Derrière PJDS se cache Pieter-Jan De Smet, artisan saisonnier de l'indie-rock flamand, à qui l'on doit déjà trois albums passés plutôt inaperçus. Avec cette nouvelle livraison, PJDS s'est entouré d'un vrai groupe (Mirko Banovic à la basse, Geoffrey Burton à la guitare et Frederik Van Den Berghe à la batterie), de quoi donner davantage d'envergure et de tenue à ses chansons rock pleines d'allant. Ca commence fort avec " Me " et ses riffs à la Mick Ronson. PJDS, d'ailleurs, y chante comme Bowie… Tout le disque est ainsi teinté d'une couleur seventies, du Thin White Duke à Peter Gabriel. Du rock plutôt classique, certes, mais de qualité : " Light Sleeper ", " Arsonist " et " Truth " pourraient bien devenir, à cet égard, de vrais tubes. Parfois, Pieter-Jan susurre aussi comme Jarvis Cocker (" Killer Cosiness "), ou miaule, tel un baryton dépressif, comme Andrew Eldritch (" Car To Crash "). Toutes ces références n'ont d'autre intérêt que de caser le bonhomme (une obsession de journaliste), mais l'on peut très bien apprécier ce " Suits You " sans ces préliminaires catégoriques, en fin de compte plutôt puérils. C'est d'ailleurs là où on l'attend le moins que PJDS émeut le plus : en plein milieu d'une ballade crépusculaire (" No Surprise " et son violent indolent, le beau " Mood Like Old Paint " en clôture), quand le rocker se fait crooner, les guitares débranchées et la rage des premiers titres noyée dans les vapeurs d'alcool.
Après avoir pris connaissance de quelques critiques émises par la presse insulaire, je m'attendais à devoir me farcir un album de piètre qualité. C'est vrai que depuis la sortie de " Black Market Music ", cette même presse semble avoir pris Molko en grippe. Faut pas exagérer. Ce " Sleeping with ghosts " n'est certes pas génial, mais il ne mérite pas une telle diatribe. En fait, c'est surtout l'emballage qui est de mauvaise facture. Etonnant, lorsqu'on sait que la mise ne forme a été opérée par Jim Abiss (The Music, Unkle et Dj Shadow). Un emballage qui a l'énorme défaut de recourir un peu trop systématiquement aux arrangements technologiques. Résultat des courses, de nombreuses compositions ressemblent à des remixes avant l'heure. A la limite, faudrait presque demander à un (ou plusieurs) Dj(s) de retravailler le tout. Pas pour en remettre une couche, mais plutôt pour en enlever une ou deux. Les meilleurs fragments sont d'ailleurs les moins surchargés ; ceux qui se rapprochent le plus des deux premiers elpees. A l'instar de l'instrumental vivifiant et âpre " Bulletproof cupid ", du très tempétueux, enlevé mais contagieux " This picture ". Ou encore du punkysant et amer " Second sight ", agité par des cordes de guitare bringuebalantes en fond sonore. J'ai également beaucoup apprécié le dramatique " Protect me from what I want ", une valse mid tempo écorchée par un harmonica distordu ; et puis le final " Centrerfolds ", dont l'univers sonore hanté par un piano spectral, passe progressivement du minimalisme aux orchestrations somptueuses. Mais c'est trop peu ! Plusieurs morceaux en reviennent à la forme gothique. Tantôt proche du précédent opus, " Black market music ", tantôt réminiscente du Cure sous sa forme la plus atmosphérique (NDR : lorsqu'ils ne s'abandonnent pas dans un spleen post Depeche Mode), tantôt sculptés dans la ballade austère, ombrageuse. Des exercices de style trop prévisibles qui cherchent le plus souvent le salut dans l'instrumentation synthétique ou la mélancolie extrême. Côté lyrics, Molko s'exprime à travers un langage autobiographique ambigu, ésotérique. Il est toujours traumatisé par les relations amoureuses qu'il a éprouvées dans le passé. Elles peuplent ses rêves. C'est d'ailleurs le titre maître du quatrième opus de Placebo. Mais plutôt que de dormir avec les fantômes, Molko aurait tout intérêt à revenir à des sentiments plus basiques. Ceux qui lui avaient permis de devenir le meilleur espoir du rock britannique. C'est vrai, c'était en 1997…
" In absentia " constitue le premier album distribué par une grosse boîte (Atlantic) pour Porcupine Tree. Et heureusement, il est sans concession. Digne et brillant successeur de 'Lightbulb Sun', cet opus propose les mêmes arguments : mariages saugrenus mais féconds, transitions improbables mais tout aussi imparables, digressions dépaysantes ou ludiques, audaces volontiers espiègles, enthousiasme pop rafraîchissant mais décalé et ambiances aériennes, féeriques et curatives. Jusqu'ici, il n'y eut guère que XTC pour se montrer aussi original et aventureux sans renier l'héritage pop des Beatles. Mais là où XTC pond de 'l 'intéressant' à tour de bras, Porcupine Tree a cette capacité jamais prise en défaut pour créer des morceaux, certes riches et inventifs, mais aussi et surtout beaux et immédiats. La voix de Steve Wilson, fragile et vaporeuse, ainsi que les développements expérimentaux, nous emmènent souvent dans cet univers ouaté et planant, orphelin du grand Floyd. La guitare sèche, très présente, dessine parfois des paysages très bucoliques. Les guitares grasses plus métal et la rythmique aux accents souvent jazz-rock offrent des séquences d'une énergie savoureuse et ébouriffante. Et les harmonies vocales trahissent leur héritage Beatles/Beach Boys. Quoique 'Lips of Ashes', nous bal(l)ade plutôt du côté des étendues chères à Crosby, Stills, Nash and Young. Pourtant, Porcupine Tree est loin de générer la nostalgie, tant son propos est personnel et résolument moderne. La production (en progrès) et l'abondance de trouvailles sonores sont autant de sceaux qui valident le passeport du groupe pour le XXIe siècle, qu'on leur souhaite fructueux. Les fans de prog typé devront se faire une raison : les longs et lents développements dont le groupe nous gratifia jadis sont ici à nouveau absents. Mais cet opus est un vrai bonheur ! Porcupine Tree est devenu l'ambassadeur du prog sous sa facette la plus pop. Et cette métamorphose a été possible, parce que le groupe possède un talent immense…
Iggy Pop siège sur son trône de parrain rock'n'roll depuis plus de trois décennies, toisant tous ces jeunes blancs-becs qui ne jurent que par " Fun House " découvert un jour dans la discothèque de leur grand frère. Quand ceux-ci faisaient encore pipi dans leur Pampers en chialant pour leur tutute, L'Iguane rockait, encore et toujours. Il rockait, il rocke, il rockera, en témoigne ce nouvel opus d'une violence renversante, qui nous ramènerait presque au temps béni des Stooges, quand de jeunes types osaient encore se foutre du business et vivre dans l'excès en se tartinant de beurre de cacahuètes. Oui, les Stooges : une vieille histoire, qui resurgit du passé sans crier gare, depuis que les frères Asheton ont décidé l'année dernière de ressortir leur vieux blouson et de jammer avec Mike Watt et Jay Mascis, en souvenir du bon vieux temps. Iggy, sans doute étonné que ses anciens potes tiennent encore sur leurs guiboles, n'aura pas attendu bien longtemps pour rameuter la troupe. Résultat : quatre titres des Stooges, ‘les’ Stooges. Et pas des moindres : " Little Electric Chair ", le morceau d'ouverture, balaie de ses riffs énormes trente ans d'attente et de frustration, comme si nos trois amis ne s'étaient jamais vraiment quittés. Le deuxième titre du lot, " Skull Ring ", surprend lui aussi par son énergie viscérale, même s'il ressemble au " Peter Gunn " d'Emerson, Lake et Palmer, cette scie musicale à nouveau " fashion " depuis le bootleg des 2 Many DJ's (NDR : avec Basement Jaxx, sur " " As Heard On Radio… "). Dire que ces types ont 160 ans à eux trois ! Quant aux deux autres titres co-signés par Iggy et les frères Asheton (" Dead Rock Star " et " Loser "), ils dégagent aussi pas mal dans le genre " sex, drugs and rock'n'roll ". Le plus surprenant, pourtant, est encore à venir : parce qu'après " Beat' Em Up ", album couillon au possible, on donnait peu cher de la peau de l'Iguane et de ses musiciens, tronçonneurs hardeux d'une grossièreté atterrante. Eh bien non ! Les six titres estampillés " Iggy & The Trolls " n'ont pas à rougir, miracle, de la concurrence stoogienne : " Perverts In The Sun ", " Whatever " (un rien Pixies) ou le menaçant " Inferiority Complex " dépotent grave, et cette fois sans stéroïdes de gros bouseux abonnés à la pipelette. Autre surprise, et de taille : les " djeunes " de Sum 41 et de Green Day, sans doute invités comme caution marketing, et qui assurent correctement les arrières de notre homme d'Ann Arbor, ni plus ni moins (dommage que les accords du sympathique " Private Hell " ressemblent à s'y méprendre à ceux de… " Lust For Life "). Reste encore la reprise du " Rock Show " de Peaches avec la folle en personne, également présente sur un " Motor Inn " décapant, et ce blues dépouillé avec un Iggy seul à la guitare, hululant sa haine du music business comme un vieux pensionnaire de Fat Possum (son label préféré). Autant vous dire que ce disque est une petite tuerie, le meilleur d'Iggy depuis des lustres, et la preuve incontestable qu'on peut vieillir et continuer à vociférer du rock sans passer pour un vieux schnock.
Sur ce nouvel album, Stefan Betke ose un peu transgresser les règles électrodub minimaliste qu'il s'était bâtie au fil des années et des albums (la trilogie " 1-2-3 "), jusqu'à s'enfermer dans une tour d'ivoire au sommet de laquelle il était bien seul. Maître autoproclamé du genre, maintes fois copié mais rarement égalé, Betke n'est aujourd'hui plus si aphone et pusillanime : entouré cette fois d'un rappeur (Fat Jon des Five Deez), d'un contrebassiste et d'un saxophoniste, Betke étoffe sa palette de sons et d'influences, troquant ses ‘glitchs’ devenus presque clichés pour des ambiances plus organiques et léchées, en cela plus proches du dub/reggae dont il est l'un des plus fervents tripatouilleurs. Si les quelques titres en solo ressemblent encore à du Pole pur jus, " à l'ancienne ", ceux que chantent Fat Jon révèlent un groove insoupçonné pour qui ne voit en Betke qu'un chipoteur de souris voué aux prises de tête stériles et, tant qu'à faire, anecdotiques. Les fans de Pole apprécieront ce virage jazz et rap, les autres en profiteront pour se refaire une opinion, bonne si possible. A l'écoute de " Green is not green-yellow " et " Back Home ", il ne devrait de toute manière pas en être autrement. Si ça continue, on en surprendra même à taper du pied.
De leur premier disque éponyme sorti l'année passée, on avait dit qu'il fleurait bon cette " odeur de décadence mêlée de suavité " que l'on retrouvait dans les cabarets des années trente et à la fin des années soixante, comme du " Kurt Weill mâtiné de Doors avec les Bad Seeds en backing band ". Pour ce deuxième album, rien n'a changé ou presque : l'ambiance est encore plus tamisée… Plus lourde aussi : les Bad Seeds ont été jetés dehors par les brutes de Black Sabbath, et Jim Morrison tient une sale biture. Andrew Rothbard (le chanteur) s'en serait lui aussi pris sur la gueule qu'on ne s'étonnerait pas : du début à la fin, sa voix reste noyée sous une chape de reverbs, comme filtrée à travers un syphon d'évier de cuisine… La gueule de bois ! Pour le reste, c'est toujours ce rock psyché un peu garage (les riffs acérés de " White Mare ", " Draws on 8 ", " This is the Zodiac Speaking ", " Axis Exalt "), un peu boogie (le piano et l'harmonium, omniprésents), un peu répétitif. Le retour de l'acid rock n'est pas loin : après The Warlocks, BRMC et The Polyphonic Spree, Pleasure Forever pourrait bien ramener le Summer of Love dans nos chaumières, et faire péter les tympans de grand-mère… En plus, ils sont la 666ème sortie du label Sub Pop : ça ne s'invente pas. Allez, ressortez vos pattes d'eph', et roulez jeunesse (ou plutôt vieillesse) !
‘Je ne suis pas indispensable, je serai même compensable’, susurre Qvoice en fin de ce disque aux allures fin de siècle : chez Quark les mots (maux) cinglent et les guitares éructent. C'est la bérézina des bons sentiments, la chasse aux clichés romantiques. Quark ne ‘se sent pas prêt pour ce monde parfait’ (" Perfect World ") : à la dérive d'une pop française qui porte aux nues Kyo et Superbus, ce trio volubile ne mâche pas sa colère. " Noir, c'est noir ", comme gueulerait Johnny ; sauf qu'ici on crache dans toute cette soupe, puis on renverse le tout par terre, dans un accès de rage. " Sombre extase " se fiche de la pop music : son Dada, c'est la poésie maudite, le commentaire situ, le slogan rebelle. On n'est pas là pour s'amuser : plutôt pour constater l'effondrement du monde, la perte des valeurs, le vide des émotions. Pas commode… Et pourtant : cette musique, tendue comme un fil à couper le beurre (et l'argent du beurre), est loin d'être barbante ou trop blessante (on n'est pas chez Programme). Au contraire : il y a du rythme, des refrains à murmurer (cette basse à la Simon Gallup sur la chanson titre), des boîtes à rythmes disloquées, (" Complainte du Monstre "), du dub (" Disco Sono "), des murs de bruits (" Jerry "), des empreintes world (les chœurs de " La Chute "). La musique verbeuse, nerveuse et chercheuse de Quark s'apprécie comme un bon livre : sur la longueur, avec patience… Dans le glossaire, on retrouvera sans doute des références à Gomm, Daniel Darc, Autour de Lucie, Holden… Mais c'est au sommaire qu'il faut coincer son marque-page, parce qu'à chaque écoute, c'est une nouvelle énigme. Quark ne se dévoile qu'en filigranes : à vous de creuser et d'y trouver (ré)confort. Le bonheur (auditif) est à ce prix.
Sûr que Quasi ne va pas révolutionner le monde de la pop : ses mélodies un peu branques, sans cesse sur le point de se prendre une gamelle, n'ont pas l'ambition de devenir de gros tubes à siffloter sous la douche. Encore faudrait-il parvenir à les chantonner, tant leur structure part en couilles au moindre semblant de couplet-refrain… A cet égard, Quasi porte bien son nom : c'est quasi de la pop, mais c'est trop désaccordé pour concourir à ce genre d'étiquette. Et quand on entend la voix de Sam Coomes, c'est quasi comme si on se trouvait à côté de Wayne Coyne… Quasi : les Flaming Lips du pauvre ? " Seven Years Gone ", " White Devil Dreams " et " Lullaby Pt.2 " en donnent l'impression fugace. Cet univers dissonant mais sympathique, ces mélodies mineures mais sincères, ces instrumentations foireuses mais généreuses : voilà ce qui rapproche Quasi de la joyeuse bande à Wayne. Quasi. Parce qu'évidemment, Quasi restera toujours un groupe de série B, alors que les Flaming Lips, malgré leur attirail de série Z (costumes, peluches et confettis), font aujourd'hui partie de la cour des grands. Quasi, à côté, c'est un peu du pipeau. C'est chouette, mais sans conséquences. Genre Quasi-Modo de la pop indie. D'accord, c'est un peu méchant de l'écrire… Enfin… Quasi.
Troisième Cd pour ce combo allemand né des cendres de l'excellent mais éphémère Violet District. Un opus qui marche sur les traces de ses deux prédécesseurs, donc sur celles du grand Pink Floyd. Avec conviction, respect, passion et efficacité. Contrairement à 'Trying to kiss the Sun', commis en 2002, 'Stock' semble cependant se moquer éperdument du formatage FM et de toute autre forme de concession. Outre la (brillante) reprise de 'Opel', une composition écrite par Syd Barrett, RPWL semble ici être parvenu à restituer 'l'esprit' floydien, sans toutefois que l'on puisse établir la moindre relation directe entre l'une des plages et sa 'source' dans le répertoire de son aîné. Les amateurs de musique à la fois psychédélique et planante seront ravis par cet album recelant quelques perles. Les mélodies sont superbes et les arrangements somptueux. Les musiciens ont un souci croissant du détail et leur interprétation gagne en finesse à chaque album. La voix de Yogi Lang est un pur bonheur et la production est tout simplement magique. Gage de qualité: le CD s'écoute volontiers d'une traite. Si vous êtes en deuil du Floyd, il n'y a donc pas lieu d'hésiter: RPWL se montre tout à fait digne de son maître. Et si ce n'est pas votre cas, intéressez-vous à cet opus pour ce qu'il est, à savoir un bien bel album de Progressif mélodique, accessible et attachant. Les plus rapides bénéficieront de l'édition limitée ; c'est à dire la version SURROUND 5.1 en cadeau. Et dans ce cas-ci, ce n'est vraiment pas un gadget!
Au Canada, on chasse l'élan et le phoque pour en faire des sacs à main et des moufles. Mais il existe encore des gens qui chérissent la nature et lui rendent hommage. En chansons, par exemple. Chez Royal City (un quatuor de Toronto), on retrouve sans doute des membres de WWF ou de Greenpeace, tant la musique qu'on y entend reflète un état d'âme 100 % écolo : ce chant détaché et serein, ces instruments en bois, ces ambiances de feu de camp, … Y a pas à dire : cette country-pop aérienne a fait amie-amie avec Dame Nature. D'entrée, " Bad Luck " nous met la pêche (au saumon ?) : pas question ici de malchance, puisqu'on fredonne déjà cette mélodie sympa, entre Wilco et St Thomas. Puis c'est le banjo (" Under a Hollow Tree ") et l'harmonica (" My Brother is the Meatman ") qui se joignent à la fête, comme si Neil Young et Bobby Bare Jr jouaient à cache-cache avec Will Oldham dans les bois de sapin du Grand Nord. Le morceau suivant, " Spacy Basement ", dévale les terrains lisses de la pop marshmallow à dos de caribou… Yahoo ! ! ! Voilà une chanson entraînante (traîneau ?) qui vous met de bonne humeur ! L'ambiance se calme ensuite et laisse la place à quelques titres plus sombres : c'est l'hiver, les ours hibernent, les bûches crépitent dans la cheminée. Dans le poste radio, ce lent mais chaleureux (à la Songs : Ohia) " Rum Tobacco " nous précipite dans un sommeil réparateur. Un piano égrène alors quelques notes de berceuse (" And Miriam Took a Timbrel in her Hand "), mais il est passé minuit : tout le monde dort. A l'extérieur, les loups hurlent à la lune, affamés et grelottants. La nuit est noire, la neige est tenace. Mais sous l'édredon, l'homme fait de beaux rêves, en musique. Grâce à Royal City, son hiver passera plus vite.
Ce chanteur/harmoniciste canadien s'est converti au blues après avoir découvert James Cotton sur scène. Il va acquérir son expérience en accomplissant divers séjours aux USA : New Orleans, Clarksdale, Austin, Memphis et Chicago. Un périple qui va payer ! Les oreilles comblées des principes institués par les maîtres, Sonny Boy Williamson, Little Walter, George Smith, il fonde ses Blue Canadians. En 1996. Mais son premier elpee ne paraît qu'en 2001 : "Blown for broke". Une œuvre qui lui permet d'être élu meilleur nouvel artiste canadien, l'année suivante.
Mais venons en à ce " Blues ignited ". La mise à feu débute par "Stranger". Un fragment imprégné de Chicago Westside. Le spectre de Magic Sam me traverse l'esprit. L'attaque opérée par la rythmique de l'invité italien, Enrico Crivellaro, est vive e saignante, mais surtout immédiatement reconnaissable. Il est en forme…éblouissante ! A l'origine très influencé par Ronnie Earl, notre Transalpin s'est aguerri pour se forger un style très personnel. Rotundo est un excellent harmoniciste. Il possède un souffle puissant, utilise sa capacité pulmonaire au maximum. Des dispositions qui promettent ! Il enchaîne d'ailleurs par "Talk to me ". Les accents très aigus extraits de son instrument évoluent dans un registre très proche de Jimmy Reed. La guitare ne distille que les notes nécessaires. La section rythmique épouse la démarche traînarde des swamps de la Louisiane. David saisit son instrument chromatique pour le jump blues bien nerveux "I want to get lucky". Un exercice de West Coast blues qui s'inscrit dans la lignée d'un de ses maîtres, William Clarke. Il chante "Worries & troubles", d'une voix tellement proche de Rod Piazza. Mr Rotundo choisit bien ses précepteurs ! Plus que probablement exécutée par Crivellaro, la partie de guitare est purement et simplement géniale. Il fait ici pratiquement jeu égal avec les maîtres californiens du genre. Impressionnant ! Plein feu sur Chicago pour "Wiggle a little boogie". Un shuffle qui aurait pu être signé par Jimmy Rogers. Slow blues bien senti, "Can I come in your kitchen" autorise une nouvelle sortie de guitare parfaitement ciselée. La rencontre entre Rotundo et Crivellaro a débouché sur une envie de travailler en étroite collaboration. Il en résulte deux plages instrumentales : "Let's have a good time" et le très T-Bone "The sway". "Sellout or starve" est bien plus proche d'un shuffle texan. Un fragment qui met bien en évidence la section rythmique : Shane Scott à la basse et Greg Cooper à la batterie, pendant que le piano de Julian Fauth sautille d'aisance. "Lonely nights" est un blues long et lent, qu'on pourrait qualifier de fin de soirée. A l'écoute de cette composition, le légendaire George "Harmonica" Smith me vient tout de suite à l'esprit. La démarche est identique. Minimaliste, l'harmonica chromatique est projeté à l'avant-plan. Les six cordes sont bien mises en évidence sur le Chicago blues rythmé "Drinking overtime". Nous venons de passer dans l'univers musical de Sonny Boy Williamson. David l'a bien compris et s'autorise une sortie exubérante sans le moindre faux pas. Rotundo joue dans un registre très proche de Rod Piazza sur le titre maître. Un instrumental détonnant ! Nous restons à Los Angeles pour aborder "Ball & chain". La dernière occasion pour Enrico de se mettre en valeur ! "I've got to move" ponctue l'opus. David y est épaulé par l'ami canadien Jack DeKeyzer, un des maîtres locaux de la guitare dans le domaine du blues. Cet excellent disque nous entraîne quelque part entre la Californie et Chicago. Ce qui n'est guère étonnant aujourd'hui, lorsqu'on sait que le niveau instrumental est de très bonne qualité. Le blues canadien pète décidément de santé !
Bruce Iglauer est un gars très futé. En signant le big blues band de Rhode Island, il a manifestement fait une bonne affaire. Louée pour sa section de cuivres, cette formation célèbre ses 35 ans d'existence. Un réel exploit ! Bien sûr, il ne doit pas rester grand monde du band des débuts. Chris Vachon a succédé à des étoiles de la six cordes : Duke Robillard et Ronnie Earl. Guitariste et leader actuel, il peut cependant toujours compter sur la présence Rich Lataille aux saxes et de Bob Enos à la trompette. Les autres sont tous des nouveaux venus dans la formation : Jason Corbiere aux drums, Brad Hallen à la basse (il jouait pour Susan Tedeshi), Mark Stevens au piano et à l'orgue (il a épaulé Kim Wilson, James Harman et Jerry Portnoy), ainsi que Mark Easley aux saxes (ténor et baryton).
La plage générique ouvre le feu. Et quel feu ! Swing de tous les instants, cette plage libère déjà les solistes, en particulier l'alto du vétéran Rich Lataille. La guitare de Vachon introduit "We can't make it" (de BB King), à la manière de T-Bone Walker. La voix de Mark Dufresne surprend, mais elle est d'une rare efficacité. Cet harmoniciste du Nord-ouest des USA est à coup sûr la principale révélation de cet album. "Shame shame shame" est imprimé sur un tempo infernal, très boogie New Orleans. Enos crache le feu dans sa trompette. Mark Dufresne s'est à peine effacé que le piano tonitruant de Stevens libère le sax ténor. La fête peut commencer ! "How long will it last?" est un de ces blues fin de soirée, à ne pas décrocher sa partenaire. Marc chante comme un Dieu. Les cordes de Chris hurlent de bonheur. Les ivoires de Mark frétillent. C'est l'extase ! Vachon n'a vraiment pas à rougir devant la réputation de ses illustres prédécesseurs. Il est impérial sur ce blues lent. "You're driving me crazy" baigne dans un swing jazz blues qui faisait le bonheur des foules à la fin des années 40. Popularisée par Big Maybelle, "Ocean tears" est une plage familière. Elle convient à merveille au répertoire du ROB. Le retour de l'harmo comme instrument solo, disparu depuis Sugar Ray Norcia, se salue avec bonheur. Le terrain lui est aussi laissé libre sur "Tennessee woman". La forme instrumentale de "2 Point 8" sert de prétexte aux saxophonistes pour pouvoir guerroyer sur leur terrain de prédilection. Le swing demeure pour "I know your wig is gone". Vachon en profite pour étaler son carnet de route dédié à T-Bone. Le blues des bayous louisianais est un style qui a toujours collé à ROB. Avec une approche très Guitar Slim. A l'instar d'"I'll keep on trying" d'Eddie Bo. Les musiciens nous entraînent dans la danse tout au long de l'irrésistible "Lipstick, powder and paint". Dufresne peut shouter ses vocaux sur "I'm tryin'", un excellent blues signé Little Milton. Le blues est décidément à l'honneur sur ce nouvel album. En fin de parcours, Mark chante un très heureux "I just got to know". Sur cette cover de Jimmy McCracklin, Vachon se montre insatiable et intenable devant le front des cuivres. Un très grand moment ! Ce 17ème album s'achève par la reprise du "Stranger blues" d'Elmore James. Les cordes de Vachon émettent un son pourri, très métallique. Le chant de Marc est furieux. Rien n'est sage au cœur de cette tranche de blues à coupée vif. Les derniers accents sont lugubres. Une bien belle fête!
Connaissez-vous le latin boogaloo ? A l'instar du ska ou du rock steady pour le reggae, le latin boogaloo se situe à l'origine de la musique latino. C'est donc un délice d'écouter ou de redécouvrir un enregistrement de Pete Rodriguez. D'abord parce que si les morceaux se ressemblent tous un peu, la musique est tellement allègre que le sentiment répétitif passe vraiment inaperçu. Certains trouveront l'ensemble un peu vieillot, mais franchement, quelle importance ! Parce que justement, l'ensemble possède un charme fou, et sans doute touchons-nous là au plus près de l'ambiance cubaine. La légèreté d'une telle musique a vraiment du bon dans une société parfois brutale. Ne cherchons pas les défauts de ces morceaux. Délectons-nous de ces rythmes qui parfois s'adoucissent pour reprendre de plus belle sur des cuivres énervés. Ce sont aussi parfois de très jolis solos jazz au piano qui interviennent sur un fond de percussions. Si l'impression de légèreté est due à la mélodie, la complexité instrumentale et rythmique qui règne sur ces morceaux, fait de Pete Rodriguez un musicien passé maître es boogaloo. Comment résister aux chœurs de Micaela, qui font sourire, tant les voix semblent sorties d'un autre temps. Voilà un album à écouter d'urgence en cas de déprime. Il s'agit d'un ensoleillement qui aura raison de votre humeur maussade !
Duke Robillard a entamé sa carrière en 1967. Au sein du Roomful of Blues. Après avoir commis deux albums en compagnie du big band et deux autres du Legendary Blues Band, il s'est lancé dans une carrière personnelle, flanqué des Pleasured Kings. Sous cette formule, il va commettre la bagatelle de sept elpees. Entre 84 et 92. Sur le label Rounder. Et pour Pointblank et Stony Plain, il en a aligné une dizaine. Sans compter les collaborations qu'il a concédées pour Johnny Adams, Ruth Brown, Jimmy Witherspoon, ainsi que pour le Kim Wilson Band et les Fabulous Thunderbirds. Ce qui explique, sans doute, pourquoi il a collectionné les distinctions. Et en particulier, au cours des dernières années.
Pour enregistrer, " Exalted lover ", il s'est entouré de son band habituel : Jesse Williams à la basse, Mark Teixeira à la batterie, Matt McCabe au piano et Doug James au sax ténor ainsi qu'au baryton.
Duke ouvre les hostilités par "Real live wire". Quelle mouche l'a donc piqué, pour faire preuve d'une telle vivacité ? La rythmique est très nerveuse. Matt McCabe virevolte au piano. Les guitares en re-recording ont la pêche. Duke nous réserve son blues lent : "Deep inside". Le piano répond aux courtes phrases vocales qu'il balance de sa voix chaude et puissante. Edifié par Doug James, son ami de toujours, le mur de cuivres murmure doucement, pendant que les cordes s'éclatent avec bonheur et frémissement. Le Robillard a le don de varier son répertoire. "Love made a liar out of me" en est une belle illustration. Une petite perle country qui semble sortir tout droit de Nashville. Il y manifeste une telle richesse, une telle diversité dans son jeu ! Plage intimiste, "Exalted lover" réconforte par ses paroles chaleureuses. Des mots prononcés dans la langue de Voltaire, par une maîtresse visiblement satisfaite, face à la trompette de Scott Aruna. Duke joue du dobro électrique tout au long de "Tore up". Un R&B qui se traîne sur tempo paresseux. La trompette d'Aruna pointe à nouveau le bout du nez, pendant que McCabe puise son inspiration dans la Nouvelle Orléans. De son timbre de crooner, il chante "I'll never be free". Dans un style cabaret. Mais en échangeant un duo avec la chanteuse de country, Pam Tills. Steve Burk est au piano pour interpréter "Down home country girl". Un R&B enlevé au cours duquel l'arrivée de Sax Gordon au sax ténor et de l'ami Carl Quefurth au trombone sonne le rassemblement des cuivres. Il invite Miss Debbie Davies à chanter "How long has it been". Mais elle est également venue donner la réplique à la guitare. L'album s'achève par le désuet "Travelin' mood". Les rythmes sont à la fête ; mais Duke y manifeste son évidente soif de voyager dans les états du Sud.
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