" Passenger " constitue le titre d'un célèbre hit d'Iggy Pop. Si cette chanson a été reprise maintes fois, la plus belle reste toujours, à mes oreilles, celle de Siouxsie and the Banshees. Dorénavant, il servira également de patronyme à un groupe de metal moderne. Un peu à l'image du Stone Sour de Corey Taylor (Slipknot), Passenger est un projet qui traînait dans les cartons d'Anders Fridén (NDR : le chanteur d'In Flames) et de Niclas Engelin (NDR : le guitariste de Gardenian), depuis le milieu des années 90. Les deux Norvégiens ont décidé, après un travail de longue haleine, d'associer enfin leurs efforts au sein d'un projet flambant neuf : Passenger. En mêlant la puissance des riffs d'In Flames à la douceur des mélodies de chant à la Devin Townsend époque Terria, les deux complices sont parvenus à élaborer une musique très accrocheuse lorgnant du côté de la pop first-class, mais qui n'oublierait pas de faire trembler les murs. Grosses rythmiques de guitares rageuses, alternance de vocaux déchirés et mélodiques, refrains posés sur de lourds accords, une pincée de samples et de claviers : impossible de ne pas penser aux dernières livraisons d'In Flames Encore qu'inspiré par un profond état mélancolique, ce " Passenger " se révèle plus accessible. Même les fans de néo-metal devraient y trouver leur compte ! Du travail de pros.
Parée de ses plus beaux atours atmosphériques, la musique enchanteresse de Parsley Sound enivre les sens comme un filtre d'amour. Rien de bien sensationnel, de prime abord : du folk sixties et de l'électronica champêtre, couchés sur un lit de fleurs multicolores sentant bon le patchouli. Psychédélique peut-être, dans cette manière d'embarquer l'auditeur dans un trip intemporel, loin des contingences matérialistes de ce bas monde. Danny Sargassa et Preston Mead pourraient très bien reprendre à leur compte l'héritage fumeux de Syd Barrett, Montage et Stone Roses (la voix), et régner en maîtres orfèvres pop aux côtés de Mercury Rev, Lemon Jelly, Belle and Sebastian et Air… Mais c'est sans compter sur leur désir d'être uniques, à leur façon. Parce que leur musique a beau être référencée (tout ce qui chante et sonne cotonneux), elle n'en est pas moins singulière. D'une luxuriance béate quand elle convoque tous les instruments les plus affables (cuivres, theremin, clavecin, flûte, violons), la musique élégiaque de Parsley Sound sait aussi se faire murmures, jusqu'à provoquer cet état de transe illuminée qui donne des frissons. On pourrait en parler pendant des heures, mais il suffit d'écouter ces arrangements d'une légèreté stupéfiante : arrivés au septième ciel, il ne nous reste plus qu'à regarder en bas et roucouler d'aise, les mains derrière la tête comme signe de plénitude.
Ex-Varnaline, Anders Parker pourrait être le petit-fils de Nick Drake, le cousin de Camper Van Beethoven et le frère de Jeff Tweedy. S'amusant aussi bien avec l'électrique que l'acoustique, Parker vient d'accoucher d'un album fort réussi, à classer au hasard entre le A (pour " Alternative Country ") et le Z (pour (Van) Zandt) d'une discographie idéale. Grande est sa famille, prometteur est son talent. " Still Dream " débute l'album en douceur, entre americana lumineuse et pop fragile. " Song " proclame les noces d'Ed Harcourt et des Go-Betweens. " Blue Flowers on the Highway " semble chanté par les Flaming Lips, mais avec un Wayne Coyne déguisé en cow-boy. " Difference " ferait presque passer Sophia et Tom McRae pour deux gros goujats. " Anything From Now " rappelle Soundtrack of Our Lives, le soleil du Midwest en plus. " Let It Come Down " piétine les plates-bandes des Dandy Warhols, avec ses riffs envahissants mais pas grande gueule. Enfin, " Broken Song " et " Murder Crow ", deux berceuses belles à pleurer, closent ce disque en douceur. En 15 chansons taillées pour le succès, Anders Parker prouve qu'on peut s'amuser avec les préceptes de la country et lui faire subir les pires outrages (pop, rock, psyché,…), pour un résultat détonnant. Grandaddy n'a qu'à bien se tenir.
Beaucoup de groove, beaucoup de fun, beaucoup de rock n' roll sur ce premier album débridé de la formation canadienne Paradise, à ne pas confondre bien sûr avec le "Paradis perdu" du ténébreux Nick Holmes. Derrière une pochette très colorée, directement inspirée par le pop art polynésien, on découvre un combo dont chaque membre a sûrement beaucoup écouté les disques de papa et maman, T. Rex, AC/DC, Alice Cooper et Hanoi Rocks constituant l'essentiel de leurs influences. Paradise pourrait s'inscrire dans la mouvance des Datsuns et autres The Strokes, s'ils ne jouaient pas davantage la carte des riffs bien heavy tout en y incorporant une solide dose d'humour et d'autodérision. Un album d'autant plus réjouissant quand on découvre sur le livret, volontairement kitch, la présence aux drums du fameux batteur de Voivod, Michel Langevin, qu'on n'attendait vraiment pas sur ce type de production. Neuf chansons musclées composées et enregistrées en six mois, pour une musique que le groupe qualifie lui-même de "volcanic rock". Le son est crade, mais pas trop, la production est soignée, mais pas "américanisée", et le look des musiciens combine l'imagerie rétro d'Elvis Presley aux tenues vestimentaires "cuir et clous" de Judas Priest. On ne s'ennuie jamais à l'écoute de cette petite bombe qui pourrait faire un carton en radio si sa promotion était assurée décemment. En 2004 à Werchter ou à Dour? Il ne faudrait pas s'en étonner !
C'est bien dommage, pour les Papas Fritas, d'en arriver à ce best of (18 titres, huit inédits, 3 clips). Parce qu'on espérait plutôt les voir sortir encore un album, et s'émerveiller devant ces petites cathédrales pop qui bâtirent leur réputation. Une réputation qui, malheureusement, n'a jamais débordé du cercle restreint des amateurs éclairés de pop rock lumineuse et fragile. Pourtant, à écouter ce best of, rien ne semblait prédire aux Papas Fritas une carrière si courte et erratique, étoiles filantes freinées dans leur trajectoire par un music business qui ne tolère que profit et efficacité à court terme. D'efficacité, Papas Fritas n'en manquait pourtant pas : Tony Goddess, Keith Gendel et Shivika Asthana possédaient ce talent si rare de savoir écrire la chanson pop parfaite, qui tenait en trois minutes et plaisait dès la première écoute. " Way You Walk ", " Passion Play ", " Holiday ", " Hey Hey You Say ", " Vertical Lives ",… Qui mieux que les Papas Fritas, en leur temps de déboires commerciaux, pouvaient aligner tels tubes certifiés or, en mixant adroitement les harmonies des Beach Boys (ces chœurs !), l'éclat féroce des Pixies et la tendresse nonchalante de Pavement ? Avec trois fois rien mais beaucoup d'amour et de délicatesse, Papas Fritas ont réussi là où beaucoup se sont cassés les dents : dans l'écriture pop ultime, jamais avare de mélodies limpides et de refrains qui enchantent. En prononçant correctement le nom du groupe, on a le titre de ce best of : " Pop Has Freed Us " (" La pop nous a libérés "), une expression qui résume bien le trio de Boston… Et nous convient bien aussi, tant qu'à faire.
La nouvelle sortie du label français underground Dora Dorovitch (Telefax, Thomas Mery de Purr, etc.) ne dure qu'une demi-heure, et c'est tant mieux. Parce que ce collage de bruits industriels, de cliquetis de bazar, de beats métalliques, de voix broyées par un marteau-piqueur et de hip hop mutant joue trop avec nos nerfs. Ce projet manufacturier entre Michel Cloup (Expérience, Diabologum), Stéphane Bodin et François Marché (les deux affreux de Bosco) aurait pourtant pu donner un drôle de résultat, dans tous les sens du terme : rigolo comme Bosco, bizarre comme la nébuleuse Diabologum. Au final, il s'agit juste d'un patchwork tannant d'influences diverses, de Cassette Boy à Matt Elliott, mais sans la rigueur et le talent. De la musique proche en sa démarche de celle des pionniers de l'IRCAM (en beaucoup moins savant quand même), mais qui n'excite ni nos neurones, ni le reste. Une première déception à mettre sur le compte de Dora Dorovitch, qui pourrait vite se voir catalogué " Label intello " s'il brasse encore trop de matière grise… L'auditeur, lui, se fait chier, et va voir ailleurs.
Robert Palmer est décédé le 26 septembre dernier à Paris. Suite à une crise cardiaque. Il était né en Angleterre le 19 janvier 1949. A Batley, très précisément. Cet excellent vocaliste avait élu domicile en Suisse, depuis 16 ans. Sa carrière musicale avait débuté fin des 60's. Chez le groupe de R&B, Alan Bown Set. Il avait ensuite rejoint Vinegar Joe, une formation blues/rythm'n blues. Il y partageait les vocaux avec la pulpeuse Elkie Brooks. Depuis, il menait une carrière personnelle. Un parcours jalonné d'une vingtaine d'albums et de quelques hits, dont le plus célèbre demeurera "Bad case of lovin' you". En 1999, il avait commis "Rhythm & blues" ; un opus pour lequel il avait prévu une suite. Et ce deuxième volume vient enfin de voir le jour.
L'album s'ouvre par le notoire "Mama, talk to your daughter". Signé J.B Lenoir, cette plage évolue sur un tempo hyper rapide. Le son des guitares est véritablement pourri. Les vocaux prolixes. L'harmonica de Franco Limido, sautillant. Une claque vraiment inattendue ! Bien plus roots, "Why getup?" est distinctement tramé sur une guitare, une mandoline, et le piano versatile de l'excellent Dr Gabs. La voix soul très caractéristique de Palmer est bien mise en évidence. Mais la richesse et la profondeur du timbre de ce chanteur de R&B sont encore plus évidentes sur le légèrement funky "Who's fooling who?". "Am I wrong?" baigne au sein d'une ambiance Delta. Seule devant les guitares acoustiques et les percussions minimalistes, cette voix semble idéalement taillée pour chanter le blues. Palmer reprend le "TV dinner" de ZZ Top ; mais sous une forme très dépouillée. Sa voix tout en relief y véhicule énormément d'émotion et de sensibilité. " Stella " nous plonge dans un univers étrange, exotique, proche de la world. Le chant typé est souligné de chœurs féminins. On se croirait dans les Caraïbes. Un climat au sein duquel baigne également "Dr Zhivago's train". Robert revient sur un terrain mieux connu en attaquant une compo issue du répertoire de BB King, "Ain't that just like a woman". La version est puissante et nerveuse. La voix quelque peu ravagée passe le cap avec distinction. Dr Gabs se montre brillant dans son exercice du boogie au piano. Robert embraie par "Hound Dog". Un fragment écrit par Leiber et Stoller, mais popularisé par Elvis Presley. Il chante comme un possédé devant une guitare fuzz aux accents réverb. Une atmosphère mystérieuse plane tout au long de "Crazy cajun cafe walk band". On se croirait presque chez Dr John lorsqu'il implore le voodoo ; surtout lorsque le bruit des swamps louisianais entrent dans la danse. Robert achève son elpee par une adaptation d'"I need your love so bad" de Little Willie John, un morceau popularisé jadis par Ray Charles et par le Fleetwood Mac de Peter Green ; une compo qu'il interprète d'une voix plaintive. Cette nouvelle mouture brille par son originalité, tant Palmer y va de sa personnalité. Mais ce n'est pas tout, car l'opus recèle quatre bonus tracks. Signé Willie Dixon, "29 ways" s'ouvre sur un chant tribal soutenu par force percussions ; mais lorsque le piano décide de changer de registre, c'est pour s'aventurer dans un espace sonore purement jazz et swing. La forme d'"It hurts me too" est bien plus classique. Une composition qu'il chante, avec bonheur, devant un piano très blues. Le piano du docteur envahit "Stupid cupid". Un fragment fortement marqué par le sceau de la New Orleans. Et l'œuvre s'achève dans le roots, par une cover très personnelle du "Milk cow's calf blues" de Robert Johnson. Cet album est très intelligent et fort personnel. C'est une réelle expérience. Dommage qu'il n'y aura jamais de suite…
Signé sur le label Aesthetics, maison d'accueil des électrons les plus libres en matière de rock, d'ambient, de folk et de techno (Windsor For The Derby, Hood, L'Altra,…), Pulseprogramming se décrit lui-même comme un ‘groupe multimedia’. On y retrouve ainsi deux maîtres ès laptops, un vidéaste, deux designers, un poète et une chanteuse. Le fond et la forme sont donc sur pied d'égalité : le digi-pack peut être transformé en cabane, et le CD renferme une plage CD-Rom de toute beauté. La musique, quant à elle, s'avère toute aussi aventureuse, entre Mum, Tarwater et Autechre période " Incunabula "… Le plus bel exemple restant le premier morceau (" Blooms Eventually "), une vraie petite perle d'électro-pop douce-amère, légère comme une bulle de savon. La suite est partagée entre instrumentaux de haute volée (" Don't Swell Up Your Glass Pocket ", genre Eno sur Morr Music, " Largely Long-Distance Loves ", plus rythmé) et comptines fragiles et organiques, susurrées par un couple vraiment épatant (Mark Hellner et Lindsay Anderson, de L'Altra). Imaginez Mark Hollis remixé par Sigur Ros… De l'indietronica mélodieuse et émouvante, qui fait pleurer les machines et donne de la chair (de poule) à Cubase et Pro Tools. Entrez dans la maison (en carton) de ces Américains, leur porte vous est grande ouverte.
Le vieux Snooky a reçu le concours d'un sérieux aréopage pour commettre cet album. Une bande d'épaves du Mississippi qui regroupe de fameux clients, d'authentiques vieux limiers du blues : l'indestructible Pinetop Perkins (88 balais, au piano), Willie "Big Eyes" Smith (issu de l'Arkansas) à la batterie, Bob Stroger (du Missouri) à la basse et le redoutable Mel Brown à la guitare (un compagnon d'écurie de Pryor, depuis quelques années). Cet opus a été enregistré pour célébrer le 80ème anniversaire de la légende vivante Mr Pryor. Son souvenir le plus ancien, le plus poussiéreux remonte à 1929. Lorsqu'il a vu Sonny Boy Williamson II jouer au magasin général de Vance, dans le Mississippi. A l'instar de la plupart de ses acolytes, il a émigré plus tard à Chicago, pour y écrire et vivre quelques tranches de blues. Dans les années 40. Sur Maxwell Street. Et plus tard en compagnie de Moody Jones, Homesick James, Johnny Shines et quelques autres.
Après "Rock-a-while", une timide ouverture instrumentale, nos anciens embraient par "School days", un bon vieux blues lent au sein duquel ils puisent dans leurs lointains souvenirs d'écoliers. Dépouillé comme il se doit, ce blues montre Snooky au sommet de son art. De courtes phrases à l'harmo ponctuent son chant usé. Invité de classe, Jeff Healey, le jeune guitariste aveugle canadien, semble bien à l'aise sur ce terrain dégagé à l'extrême. Du Chicago blues de classe ! En hommage au label canadien qui les héberge, le Mississippi Wrecking Crew reste ancré dans ce blues traînard autant que paresseux. Il nous dispense un brûlant "Electro-Fi blues", ne laissant toujours le billet de sortie que pour Mr Healey. Particulièrement cool, Snooky maîtrise parfaitement ce blues authentique à l'humeur sombre. Sa voix de ténor, plaintive, aigrie, peut soudainement se faire chevrotante. Il chante d'abord très calmement, puis hurle ensuite sa douleur sur "Decoration day", un classique composé jadis par John Lee "Sonny Boy" Williamson I. Mel n'y distille que les notes qui vont droit au cœur. Celles qui libèrent un max de feeling introverti. Le rythme s'accélère enfin sur "I ain't seen my baby". Une occasion idéale pour assister à une joute haute en couleur entre les cordes de Brown et celles de Jeff Healey. Derrière le piano, le vieil homme se met à susurrer un blues écrit par un de ses meilleurs collègues côtoyé naguère : Mr Memphis Slim. Perkins interprète "Pinetop's grinder man blues". "Kind lover" hausse de tempo et autorise les sorties, timides chez Pinetop Perkins, plus franches pour Mel et Snooky. Au large chapitre des blues lents, l'elpee recèle encore la reprise d'un autre canon du blues issu de la plume de Sonny Boy I : "Sugar Mama blues". Ce très bon album empreint de classicisme s'éteint sur "After you (There won't be nobody else)", un dernier slow blues mené un peu à la manière de Muddy Waters, au cours duquel Mel Brown peut, en quelques notes, exprimer toute l'excellence de son style…
Pour expliquer le concept fumeux de ce maxi 7 titres, reposons-nous sur le dossier de presse : ‘Le Projet A7 est un collectif de 7 personnes ayant un lien étroit avec la musique (…) Chacun des 7 participants crée un son, une mélodie, un événement sonore. C'est le premier tour. Les 7 embryons de morceaux passent ensuite d'un joueur à l'autre, chacun traitant la matière reçue à sa façon, en ajoutant, retirant ou modifiant les éléments qu'il veut’. Et cetera. Si c'est un ‘jeu’, autant dire qu'il n'amuse que ces géniteurs, 7 ‘anonymes’ qu'on pense avoir déjà croisés chez Anoraksupersport sous le nom de Jeronimo, Crystal Palace, Pink Satellite, Starving, Showstar, Nietzsche et Gagarine…. Les sept groupes signés par le label huttois ! Attention : c'est une supposition, en rien une certitude… Les sept zozos qui ont signé ce maxi n'ont en tout cas pas peur du ridicule : voilà de l'électro-pop de basse classe, sans inspiration ni séduction, aux relents snobs nauséabonds. Du foutage de gueule, pas moins : 7 titres dont 5 remixes pour illustrer ce concept à la masse, parfait pour se flatter l'ego entre potes, mais nul pour accrocher l'auditeur. On espère que cette flatulence pleine de suffisances les fera réfléchir quant à l'intérêt de leur démarche collective, peut-être louable sur papier, mais au final d'un nombrilisme affligeant.
Anorak Supersport est un des derniers labels à avoir fait son apparition dans le paysage musical belge. Suite à une judicieuse politique artistique, il peut déjà se vanter d'avoir signé une série de projets musicaux qui ont déjà rencontré un succès critique et public. On peut citer Showstar (fortement influencé par la pop anglaise), Jéronimo (et ses comptines désabusées) ou encore Starving (baigné dans une électro-pop sur fond d'affres sexuelles féminines).
A l'instar des deux derniers projets cités, Projet A7 a uniquement recours à la langue de Molière. Les sept membres du collectif proposent une dizaine de morceaux teintés d'électro estampillée années 80, sur lesquels plusieurs voix racontent plus qu'elles ne chantent (NDR : habitude fastidieuse et récurrente de la chanson française d'aujourd'hui) leurs vicissitudes. A cheval entre Alain Chamfort et Jean-Louis Murat (en moins inspiré), on a bien du mal à entrer dans l'univers froid de Projet A7 ; et l'abus de vocoder et de vocalpitch utilisés sur les voix n'arrange pas les choses. Musicalement peu inspiré, la multiplication de tics sonores faisant référence aux années 80 (comme par exemple ces guitares funky façon Gainsbourg période " You're under arrest "), même si cette tendance semble être à la mode aujourd'hui, ne rend pas aisée l'écoute de l'album, plongeant l'ensemble dans une désagréable uniformité.
Ce chanteur/guitariste vit depuis bien longtemps à Washington, DC. Il a cependant effectué ses débuts à Boston. Il y a fondé Powerhouse, pour lequel il a commis l'elpee "Nightlife". Depuis 1981, il s'est fixé à Washington. Après avoir transité par les Assassins en compagnie de Jimmy Thackery des Nighthawks, il monte sa propre formation. Il compte déjà plus de dix albums à son actif dont le premier, "Blazing Telecasters", remonte à 1984. Pour exécuter ce nouveau chapitre musical, il s'est entouré de John Perry à la basse, Joe Wells à la batterie et de Tommy Lepson aux claviers. Tom a écrit la plus grande partie de son répertoire.
Il ouvre l'opus par "Till I get what I came here for", une plage funky qu'il emmène de sa voix passablement éraillée. L'orgue est bien présent ; mais le boss, c'est Tom. D'ailleurs, sa Fender Telecaster sort déjà de sa réserve. Avant de crever l'écran sur "Done your daddy dirty". Il est vrai que cet instrumental est signé Roy Buchanon, un maître pour l'ami Tom. Il accomplit ensuite une excellente version du "Crazy mixed up world" de Willy Dixon. Soutenu par le piano versatile de son ami Kevin McKendree (NDR : un membre du backing band de Delbert McClinton), Tom signe une excellente sortie sur les cordes. Toujours dans son style ; en distillant de nombreuses notes bien senties. L'artiste joue de sa Telecaster en picking sur l'instrumental vivace "Apricot brandy". Elle vibre et crache ses notes devant l'orgue de Lepson. "Voodoo thing" nous entraîne sur les routes louisianaises. Les rythmes sont syncopés, les percussions bien mises en avant. Tom se sent comme un poisson dans l'eau. D'autant plus que ce style met bien en avant ses prouesses guitaristiques. Mr Principato est plus un instrumentiste qu'un chanteur. Brillant technicien, il est également capable de faire passer ses sentiments, ses émotions musicales, à travers de plages instrumentales. "Very blue" en est la plus belle démonstration. Un titre lent, au cours duquel il égrène ses notes une par une, avant de laisser échapper sa verve naturelle. Ses doigts aiment parcourir le manche de sa Fender. Et s'il fait preuve d'une grande maîtrise, parfois il ne peut s'empêcher de libérer quelques flots de notes. Cette plage synthétise parfaitement son énorme potentiel. L'introduction et la finale de ce morceau baignent au sein d'une douceur extrême ; et l'artiste y emporte tous nos suffrages. Il ne faudrait cependant pas enfermer Principato dans un seul style. Car s'il est avant tout un instrumentiste à la technique irréprochable, il est aussi capable de s'adapter à un spectre musical bien plus large. Et il est même brillant dans le domaine swing et jazz. A l'instar de "Break out!". Alternant notes en grappes et accords, son jeu y est finement ciselé. La plage titulaire est très élégante. La section rythmique remplit bien l'espace sonore de ce R&B ; mais la Telecaster ne sait attendre pour se mettre une nouvelle fois en évidence. Sa dextérité naturelle, il la met encore en exergue sur un autre instrumental aux climats jazzyfiants : "Shuffle - 50". Jouant sur les tonalités, alternant une fois encore notes et accords, il y laisse couler son feeling. Il commet une bonne version du classique de Dave Bartholomew, "I hear you knockin". De l'excellent travail qui lui permet d'opérer une envolée de rock'n'roll mesurée dans le rythme. Et son solo en pickin' constitue un des sommets de l'album! Il faut cependant attendre la finale, "Baptised in Muddy Water", pour vivre le premier blues lent. Nonobstant le dialogue échangé entre la guitare et l'orgue Hammond, ce fragment est un peu trop court à mon goût. Manquant probablement de coups d'éclat, " House on fire " n'est pas le meilleur album de ce musicien au talent particulier et singulier ; mais il reste de très bonne facture…
On croyait au début que ce groupe de Seattle voulait lui aussi avoir sa part du gâteau post-punk, qu'il allait dire à Radio 4, The Rapture et les Liars d'aller se faire foutre, et que tout ça finirait mal, dans un bain de sang, avec la tête de Karen O (Yeah Yeah Yeahs) plantée sur un bâton. Cette basse vrombissante, ces guitares tournoyantes, cette batterie métronomique : le squelette rythmique des PGMG danserait-il comme à la Saint Glin-Glin, distribuant quelques pains à la ronde à tous ces faiseurs de mode qui lui piquent la vedette ? Non, trois fois non : les PGMG ne sont pas tout à fait " punk funk ", malgré l'étiquette qui leur colle aux fesses depuis qu'il est bon de dire que Gang of Four et Wire étaient les meilleurs groupes du monde… C'est plus pop. Comme Elastica et Magnapop. Même avec cette furie au micro (Andrea Zollo, tantôt candide, tantôt vicieuse) et cet ex-Murder City Devils qui parfois crache son venin (sur " All Medicated Geniuses " et " The Teeth Collector "), les PGMG restent de gentils Amerloques. Pop. D'accord, on y entend aussi les Slits. Et L7. Ce qui prouve que les PGMG ne se laisseront jamais enfermer à double tour dans aucune chapelle… " The New Romance " contient 12 mini-tubes acérés et accrocheurs, dont l'infernal " This Is Our Emergency ", d'une jouissance féroce et libératrice. A écouter, de fait, de toute urgence.
Organiste extraordinaire, Billy Preston a accompagné un peu tout le monde. Mais surtout les célèbres Beatles et Rollins Stones. Billy est né en 1946. A Houston, au Texas. Très jeune, il émigre à Los Angeles, en compagnie de ses parents. Il y met rapidement son talent au service de l'église. A 10 ans, il dirige un orchestre symphonique local! En 1962, il effectue sa première tournée européenne en compagnie de Sam Cooke et de Little Richard. Son premier elpee paraît à cette époque : "The 16 years old Soul". Il enregistre alors chez Vee Jay les plages qui constituent le présent album, sous-titré pour la circonstance : "The Complete Vee Jay recordings 1964/1965". Il tourne ensuite durant trois années en compagnie de son idole, Ray Charles. Il rencontre les Beatles qui rachètent ses droits chez Vee Jay pour leur propre label Apple. Il collabore même aux derniers enregistrements opérés par les Fab Four. A l’époque, on le considère même comme le cinquième Beatle. Il travaille ensuite pour les Rolling Stones. Et en particulier à la confection des elpees "Sticky fingers", "Exile on main street" et "Gots head's soup". Il tourne même en leur compagnie. Billy Preston est un artiste soul réputé depuis quatre décades.
Cette plaque nous renvoie assez loin dans le passé. Elle réunit des adaptations de certains succès de cette époque destinés aux juke-boxes. Des plages consacrées à la danse, sous une formule réduite, dominées par l'orgue (NDR : bien sûr), parfois balayées d’un piano et soutenues par une section rythmique. Si en ce temps-là, André Brasseur animait nos bals de cette manière ; il faut avouer que Billy Preston possède une toute autre dimension. Cette œuvre épingle notamment "If I had a hammer" (Si j'avais un marteau), "You've lost that lovin' feeling", "Eight days a week" (des Beatles), "Downtown", "Goldfinger", "My girl", "Go now", "Shotgun", "Stop in the name of love" (un fameux hit des Supremes). Plus engageant dans notre registre, "Slippin' and slidin" (de Little Richard), "Drown in my own tears", "Soul meetin", "The masquerade is over" et bien sûr le "Soul Derby medley". Une plaque qui s’adresse d’abord aux mélomanes de l'orgue Hammond!
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