Plutôt que trouver l’amour, Rapha aurait plutôt intérêt à chercher le bon dosage entre les différentes composantes de ses influences. Il déborde d’idées, mais plutôt que de les assembler, on a l’impression qu’il les collées les unes à côté des autres. Avec pour résultat des chansons dont les mélodies souvent décousues, parviennent encore à se voir briser par un tempo inapproprié. En outre, la voix de Rapha est un peu limite ; même si dans les meilleurs moments elle peut faire penser à Christophe. Pourtant, les références sont solides : Bashung et Sheller pour les arrangements de cordes dramatiques, Dominique A pour le minimalisme, Air et Taxi Girl pour l’électro organique. Une seule composition parvient quand même à accrocher : « Guérison » ; tout simplement parce qu’elle observe une même ligne de conduite le temps de ses 2’42. Une idée à développer, si Rapha ne veut pas végéter dans la zone crépusculaire de l’underground…
Depuis le temps qu'on en parle de ce live officiel... Coup de rétro pour les absents : bombardé "next best thing" en 1992 (le siècle passé donc) sur base d'un album mixant de manière détonante rap, métal, (p)funk, RATM accompagne le mouvement grunge dans la postérité. Près de 10 ans plus tard, l'heure des bilans a sonné pour la plupart des groupes de l'époque. Au vu des "best of" et des compiles sortis en 2003 (Stone Temple Pilots, Melvins, Pearl Jam et j'en oublie), force est de constater que c'est la fin d'une époque; le temps des bilans est venu. Chacun retiendra ce qu'il veut. Vais pas commencer un discours ni lancer un débat. Quant à l'impact musical de ces formations, je ne m'étendrais pas. Seulement voilà : quel autre groupe incarne à lui seul et au mieux tout un aspect indispensable au rock, passé aux oubliettes pour la nouvelle génération, coincée entre diverses crèmes et la découverte des paradis artificiels ? Ne nous méprenons pas : l'envie de fun et d'éclate me semble important, mais qui prend la relève sur un plan plus politique ? Où retrouve-t-on l'engagement ? System of a down donne le change. Pour l'efficacité, s'ils ne sont plus de deux, ça foire ? Allez, arrêtons les conneries. Doivent se sentir bien seuls les SAOD. Qui ose ? Allez, allez, des noms !!! Qui s'expose ??? Bref, je vais pas m'énerver, je le suis déjà. Alors écouter RATM aujourd'hui, ça (me ?) fait du bien. Car finalement, en plus d'un discours original, la musique suit. Revenons aux moutons, euh, à nos moutons. Je le dis tout de go, la galette est sympa, mais c'est sur le dvd capté lors de l'événement que j'aimerais m'étendre. Pour ceux qui suivent leur disco, RATM a déjà sorti un dvd live, "The battle of mexico". Ce qui me gêne dans ce "Grand Olympic" c'est cette barrière entre le public et le groupe. Transformé en "commemorial", l'étincelle n'a pas lieu, le feu n'est pas mis aux poudres. Ca passe à deux doigts, mais ça ne le fait pas. Dommage. De "Calm like a bomb" à "Cake like a tomb", il n'y a qu'un fossé. Protest !
Les Radiotones nous viennent de Perth, en Ecosse. Un quartet qui réunit Dave Arcari au chant et aux guitares 'National', Jim Harcus à l'harmonica, Adrian Paterson à la basse et Don Mackinnon aux drums. " Bound to ride " constitue leur troisième album. Il fait suite à "Gravel road", paru en 98 et "Whiskey'd up", en 2000.
Dès l'ouverture, "Another chance", ils démontrent qu'ils sont de fervents adeptes du blues traditionnel. Arcari possède toujours cette voix basse et graveleuse si caractéristique. Harcus est un harmoniciste très pétillant. Le rythme du chemin de fer lui sied à merveille. La 'National' d'Arcari amorce "Trouble mind". Le climat oppressant, lugubre, s'accentue encore lorsque le niveau sonore s'élève. La torpeur tropicale nous pousse à traverser le Mississippi pour gagner les bayous louisianais. Il est de plus en plus difficile de respirer à pleins poumons. Les changements de rythme accentuent davantage ce malaise permanent. Cette plage trouble vraiment l'esprit. Composé par Frankie Miller, "One more heartbreak" s'attarde dans le Sud. Nonobstant le tempo rapide, les cordes et l'harmonica font bon ménage. Les Radiotones sont particulièrement à l'aise lorsque le rythme s'élève. Le plus souvent dans un style railway. A cause des percussions produites par Mackinnon. Le timbre vocal abrupt d'Arcari traduit toujours un appel à la fête. Une invitation aux juke joints ou aux pubs écossais ? A vous de choisir ! Une impression confirmée par "Bring my baby back" et la plage titulaire. Tout au long de ce nouvel album, ces Ecossais font preuve d'un dynamisme constant. Et il faut croire que sur les planches, ils doivent dégager une fameuse énergie. Talonné par les petits chorus de l'harmonica de Jim, Arcari se montre insatiable sur ses guitares. Faut dire qu'ils revendiquent cet esprit d'attaque permanente, car lorsqu'ils parlent de leur musique, ils la qualifient de (NDR : respirez un bon coup !) : 'préwar Delta blues teinté de trash country, de rockabilly et de punk'. Il faut avouer, davantage pour l'attitude que dans le son. On les a même traités de Sex Pistols du blues. Restons les pieds sur terre, car l'expression sonore est uniquement acoustique. C'est dire combien ils peuvent dégager d'énergie communicative ! Et en fin d'album, "Close to the edge" en est une nouvelle démonstration. "Small world" et "Hot muscle jazz" nous plongent dans un monde fou et déjanté. Le son sale est toujours aussi immédiat. La voix pas nécessairement toujours facile à supporter. Mais quelle santé! Ces trois dernières plages se posent en sommet de l'album. Mais il serait judicieux qu'ils se manifestent 'live'. Alors, messieurs les Radiotones, c'est pour quand ?
Après avoir commis deux opus résolument tournés vers la musique électronique (" Kid A " et " Amnesiac "), Radiohead a décidé d'en revenir à une musique plus hybride. Pour enregistrer son sixième album studio, le quintet d'Oxford a de nouveau fait appel à Nigel Godrich à la co-production. Les arrangements ont donc été particulièrement soignés. Un disque sombre, fruit de la rencontre entre rock, électronique et acoustique ; une œuvre qui alterne l'excellent, le très bon, le bon et le dispensable. Deux titres dispensables. En l'occurrence deux ballades. Soit le légèrement funkysant " A punchpup at a wedding " et nonobstant le dédoublement de la voix, " I will ". Cinq de bonne facture. " Sit down. Stand up ", dont la trame prog ou plus exactement jazz rock, est imprimée sur un motif de drum fragile. " Backrifts ", ensuite. Balayée d'oscillations de claviers, elle s'inscrit dans la lignée des deux précédents elpees. Tout comme le computarisé " The gloaming " et l'énigmatique " Myxomatosis ", fragment caractérisé par la voix robotique de Thom. " Sail to the moon ", enfin. Trempée dans la pop mélancolique, cette autre ballade aurait pu relever du répertoire de Coldplay. Enfin de leur premier elpee. On parle peu des références de Radiohead ; mais davantage des artistes ou des groupes qu'il influence ou a influencé. Pourtant, en écoutant la marche funèbre, lugubre, 'brechtienne', " We suck young blood ", je n'ai pu m'empêcher de penser à Peter Hammill. De sa période la plus torturée. Soit de l'album " Over ". Une impression renforcée par le remarquable "Go to sleep", morceau presque prog dont la densité émotionnelle est aussi impressionnante que sur "The Noise". Dans la gamme des perles, figure bien sûr le single pop/rock " There there ", la ballade lunaire " Scatterbrain ", l'électro tribal " Where I end and you begin " et l'impressionnant " 2+2=5 ". Et pas seulement parce que les lyrics apostrophent Bush, à qui Yorke reproche d'être devenu président des Etats-Unis suite à un dépouillement électoral pas trop catholique. Plus proche de l'époque " OK Computer ", voire de " Pablo Honey ", ce fragment envoûte, surprend par ses changements de rythme, mais surtout palpite au gré des guitares complexes, chatoyantes, flamboyantes, que Jonny Greenwood injecte avec un cœur grand comme ça. En finale, le céleste " A wolf at the door " pose une question existentielle bien dans l'air du temps : " Dans quel état allons nous laisser la planète aux futures générations ? " Radiohead serait-il alter mondialiste ? Ah oui, j'allais oublier, la pochette est une véritable œuvre d'art. Seul problème, elle ne serait diponible qu'en Belgique...
Spécialisée dans l'adaptation de traditionnels de la musique arabo-andalouse, cette formation espagnole vient donc d'immortaliser le témoignage d'un concert accordé fin 2002, au Canada. Responsable de trois albums acclamés à ce jour (NDR : le dernier remonte à 2000), ils ont pu sillonner la planète en tous sens et administrer à un public conquis leur vision de la musique arabo-andalouse, à cheval entre modernité et tradition. Pas d'électronique ici, juste un peu d'électricité dans cet ensemble majoritairement acoustique. Les trois membres fondateurs du groupe et leurs invités triturent et improvisent à partir du matériel réparti sur leurs sorties studio. Le livret prend la bonne initiative d'expliquer soigneusement l'origine de chaque chanson et reproduit la traduction des paroles. Une aubaine pour celles et ceux qui ne pratiquent pas la langue de Cervantès ! La prise de son est excellente et met bien en valeur l'interaction et l'aisance confondantes de ces musiciens. Pas étonnant que l'influent magazine des musiques du monde " Vibrations " ait classé cet opus parmi les meilleures sorties de l'année 2003. Evidemment, à l'instar de la plupart des enregistrements 'live', le disque s'adresse principalement aux gens qui connaissent déjà les précédents travaux du groupe. Les autres apprécieront mieux cet exercice de style, après avoir écouté leur précédent album, " Cruzando el rio ".
Tant qu'à profiter du regain d'intérêt pour le post-punk, autant y aller à fond. Cette fois au programme : des remixes et deux inédits de Radio 4, ce groupe new-yorkais qui marche sur les traces de PIL, The Clash et Section 25. Toute la crème de l'électro affiliée au phénomène s'est donné rendez-vous pour faire la fête à nos cinq noceurs de la Grosse Pomme : The Faint, Justin Robertson, Trevor Jackson, Kevin Swain et Adrian Sherwood. Bizarrement, les premiers, d'habitude shootés à l'EBM, n'ont pas transformé l'excellent " Dance to the Underground " en machin indus un peu tannant. A peine quelques cordes orientalistes et un gentil tapis de beats : les petits soldats de The Faint seraient-ils de grands timides ? Idem pour Justin Robertson, qui nous fait l'exercice housy sans grande saveur, et Adrian Sherwood, forcément dub. Le meilleur nous vient finalement de Trevor Jackson, sans doute l'un des meilleurs producteur électro eighties du moment, responsable d'un mix incendiaire de " Dance to the Underground ", encore et toujours. Quant aux deux inédits (déjà joués en live), ils augurent du meilleur. Une chose est sûre : on n'a pas fini de danser sur Radio 4.
Si on ne tient pas compte de la double compile rétrospective "Long time ago", "The goldstreet sessions" constitue le dixième album de Hugo Race. Et le précédent opus studio, " Last frontier ", remonte déjà à 1999. Faut dire qu'au cours de cette longue période, Hugo a multiplié les projets, parmi lesquels Sepiatone, Transfargo et Merola Matrix ont reçu les meilleurs échos. Pour enregistrer ce nouvel elpee, il a reçu la collaboration de l'équipe de True Spirit au grand complet. Mais aussi de Djs (Dimitri de Perrot, Marco Franzoni) ; et puis du producteur Chris Thompson (Waifs, Augie March, Bad Seeds). Les Bad Seeds, Hugo y a d'ailleurs sévi. Le temps de cinq albums. Depuis " From her to eternity " à "Murder ballads". D'ailleurs Hugo partage une même idée du blues et du rock. Qu'on pourrait qualifier de ténébreuse. Et pas seulement à cause des lyrics. Que Race puise dans un bouquin qu'il a écrit voici quelques années, mais n'a jamais édité. A l'instar d'un Cave, il explore la face la plus sombre de la vie urbaine, en y injectant une dose d'émotion considérable. Mais aussi en se servant de la musique industrielle. Berlinoise, vous vous en doutez. Réminiscente d'Einsturzende Neubauten, pour être plus précis. Les 10 fragments de " The goldstreet sessions " véhiculent une énergie douloureuse, poisseuse, fiévreuse, qui relève pourtant davantage du rythm'n blues que du rock ou du blues. L'instrumentation est dense, riche, très cuivrée, les vocaux profonds, minimalistes. Le plus souvent, les compositions me rappellent une défunte et légendaire formation aussie : The Hunters & Collectors. Mais sans le groove. Etonnant !
A l'issue de la fameuse tournée australienne consacrant la réunion ultime des Happy Mondays, Shaun Ryder est allé rendre visite à son cousin Pete Caroll. Ils ont commencé à écrire des chansons ensemble ; mais au bout de trois mois, Shaun a été expulsé du pays et interdit de séjour pour 3 ans. Pas étonnant lorsqu'on connaît le personnage, dont les problèmes liés à la drogue semblent récurrents. Finalement, après de très âpres négociations, il a pu retourner en Australie pour achever cet album. Un disque pour lequel il a notamment reçu le concours de Shane Norton (Ku-Ling Brothers), de Stephen Mallinder (ex Cabaret Voltaire) et du joueur de pedal steel Lucky Oceans (Asleep in the Wheel, Bob Dylan, Willie Nelson). En Angleterre, la presse insulaire a plutôt mal réagi à cet opus. Faut dire que Shaun ne fait rien pour attirer leur sympathie. En vérité, les six derniers fragments de cet elpee manquent franchement de consistance : dub inoffensif, house nightclubienne et électronique terne se partagent l'espace sonore. On a même droit sur " Nothern soul brother (shapeshifter) ", à la suite du dialogue échangé entre le vaisseau extraterrestre et le récepteur d'ondes, lors du film " Rencontre du 3ème type ". Par contre les deux premières plages sont remarquables et libèrent un groove irrésistible, comme à la belle époque des Mondays. Tout d'abord les sept minutes malveillantes, lancinantes, hypnotiques de " The story ". Ensuite, les neuf minutes ténébreuses, envoûtantes, parsemées de percus labellisés 'Madchester', de " Long legs (part 1 2 3) ". Et ici les contes tour à tour délabrés, tortueux, sarcastiques, triviaux ou décadents que récite Shaun, de sa voix si particulière, prennent leur véritable dimension. Dommage que tout l'album ne soit pas de la même veine…
Tom Russell est un musicien hors normes : déjà 17 albums à son actif, des millions de fans parmi lesquels Johnny Cash, un sacré don de conteur-prêcheur, une plume féroce qui rappelle les essais de Greil Marcus, un regard perçant d'ethnologue à la John Lomax, … A chaque album, il dépeint la condition humaine avec une profondeur apprise par cœur chez Bob Dylan, des trajectoires surréelles de grands noms de l'Histoire aux destins oubliés des laissés-pour-compte de notre société. Les mots, chez Russell, seraient donc plus importants que les notes : c'est à moitié vrai, puisque la country n'est pas en soi un genre tourné vers le futur. En tant que musique peu évolutive, ressassant à l'envi de vieilles traditions musicales dont s'est d'ailleurs inspiré le rock'n'roll, la country n'a plus, depuis bien longtemps déjà, le monopole de l'innovation… Les textes s'avèrent donc essentiels pour garder le genre en vie, ce que Russell, manifestement, a bien compris. Loin d'être un rentier de Nashville jouant au cow-boy dans les foires pour collectionneurs de stetsons, Tom Russell excelle dans la chronique populaire, racontant ses histoires comme si lui-même les avait vécues. Sur son nouvel album, " Modern Art ", il parle ainsi (entre autres) de Mickey Mantle (" The Kid From Spanivaw "), de Muhammad Ali (" Muhammad Ali "), de Charles Bukowski (" Crucifix in a Death Hand ", un poème de l'écrivain récité sur le " Carmelita " de Warren Zevon), et même de lui (" Modern Art ") ; parce que le talent d'un chroniqueur se mesure le plus souvent à sa faculté d'auto-analyse. Mais le songwriter n'est pas seul pour évoquer aussi bien ses souvenirs que ceux de poètes, de légendes du sport ou de musiciens oubliés (Stephen Forter sur " American Hotel ") : il est accompagné de musiciens talentueux et d'une vieille amie, Nanci Griffith, dont il reprend ici le " Gulf Coast Highway "… Beau disque pour qui sait l'apprécier lentement, avec attention, " Modern Art " émeut parce qu'il raconte plein d'histoires extraordinaires d'hommes et de femmes ordinaires (et vice-versa). Un tableau réaliste, fort et décent de l'Amérique des outlaws et des petites gens.
Nouveau line-up pour les Hollandais de Seesaw : un guitariste en renfort (Jason Langdon) et une nouvelle chanteuse (Asta Kat), en tout 3 filles et deux garçons. Pour ce troisième album, la recette est pourtant toujours la même : guitares noisy, nonchalance shoegazing, chant monocorde, influences anglo-saxonnes (My Bloody Valentine, Breeders, Magnapop, 4AD). Le tout confère à l'ensemble une patine pop-rock un peu désuète, comme si on revenait 10-15 ans en arrière… Ce n'est ni d'une violence salvatrice, ni d'une élégance tentatrice, comme semble l'indiquer le titre. Juste ennuyeux comme un disque de Salad ou de Sleeper, ce genre de groupes qu'on portait aux nues à l'époque et dont personne ne se souvient aujourd'hui. A force d'élever des murs de guitares (exemple : " This is What Happened "), Seesaw est en train de construire sa propre tombe. Il sera sans doute difficile de l'en sortir.
Quelques mois seulement après la sortie de l'excellent " One Bedroom ", les Chicagolais sont de retour avec cet EP aux inédits solides, plus trois remixes qui valent leur pesant de cacahuètes. D'abord " To The Author ", étalé en deux versions sensiblement différentes : une ligne de basse à la Peter Hook, une boîte à rythmes, des synthés, puis cette guitare aérienne qui vient renforcer la mélodie, tandis qu'un léger battement électronique en rajoute encore une couche… Enfin, la voix de Prekop, qui survole délicatement cette matière sonore : on reconnaît dans cette complexité pop tout l'intérêt (et le talent) de The Sea and Cake… Le deuxième inédit (" Traditional Wax Coin "), avec ses ruptures de rythmes et son piano délétère, fait un peu pâle figure après tant de classe… Mais " An Echo In ", une miniature pop servie dans un écrin post-rock, remet les pendules à l'heure. Puis viennent les remixes : Stéréolab rajoute des synthés à " Tea and Cake " et Broadcast des bruits et des beats vintage (" Interiors "). Leur travail, c'est du papier carbone : en apposant leur lourde empreinte sur les vignettes en apesanteur des quatre Américains, Stéréolab et Broadcast les dénaturent. Faute d'idées, de temps ou de talent ? Leur exercice de style s'avère d'une suffisance crasse. Seul Carl Craig semble avoir compris l'intérêt d'un remix : en rajoutant des BPMs aux mélodies volages de Prekop, il pousse le groupe sur le dance-floor, pas fâché pour un sou. Moralité : pour éviter l'ennui, faut pas être trop poli… Surtout que Sam en singlet sous la boule à facettes, ça vaut vachement le détour !
Surtout, qu'on ne nous demande pas le nom des membres de Schtimm : tout ce qu'on sait, c'est qu'il y a un chanteur et une chanteuse, que leur identité se limite à des initiales (AE, P, B et K) et qu'ils habitent à Trondheim, en Norvège. " Plays Mrakoslav Vragosh " ( ?) est leur deuxième album, enregistré en analogique parce que les membres de Schtimm veulent privilégier la musique sur la technique. A les entendre, ça paraît normal : rien ici de bien électronique ou de tendance, mais du rock sombre et maniéré à la Barry Adamson. Sur " Flowers ", on entend même des cordes baroques, comme si Schtimm avait fui toute modernité pour se réfugier dans une vieille cathédrale. Attention : en Norvège, y a des types qui brûlent les églises. C'est parce qu'ils écoutent (ou jouent) du black metal. L'un d'entre eux, Varg Vikernes (alias Burzum), a même buté son ami Euronymous, de Mayhem, et maintenant il croupit en taule. Il y a quelques semaines, il s'est quand même évadé, mais pas pour longtemps. En Norvège, y a des types pas bien dans leur tête. Les gars de Schtimm, eux, sont bien gentils. Surtout la fille, qui hulule comme une Kate Bush en rut ou fait " pam pam " en claquant des doigts. A part ça, c'est un peu tannant comme musique : y a du synthé bien pépère, du xylophone tout mimi et même de l’ukulélé ! Dommage : avec un titre d'album pareil, ils auraient pu faire du black metal, comme leurs amis pyromanes. C'est plus drôôôle : ça se termine toujours mal, avec de gros chevelus l'air méchant qui s'entre-tuent en écoutant Emperor. Ouaiiiis, trop cooool.
Dire qu'on l'attendait serait un euphémisme. C'est que depuis 1996, Stephane Dri, alias Scan X, n'avait plus sorti d'album… Si ce n'est quelques maxis et diverses collaborations aux quatre coins du globe (de remixes en bandes sonores de jeux vidéo), on était en droit d'attendre davantage de ce Français au patronyme ridicule. M'enfin : on aura eu le temps de goûter à ses sets endiablés, la meilleure manière pour lui de rester dans les esprits (et les rotules), tout en se servant de nous comme de cobayes pour tester ses nouvelles bombes dance-floor… L'album, donc : comme prévu, de la techno racée, industrielle et efficace, martiale et percutante. Avec un fameux détail tout de même : on n'est pas au Carré, genre boum-boum marteau piqueur. La techno de Scan X a beau faire péter les BPMs et nous faire suer à grosses gouttes, elle n'en est pour autant débilitante. Loin d'être cantonnés aux dance-floors de bas étage, les beats poids lourd de Scan X remportent leur mission haut-la-main : faire danser sans abrutir, grâce à des gimmicks toujours accrocheurs et une énergie infatigable.
Selon les déclarations de l'intéressé, ce sixième album serait " son plus personnel et son plus diversifié ". Il est vrai que Sawhney semble avoir élargi sa palette, jusqu'au… r'n'b (" Rainfall ") ! Peut-être s'agit-il enfin pour lui de sensibiliser les masses, plus réceptives au rap qu'à la musique indienne traditionnelle. Après les succès critiques mais pas vraiment publics de " Beyond Skin " et " Prophesy " (2001), il était donc temps pour le pionnier de l'" asian sound " (avec Talvin Singh) de revoir ses ambitions… à la baisse. " Human " n'est pas mauvais, loin de là : juste un peu lisse, çàd davantage taillé pour une écoute en surface. L'oreille glisse sur ces compositions proprettes, sans jamais trébucher sur une note de trop, une mélodie qui surprend. L'opus s'ouvre par une chansonnette hindie-pop un peu béate (" The River "), puis ça dévie vers de la lounge flamenco soyeuse mais trop polie ou du folk tranquille, à l'orientale (le triptyque " Say Hello " - " Falling Angels " - " Falling "). A force de mettre de l'eau dans son vin, Nitin Sawhney donne l'impression d'être devenu trop gentil pour être honnête : ces voix berceuses, ces flûtes extatiques, ces beats sans reliefs,… Tout ça c'est bien joli, mais niveau prise de risques, Sawhney mérite une fessée. Natacha Atlas, Jacob Golden, Kevin Matt Hayles (entendu chez Mike Skinner) et Shakespeare ont beau lui prêter mains fortes (au chant, à l'écriture), ils partagent la même galère. Il n'empêche qu'à plusieurs, on rame plus vite.
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