Encore un groupe new-yorkais! Tirez les rideaux, baissez l'intensité de la lumière et calfeutrez-vous au cœur de la paranoïa, de la concupiscence et de la peur : voici Interpol. Trêve de plaisanterie. Interpol c'est avant tout un quatuor totalement intoxiqué par les eighties. Son attitude. Son image. Et surtout sa musique : new wave, post punk et bien sûr cold wave. Dans le désordre on y décèle pour influences majeures Wire, les Smiths, Echo & The Bunnymen, les Chameleons, le Sound, Bauhaus et prioritairement Joy Division. Et s'il faut admettre que le résultat n'est pas très original, il a le mérite de communiquer de bonnes vibrations. Auxquelles je ne suis pas insensible, je dois l'avouer. L'atmosphère blême, brumeuse, douloureuse de leur musique est entretenue par la densité des guitares, le drumming hypnotique, robotique, la basse élégante et le vocal clinique, sinistre, glacial, monocorde de Paul Banks, qui doit certainement rêver nuit et jour de Ian Curtis. Des guitares qui peuvent même pulser avec une énergie nerveuse décapante, scintillante. A l'instar de " Untitled " ou encore de " The new ". Et les neuf autres fragments ne sont pas en reste. " Say hello to the angels " sous-entend " Hello les Smiths" en adressant un clin d'oeil aux Strokes. "Hand away" baigne au sein d'une solution sonore céleste, digne d'And Also The Trees", alors que "NYC" accomplit une valse lente, triste, à travers la cité malade. Bref, un album qui a défaut d'être orignal a au moins le mérite d'être (très) efficace…
A l'instar de Bonnie Lee, Zora Young, Big Time Sarah et Karen Carroll, Miss Johnson est une de ces nombreuses ambassadrices du Chicago Blues de la dernière génération (NDR : encore qu'elle écume la scène des clubs de la Cité des Vents, depuis quelques années). Shirley est née en 1949. En Virginie. Au cours de sa tendre jeunesse elle y chante le gospel. A l'église. Elle ne découvrira le blues et la soul music que bien plus tard. En 1983, elle se fixe à Chicago. Pour y chanter le blues. En compagnie de Buster Benton, Artie "Blues Boy" White et même Professor Longhair. Elle est devenue, depuis, l'une des attractions du club Blue Chicago.
L'enregistrement de cet album a été découpé en plusieurs sessions. Elles datent pour la plupart de 2000 et de 2001. Pour la circonstance, elle est parvenue à s'entourer de musiciens réputés, dont cinq différents guitaristes ainsi que les claviéristes Roosevelt Purifoy et Allen Batts.
L'album s'ouvre par "Not for the love of you", une ballade soutenue, très cuivrée. Mais ce qui frappe instantanément, c'est sa voix grave, profonde, caractérisée indéniablement par ce soupçon de vécu. Au passage, on reconnaît les sonorités frêles des cordes de Maurice John Vaughan. Une fragilité qui persiste tout au long de la plage maître, nonobstant le solo du blanc Rockin' Jimmy concédé devant le redoutable Johnny B. Moore et les claviers d'Allan Batts. "You turn to cry" est une nouvelle ballade mélodique. Ecrite par Twist Turner, elle permet à Robert Ward de révéler son talent à la guitare : sa maîtrise, sa technique et son feeling contenu. Il reprend magistralement le célèbre "Somebody have mercy" de Sam Cooke, un morceau qui met en exergue un bijou de solo blues accordé par John Primer. Cet excellent opus nous réserve encore d'autres bons moments. Et je pense tout particulièrement à la reprise somptueuse du célèbre "As the years go passing by", fruit d'une session antérieure (NDR : millésimée février 1996 !), conduite par les cordes de Johnny B. Moore, au chatoyant Chicago shuffle "Hard lovin' mama", ainsi qu'à "The blues is all I've got"…
"The Memphis Barbecue sessions" constitue le 4ème album de Big Jack pour le label MC. Il fait suite à "We got to stop that feelin", paru en 96, "All the way back", en 98, et "Roots stew", en 2000. Le 1er sans ses fidèles Oilers ! Jack est né en 1940, dans le Mississippi. Un état qu'il n'a guère déserté au cours de son existence. D'ailleurs, aujourd'hui, il vit toujours à Clarskdale, à deux pas du Delta Blues Museum.
Il s'est fait connaître au cours des 60's, en sévissant chez Frank Frost and the Nighthawks et les Jellyroll Kings. Chaque fois avec Frank Frost et Sam Carr. Il est surnommé ‘The Oilman’, depuis qu'il a gravé un album du même nom. Un elpee paru en 1987, sur Earwig. Marc Carpentieri, le patron du label MC souhaitait un enregistrement acoustique de Johnson. Mais à travers un duo. Il réussira à débaucher Kim Wilson, pour assurer le rôle de partenaire. Un excellent souvenir pour Carpentieri, car en 1979, il avait acheté pour premier album de blues: "Girls go wild" des Fabulous Thunderbirds. Le répertoire réunit quelques compositions de Big Jack et des classiques.
L'album démarre par le nerveux "Oh baby". Jack murmure avec douceur devant l'harmo pour interpréter le lent "Humming blues". Au bout de quelques instants, un piano s'installe distinctement dans le décor sonore : celui du légendaire Pinetop Perkins. Un personnage que l'on retrouve plus tard sur "Lonesome road". Toujours avec modération dans la voix, il entame "Don't care nothing", de Little Walter, la mandoline en bandoulière. Le dialogue se poursuit au sein de ce climat fort dépouillé, digne des vieux juke joints du Mississippi. Jack se met à chanter en ioulant, à la manière du géant Howlin' Wolf, pour attaquer "Smokestack lightning". Ecrit par Johnson lui-même, "I'm going out walking" est une superbe réussite. Big Jack et Kim sont tous deux à la guitare et s'échangent les vocaux, non sans un frémissement. Au cours de "My babe" de Little Walter, c'est sans surprise que Kim obtient un billet de sortie pour briller de mille feux à l'harmo. Johnson se fait minimaliste mais combien efficace pour aborder le "Blue Bird" de John Lee Hooker. "Get along little Cindy" nous replonge au cœur de cette atmosphère d'avant-guerre. Un fragment qui remporte le prix de l'authenticité et de la simplicité. L'album s'achève par de superbes classiques du blues : "Big boss man", "Things I used to do" et "Dust my broom", au cours desquels Wilson est au sommet de son art. "The Memphis Barbecue sessions": une heure bien agréable à baigner dans le Delta.
Né des élucubrations de l'ancien leader des ‘cultissimes’ Rolling Bidochons, ce double album ne pouvait que verser dans le parodique à la Sttellla, le lourd à la Priba 2000 ou le pathétique à la Billy Ze Kick. Après s'être si mal distingué dans le massacre rock'n'roll (pauvres Rolling Stones !), l'hurluberlu franchouillard se lance dans le pastiche électronique. A l'heure où les beats de Daft Punk (pas épargnés ici) remportent plus de succès que les riffs de Keith Richards, Titi Wolf et ses potes ont donc décidé de retourner leur veste (en cuir noir). Résultat : c'est parfois drôle (cette reprise électro du " Poinçonneur des Lilas ", en version japonaise), souvent pénible. " D'avance, pardonnez-nous… Nous ne savons pas (toujours) ce que nous faisons… ", écrivent-ils au dos de la pochette. A défaut d'être des artistes intéressants, laissons-leur quand même le mérite d'être des hommes honnêtes et lucides.
Après sa pose ‘Psycho’ adoptée sur " Poison ", il y a deux ans, le Suédois arbore aujourd'hui une coupe de cheveux à la Ziggy Stardust (NDR : suffit de regarder la pochette !). De mannequin hitchcockien, le crooner venu du Nord s'est transformé en bête de foire électro-pop, le look androgyne comme nouvelle marque de fabrique. Finies les amourettes jazzy à la Chet Baker (" Whiskey ", 1996), l'easy listening à donner le bourdon (" Tattoo ", 98) et les ambiances mortuaires em" Poison "nées : Jay-Jay Johanson s'est mué en diva du dancing sous perfusion eighties, ressortant ses vieux Human League et Pet Shop Boys du placard pour emballer les ‘club babes’ de Scandinavie et d'ailleurs. " So Tell The Girls That I'm Back In Town ", chantait-il sur " Whiskey " : désormais Jay-Jay se la joue platform boots et beats au carré, avec cette touche de mélancolie qui l'a toujours caractérisé ; une manière de faire fondre les midinettes " girly ", amoureuses d'électro-disco et de (International DeeJays) gigolos. Jay-Jay, bourreau techno au cœur tendre ? " Déjà Vu " en boucle sur les platines, c'est l'été indien en pleine tempête de neige, le " Destinés " de Guy Marchand revu à la sauce 2002. Peut-être qu'enfin, Jay-Jay devrait passer à la radio (" On The Radio "), tant ses ritournelles emballées par les électroniciens de Funkstörung fondent sous la langue et procurent des chaleurs. Il est loin le temps où Johanson reprenait " Neon Lights " de Kraftwerk la mine décatie et les mains glacées : " Antenna " s'écoute bien au chaud, les paluches moites et baladeuses. Du hit " Automatic Lover " à la Moroder au björkien " Tomorrow " (très " Homogenic ", avec ses embellies de cordes et ses beats syncopés), " Antenna " se permet un sacré flash-back eighties sans pour autant sentir la vieille chaussette : un bon disque pour 2002, le meilleur de Jay-Jay depuis " Whiskey ".
On connaît Jean-Marie Aerts pour avoir tenu la guitare au sein de TC Matic, moins pour ses projets solo : JMX, son projet électro-world lancé en 1994, n'a pourtant rien d'un passe-temps de musicien à la retraite. Entouré d'excellents collaborateurs comme Philippe Comte, Patrick Bylebyl ou le rasta Tikiman (entendu chez Basic Channel), Aerts propose, avec JMX, une relecture intéressante du blues, du reggae et de l'électro la plus organique, proche en cela des disques d'Arto Lindsay, sans doute l'un de ses modèles. Dommage que ce " Parbleu " traîne parfois en longueur (plus de 70 minutes), l'attention se faisant dès lors moins soutenue dès que le guitariste et ses invités s'emballent dans des bravades fusion-world sans fin… Il n'empêche qu'avec des chansons aussi fortes que " Tikisong ", l'instrumental " Stars " ou encore " Tex ", du " hip hop acoustique " sous ganja, Jean-Marie Aerts frappe fort, et confirme son statut toujours surprenant d'artiste culte 100% belge.
"I to sky" constitue le deuxième album de ce trio irlandais. De Dublin très exactement. Un disque beaucoup plus sombre que le précédent éponyme. Pas seulement à cause des lyrics empreints de références religieuses, mais à cause du climat au sein duquel baigne les 12 compositions de cet opus. Un climat qui baigne le plus souvent dans la cold. Celle de Joy Division et de Cure, c'est plutôt classique. Ou d'une manière plus contemporaine, de Radiohead, Kent et Placebo. Mais est-ce vraiment de la cold ? Un Placebo auquel JJ72 a même emprunté l'exaltation wagnérienne sur " 7th wave " et la fureur ténébreuse, presque gothique, sur l'excellent " Serpent sky ", une compo au cours de laquelle on a l'impression d'être balayé par la tempête des Hauts de Hurlevent. Tout aussi excellent, " I saw a prayer " cherche le chaînon manquant entre My Bloody Valentine et Mercury Rev, les vocaux veloutés de Greany rappelant étrangement ceux de Jonathan Donahue. Une exception qui confirme la règle, car tout au long de cet opus, son timbre oscille du falsetto hystérique, gonflé à l'hélium, au gargouillement mortel. Un disque sculpté dans l'électricité scintillante, tumultueuse, qui ne souffre d'aucune faiblesse ; s'ouvrant même parfois de nouveaux horizons sonores. A l'instar de " Half three ", dont l'élégance capricieuse, filandreuse, lorgne vers l'élégance punk d'un Wedding Present. De " Glimmer ", déchiré entre sauvagerie et quiétude. D'" Always and forever ", dont la pop chaloupée rappelle le James du " Millionaires ". Et enfin du tendre " Nameless ", caractérisé par son synchronisme puéril entre la voix et la mélodie. Sans oublier l'hymnique " Brother sleep ", découpé délicatement dans l'acoustique, ou encore la ballade mélancolique, mais tumultueuse " Oiche mhaith ". Un must !
Instigateurs du mouvement noisy rock, le Jesus & Mary Chain s'est donc séparé en 1998. En 15 années d'existence, cette formation écossaise était parvenue à épurer l'histoire du rock'n roll pour ne conserver que le concentré de l'héritage : la simplicité et la sensualité. Et puis également 15 années au cours desquelles, les frères William et Jim Reid ont défrayé la chronique à travers leur patronyme, leurs attitudes, leurs rixes et les lyrics de leurs chansons. Provocateurs tout autant que ténébreux, les frangins vont même finir par se disputer. Faut dire que leurs opinions étaient de plus en plus divergentes. Jim avait ainsi écrit " I love rock'n roll ", en réponse à une compo que William avait intitulée " I hate rock'n roll ". Deux chansons qui figurent, bien sûr sur cette compile. Reste donc six albums est une volée de singles, témoignages de leur musique insolente, violente, torturée, mais paradoxalement enrobée dans la pop mélodique et sucrée. Ces singles ont donc été réunis sur ce recueil. Tous les morceaux essentiels y sont. 21 en tout. Y compris " Sometimes always ", sur lequel Hope Sandoval (Mazzy Star, Hope Sandoval & the Warm Inventions) était venue donner de la voix. Un testament indispensable !
Voilà un talent belge à découvrir d'urgence. Le Liégeois Jérôme Mardaga, alias Jeronimo, nous raconte de petites histoires douces-amères qui évitent subtilement tous les clichés du genre. Ce sera par exemple " Je crois que ma femme me trompe, mais je tiens bon ", " J'ai rencontré Sarah le jour de mon mariage " ou, dans un autre registre, " A Monaco, quand il y a de l'orage, je sors la BM du garage pour négocier tous les virages de la corniche supérieure ". Tout en utilisant un vocabulaire simple, il a l'art de trouver le mot juste et d'ajouter la petite phrase à laquelle on ne s'attendait pas. Jeronimo évoque tout cela avec un parlé-chanté faussement timide, qui pourrait lasser sur la longueur. Il a heureusement l'intelligence de varier les climats musicaux en les adaptant aux textes (ou l'inverse, je ne sais pas comment il travaille). Il peut se lancer seul à la guitare sèche ou, au contraire, partir dans des envolées très électriques qui ne déplairaient pas aux fans de House of Love, par exemple. Enfin, pour compléter la panoplie du talent, Jeronimo sait aussi ciseler des mélodies qui trottent rapidement en tête. Pour preuve " Ton éternel petit groupe " et " Ma femme me trompe " qui tournent beaucoup sur les radios belges. Signalons encore que ce premier album, dont on attend déjà les successeurs avec impatience, comprend une reprise-traduction très musclée de David Bowie, intitulée " J'ai peur des Américains ".
En intro de ce disque de lounge, on entend la mer, les vagues allant et venant sur le sable fin d'une plage perdue sous les Tropiques (voir la belle pochette). Comme le dit le grand théoricien du son Murray Schafer dans son livre séminal, 'Le Paysage sonore' : " La mer évoque la purification, la fraîcheur et le renouveau. Par sa perpétuelle présence, elle est symbole de l'éternité. Par ses marées, le va-et-vient de ses vagues, symbole du changement ". La lounge, ce serait donc tout ça à la fois : du neuf, du pur, de l'éternel, du changement. Neuf, ça ne l'est plus depuis longtemps ; depuis que ses beats moites et convenus envahissent notre espace auditif jusqu'à la saturation, du resto branché aux toilettes de chez Biguine. Pur, encore moins : il ne s'agit ni plus ni moins que d'une vaste escroquerie commerciale destinée à flouer les consommateurs que nous sommes ; une honteuse atteinte à la musique, la vraie, et à notre intelligence, celle qui nous permet de discerner la lounge de l'électro de qualité. Eternelle, sûrement pas : la lounge disparaîtra aussi vite qu'elle est apparue, remplacée par une nouvelle mode passagère formatée par l'industrie du disque, et dont le seul but sera de remplir les poches des rentiers du music business. Symbole de changement, on en doute : c'est plutôt une régression, un nivellement par le bas… " Souleiado ", c'est aussi le nom d'une chaîne de magasins de tissus provençaux : on croit rêver ! Encore une chose : l'interlude n°10 de ce précieux CD s'intitule " Mistral ", et l'on entend effectivement le vent souffler, délicatement… Jung parlait du vent comme du " souffle de l'esprit ". Ici, c'est un vent fétide, qui, espérons-le, balaiera une fois pour toutes la lounge de notre horizon musical.
En 1994, le leader/chanteur/compositeur/guitariste de Buffalo Tom avait opéré une tournée en solitaire, au cours de laquelle il interprétait, seul à la guitare sèche, un mélange de reprises et de versions acoustiques de ses chansons. En 1997, il commettait son premier opus solo (" Lonesome Billy "), un disque pour lequel il avait reçu le concours de l'équipe du Giant Sand au grand complet. Mais pas pour y laisser épancher son lyrisme folk ou country. Non, pour y interpréter des chansons bien électriques. Mais, à l'instar d'un Tom Waits, ravagées par l'angoisse et la mélancolie. Son disque acoustique, il vient de le commettre. Dix chansons personnelles et une cover des Replacements (" Here comes a regular ") qui adoptent un profil minimaliste, proche d'un …Billy Bragg, sans l'engagement politique. Bill s'accompagnant presque exclusivement soit de sa six cordes, qu'il joue le plus souvent en picking dans un style proche de Willie Nelson. Ou alors d'un piano ; les accords de soie berçant chaque mélodie, dans l'esprit d'un Del Shannon. Pourtant le ton confidentiel, fragile, ne l'empêche pas développer des thèmes qui passent du bonheur à l'horreur en l'espace de quelques secondes. Un bien bel elpee !
Il faudra bien un jour admettre la grandeur de Janet Adkins. Et qui sait si " In a dream " pourrait y contribuer ? Autant les précédentes plaques du groupe ne parvenaient pas toujours à transmettre toute l'émotion qui se dégageait des prestations scéniques, autant aujourd'hui ce fossé est pleinement comblé. Ecouter ce disque nous renvoie illico dans les fumées et les tourments des concerts. Mais pas seulement. Car voilà le tour de force : l'autonomie. " In a dream " s'écoute et s'apprécie dans la solitude comme il pourra être savoureux et lancinant dans la foule, communiant sûrement pour l'occasion. La musique s'est développée au point de s'épaissir, de se densifier et surtout de se diversifier. En matière de rock pur jus, Janet Adkins devient à mon sens le plus fiable représentant belge du mouvement, loin de toutes modes bricoleuses lo-fi. D'ailleurs leur parcours les a amenés à croiser la route avec les plus beaux fleurons du genre (Ligament, Brainiac, Kepone, Elevate, Uzeda, Helmet, Young Gods…), signe qui ne trompe pas. Pour ceux qui ne situent pas la liste entre parenthèse, à vos Kazaa, médiathèques ou frères aînés. L'année de la reconnaissance ?
Les chasseurs de tête de chez NorthernBlues ont le nez fin. Après avoir débusqué Otis Taylor et Harry Manx, ils viennent de signer un nouveau grand talent du blues acoustique : David Jacobs-Strain. Il n'a pas encore vingt ans. Né en 1983 à New Haven, dans le Connecticut, il s'est fixé par la suite à Eugene, dans l'Oregon. Il joue de la guitare depuis l'âge de 9 ans. Dans le domaine du blues, ses premières influences répondent aux noms de Taj Mahal, Skip James, Fred McDowell et Lightnin' Hopkins. C'est en écoutant Bob Brozman qu'il a appris à jouer du bottleneck. En 1996. Au cours de ces dernières années, il a été davantage réceptif aux différents styles pratiqués par John Cepahs, Steve James, Alvin Youngblood Hart ou encore Otis Taylor. Son père, Michael Strain, a pris en charge sa carrière.
David compte déjà plusieurs albums à son actif : "First Friday live - Tra ditional acoustic blues" en 1997 (NDR : il avait 14 ans !), "Skin and Bones" en 1999 et en 2001, un 'live' intitulé "Longest road I know". Paru chez NorthernBlues, son premier opus a bénéficié de l'excellente mise en forme de Kenny Passarelli, un producteur qui avait réalisé un superbe travail sur l'elpee d'Otis Taylor, "White African". Dans le passé, Kenny a joué de la basse pour de multiples artistes ; et en particulier pour Elton John et Stephen Stills. Il apporte sa collaboration sur cinq plages de ce disque. A la basse et à l'orgue Hammond B3. Peter Joseph Burtt s'y réservant les percussions africaines.
L'album a été enregistré à Santa Fé, en novembre dernier. Il s'ouvre par "River was green". David est seul au chant et à la guitare. Son attaque sur les cordes est particulièrement percutante. Et on est pris instantanément à la gorge. La voix est très musicale. Elle se fond parfaitement dans l'environnement musical. C'est assez naturellement que David vient interpréter "Bowlegged Charlie". Une composition signée par son complice d'écurie, Otis Taylor. Il ne relâche pas son acharnement sur les cordes. Le chant est nerveux : peut-être pour marquer l'injustice qui marque le pauvre Charlie. L'adaptation du "Poor Black Mattie" de R.L Burnside, constitue ma plage préférée. La guitare embrasse une trame rythmique intense, obsessionnelle. Le chant de David est très assuré. Son percussionniste, Peter, lui répond dans l'ombre. Le rythme nous possède et ne nous lâche plus. La slide et David et le kora de Peter se rencontrent et s'unissent pour créer des reflets hypnotiques. Un grand moment! Parenthèse instrumentale, "Sidewalk rag" est une occasion idéale pour démontrer tout son talent dans le style en pickin ; un style qu'il a emprunté à Skip James, mais qu'il a tellement personnalisé. Le medley "Poor boy/Nobody's fault" s'étale sur plus de 8'. L'obsession est omniprésente. Une atmosphère qui évolue à la manière des mantras et des ragas indiens. Le son est impressionnant. Dans son style répétitif, "Black and blues" cultive une ambiance dramatique. Un climat justifié par les lyrics de cette chanson racontant l'histoire d'une jeune femme qui devient accro à l'héroïne, et dont le vieil amant la laisse pantelante et violée. Reste donc deux excellentes plages : le très lent "Wild Bill Jones", au cours duquel on entend perceptiblement ses doigts qu'il frotte sur les cordes métalliques, à la manière du meilleur John Campbell ; et enfin "Linin' track", dont les motifs hypnotiques sont entretenus par la guitare Reso-Phonic, le cajon et le djembe de Peter. Dans le style, cet opus me semble indispensable. Je vous le recommande donc vivement…
Drivé par John Dragonetti, Jack Drag nous vient de Boston. Un quatuor dont les premiers pas remontent à 1996, année au cours de laquelle, le combo avait enregistré son premier 7 inches, " Velour ". Depuis, la musique de Jack Drag est en constante évolution. Enfin, celle de John puisqu'il en est le chanteur, guitariste et compositeur. Si ses deux premiers elpees naviguaient à la croisée des chemins des Beatles, de Stereolab et de Guided By Voices, la suite s'est révélée encore plus intéressante. En fait, à l'instar d'un Beck, John marie habilement tout ce qui lui tombe dans le tuyau acoustique : pop, psychédélisme, hip hop, house, new wave, folk, electro, etc., pour en forger un style terriblement excitant, expérimental et mélodique. " The sun inside " constitue déjà son cinquième opus. Un disque sur lequel il a reçu le concours de Dan 'The Automator' Nakaruma. Pas sur tout l'album, comme c'était prévu au départ. Mais sur le seul " FM Royalty ". Un des meilleurs titres de l'opus, par ailleurs. Ce sera sans doute partie remise. Pourtant, le reste ne manque pas d'allure, nonobstant une fin de parcours davantage intimiste et mélancolique. Jack Drag est sans doute parvenu à trouver le chaînon manquant entre Syd Barrett et Beck. Et à ce titre cet album mérite le qualificatif de ‘must’.
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