien de vrai là-dedans, que du commerce de grossiste en émotions prédigérées. L’Amérique, quoi… Mais Dead Prez est là pour redresser la barre : à travers des titres comme « Tallahassee Days », « Afrika », « Paper, Paper », « Window To My Soul », M-1 et Stic.man défient tous ces rappeurs gangsta payés par l’Etat de dire la vérité, de clamer leur liberté. Qui, de ces « Niggers (soi-disant) With Attitude », peut se targuer d’être honnête, envers lui-même et son public ? Qui d’entre eux préféreraient la liberté, de conscience et d’opinion, à celle du billet vert et de la gloire ? Une liberté pourtant bancale, qui dissimule en fait une bien triste dépendance au pouvoir, celui des masses. M-1 et Stic.man ont choisi de rester libres, en toutes circonstances. Qu’on ne leur reproche pas cette indépendance que beaucoup de salariés d’MTV qualifieraient d’outrancière : eux n’ont de compte à rendre à personne, et c’est ça qui font d’eux de vrais rappers.

Jan De Vos

Cœur et Ame

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Album sans prétention, « Cœur et Ame » de Jan De Vos propose 13 reprises de Blues/Rock/Soul teintées d’un classicisme assez déconcertant. Cuivres, chœurs féminins gonflés aux œstrogènes, guitare en démonstration, tout y est…mais rien ne se passe tant la musique jouée ici est formelle et sans aspérités. La seule originalité de cet effort procède peut-être des paroles en français, versions aléatoires d’originaux chantés en anglais. Mais comme les textes ne sont pas d’un grand intérêt (‘10 000 guitares électriques/ Qui refusent de laisser mourir/ Sans bruit la musique, s’allument dans la nuit…’), on s’interroge vraiment sur l’opportunité de sortir une telle plaque. A part peut être l’envie de se faire plaisir ou de se taper un petit bœuf entre copains…

Eek-A-Mouse

Mouse Gone Wild

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Ce natif de Kingston a connu son heure de gloire pendant les années 80. Des morceaux comme « Wa Do Dem » ou « Ganja Smuggling » ont imposé son style unique peuplé d’onomatopées. Eek A Mouse a quitté la Jamaïque pour les USA il y a une dizaine d’années, histoire de rester loin de la violence endémique de l’île. Entre-temps, il a tâté du cinéma tout en continuant de tourner intensivement. « Mouse Gone Wild » constitue sa première manifestation discographique depuis 2001. Il ne chante plus du tout comme dans le passé, mais les thématiques sont identiques. Il est capable de se lancer dans des descriptions glaciales de la vie des ghettos de Kingston tout en gardant son amour pour des chansons plus légères où il se laisse aller à des blagues potaches. C’est plus ou moins le menu de cette plaque qui n’est pas vraiment ce qu’il a fait de meilleur. Les paroles de « Lick Shot », « Ghetto », « Schizophrenic » expriment le côté sombre du bonhomme, la faiblesse procédant des musiques peu inspirées qui l’accompagnent. « Pussy and the Mouse », « American Girl », « Uptown Dread » campent dans le registre de la ‘déconnade’. Ici aussi, le manque de qualité musicale, le chant souvent faux et les paroles lamentables d’Eek A Mouse débouchent sur quelques uns des pires moments de reggae entendus depuis bien longtemps. Seuls « Wine » et l’amusant et efficace single « Jamaicanese » et « Wine » sauvent la plaque du naufrage, laissant entrevoir ce qu’elle aurait pu devenir, si un peu plus de boulot et d’inspiration avaient présidé à sa conception. A noter enfin que l’ex roi du trip hop Tricky a mis la main à la pâte pour livrer des remixes sympathiques de « Jamaicanese » et « Schizophrenic ».

Eek-A-Mouse

Eek-A-Speeka

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Après avoir commis un « Mouse Gone Wild » largement décevant, il y a quelques mois chez Ras, ce bon vieux Eek revient déjà nous donner de ses nouvelles. Une plaque produite par Steve ‘Blacka Dread’ Martin en compagnie de pointures comme Mafia & Fluxy, Horsemouth ou encore Chinna Smith. Eek a décidé de recentrer son propos sur des thématiques plus ‘roots’, même s’il n’abandonne pas les habituelles chansons plus légères comme « I Love Weed ». Par la même occasion il adopte derechef le style en onomatopées qui a fait sa gloire et reprend son hit « Wa-Do-Dem ». Musicalement inspirée, cette plaque s’avère être une sacrée réussite. On retiendra ainsi l’oppressant « Every Posse », qui aborde le thème des clans mafieux déchirant Kingston. L’étrange et prenant « Keep Accusing Me » est construit sur la mélodie du « Parrain », même si nos gaillards n’ont pas jugé utile de créditer le grand Nino Rota. Le très radiophonique « Champagne Bottle » pourrait rouvrir la voie du succès à Eek tandis que « Joey Joey » raconte les mésaventures de notre homme avec une vedette de la musique (non nommée) qui veut lui piquer sa femme… Bref, ce « Eek-A-Speeka » est une bonne surprise et redore le blason du bonhomme, un peu terni par l’elpee raté, sorti il y a quelques mois.

Jimmy Edgar

Access Rhythm

Nouvelle signature warpienne, Jimmy Edgar évolue dans un style qui tout doucement prend ses marques : l’électro-hop à la Beans, autre pensionnaire du label de Sheffield. « No Static », le premier morceau de cet EP, prouve ainsi qu’il est possible de sortir le rap de sa routine, en le frottant à l’électro la plus aventureuse. On pense aux productions Lex (le sous label hip hop de… Warp), notamment à Danger Mouse et Tes… Les trois titres suivants, instrumentaux, répètent le même schéma destructeur (ou comment plonger le breakbeat oldschool dans un bain acid(e) ?), sans pour autant convaincre sur la longueur. Tant qu’à se prendre une vraie claque, mieux vaut réécouter Prefuse 73 ou Anti Pop Consortium… En attendant l’album d’Edgar, dont les intentions, ici, se révèlent encore un peu lâches.

Chris Eckman

The Black Field

Alors qu’on se demande si les Walkabouts existent toujours (un best of est sorti il y a peu), Chris Eckman nous propose son premier album solo. Sur la pochette, une peinture de Nikolaj Beer, son beau-père : des gros traits de pinceaux à la Van Gogh, dans des tons sombres qui profilent un esprit tourmenté. Sans doute que le chanteur/compositeur retrouvait dans cette violence picturale ses propres angoisses. Le point de départ de ces neuf chansons à la beauté sépulcrale, écrites dans la solitude et l’ombre, le temps d’un repli ascétique sur lui-même, loin des contingences collectives d’un groupe de toute façon au bord de l’agonie créative. « The Black Field » surprend d’abord par son minimalisme : Chris Eckman semble bel et bien seul à jouer ses ballades, malgré ce chœur qui parfois l’accompagne (« Low Country », « Pirates & Clowns ») et cette batterie qui l’empêche de sombrer dans l’autisme. En un sens, ce genre d’ambiance tamisée réconforte, comme si Eckman était présent à nos côtés, à nous chanter ses histoires dans le plus pesant des silences. C’est beau, presque slowcore. Plein d’imperfections dues à l’enregistrement live, mais tellement authentique. Du premier titre (une chanson mélancolique caractérisée par une voix à la Costello au dernier (une reprise laid-back du « Why Can’t I Touch It ? » des Buzzcocks), « The Black Field » sidère par son atmosphère ténébreuse. A écouter à la lueur d’une bougie… si on n’a pas peur du noir.

Early Day Miners

The sonograph

Écrit par
“The sonograph”, n’est pas un nouvel opus d’Early Day Miners, mais un Ep 6 titres qui sanctionne leur nouvelle signature chez Acuarela. Hormis le dispensable Mosaic II », les cinq autres fragments épousent une forme de mélancolie contemplative propice à la projection d’images indistinctes, mystérieuses, de cités fantômes. Pensez aux westerns d’Ennio Morricone ! Et lorsque Daniel Burton chuchote ses confessions, cette impression s’accentue. Ce qui n’empêche pas un morceau comme « Persih boom » de libérer une intensité fiévreuse, climatique, digne de l’indispensable « If I only could remember my name » de David Crosby. A « Bijou » de scintiller au gré des cordes entrelacées, à l’instar d’un Red House Painters ensoleillé. A « Albatross » de se lover dans l’intimisme d’un Neil Young, sur un lit de piano et d’harmonica. Ou encore de musarder à l’infini, tout en multipliant les méandres, sur le languissant « Bedroom, Houston », qu’un Low n’aurait pas renié ; et sur le semi-noisy/semi atmosphérique (Labradford ?) « Misrach »…

Eagles Of Death Metal

Peace Love Death Metal

Nick Oliveri en bisbille avec Josh Homme, et Mark Lanegan trop occupé sur son prochain album solo, il faut bien se rendre à l’évidence : QOTSA, c’est presque de l’histoire ancienne. En attendant une hypothétique reformation, on peut toujours se contenter du premier album psycho-billy-funk-boogie-blues-garage d’Eagles of Death Metal, alias Josh Homme (à la… batterie), Jesse « The Devil » Hugues (guitare, chant) et notre compatriote Tim Vanhamel de Millionaire. Au programme de cette partouze rock’n’roll, à boire et à manger, donc, parce que ce n’est pas forcément dans les plus beaux plats qu’on fait les meilleures soupes. Problème n°1 : le son, assez pourrave. Problème n°2 : les « super groupes », qui n’ont souvent rien de super. D’où découle le problème n°3 : la hype, qui rend en général difficile toute forme de critique (« Quoi ! ?, t’aimes pas les Eagles of Death Metal ? ! ? »). « Peace Love Death Metal » n’est certes pas un mauvais disque, mais la surmédiatisation dont il bénéficie s’explique avant tout par la réputation (certes non usurpée) du trio. Imaginez les Cramps s’amusant à singer le Muppet Show, et vous aurez une idée de ce qui se trame chez ces drôles d’oiseaux de la cause métal casserole. Drôle, couillon, hyper branché, mais anecdotique.

Vincent Eyr

Alter Ego

Écrit par
D’origine bourguignonne, Vincent Eyr roule sa bosse depuis 1987. A cette époque, il jouait au sein d’une formation de heavy trash progressif, qui répondait au nom d’Endless Tears. Son premier disque solo remonte à1996 (NDR : un mini elpee six titres). Il l’a enregistré juste une année avant qu’il ne décide de s’installer à Rennes. Et apparemment, cet « Alter Ego » constitue son troisième essai sous son patronyme. Un double ! Une face électrique et une face plus acoustique. Vincent est un poète. Dont la muse empreinte de symbolisme est d’une grande richesse. Et pour concocter ces deux morceaux de plastique, il a pris le soin de s’entourer de quelques collaborateurs qui ont du métier. Malheureusement, l’expression sonore dérape continuellement dans l’univers de la variété. En cause ? La voix de Vincent. Beaucoup trop mise en avant, elle souffre de ses inflexions qui peuvent osciller de Laurent Pagny à Balavoine, sans en avoir le timbre. Et des superbes compositions comme « Tchao » ou « Marée noire » en perdent tout leur impact. A se demander si l’artiste ne devrait pas se concentrer uniquement sur l’écriture. Pour plus d’information, je vous invite à visiter son site. Encore qu’il serait peut-être judicieux qu’un correcteur passe la biographie au crible, car elle est parsemée de fautes d’orthographe et d’accords ; ce qui fait mauvais genre pour un poète …
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