Cet elpee fait figure d'OVNI dans le paysage prog de l'an de grâce 2002. Franc-tireur anachronique et singulier, Galahad n'en est pas moins l'auteur d'une œuvre 'originale', séduisante et captivante. Comment oser qualifier d'" original " un album qui, telle la madeleine de Proust, évoque tant de souvenirs ? Il est indéniable que ses concepteurs ont beaucoup écouté des groupes aussi variés que Yes, Asia, Porcupine Tree, Hawkwind, Tangerine Dream et j'en passe… Mais il faut saluer leur capacité à réinventer la syntaxe d'un vocabulaire emprunté, à assembler des mots antagonistes en alexandrins chatoyants, puis en poèmes puissants et longs en bouche.

Après une introduction composée d'errements électroniques espiègles, la deuxième plage lance les hostilités avec panache. La magistrale combinaison d'une rythmique irrésistible et de riffs synthétiques superbement distribués nous plonge dans un espace sonore immense. Et même si la suite n'est pas intégralement à la hauteur, elle réserve suffisamment de moments de bravoure pour mériter une mention spéciale. En fait, la référence la plus évidente, dans l'architecture d'ensemble, consacre Alan Parsons Project, dont Galahad conserve aussi la prédilection pour les morceaux chantés à tempo lent et richement orchestrés. Mais l'APP des meilleurs jours, avant qu'il ne devienne insipide. Et avec cette réserve que Galahad ménage quelques ponctuations très énergiques, transitions facétieuses et cassures pertinentes telles qu'on n'en a jamais entendu chez APP. Par ailleurs, le CD offre de longs soupirs romantiques ou expérimentaux aux notes de synthé aussi capricieuses que le vol d'un papillon. Le chanteur possède une voix fragile mais bien expressive. A deux reprises, il reçoit l'aide d'un John Wetton en colère. Les sonorités sont variées : du hautbois à la trompette, de l'orgue d'église à la flûte, sans oublier les bidouillages électroniques très nombreux. Le souci du détail ainsi qu'une production valorisante finalisent cet ouvrage comme une dentelle de Bruges. Galahad a ainsi le mérite de parcourir de vieux sentiers peu fréquentés, leur restituant une bonne praticabilité grâce aux techniques modernes et un brin d'ambition personnelle, mais sans en trahir le décor naturel. Il ne manque vraiment qu'un morceau phare pour que cet album soit absolument incontournable. N'empêche, on en redemande !

Roy Gaines avait commis, il y a peu, "New Frontier lover". Un superbe album paru sur le label Severn, au cours duquel il se révélait comme un brillant successeur de T-Bone Walker. Roy a été élevé à Houston, au Texas. Ce qui explique, sans doute, sa vénération pour T-Bone. A l'instar de ce dernier, il a aussi émigré vers la Côte Ouest, du côté de Los Angeles. Il est ici entouré de sa formation californienne.

"Standing up for women's rights" s'ouvre par un riff de guitare que n'aurait pas renié un artiste rock. Il y milite pour les droits de la femme, à travers un R&B puissant, appuyé par la ligne de cuivres composée, il est vrai, de fameux musiciens : George Pandis à la trompette, Troy Jennings au sax baryton et le plus que célèbre Johnny Viau au sax ténor. Cette assise est parfaite et idéale pour libérer les cordes inspirées de Gaines. Roy est aussi doué d'une voix puissante, forgée dans la lignée des shouters du blues. Elle est très inspirée sur le rythmé "Wolfman", au cours duquel sa guitare au son métallique, soutenue par le travail au piano de Neil Wauchope, ne demande qu'à s'évader. Gaines a la réputation d'être un parfait showman. Une bête de scène. Il n'hésite pas à utiliser tout un arsenal de "pyrotechnies", et de se servir de son manche à gratter dans toutes les positions. Parfois empruntée au style cher à Carlos Santana, la partie de guitare sur "Hind ends and elbows" est divine. Troy Jennings y prend son ticket au baryton. Introduit par la trompette de Pandis, "I got my thang on you" laisse ici le champ libre à la guitare, dont les cordes sont parcourues à la manière de T-Bone. Un blues au tempo semi-lent et au feeling jazz. Une longue plage rondement menée au cours de laquelle chaque musicien est mis en exergue. Et c'est ici qu'on se rend compte que le pianiste et les saxophonistes sont habitués de jouer ensemble (NDR : écoutez-les sur des albums de Jimmy Morello, de Kris Wiley, de Richard Boals ou de Candye Kane). J'adore la tonalité de la voix de Roy sur le blues coloré "Lucille works for me". Les cuivres y sont intenables et le travail en dentelles, exercé par la guitare, sur la trame de base de T-Bone, est remarquable. Faut dire que le gratteur est génial ! Imprimé sur un rythme enlevé, "Too many men" est une autre composition maison. Roy éclabousse une nouvelle fois le public par son incontestable talent. Le travail accompli au piano par Neil Wauchope sur "Rag blues" baigne dans le swing jazz. Les cuivres nous y font vibrer comme à la meilleure époque du ragtime et du dixieland façon New Orleans. "Petrol for your tank" marque le retour au R&B façon Stax. Les musiciens sont décidément à l'aise sur tous les terrains! "W.C Handy sang the blues" campe un tout bon blues imprimé sur un tempo modéré. Introduit par un riff que n'auraient pas renié les Rolling Stones, " Southern women " renoue avec le bonheur de goûter à l'immersion d'une guitare au cœur des cuivres. Un excellent album qui s'achève dans la douceur veloutée qui berce la Crescent City : "New Orleans". Nous quittons alors ce festival de blues qui s'est déroulé à Lucerne ce 9 novembre 1991, le cœur léger, heureux d'avoir pu goûter à ces exercices de style aussi remarquables…

Honnêtement, j'ai l'impression que l'Archange a dû traverser des moments très difficiles pour enregistrer une œuvre aussi sombre. Une sorte de concept album au cours duquel, sur plus de la moitié des morceaux, il pose des réflexions sur la séparation, la mort et la douleur qu'elle engendre ; même si régulièrement il laisse une place à l'espoir.

Hormis le récréatif et funkysant " The Barry Williams show ", réminiscence de " Sledgehammer ", on ne rigole pas beaucoup à l'écoute d'" Up ". Certaines plages ne manquent pourtant pas de mordant. Et je pense tout particulièrement à " Growing up " et à " More than this ", deux morceaux électro-tribaux. Le premier 'björkien', boosté par un groove de basse viscéral. Le second, truffé de samples. Ou encore du semi post industriel, semi atmosphérique, " Darkness ". Mais au fil de l'écoute, une profonde mélancolie commence à vous envahir ; le ton particulièrement intimiste et pessimiste des chansons accentuant cette impression. Depuis " Sky blue ", qui bénéficie pourtant du concours des choristes du Blind Boys of Alabama et surtout de l'omniprésence de Daniel Lanois ( percus, machines, guitare et bidouillages) à " The drop " (NDR : tout au long duquel il se la joue à la Peter Hammil, en accompagnant sa voix de son seul piano, avant de sauter dans le vide), en passant par la prière filmique (Ennio Morricone ?) " No way out ", l'éthéré, 'wyattien' " My head sounds like that " (falsetto, cuivres et mellotron y compris), et deux symphonies contemporaines, prog rock. Tout d'abord " I grieve ". Mais surtout " Signal to noise ". Une compo qu'il avait conçue et jouée 'live', en compagnie de Nusrat Fateh Ali Khan, mais également de Youssou N'Dour. NFAK participe à cette nouvelle mouture, mais également le London Session Orchestra. Sans oublier les percus de The Dohl Foundation. Le tout pour un fragment bouleversant de mélancolie. Beau à pleurer ! Comme d'hab, le Gab s'est entouré d'une pléiade de musiciens de studio, parmi lesquels on retrouve les incontournables Manu Katche, Tony Levin et David Rhodes. Mais faudra vraiment être un inconditionnel de Gabriel pour apprécier cette œuvre, car nonobstant l'intensité phénoménale qu'elle libère, elle n'est plus dans l'air du temps ; et surtout, elle m'a foutu le bourdon. Là dessus je m'en vais remettre Manu Chao dans mon lecteur Cd…

Robert Pollard sort des disques comme Lucky Luke dégaine son colt : plus vite que son ombre. Presque tous les ans, lui et ses potes se rappellent ainsi à notre bon souvenir, par des albums souvent pleins à craquer de chansons foutraques mais attachantes. Cette fois-ci encore, Guided By Voices a donc mis les petits plats (des titres courts) dans les grands (beaucoup de titres), même si quantité ne rime pas forcément avec qualité. C'est en effet là que réside le gros problème de Guided By Voices : à force de vouloir remplir son quota de vingt chansons par galette, l'inspiration se dilue, et notre patience avec. D'autant plus que Pollard, comme à l'accoutumée, n'a guère pensé à terminer ses chansons… Résultat : des demi-tubes, des hits étouffés dans l'œuf, des impressions de refrains mais jamais des certitudes. " Vite fait bien fait " semble avoir toujours été la devise de Pollard. Cette fois-ci c'est bonbon, tant le goût d'inachevé reste en travers de la gorge. M'enfin, c'est pas si grave… Rendez-vous l'année prochaine !