Au sein de Freeheat, on retrouve les deux guitaristes de Jesus & Mary Chain, Jim Reid et Ben Lurie, l'ex drummer d'Earl Brutus, Nick Sanderson, ainsi que Romi Moss, bassiste qui a transité par le défunt et mythique Gun Club. Evidemment, sous un tel line up, vous vous doutez bien que la musique de Freeheat marche sur les traces de J&MC. Enfin, c'est l'impression que nous a laissé ce mini Cd 5 titres, même si sur le premier morceau du disque, la voix sensuelle, féminine, de Romi partage les vocaux avec le timbre languissant de Jim. Un fragment au cours duquel on retrouve ces accès d'électricité vibrants, menaçants, crépitants, qui enfièvrent littéralement le feeling des mélodies pop. Si " Facing up the facts " et " Shine on little star " s'inscrivent dans la lignée de " Darklands ", " The long goodbye " épouse un profil acoustique, proche de " Stoned & Dethroned ", alors que " Nobody's trip my wire " pénètre au cœur même du psychédélisme, un peu à l'instar d'Oasis, lorsqu'il se passionnait encore pour " I'm the walrus " des Fab Four… Bien vite l'album !
2002 : Dave Grohl sur tous les fronts : derrière les fûts des Queens Of The Stone Age (" Song For The Deaf "), en filigrane du Nirvana revival (best of, journal de Kurt Cobain), et enfin avec ce quatrième album des Foo Fighters, après un passage à vide dû à l'overdose du batteur Taylor Hawkins l'été dernier…. Dave Grohl aurait-il un secret ? A l'écoute de ce " One by One " de bonne facture, on se dit que Grohl carbure sans doute à quelque chose. La drogue ? Non, la passion ? " Done… Done… And Under The Next One ", susurre-t-il sur " All My Life ", premier morceau de l'album. Déjà un classique. Chanson sur le gang-bang ou hymne au travail, " All My Life " répond à notre question : Dave Grohl est une bête de somme qui carbure au rock, depuis plus de dix ans. Et il n'est pas prêt à déposer les armes, en témoignent encore les deux morceaux suivants, d'une fulgurance impressionnante. Après, les choses se tassent, les mélodies se font plus passe-partout. Partagés entre la power-pop de leurs précédents faits d'armes et le métal en fusion façon QOSTA, Grohl et ses trois potes se mordent un peu la queue. À la fin seulement, le Foo reprend du poil de la bête, avec un " Come back " stoner à la … Kyuss. Décidément, les vacances passées chez les Queens (en plein désert) ont laissé pas mal de coups de soleil à l'ex-Nirvana. Mais qui s'en plaindra ?
En écoutant le troisième album de Flowing Tears, une chose évidente saute aux yeux et aux oreilles: le métal teuton est très loin derrière sa musique. Pourtant, le band souvent comparé à The Gathering a débuté sa carrière en écumant les bars et les clubs allemands, ouvrant même les concerts de groupes de seconde zone. Une période qui disparu naturellement dès que les dieux du son se sont décidés à leur insuffler cette envie d'exprimer la fougue et l'amour des chansons qu'ils portent en eux depuis l'indescriptible "Jade", une musique d'une incroyable richesse qu'ils viennent de sublimer avec "Serpentine". Bien sûr, le groupe souffrira inévitablement de la comparaison avec les Within Temptation et autre Lacuna Coil. A cause du chant féminin angélique de sa chanteuse au look peu racoleur. Mais Flowing Tears garde à fleur de peau la spontanéité et la finesse d'une bien étonnante formule alchimique. Une alchimie qui lui aura permis, depuis les premiers jours, d'envoûter un public grandissant de salles en salles et qui va se précipiter sur cette nouvelle œuvre métallique, romantique et gothique, bourrée de feeling, d'émotion et de véritables mélodies fortes. Flowing Tears mérite bien plus qu'une simple estime. Il est un grand du métal soft de demain! Totalement indispensable!
L'histoire anodine de Grand Champeen a débuté à l'école. Encore étudiants, ses membres répétaient alors dans un garage ; ce qui explique sans doute pourquoi leur son est toujours aussi sale. Il faut croire que leur persévérance a payé, puisque cet album est sorti à la fois aux Etats-Unis et en Europe. A première écoute, il est difficile de cerner le style de ce quartet texan. La presse spécialisée les a déjà présentés comme la future relève de Soul Asylum ou encore de Superchunk. Mais on est loin du compte. Car les influences y sont multiples. Elles flirtent même davantage avec le punk rock d'un Clash qu'avec le rock yankee. A l'instar de " Nothin' on me ". Mais quel que soit l'angle pris dans le prisme complexe des styles musicaux, le résultat ne m'a guère convaincu. La plupart des compositions de ce second opus sont enlevés, bruyants, énervés et énervants mais restent, paradoxalement, fades. Globalement rock, ce " Battle cry for help " manque même cruellement d'ambition. Mais est-ce vraiment l'objectif de cette formation ? Je crains bien que non. Je ne serais donc guère étonné si cet opus tombe rapidement dans les profondeurs de l'oubli. Sauf peut-être pour la présentation du disque. Ces nostalgiques des bons vieux elpees sont ainsi parvenus à nous proposer un CD double face : côté 'A' 7 titres, et côté 'B' 7 autres clones…
Trio de rock sudiste, de southern rock si vous préférez, Gov't Mule réunit le leader/chanteur/guitariste Warren Haynes, le bassiste Allen Woody et le batteur Matt Abts. Warren et Matt militaient ensemble, au cours des années 80 dans le Dickey Betts Band. Le même Warren avait même sévi chez Allman Brothers Band, dans sa version réincarnée. En 1989, très exactement. C'est ainsi que Warren a fait la connaissance d'Allen. Et que Gov't Mule s'est formé. D'abord en parallèle avec l’ABB. Et à partir de 1997, comme projet indépendant.
Eponyme, le premier opus est paru 1995 sur Relativity. L'année suivante, le combo a immortalisé son premier elpee en public, "Live at Roseland Ballroom", chez Foundation. Nouvel album studio, "Dose" a vu le jour en 1998 sur Capricorn. Enfin, enregistré la nuit du nouvel an 99 au Roxy Theatre d'Atlanta, "Live with a little help from our friends" réunit de multiples invités. Pour être tout à fait complet, sachez qu'en 2000, la formation a commis "Life before insanity". Et qu'il semblerait qu'ATO ait également décidé de consacrer une trilogie au combo. Premier volume, "The Deep end - Volume 1" réunit ainsi différents bassistes, dont Jack Bruce et John Entwistle. Woody, le bassiste originel, est en effet décédé en août 2000. Cet elpee est le résultat de la distribution européenne du volume 2 de l'album live paru en 1999.
Le trio remplit bien l'espace sonore. La section rythmique est très riche. Warren a saisi sa slide guitar qui sonne immédiatement très Allman. En ouverture, Warren chante "Wandering child", avec une puissance inouïe. La prise de son est remarquable. On croirait vraiment que l'enregistrement s'est produit en studio. Gov't Mule poursuit par le lent "No need to suffer". Un fragment bien dans le style dramatique du southern rock, proche de Lynyrd Skynyrd. La basse de Woody impressionne avant de laisser échapper les cordes de Haynes. "The hunter" est un titre écrit par Booker T and the MGs pour Albert King. Drivé par le chanteur Paul Rodgers, le groupe anglais Free l'avait repris fin des 60s. La version de Gov't Mule est inspirée de cette reprise. Deux invités ont pris place au sein du trio : Chuck Leavell à l'orgue (NDR : un ami de l'Allman Brothers Band qui a également joué en public en compagnie des Rolling Stones) et Marc Ford (Black Crowes) a la guitare. Il se paie ici un petit bijou de solo. Ce " Hunter " est vraiment bien réussi. La reprise de "Spanish moon", avait été écrite par Lowell George pour Little Feat. Elle figure d'ailleurs sur l'album "Feats don't fail me now". De nouveaux invités entrent en piste. Randall Bramlett au sax tenor (ex-Traffic et Sea Level), Bernie Worrell à l'orgue (ex-Parliament, Funkadelic) et Yonrico Scott (Derek Trucks Band), aux percussions. Ils participent à ce voyage atmosphérique de plus de 20 minutes. Un périple d'une densité et d'une richesse instrumentale saisissante. Le Gov't Mule revient sous la forme d'un trio pour délivrer "Pygmy Twylyte", une tranche musicale complexe composée par Frank Zappa…
En 1994, Warren Haynes, guitariste de l'Allman Brothers Band fonde son propre groupe : Gov't Mule. Un trio de southern rock au sein duquel on retrouve également Matt Abts aux drums et Allen Woody à la basse. Distribué aujourd'hui en Europe, cet opus avait vu le jour en 1995. C'était également le premier elpee du Mule. Depuis, le bassiste Woody nous a quittés. Au cours de l'année 2000, pour être plus précis.
Cette plaque éponyme s'ouvre par "Grinnin' in your face". Un chant traditionnel écrit par Son House et repris ici, a capella, par Warren. Il le chante d'un timbre largement éraillé, à la manière d'un certain Joe Cocker. La formule du trio entame les hostilités par "Mother Earth", un blues lent signé Memphis Slim. La voix de Warren est puissante et frémissante. "Rocking horse" repose sur un riff dramatique. Un schéma calqué sur les trios légendaires des 60s : Cream, Experience ou Mountain ; Warren Haynes se réservant la part majestueuse du gâteau. Et le guitariste star se débrouille à merveille dans ce rôle. Arc-bouté sur un riff bien gras, "Monkey hill" est dominé par la voix, avant que les flots de notes ne s'échappent de l'instrument. Une formule reconduite sur "Temporary saint" ; mais davantage dans l'esprit du Mountain de Leslie West, tant par la puissance vocale que musicale. Théâtre d'une débauche de notes sorties de la guitare objet, l'instrumental "Trane" rappelle les outrances des guitaristes du passé. Ceux de la fin des 60s et début des 70s, chez qui les soli kilométriques étaient de rigueur. "Mule" est une espèce de titre signature. C'est également un excellent exercice de style. La voix et la guitare sont toujours très en avant, pendant que des grappes de notes très musicales s'échappent d'un harmonica. Il appartient à John Popper des Blues Traveler et les spécialistes l'auront reconnu de suite. La musique est assez complexe, de très bonne facture mais un peu nombriliste. Il ne faut cependant pas oublier que nous ne sommes pas tellement loin de l'univers des Allman Bros, une formation qui n'hésitait pas à étendre ses titres jusqu'à plus de 20'. Sur "Dolphineus", l'homme se calme, se tempère. Il s'accompagne à la guitare acoustique qu'il duplique pour absorber le maximum d'effets. L'atmosphère est aux mantras indiens. En fait, Allen Woody est armé d'un dulcimer basse et Warren d'une guitare Alvarez. Cette plage se fond dans la suivante, "Painted silver light". Une référence aux lumières colorées qui évoquent l'atmosphère orientale et psychédélique. Ainsi en est-il lorsque l'amplification revient! Le son est impressionnant. Il me rappelle certains groupes texans, d'Austin très exactement. Gov't Mule nous réserve une petite gâterie lorsqu'il reprend "Mr Big". Un titre du répertoire du groupe anglais Free, qui remonte à 1969. Et même le superbe riff de guitare créé par Paul Kossoff est reproduit. Blues rock théâtral, "Left Coast groovies" est rehaussé par la participation d'un autre harmoniciste intéressant : Hook Herrera. "World of difference" est une dernière plage kilométrique sans intérêt majeur. Un bon album pour les amateurs du genre!
Petit rappel " G-sides " est une nouvelle version du premier album de Gorillaz. Un album déjà classé incontournable, depuis la sortie du fameux single " Clint Eastwood ". Cette version garde ce qui a fait le succès du premier opus, c'est à dire un flow musical impressionnant qui a puisé ses racines dans le meilleur du hip hop, du rock, du reggae ou encore du punk ; ce qui procure cette alchimie musicale incomparable. Ce groupe virtuel mené de façon bien réelle par Damon Albarn (leader de Blur), a su créer la surprise. En effet, chaque morceau de l'album exsude fraîcheur et innovation musicale. Revenons à nos moutons, en se penchant sur le cas de " G-sides ". Enrichi de deux excellent remixes, dont celui beaucoup plus hip hop de " Clint Eastwood ", il épingle sept inédits et une version radio de " Rock the house ". Cerise sur le gâteau, le CD inclut deux clips et pas des moindres : l'impressionnant de réalisation " Clint Eastwood " (encore lui) et " Rock the house ". Une excellente idée, il faut le souligner ! Encore une fois une belle réussite de Gorillaz.
Tino serait au blues ce que Carlos Santana est au rock. Ce qui ne peut être qu'un compliment ! La culture latine exerce, il est vrai, toujours une certaine fascination, pour ne pas dire une fascination certaine. Tino n'est pas un débutant, loin s'en faut. Ce musicien mi-américain, mi-mexicain est né à Chicago voilà un peu plus d'un demi-siècle. Il compte déjà à son actif une importante production discographique. Ce monde du blues est déjà sa quatrième production originale, distribuée par Dixiefrog. Elle fait suite à "A heart full of blues" parue en 97, "Tequila nights" en 99, et "Modern day hobo" en 2001.
Cet album a été enregistré en France. Il s'ouvre par "Lies, lies, lies". Une ballade aux accents ‘soul’, introduite par une guitare à la fluidité saisissante. La touche latine est renforcée par le concours d'un redoutable duo italien : Gio Rossi aux drums et Alberto Marsico au piano ainsi qu'à l'orgue Hammond, deux accompagnateurs habituels d'Egidio "Juke" Ingala et d'Alex Schultz. "You bad" est une plage qui swingue et déménage. Marsico est à l'Hammond, David Maxwell au piano et la guitare reconnaissable de Jimmy Thackery épaule celle de Gonzales. Amar Sundy a été invité pour participer au slow/blues/funky "Cruising in the night" ; un jeune guitariste algérien, kabyle et touareg, originaire de Biskra. "Cajun queen" nous offre un petit détour par la Louisiane. Le piano de Marsico roule. Les percussions palpitent et l'accordéon de Lionel Suarez, un musicien issu du milieu jazz, frémit. "A million miles away" est une nouvelle ballade soul, chantée admirablement. Pour aborder le vigoureux "I was all wrong for you", Tino s'approprie le style de B.B King. Appuyé par un orgue Hammond et force cuivres, il nous sort un petit trésor de solo, tout en délicatesse et finesse. Même le chant est mené à la manière de BB. Le puissant et lourd Popa Chubby D est le dernier invité de l'album. Lui et Tino conjuguent leurs cordes pour affronter la plage jazzyfiante, "Compared to what". Douceur et mélodie hantent le gracieux et tout aussi jazzyfiant "Just for Juliette". Une complainte exotique pour guitare acoustique, piano et accordéon. Toni manifeste beaucoup de subtilité et libère énormément de feeling pour chanter un blues sensible au mélange de fraternité et de paix. Un morceau proche du Memphis blues d'Albert King intitulé "No more misery". La finale instrumentale "Peace and wine" déborde de joie dans sa trame latino-américaine. Un des meilleurs albums de Mr Gonzales !
Franchement, je n'aurais jamais imaginé que Gomez puisse un jour injecter une telle dose de technologie moderne dans sa solution sonore. Enfin, pas à ce point, puisque si dans le passé le quintette avait eu recours à l'un ou l'autre gadget électronique, il faut avouer que tout au long de " In our gun ", il a mis la gomme. Avec d'excellents, de bons et de moins bons résultats. En fait, le quintette a conservé pour formule basique son mélange de funk, de britpop, de folk, de punk, de soul, de country, de rock, de blues et de psychédélisme. Il l'a même enrichi de cuivres. Et il peut toujours compter sur trois chanteurs, dont un Ben Ottewell doué d'une voix savoureuse ; une voix dont le timbre rocailleux campe un hybride entre celui de Tom Waits et d'Otis Redding. Une véritable corne d'abondance que le groupe a délibérément décidé de cuisiner à la sauce contemporaine (NDR : pour ne pas dire techno !). Les rares titres sculptés dans la ballade intimiste, constituant les exceptions qui confirment la règle. Le douloureux " Sound of sounds ", tout d'abord. " 1000 times ", ensuite. Ce dernier glissant même progressivement au sein d'un climat semi-acoustique à caractère 'Remesque'. L'énigmatique et hanté " Miles end ", enfin. Valse country alternative, le morceau maître vire ainsi dans la techno musclée d'un Prodigy, au beau milieu du fragment. Funk déjanté, enrichi de percussions métalliques et parcouru d'un clavier kitsch, " Ruff stuff " frôle l'univers d'un Beck. Des claviers kitsch qu'on retrouve sur le reggae industriel " Army dub ". Des effets technologiques dispensés à des doses diverses, mais le plus souvent avec bonheur. A l'instar d'" Even song ", piqué de cuivres sous Morphine. De " Rex Kramer ", dont le groove est littéralement allumé par la slide caoutchouteuse. Ou encore de " Shot shot ", caractérisé par ses riffs de guitare trempés dans le delta blues et galvanisé par un saxophone presque free jazz. Reste trois titres, allègres sans doute, mais dispensables, sans aucun doute.
En plus d'être l'auteur comblé de deux albums remarquables sous le pseudonyme de Faultline, David Kosten a aussi du flair pour dénicher les perles rares. Après avoir produit l'album de Ben Christophers, le voilà qu'il récidive avec celui de Jacob Golden, inconnu de tous à l'heure actuelle, mais sans doute plus pour longtemps. Car le jeune homme a du talent, sorte de Tom McRae nappé d'électro savoureuse mais réservée, d'Ed Harcourt battant sa coulpe folk-rock en priant Saint Roland, patron des amateurs de synthés et de laptop. Avec David Kosten aux manettes, Golden n'a en tout cas aucun souci à se faire (il apparaît d'ailleurs sur un titre du dernier Faultline)… Sa renommée est même sur une très bonne voie : celle des songwriters épaulés par des metteurs en sons pas frileux, qui osent marier les beats et les guitares, les envolées lyriques et le plancher des vaches (un peu folles). Dommage que Golden s'enlise parfois dans la surenchère. Car sa voix haut-perchée ne fait alors vibrer que les aiguilles V.U., pas notre corde sensible. Ainsi, d'habitude passionnées, habitées, ses chansons douces se transforment en ‘hallelujah(s)’ (le titre), un brin pénibles. Des chansons à sacrifier au plus vite sur l'autel de la jeunesse, cet âge où l'on croit tout savoir. N'empêche, cet " Hallelujah World " reste une fameuse surprise, et un très bon album. Que le nom de ce Jacob Golden soit sanctifié !
David Gogo est né à Nanaimo. En Colombie britannique, c'est à dire à l'Ouest du Canada. Il découvre le blues au cours des années 80, en écoutant Howlin' Wolf et Son House ; mais ne trouve sa voie qu'après avoir rencontré Stevie Ray Vaughan. A ce jour, il est responsable de six albums. Tous parus chez lui, sur le label Cordova Bay : "David Gogo", le live "Dine under the stars", un elpee de blues acoustique intitulé "Bare bones", "Change of pace" et "Halfway to Memphis". "Skeleton key" constitue donc son sixième.
Gogo ouvre les hostilités par "Jesse James". La dégaine du rythme est puissante. Le riff rock'n'roll victorieux. Brendan Hedley martèle ses ivoires derrière le piano. David a poussé la puissance et la réverb de sa slide au maximum. Le rythme hausse encore d'un cran sur "Stay away from my home". Un fragment timidement traversé par l'harmonica de Gerry Barnum et mouillé par l'orgue de Rock Hopkins. "I can still hear you crying" opère un habile changement de style. Une ballade douce, mélodique, très musicale. La voix légèrement rocailleuse de Gogo colle parfaitement à ce style de répertoire. Le piano de Hedley est bien en avant. La guitare sonne étonnement proche de celle de Mark Knopfler du Dire Straits. Le solo est lumineux et les réponses chant/guitare sont brillantes. "Things are about to change" est un blues rythmé. Gogo en exécute une interprétation très nerveuse. Il y étale sa classe, en promenant ses cordes dans l'univers des Albert Collins, Buddy Guy, et peut-être également de l'ami Luther Allison. David avoue être un fan de Stevie Ray Vaughan. Il a beaucoup appris en écoutant l'ange d'Austin. Les petits reflets rythmiques qui introduisent "I don't make sense (that you can't make peace)", en sont la plus belle démonstration. Un superbe blues signé Willie Dixon, qu'il chante avec passion. Avide de disserter au sein de ce climat dramatique, une guitare trafiquée, torturée dans le jeu de pédales, se libère au beau milieu de cette plage. Excellent! Classique écrit par Paul Butterfield, Mike Bloomfield et Nick Gravenites, "Reap what you sow" est une nouvelle plage lente hydratée par l'orgue de Hopkins. La guitare se fait volontiers mélodique. La tonalité est proche de celle du géant Bloomfield. Un climat parfaitement approprié qui bénéficie du concours d'une section de cuivres ; et il faut l'entendre le Gogo monter progressivement en puissance. Il n'a d'ailleurs aucune raison de rougir de sa prestation ! Billy Hicks s'agite aux percussions pour entamer "Walkin". Un fragment écrit naguère par Otis Spann, l'inoubliable pianiste du Muddy Waters Band ; mais l'harmonica de Barnum n'est pas assez percutant à mon goût. Ballade soul bien ciselée, le titre maître est renforcé par des cuivres, dont le jeu me rappelle le Memphis R&B. David a adapté le "Backstroke" d'Albert Collins. Le Master de la Telecaster est incontestablement une de ses influences majeures. Tout au long de cet instrumental, il en reproduit très bien le jeu tout en pickin'. "Signed, sealed, delivered" est issu de la plume de Stevie Wonder. Une nouvelle ballade soul dont le solo de guitare immaculé scintille sur fond d'orgue. Très beau! "Personal Jesus" achève cet elpee. Mais bon sang, n'est-ce pas une composition de Depeche Mode? Absolument ! La version réalisée par David me plaît beaucoup. L'intervention aux claviers est très réussie et celle de l'harmonica beaucoup plus présente. Un album, ma foi, fort agréable à écouter !
La Scandinavie est riche en groupes de rock'n'roll qui tachent : The Hives, The Hellacopters, Backyard Babies,… Gluecifer en fait assurément partie. En écoutant ce Easy Living, on pense à AC/DC, Queens of the Stone Age, Therapy ?, bref à tous ces groupes qui allient refrains accrocheurs et riffs qui arrachent. Tiré de l'album " Basement Apes ", ce morceau donne envie, à celui qui l'écoute à fond la caisse, de hurler sous les ponts son amour du rock bien poilu. Et ce n'est pas Ape & Essence, le morceau qui l'accompagne, qui calmera ses (h)ardeurs ! Ouaaaaais, c'est cool, Gluecifer.
Voici donc l'exemple même de la logique de récupération par une bonne grosse major d'un genre qui se popularise sacrément, le bien nommé néo/nu métal. Que vraiment retirer de marquant à propos de Glassjaw ? Musicalement, pas grand chose à redire, car le mix rock/métal fonctionne plutôt bien. Les diverses ambiances sont alternées et bien marquées. Viennent poindre quelques passages nettement plus techniques, à la limite du noise de qualité, saccadés et suffisamment crispants pour attirer l'attention de vos chères oreilles ensommeillées, à ce stade de l'écoute. Mais ils restent trop rares pour garder en éveil. Par contre là où la plaque coince sérieusement, je vous le donne en mille mes amis : le chant. Qui l'eut crû ? Bon, le chanteur fait de sérieux efforts pour démontrer toute la palette de ses émotions, variant au possible son registre. Et croyez-moi il a bien vécu notre petit chanteur ! Malheureusement ça tourne rapidement à l'auto parodie, avec pour summum les traditionnels titres pour contenter les demoiselles des premiers rangs... Ceci dit je pousserai bien ma curiosité en allant quand même jeter un coup d'œil aux précédentes productions. Qui sait ?
Depuis plus de trois ans, on était sans nouvelles des Girls Against Boys (si ce n'est via la BO de " Series 7 "). Sans doute trop occupé à vouloir redorer son blason suite au bide de " Freak*On*Ica ", le groupe de Scott McCloud était donné pour mort, mangé tout cru par l'industrie du disque. Et voilà qu'il est de retour, plus en forme que jamais : finis les détours électro de ce " Freak " assez tiède, envolés les doutes existentiels et les remises en question (major oblige), Girls Against Boys est reparti pour un tour en première division de l'Internationale noisy. Produit par Ted Niceley, déjà responsable du son ravageur de leur " House of GvsB ", " You Can't Fight What You Can't See " sonne monstrueux : les deux basses de Johnny Temple et d'Eli Janney martèlent des lignes d'enfer (" Basstation ") et la voix de Scott est toujours aussi sexy… " Pussycat, what's new ? ", chante-t-il sur " All The Rage " : ce qui change ici, c'est justement ce retour aux sources, cette marche-arrière des influences que l'on aurait redouté chez les autres mais que l'on accueille avec joie chez les GvsB. Car leur rock écorché, hypnotique et moite n'a jamais mieux sonné que dépouillé de toute production trop léchée, comme c'était malheureusement le cas avec " Freak*On*Ica ". Ici, on retrouve le GvsB des guitares folles, pétant de jeunesse sonique et de mélodies magiques (" Kicking The Lights " et ses chœurs à la Pixies, le langoureux " Let It Breathe ", " Tweaker " et ses rythmes affolés). Parrain de toute une génération abonnée aux montées d'adrénaline (Mogwai, Six By Seven,…), Girls Against Boys ranime encore une fois la flamme d'un rock mature mais sans concession. Grand!
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