A cours de l'an 2000, Naomi Yang et Damon Krukowski avaient collaboré avec la formation japonaise de psyché folk, Ghost. Une collaboration qui avait débouché sur la confection d'un album intitulé tout simplement " Damon and Naomi with Ghost ". A l'issue des sessions d'enregistrement, le duo est parti en tournée, emmenant pour la circonstance le guitariste du groupe nippon, Michio Kurihara. Un périple qui a transité par San Sebastian, en Espagne ; ville plébiscitée par le trio pour immortaliser cet événement. Les onze fragments de cette plaque sont issus de leurs trois premiers elpees. Une œuvre qui baigne au sein d'une solution sonore atmosphérique, mélancolique, alternant climats visionnaires, contemplatifs, lysergiques, cotonneux, fruit d'un mélange chatoyant entre cordes de guitares acoustique et électrique (NDR : torturées par de multiples effets de pédales), mélange purifié par les superbes et délicates harmonies vocales échangées entre les deux ex Galaxie 500. Des harmonies qui atteignent même parfois la magie d'un duo célèbre : Simon & Garfunkel. Un seul bémol, le ton parfois qui se plait dans la nonchalance. Une carence heureusement gommée dès que l'intensité électrique se fait plus présente. N'empêche, cet opus est largement au-dessus de la moyenne !
Fondé en 1997 par les deux sœurs (!?!?!) Amy Boone et Deborah Kelly, ce duo texan (Austin) est passé à un trio depuis l'arrivée du guitariste Rob Bernard. " Where it lands " constitue leur troisième album. Un disque découpé en 11 morceaux qui marque une nette évolution par rapport aux précédents opus. Bien qu'observant les règles fondamentales de la country, le combo adopte un certain profil pop et même parfois rock (" New Hope Cemetery "). Le temps d'un fragment, The Damnations peuvent même nous rappeler Belly ; mais l'instant suivant ils me font penser à Babes in Toyland. Allez donc vous y retrouver ! Leur rock particulièrement éclectique et versatile reste relativement agréable à écouter grâce, justement, aux différences de rythme imposées à chacune de leurs chansons. Les Damnations composent et interprètent toutes leurs chansons. Ce sont des artistes et non pas des adolescents pré-pubères en mal d'alphabétisation (NDR : pensez aux marionnettes de Star Academy, pour ne citer qu'eux). Le trio fait preuve d'un goût musical certain. La créativité est omniprésente. Enfin, l'échange opéré entre la voix d'Amy Boone et de Rob Bernard est un atout supplémentaire, qui confère à l'opus une touche particulièrement joyeuse...
J'ignore où la presse spécialisée ( ?!?!?) a pu comptabiliser cinq albums au crédit de ce tout jeune groupe de Brighton (NDR : le plus âgé doit aujourd'hui avoir 21 ans !) ; car ce " Holes in the wall " constitue son premier opus. A ce jour, la formation a donc commis trois doubles singles, deux singles et un elpee. Point. Drivé par les frères White (Tom, le drummer responsable de la composition de la plupart des chansons et Alex, le guitariste/chanteur), The Electric Soft Parade a bénéficié de la collaboration de Chris Hughes et de Mark Frith (Gay Dad, Tom Mc Ray), à la coproduction de cet opus. Un disque dont les chansons trempent dans la britpop. Et le plus souvent dans l'esprit des Boo Radleys ou d'Ash. Douze fragments qui oscillent du plus pétillant, juvénile, électrique, au plus tendre, mélancolique. Le tout subrepticement teinté d'un léger voile de psychédélisme. Le seul hic, c'est que parfois on a l'impression que les mélodies sont calquées dans le même moule. Il y a bien quelques exceptions. Et en particulier le fulgurant " Start again ", célébrant une hypothétique rencontre entre Air et Weezer, le récréatif " Empty at the end " (Supergrass ?), l'énergique " There's a silent ", sorte de Blur ayant opté pur un tempo new wave, le vindicatif, rageur, " Why do you try so hard to hate me " et le final 'lennonesque' " Red balloon for me ". Sans quoi, ce morceau de plastique devrait plaire à celles et ceux qui attendent impatiemment le retour de Marion, Mansun, Geneva et consorts…
L'année passée déjà, Missy Elliott avait cassé la baraque avec un album grandiose, " So Addictive " : 2002, Missy enfonce le clou. Avec Timbaland (toujours) aux manettes, Missy confirme son statut de reine du hip hop en continuant son défrichage tout terrain. Sans cesse en avance sur son temps, elle n'en oublie pas pour autant de nous faire danser : après l'énorme " Get Ur Freak On ", voilà " Work It ", et bien d'autres … Mais comment fait-elle ?
Pour son premier album solo, l'ex-Company Flow s'est entouré de la crème de l'avant-hop, celle-là même qu'il produit sur son excellent label Def Jux. Aesop Rock, Vast Aire de Cannibal Ox, Mr Lif et bien d'autres représentent en effet cette nouvelle mouvance de hip-hop, avant-gardiste et difficile, à l'origine de secousses telluriques sans précédent dans le monde aseptisé du rap américain. De déflagrations soniques en concassages industriels de beats salaces, le rap savant d'El-P n'est donc pas fait pour les douillets d'oreilles : l'écouter, c'est craindre de voir ses repères chamboulés, son confort auditif mis à mal… Mais au bout de ce fantastique voyage en eaux troubles surgit un nouveau sentiment, celui d'avoir participé à une révolution, celle du on, du flow, du rap, de la musique. Bien des efforts sont à accomplir avant d'apprécier ce disque à sa juste valeur, mais une fois ses secrets dévoilés, c'est avec certitude qu'on se dit tenir là une nouvelle pierre angulaire du hip hop, rien que çà. " Fantastic Damage "… Jamais titre n'avait été si révélateur.
Tout comme Oasis, Embrace est drivé par deux frères. Et tout comme la bande aux frères Gallagher, celle des frangins Mc Namara émarge à la britpop. Mais ici s'arrêtent les comparaisons, car si Embrace embrasse ( !?!?!) une britpop hymnique et contagieuse, elle s'inscrit davantage dans l'esprit de The Verve circa " Bittersweet symphony ". A cause des arrangements de cordes et de cuivres luxuriants, parfois même un peu trop. C'est sans doute la raison pour laquelle, à ce jour, le groupe d'Huddersfield a essentiellement cumulé les hit singles. Onze à ce jour. Qui figurent sur cet compile. Et parmi lesquels on retrouve six extraits du premier elpee, " The good will out " (NDR : leur meilleur !), dont " Come back to what you know " et " All you good good people ". Le disque inclut également la version 12 inches de " The good will out ", ainsi qu'une adaptation live de " 3 is a magic number ". Une belle opération de marketing pour une formation qui éprouve toutes les peines du monde à confirmer tout le bien qu'on avait pu penser d'elle. Et qui, en outre, a bien du mal à se renouveler. On a même parfois l'impression que certaines mélodies se ressemblent…
Troisième opus pour la star la plus controversée du hip hop. Et pour cause, après avoir commis deux plaques plus que sulfureuses (" The Slim shaddy " en 99 et " The Marshall mathers " l'année suivante), il nous revient avec des lyrics toujours aussi torturés, mais encore plus acerbes et dévastateurs. Non content de s'attaquer au gouvernement Bush, dans le cadre des événements du 11 septembre, mais il s'en prend cette fois à Limp Bizkit, Nsync et même à Moby. Et puis également à une bonne partie de sa famille. C'est même à elle qu'il réserve l'essentiel de sa diatribe. En fait, il ressasse les problèmes personnels qu'il a vécus au cours des deux dernières années. Son divorce, la rupture avec ses parents, l'ont beaucoup fait souffrir. Et dans son style et son langage très châtié, il règle quelque part ses comptes. Même ses marques d'affection sont nauséabondes. Eminem vit son propre show musical. Il imagine même le concept de sa vie comme un spectacle. Ce qui explique le titre de la plaque. Et pour véhiculer sa prose, il recycle disco, funk et surtout le rock des seventies. En particulier celui de Led Zeppelin et d'Aerosmith, auquel il a voulu pomper le max de vibrations. Beats détonants en cascade, riffs de guitare puissants, rythmes tempétueux : tout y passe. Mais sur un mode hip hop. Et pour l'aider, on retrouve l'inévitable Dr Dre, qui produit par ailleurs l'elpee. Toutes les plages du disque sont une réussite et la plupart sont déjà ou deviendront des hits. A l'instar du très connu " Without me " ou encore de " Cleanin up my closet ". Si vous en doutiez encore, Eminem est une des valeurs les plus sûres de la scène hip hop. Une raison de plus pour vous procurer cet elpee, les yeux fermés.
Il est fort à parier que The Faint aurait fait un malheur… il y a 20 ans, au temps de Soft Cell, Front 242 et Fad Gadget. Pourtant, ce " Danse Macabre " 100 % EBM sort aujourd'hui à grand renfort de pub, comme si ces derniers temps le look ‘corbeau’ était de rigueur, et l'intégrale d'Human League érigée en influence majeure. The Faint ne contribue donc en rien à l'évolution de la musique, et ses beats parfois ridicules ne peuvent nous empêcher de sourire… Toujours est-il, sans ironie, que les chansons de ce " Danse Macabre ", à défaut d'être originales, se révèlent souvent jouissives. Après tout, quel courant musical de ces trente dernières années n'a pas encore fait l'objet d'un revival fracassant ? En plaidant certes coupables (les Américains de The Faint n'ont sans doute plus écouté de musique depuis 82), ces paillards du gros BPM ont accouché d'un album régressif mais festif. Avec l'elektroklash dans tous les magazines et le punk sur le retour, The Faint n'est finalement pas si décalé que ça… En assumant son côté rétro-futuriste avec une belle morgue et, surtout, de sacrés refrains, ces petits profiteurs nous ont bien eu. Qu'il s'agisse d'un coup de marketing ou d'une rigolade entre amis fans de Depeche Mode, " Danse Macabre " bluffe donc son monde… Jusqu'à la prochaine mode.
Billy Corgan (Smashing Pumpkins), Beck, Jarvis Cocker (Pulp), Etienne Daho et Damon Albarn (Blur) sont venus donner un (gros) coup de main, lors de l'enregistrement du dernier album de l'ex égérie des Stones. Un disque beaucoup plus pop, généreusement alimenté de sonorités électro-organiques, rappelant même parfois les débuts de Depeche Mode. On est ainsi à des années-lumière du théâtre musical qu'elle avait célébré du milieu des années 80 à la fin des 90's. Et en particulier lorsqu'elle a revisité l'œuvre de Kurt Weill. Enfin, pas pour les lyrics, puisque suivant son habitude, Marianne fait la part belle aux textes autobiographiques. Faut dire que son vécu a de quoi alimenter sa plume. Elle rend également un hommage à la défunte chanteuse du Velvet Underground sur " A song for Nico ", une composition qui bénéficie, en outre, des arrangements de Dave Stewart. Un disque au climat crépusculaire, hanté inévitablement par la voix douloureuse, nicotinée et fiévreuse de l'artiste…
Après avoir commis un elpee empreint de majesté symphonique ("The soft bulletin"), les Flaming Lips nous reviennent avec un opus gorgé de sonorités électroniques organiques. Surtout sur les premiers fragments du disque. A première écoute, ces interventions synthétiques sont plutôt surprenantes, pour ne pas dire dérangeantes. Mais au fil du temps, elles se fondent dans l'ensemble pour faire partie intégrante de leur expression sonore. Une assimilation qui devient plus facile lorsqu'on saisit le message de Wayne Coyne développé tout au long de cet opus. On est même plus très loin du concept album, même si Coyne en rejette l'idée. A la limite, les Flaming Lips viennent peut-être de réaliser leur Tarkus (NDR : si vous ne connaissez pas ce classique du prog rock, allez donc voir la biographie d'Emerson Lake & Palmer). L'histoire met ici en scène une petite fille qui combat des robots. Une imagerie naïve qui en dépit de toutes ses références à la machinerie, demeure fondamentalement humaine. Parce qu'elle est consacrée à l'analyse de thèmes existentiels comme l'amour et la mort.
Pour enregistrer cette nouvelle plaque, les Lips ont reçu le concours de Yoshimi P-we, une jeune chanteuse japonaise impliquée à la fois chez l'ensemble de psyché noise expérimental Boredoms, et chez OOIOO. En fait de chanter, on l'entend surtout déclamer et hurler chez le chaotique organisé " Yoshimi battles the pink robots pt 2 ". Autre invité, mais de marque : un musicien de Mercury Rev ! Pas Jonathan Donahue le chanteur (NDR : il avait joué chez les Lips, à leurs débuts), mais le bassiste Dave Fridman. A la production, tout d'abord. Parfois à la basse. Mais aussi, et c'est plus étonnant, il a collaboré à l'écriture de quelques morceaux. Ce qui explique sans doute pourquoi, les arrangements de cordes sont parfois aussi somptueux. A l'instar de " Do you realize ??", nonobstant cette ligne de basse ténébreuse, ‘joydivisionesque’. De l'atmosphérique, psychédélique et visionnaire " It's a summertime ", une chanson embuée de nuages de cordes et de backing vocaux angéliques. Et puis du space rock épique, mélancolique, délicatement agité par un tempo hypnotique, " Ego tripping at the gates of hell ". L'album s'achève pourtant par un instrumental plus filmique, sorte de bande sonore pour western contemporain intitulé " Approaching Pavonis Mons by balloon ". Excellent !
Au sein de Firewater, on retrouve l'ex Cop Shoot Cop, Tod A. Un personnage qui compose, chante, joue de la basse et du mellotron. Il écrit des textes réalistes, souvent sur la mort et les drogues. Des textes teintés d'un humour sarcastique, qu'il interprète de son baryton rocailleux, sur une musique pop/rock particulièrement vivifiante. Les guitares occupent d'ailleurs une place assez importante dans cet univers sonore. Mais également les claviers liquides ou le piano spectral. Ainsi que la basse qui communique un véritable groove viscéral aux chansons, trsè souvent hymniques ; surtout lorsqu'elles sont abordées dans l'esprit d'un certain Nirvana. L'opus recèle cependant quelques surprises. A l'instar du titre maître, dont la mélodie semble avoir été pompée chez Madness. Du psyché folk tribal " 7th avenue static ", au sein duquel violon, piano sonore et électricité sonique font bon ménage. Du menaçant " The man with the blurry " qui célèbre une rencontre hypothétique entre Atomic Rooster et Boss Hog (NDR : à moins que ce ne soit le Jon Spencer Blues Explosion). Du tango ténébreux " Black box recording ". Et puis de ce duo échangé entre Tod et Jennifer Charles d'Elysan fields sur " Bad bad world ", qui prend des accents britpop réminiscents de Supergrass, lorsqu'il aborde le refrain. Deux fragments libèrent, en outre, une pèche d'enfer : tout d'abord les contagieux " Woke up down " et " Get out of my head " ; et enfin le puissant et cuivré " Car crash collaborator ". Excellent !
Les Firebirds nous viennent d'Angleterre, comme, jadis, les Shadows. La comparaison ne s'arrête pas là, puisque cet album regorge d'hymnes surf-rock stupides mais jouissifs. C'est que les Firebirds, quatre apaches, deux paires d'as, manient la guitare (et le reste) comme personne : solos à la pelle, dégoulinants à souhait comme un bon vieux " Misirlou " piqué à Dick Dale, ululements de vieux pervers romantiques, lyrics binaires (" Got A Girl ", " Go Ahead And Cry ", " Let Down ",…). Dommage que Tarantino les ait oubliés pour la BO de Pulp Fiction : ils auraient fait un malheur ; et Travolta en aurait encore les genoux qui tremblent. En 15 titres (instrumentaux et chantés) d'à peine deux minutes, les Firebirds nous rappellent la grande époque de Jerry Lee Lewis, du rockabilly et du doo wop. Un conseil : écoutez-les au réveil, histoire de vous donner une pêche d'enfer. Wow, rock'n'roll, baby !
Sur le premier titre, " Mista K ", on croirait entendre Muriel Moreno, la chanteuse de Niagara. Comme début, c'est déjà pas l'ambiance… Un comble pour un groupe qui se nomme " Funk For Sale "… " A vendre ", donc, mais quoi au juste ? De la lounge comme on en fait aujourd'hui au kilomètre, passe-partout, parfaite pour meubler le silence, tapisser l'ambiance horeca de ses nappes downtempo sans sucre ni conservateurs. Heureusement, quand Funk For Sale délaisse ses tics loungy pour un rythme plus enlevé, des beats plus casse-cou, on sort de notre torpeur digestive pour s'aventurer sur le dance-floor : " Loco " et " Sexy " croisent ainsi Bob Sinclar avec Stardust, et nos jambes se dégourdissent… enfin. Dommage que pour le reste, " Many Ways " n'emprunte qu'un seul chemin, celui balisé et sans détours (ni virages) de la lounge décorative et sainte-nitouche. " A vendre " ? Oui, mais dans un bac à soldes (ou à provisions).
Venu directement d'Amérique, ce groupe d'électrons libres semble avoir bien appris la leçon de ses collègues techno-baba d'Outre-Atlantique, les Boards of Canada. Même volupté pastorale et rafraîchissante, même langueur minimaliste aux réminiscences psychédéliques, même douceur dans l'expérimentation et dans le choix des textures. Evidemment, tout ça n'est pas très malin (a-t-on besoin d'un Boards of USA ?), surtout quand on connaît la technophobie de nos chers yankees, à peine friands du boum boum pouet pouet de Praga Khan et de Fatboy Slim. " Slower than church music "? Mmm! Ce titre en dit long sur la marchandise, certes… Mais est-ce la bonne technique pour attraper le gros poisson (entendez : le fan de nu-métal ou de hip hop bon marché) ? A qui s'adresse ce CD ? Aux fans de Boards of Canada ? Oui oui… D'ailleurs, où est passé mon " Geogaddi " ?
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