Deuxième album pour ce duo constitué du claviériste de Soundrack Of Our Lives et du guitariste des Hellacopters ainsi que de Diamond Dogs. Et à l'instar de leur premier opus, les compositions sont partagées entre écriture personnelle et reprises. Non plus de Lou Reed, de Dylan, ni de Tom Waits, mais de Neil Young, Bob Marley, Kris Kristofferson, Jagger/Richards ; sans oublier la cover exceptionnelle du " Hang on to a dream " de Tim Hardin et une autre paradoxalement apaisante du " Non fun " des Stooges. En fait, les onze chansons de cet opus sont tramées dans la ballade mélancolique. Même les adaptations de titres les plus sauvages. Et le résultat est plutôt réussi. Surtout à cause du talent conjugué par les deux artistes. Martin, au piano. Un piano dont la pureté des sonorités vous donne des frissons dans le dos. Et puis Mattias à la guitare, à l'harmonica, et surtout au chant. Son timbre légèrement voilé, fragile, aux inflexions teintées de gospel et de blues, ne peut laisser indifférent. L'émotion à fleur de peau!
Ce disque fait partie de ceux qu'une fois écouté, on ne quitte plus, persuadé de tenir là le Saint-Graal acoustique, l'œuvre pop ultime. Maximilian Hecker est pourtant un parfait inconnu : il y a deux ans encore, il faisait la manche dans les rues de Berlin, reprenant du Oasis sur sa guitare en bois. Aujourd'hui signé sur le label Kitty-Yo (d'habitude spécialisé en électro bien décalée), il rejoint au firmament pop des songwriters comme Tom McRae et Ed Harcourt, dont l'excellence mélodique n'est plus à prouver. L'album s'intitule " Infinite Love Songs ", et ce n'est pas pour rien : dès les premiers arpèges, on dirait que Maximilian nous susurre à l'oreille des mots d'amour ; sa voix cristalline s'immisçant dans notre cœur pour ne plus le lâcher. A un seul moment (" Cold Wind Blowing "), le vent se lève, et les guitares se fâchent, mais c'est pour mieux savourer l'accalmie qui suit, avec le splendide " Over ". Ce disque d'amour n'est pas à mettre entre toutes les mains : il se doit d'être apprécié à sa juste valeur, lentement, précieusement. Sans doute que seules les âmes au cœur tendre le comprendront, les autres ne prêtant à cette pop acoustique que des vertus lacrymales. Possible. Il ne vous reste dès lors qu'à choisir votre camp.
Blake Hazard est l'arrière-petite-fille de l'écrivain Francis Scott Fitzgerald : sa musique devrait donc dégager un parfum de préciosité, bien ancré dans l'Amérique profonde. Et c'est vrai qu'à l'écoute d'" Everybody Knows ", la chanson qui ouvre son album, difficile de ne pas penser à l'atmosphère langoureuse de Mazzy Star ou d'Elysian Fields, autres groupes de filles qui font rimer mélodies avec poésie. Pourtant, la voix de Blake, malgré ses accents sadiens, ressemble davantage à celle de Tanya Donelly que de Jennifer Charles, tandis que les notes sur lesquelles elle fredonne renvoient à une pop tout aussi doucereuse mais moins docile. Sur certains morceaux, c'est même Saint Etienne qui pointe le bout de son nez, sans doute à cause des retouches électro de Jack Dragonetti (alias Jack Drag), venu en renfort comme homme à tout faire. Quelques chansons devraient titiller les oreilles friandes de groupes à rockeuses, genre Eden ou Belly, mais dans l'ensemble, cela reste très gentil, peut-être même un peu trop.
Ce quatuor insulaire nous vient de Cornwall, en Angleterre. " Between the senses " constitue son premier album. Un disque qui a bénéficié de la production de l'ex guitariste des Smiths, Johnny Marr. Ce qui explique sans doute pourquoi, les vocaux et les guitares tissent alternativement les mélodies et les contre-mélodies. Des vocaux assurés par un certain Gary Briggs, dont le falsetto éthéré évoque tantôt Thom Yorke, Matthew Bellamy et bien sûr feu Jeff Buckley. Et des six cordes conjuguées par le tandem Briggs/Watson, sur un mode britpop. Vous pensez à Muse et au Radiohead de la moitié des nineties ? Vous avez raison. A cause de cette intensité électrique luxuriante communiquée par ces cordes de guitares tour à tour bringuebalantes, sauvages, torturées, vivifiantes, houleuses, tempétueuses, mais toujours savoureuses. Et puis de ce sens hymnique particulièrement contagieux, mélancolique et tellement britannique. Pourtant, les dernières compositions de l'opus évoluent sur un mode semi-acoustique. Elles sont même parfois même tapissées de légers motifs psychédéliques. A l'instar de la superbe ballade " Is this bliss ". Un psychédélisme qui hante également le superbe denier morceau de l'elpee, " Holding on " ; mais un psychédélisme atmosphérique, tourmenté, raffiné, réminiscent du Verve de " A storm in heaven ". Bref, si cette plaque n'apporte pas grand chose de neuf, elle ne manque ni de charme, ni de fraîcheur…
Honnêtement, je dois avouer avoir été surpris de voir atterrir une compilation consacrée à Juliana Hatfield. Tout simplement parce que j'imaginais qu'elle était disparue du circuit musical. Mea culpa ! En fait, après avoir vécu une expérience underground fort intéressante chez les Blake Babies, enregistré un formidable premier album en 1992 (" Hey babe "), en compagnie notamment d'Evan Dando des Lemonheads, puis un tout aussi excellent second opus (" Become what you are ") l'année suivante (NDR : sur lequel figurait le single épatant " My sister "), Juliana a embrayé par un album d'honnête facture (" Only everything ") en 1994, mais beaucoup trop prévisible. Résultat des courses, le label major sur lequel elle avait été signée n'a pas voulu sortir le suivant (" God's foot "). Il n'est d'ailleurs jamais paru. Deux fragments de ce disque figurent sur ce recueil : le somptueux " Mountains of love ", enrichi d'arrangements de cordes ; et le percutant " Fade away ". Ah oui, pour ceux qui l'ignoreraient, Juliana Hatfield appartenaient au mouvement " riot grrrrl ", qui a accouché de groupes féminins lorsqu'il n'était pas drivé par des filles. Parmi lesquels les plus illustres répond(ai)ent au nom de Breeders, Veruca Salt ou encore L7 (NDR : encore que ce dernier était plus riot que grrrrl...). C'est à dire des formations responsables d'une musique capable de passer de la tendresse au fanatisme, de libérer un groove viscéral irrésistible et dont les lyrics cryptiques ou caustiques reflétaient un engagement certain pour les droits de la femme. Bref, après les déboires connus au cours de l'année 96, Juliana est retournée dans la marge de l'underground. Ce qui ne l'a pas empêchée de continuer à graver des albums. A ce jour, elle en a même commis sept, sans tenir compte de ceux qu'elle avait réalisés chez les Blake Babies. Et à travers cette compile, on se rend compte que ses chansons ont toujours la même pêche. Seuls les quatre dernières chansons, enregistrées en 2001 et pas encore sorties me paraissent un peu fades. C'est peut-être la raison pour laquelle elles sont demeurées à l'état de démo. Le recueil épingle également une cover de Police (" Every breath you take ") et une autre de Neil Young (" Only love can break your heart "). Deux adaptations, ma foi, fort bien réussies. Mais le fragment que j'ai le plus apprécié s'intitule " My protégée ". Un morceau digne du meilleur Lynyrd Skynyrd, qui figurait sur l'album " Juliana's pony ". A quand une reprise de " Sweet Alabama " ?
George Harrison est décédé le 29 novembre 2001. Deux mois plus tôt, il travaillait encore sur les sessions d'enregistrement de nouvelles chansons, destinées à la confection de ce " Brainwashed ". Peu de temps avant sa mort, il avait chargé son fils Dhani et son ami et producteur Jeff Lynne, de mettre en forme cet opus. Précisant qu'il souhaitait en conserver le son brut, proche de ses démos. On ne peut pas dire que le message soit bien passé. Jeff a bien réussi à mettre en valeur les accords gémissants de sa guitare solo (NDR : pensez à " While my guitar gently sweeps "), ses parties de slide et puis la voix tellement fragile, bouleversante de George. Malheureusement le son est surproduit. Conséquence : l'aspect émotionnel est totalement dilapidé au profit de la forme des compositions. Parfois on a l'impression de retrouver le son lissé des Travelling Wilburys,que Lynne a fréquenté. On ne voit donc pas trop l'intérêt. D'autant plus qu'il n'y a plus la participation de Dylan, de Roy Orbinson, ou encore de Tom Petty. Faut croire que l'ex ELO en avait encore la nostalgie. A mon avis faudrait peut-être demander à un Rick Rubin de recommencer le travail. Le résultat serait beaucoup plus intéressant. Maigre consolation, cet elpee devrait constituer un cadeau de Noël idéal, à offrir à vos grands-parents.
Les aficionados d'Indochine seraient-il d'éternels teenagers ? Possible, mais une chose est sûre, ces ‘teenagers’ sont d'une fidélité exemplaire. A un tel point que le groupe peut se targuer de cumuler quatre décennies de fans. Difficile d'en expliquer la raison. Peut-être parce que la musique du groupe est intemporelle. Symbolisant une forme d'adolescence éternelle. Et en puisant tour à tour dans le rock, la new wave, la pop, la chanson française et parfois dans la variété, elle essaie en quelque sorte de jouer sur les ambiguïtés.
L'ambiguïté a d'ailleurs toujours été un des fils conducteurs de la musique d'Indochine. Pourtant, après les départs de Bodianski en 84, de Dominique Nicolas, qui était alors le principal compositeur, en 94, et le décès de Stéphane Sirkis en 99, la formation aurait pu disparaître. Il faut croire que les épreuves ont renforcé la popularité du groupe. Si Nicola est le seul survivant du line up initial, il a pris soin aujourd'hui de s'entourer de redoutables collaborateurs. Et tout d'abord de celui d'Olivier de Sat, qui est devenu le compositeur principal de la formation.
Pour enregistrer " Paradize ", la formation a également reçu le concours de Garreth Jones (Depeche Mode) à la coproduction. Des chansons sont même signées par des compositeurs de premier choix, tels que Gérard Manset, Ann Scott ou Valérie Rouzeau. Melissa Auf der Maur (Hole) partage même un duo avec Nicola sur l'intimiste " Le grand secret ". Une chanson à vous flanquer des frissons partout. Indochine n'a pas oublié ses compositions classiques de type hymnique. Et je pense tout particulièrement à " Mao boy ! ", qui mêle synthés organiques et arrangements de cordes, " La nuit des fées ", abordée davantage dans l'esprit de " Dancetaria ", ou encore " Posptitute ". Mais le plus intéressant procède des morceaux les moins habituels. A l'instar du percutant titre maître. Fruit de la rencontre du métal et du synthé pop, ce fragment est finalement plus proche de Paradise Lost ( ?!?!?) que de Depeche Mode. De métal il en est encore question sur " Marilyn ". Si vous pensez à Marilyn Manson, vous n'avez pas tout à fait tort. Le tempo de ce fragment est même très glam. Mais les lyrics incitent à la vie, pas à la mort. Nuance ! Des guitares, beaucoup de guitares sur cet elpee. Ténébreuses, spasmodiques, sur fond noisy, elles sculptent " Electrastar " sur un mode post punk digne de Placebo. Cold, atmosphériques, gémissantes, elles hantent " Le manoir ", du spectre de Cure. Tout comme sur l'incantatoire " Dark ", d'ailleurs. La new wave n'a pas été oubliée. Single potentiel réminiscent de l' " Aventurier " ou de " Canary bay ", " Punker " en est la plus belle illustration. Même le motif de guitare est légèrement reverb. Atmosphérique, énigmatique, cette new wave devient même parfois complexe, comme chez " Comateen I ". A cause des flambées d'électricité entrecoupées d'envolées mélodiques, un peu comme le pratiquait le trop méconnu Berlin Blondes, début des eighties. Tout aussi complexe, infesté d'accès de moog, " Dunkerque " opère d'incessants changements de rythmes. Sur fond de claviers caverneux, la ballade " Like a monster " permet à Nicola de stigmatiser… " Star Academy " (NDR : Bien vu !). Et si en final (" Un singe en hiver "), Indochine jette un coup d'œil dans le rétroviseur, la plus belle chanson demeure à mes oreilles, " J'ai demandé la lune ", une composition déjà sortie en single, qui deviendra, c'est une certitude un classique. Une mauvaise nouvelle quand même, une édition limitée de ce CD propose deux titres supplémentaires et un Dvd. Mais la quantité est limitée. Faudra se grouiller…
Septième œuvre du trio norvégien, "Sons of Northern Darkness" est également la première plaque du groupe pour l'écurie Nuclear Blast. Produit par Peter Tatgren, l'album perpétue la tradition du black métal pure souche. Sobre, froid et insidieux, il parvient à transcender un style rendu trop populaire, pour les puristes, par les stars de Cradle Of Filth. Sans sombrer dans le mauvais goût et l'imagerie tape à l'œil de ses frères d'armes, Immortal démontre ici parfaitement à quel point ce style, qui nous est si cher, est bien une musique de passionnés. Inutile de chercher un hit quelconque ou une tentative d'approche pour séduire un public plus large, Immortal demeure le groupe authentique vénéré par ses fans. Pourtant, si certaines plages épousent des rythmes plus lents et des tempos inhabituels, l'identité du trio infernal reste reconnaissable dès le premier riff. Le virage amorcé par "At the heart of the Winter" a assis Immortal dans la cour des grands. "Sons of Northern Darkness" est sans nul doute son album le plus abouti.
Nonobstant des prestations scéniques toujours aussi dévastatrices, cet ensemble écossais commet des disques de plus en plus pop, de plus en plus clean. On avait d'ailleurs déjà pu le constater sur l'une ou l'autre composition de son deuxième opus, " 100 broken windows ". Et à l'issue de l'écoute de son troisième, " The remote part ", le doute n'est plus permis. En fait, toute l'adrénaline punk, toute l'énergie pure, est ici canalisée à travers des mélodies contagieuses que ne désavouerait pas un REM du début des 90's. Et c'est tout à fait évident chez de nombreux fragments de cette plaque. A l'instar de " Life in a hiding place ", de " Century after century " ou encore de " Tell me ten words ". Même les plages les plus agitées adoptent un profil hymnique. Comme sur le post grunge, 'cobainesque', " A modern way of letting go ", du nouveau single potentiel " (I am) what I am not ", du fiévreux " Stay the same ", de " You held the world in your arms ", un morceau irrésistible traversé par un violon emphatique, ou encore du final " In remote part/Scottish fiction ", un final qui s'ébroue sur un profil acoustique avant de glisser vers la noisy. On a même droit avec " American english " à une ballade qui se consume lentement. En fait, toutes les chansons ont été écrites sur des guitares acoustiques, avant de prendre leur forme définitive. Ce qui explique, sans doute, pourquoi un feeling si délicat hante toutes les mélodies, mais peut paraître étonnant, lorsqu'on sait que les lyrics sont toujours aussi critiques et lucides, ne se contentant pas de poser des questions, mais également d'y répondre... Personnellement, j'ai un petit faible pour " I never wanted ", surtout à cause de ce refrain lancinant qui me rappelle tellement le Psychedelic Furs. Et ça, c'est un compliment ! Un chouette album.
" Umani " (NDR : je suppute que c'est en corse) veut dire ‘Humain’ (NDR : c'est en corse !) La barrière hermétique des expressions est cependant levée grâce au mélange opéré par Bernardin et ses acolytes entre les langues, les cultures et les couleurs du monde ; et aussi et surtout par la traduction des textes dans le fascicule du CD… 20 ans de carrière et quelques CD plus tard, I Muvrini accouche donc de son nouveau bébé, une création qui reflète leur perpétuel souci de rassembler les hommes et d'effacer les différences. Evidemment, la musique de l'album baigne dans la " world " (NDR : ou si vous préférez, dans la musique du monde), réalisant une hypothétique fusion entre Stephan Eicher et MC Solaar, avec deux chanteuses afghanes. 13 morceaux jalonnent cet opus, dont l'objectif ultime serait d'emmener l'auditeur en voyage à travers différents pays, par l'intermédiaire des sons et des chants. Dès la première écoute, on pense à l'ambiance, plus que particulière, communiquée par la BO du film " Before the rain ". Voulant respecter jusqu'au bout les traditions, I Muvrini s'est mis à jouer de la cornemuse, de la vieille roue et de l'accordéon, avec néanmoins des transgressions vers l'électronique. Très acoustique, le registre vocal se taille toutefois la plus grande part du gâteau. Pour convertis exclusivement…
I est originaire de Düsseldorf, comme Kraftwerk. Ce groupe dont on ne sait rien partage d'ailleurs avec les pionniers de l'électro-pop cette même propension à expérimenter à tout va, improvisant de longues plages méditatives et sinueuses dans lesquelles l'auditeur aime à se perdre. La grande différence, c'est qu'ici l'organique prend toujours le pas sur l'électronique, même si de timides incursions dans les sphères nébuleuses du numérique rapprochent parfois I de groupes comme Tarwater ou Labradford. Evidemment, avec ce genre de plages instrumentales et pleines de sursauts, I se pose également en digne héritier d'autres groupes teutons bien connus comme Neu ! et Can. Indispensable donc pour les fans de kraut-rock version 2002… Quant aux autres, l'écoute du fabuleux quatrième morceau, " Milhaus' Daydream ", devraient facilement les convaincre.
Pour fêter dignement ses 25 années de fructueuse carrière, le plus grand des groupes de heavy metal de tous les temps sort simultanément un très luxueux box renfermant trois doubles CD de raretés agrémentés de quelques gadgets, et un greatest hits qui couvre les singles les plus représentatifs du combo anglais depuis l'indémodable "Number of the Beast" jusqu'à nos jours. Le premier objet, fabriqué à 80.000 exemplaires seulement, plutôt onéreux, s'adresse aux fans hard core du groupe ainsi qu'aux collectionneurs de belles pièces. Le second, disponible en CD et en double picture-disc, cible le jeune public qui ne connaît d'Iron Maiden que l'image de sa célèbre mascotte Eddie. "Run to the Hills", "The Trooper", "Wasted Years", "Holy Smoke", "Flight of Icarus", "Futureal", "Fear of the Dark", figurent parmi les seize standards qui composent "Edward the Great". La compile constituerait la rondelle idéale pour une première approche, si la période Paul Di Anno - notre préférée - n'avait été totalement occultée. Donner une vision globale de la carrière de Maiden en oubliant son premier album et surtout l'incroyable "Killer", c'est un peu comme savourer un vieux Pomerol glacé ou une bonne Duvel bien tiède. Very british !
C'est vrai qu'on évoque rarement le rôle joué par le groupe qui accompagne Chris Isaak, lorsqu'on parle de son œuvre. Or, ses Silvertone sont d'une redoutable efficacité. Pourtant, James Calvin Wisley, le guitariste qui maniait la reverb à la manière de Duane Eddy, a cédé son manche à un certain Hershell Yatovitz. Ce qui explique sans doute pourquoi les sonorités de la six cordes sont devenues plus claires, parfois même bringuebalantes, à l'instar du défunt House Of Love. Deuxième changement, Erik Jacobsen qui jusque là avait produit toute la discographie du Californien, a été remplacé par John Shanks. Mais ici, franchement je ne perçois pas vraiment la différence.
Bref, venons-en au 9ème elpee de Chris Isaak. Les lyrics explorent toujours les mêmes thèmes : l'amour perdu, illusoire, les ruptures, les regrets, la solitude, ou les rencontres inattendues. Des lyrics qu'il chante de ce timbre de crooner si caractéristique, timbre qu'il semble avoir hérité à la fois de Roy Orbinson et de Johnny Rivers. Classique, quoi ! Ce qui a totalement disparu, c'est le rockabilly. Pour y laisser la place à des ballades mielleuses, pensez-vous ? Vous n'avez pas tout à fait tort ! Car ses épanchements de mélancolie envahissent la moitié de l'opus, même si l'indolent mais tellement poignant " Life will gone on " constitue l'exception qui confirme la règle. Faut dire que le recours à la guitare reverb n'y est pas étranger. Le reste se révèle beaucoup plus intéressant. Parfois même " remesque ". A l'instar du rafraîchissant " Courthouse " ou du cristallin " Somebody to love ". Remuant, dansant, plus synthétique, " Always got tonight " marche sur les traces d'un Beck. " Notice the ring " rend un hommage au rythm'n blues échevelé du J Geils Band. Enfin, le rock électrique n'a pas été négligé. Teinté de glam sur le générique de son show TV, " American boy ", il retrouve tout le feeling de son sens mélodique sur le remarquable " One day ". Dommage que tout l'album ne soit pas de cette trempe !
Petits compagnons de Cave In et de Botch au sein du label Hydrahead, Isis vient de franchir un pas supplémentaire en signant sur la label de Mike Patton, Ipecac. Tout aussi bien accompagné aujourd'hui (Fantômas, Melvins, Ministry), le groupe est en passe d'attirer l'attention à une échelle plus importante. Tout comme Cave In qui opère un changement musical assez important, Isis accentue de plus en plus l'aspect psychédélique de ses compos, développées tout en longueur et en modifications de tonalités. Des parties plus atmosphériques se font plus présentes au détriment des plus dures. Pratiquement oublié le hardcore ébouriffant de technicité : place à un rock, certes bien burné, répétitif et hypnotique, mais tout de même…. Au contraire de Cave In qui a mon sens perdait de son intérêt dans cette démarche, Isis se maintient malgré tout, mais pour combien de temps ? En tournée européenne dans les semaines à venir ? Qui sait !
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