Si j'avais dû rédiger cette chronique, à l'issue de la première écoute de cet elpee, je dois avouer qu'elle aurait été largement négative. J'ai donc pris la peine de réécouter cette plaque, afin d'étayer la critique. Depuis, mon avis est un peu plus mitigé. En fait sur les 13 fragments qui composent l'opus, six sont franchement dispensables, lorsqu'ils ne sont pas soporifiques. Mais le reste ne manque finalement pas d'allure. Depuis la délicate ballade " Never grow old " au postcard (Smiths ?) " Do you know ", en passant par le single vivifiant et hymnique " Analyse ", le syncopé " Time is ticking out ", le classique " This is the day ", le titre maître, dont la mélodie onctueuse est littéralement dynamisée par les riffs de guitare bringuebalants dispensés par Noël Hogan ainsi que l'allègre et contagieux " I really hope ". Des chansons sur lesquelles la voix haut perchée de Dolores O'Riordan atteint toute son amplitude. Sur l'édition limitée de ce " Wake up and smell the coffee " figure une version " live " de Salvation ", accordée à Paris ; et puis une très jolie cover d' " In the ghetto " de Presley, rehaussée par la présence d'une slide guitar, question du lui conserver un parfum country. Un elpee qui a bénéficié, en outre, du concours de Stephen Street (Smiths, Morrissey, Blur), à la production.
Pour fêter la naissance de son nouveau label ‘Abracadaver’, le groupe de black métal le plus ‘soft’ du moment s'est fendu d'un Ep qui prend en définitive les allures d'un véritable album. Quatre nouveaux titres, deux instrumentaux, une reprise du sublime "No Time to Cry" de Sisters of Mercy, et le réenregistrement de trois vieilles compos. Voilà le menu de ce "Bitter suite to Succubi" qui, loin d'être indispensable, possède néanmoins certains ingrédients qui ont fait hurler à la mort ceux pour qui le récent "Midian" demeure le chef d'oeuvre ultime du Filth. Les quatre nouvelles plages restent dans cette veine, mariant parfaitement black furieux, heavy métal aux envolées symphoniques et gothic rock vampirique. La cover de Sisters donne une nouvelle vie, plus heavy, à cet hymne du rock "misérable" ; mais on ne voit pas bien l'intérêt d'avoir inclus des versions de vieux titres qui restent finalement très similaires aux compos d'origine. Côté présentation, le livret 20 pages et le Cd-picture nous replongent avec délice dans l'univers glauque, horrifique et ‘outretombesque’ que le band a su si bien cultivé depuis l'avènement de son règne, dans la galaxie du métal noir de noir.
Passé le premier fragment, "Open" s'ouvre (!?!?!) littéralement à de nouvelles perspectives sonores. En fait, cette composition, dont les sonorités éthérées sont hantées par le timbre vocal cristallin et plaintif de Margo Timmins, renouent avec la fragilité intimiste des compositions du deuxième opus, " The Trinity session ". Dès " Dragging hooks ", Cowboy Junkies nous entraîne dans un univers totalement différent. Enfin, il nous plonge alternativement au sein de deux univers. Tout d'abord pop. Dans l'esprit de Texas. Mais le Texas de " Mother's heaven ", c'est à dire son meilleur opus. Le ton y est même allègre, et les mélodies presque contagieuses. Ensuite, et le trio canadien y est vraiment comme un poisson dans l'eau, le psychédélisme. Pas un psychédélisme narcoleptique, auquel il nous avait habitué, mais un psychédélisme atmosphérique, légèrement bluesy, à forte coloration ‘west coast’. Pensez à Jefferson Airplane et à Grateful Dead. Pas pour rien qu'en 1991, les Junkies avaient rendu un hommage à la bande du défunt Jerry Garcia, sur " Deadicated ". Et ces quelques titres (NDR : les plus longs !) rougeoient, scintillent, consument leur intensité au contact du feedback des cordes de guitares, pendant que les drums et la basse font des queues d'aronde et que les claviers se liquéfient. Parfois un harmonica traverse l'espace sonore, histoire de préserver le climat ténébreux des compositions. Car la voix de Margo est beaucoup plus claire et affirmée, nonobstant les lyrics toujours aussi lugubres, désespérés et torturés. Une excellente surprise !
Parler d'une pochette, c'est souvent mauvais signe. Pourtant, ce n'est pas dévaloriser les chansons que de signaler d'emblée le talent d'illustrateur de Charlélie Couture, dont les dessins parsèment tout le livret du CD. Et ce CD vaut le détour. Charlélie commence en force par deux titres bien enlevés. " Je m'attache à toi " et " On aurait pu s'aimer " (ah ‘si on avait pris le même taxi à ton retour d'Abyssinie’ ou ‘si t'avais souri à mes jeux de mots zarbis’). Il joue ensuite avec les mots et les chiffres (109- sang neuf), se laisse aller au rap et propose même quelques titres en anglais. Sa voix particulière nous fait alors penser au jeune Lou Reed, et même plus particulièrement, pour ceux qui s'en souviennent, au chanteur du groupe suédois The Leather Nun. Etonnant !
Johnny Clyde Copeland est né en 1937 à Haynesville, en Louisiane. Bien avant ses 20 ans, il s'était établi à Houston, la cité de Lightnin' Hopkins, Albert Collins et Joe Hughes. Au début des 60s, il enregistre pour deux labels de Houston, All Boy et Paradise. Sous-titré "The Houston sessions", cet opus recèle sept plages enregistrées de 1960 à 64 ; dont je retiendrai surtout une excellente version, quoique dépouillée, de "Rock me baby", investie par le piano de Connie Mack Booker ; et "Mama told me", un bon blues sur lequel la guitare, soutenue par le piano de Ronnie Baron, est en verve. Les ballades R&B qui complètent ces sessions ont assez mal vieilli. En 1971, il se fait James Brown pour interpréter le funky "Soul power". Par contre le très lent "Ghetto child" est une superbe ballade qui emprunte à la mélodie de "House of the rising sun". Sur "Proving time", il redevient James Brown Nous sommes alors en 1975, au beau milieu de la vague disco. Trois excellents titres proviennent d'une session finale accordée en 1990 : "Let me cry", le très swamp "House of many tears", et surtout le meilleur, le paresseux, que Johnny chante de cette voix envoûtante, riche en relief, puissante, taillée pour chanter le blues, " Please, let me know "…
Steve et Jim sont deux harmonicistes basés à Milwaukee, dans le Wisconsin. Deux vieux amis qui ont donc décidé d'enregistrer ensemble, un album partagé entre guitare, harmonica et chant. Au cours des trois dernières années, ils se sont produits en duo acoustique. Histoire de recréer la musique typique des années 40, lorsque les bluesmen du Mississippi montaient vers le Nord pour rejoindre Chicago.
Nos compères jouent le blues depuis les 60s. Jim a aujourd'hui plus de 50 balais. Il avait sévi au sein d'A.B Skhy et de Short Stuff. Steve est âgé de 43 ans. Il a débuté chez le Stone Cohen Band avant de devenir le leader du Leroy Airmaster. Ils se sont bien répartis les tâches.
Steve s'est réservé l'essentiel du chant et de la guitare, et Jim la majeure partie de l'harmo. Ce festin de musique à bouche épingle quatre duos d'harmonica. Une ouverture assez extraordinaire, le "Parchman farm" de Mose Allison, "Rocket 88" dont le dialogue final nous transporte dans la bouche des musiciens, "Walkin blues" et "Done all my singing". Liban a du tonus, du caractère. Il module ses interventions avec une aisance de tous les instants. A l'instar de "Ain't that lovin you" de Jimmy Reed. Echange de procédés sur une autre composition de Reed, "Big boss man". Jim chante et gratte les cordes tandis que Steve souffle.
L'interprétation saturée d'émotion de "Louise" constitue le moment le plus frémissant de cet opus. Une chanson que Big Walter Horton chantait si bien. Et cet excellent exercice de style se termine par le "Lousiana blues" de Muddy Waters.
Après avoir passé six longues années dans un monastère, Léonard Cohen s'est enfin décidé à refaire surface. En sortant bien sûr ce nouvel opus. Une période au cours de laquelle, il n'a pas chômé, puisqu'il a écrit plus de 200 poèmes. Egal à lui même, il nous propose, ma foi, un album fort classique. Simplicité, dépouillement, harmonie, intimisme et quiétude reflètent toujours cette recherche profonde de la vérité. Côté musical, la texture repose sur un tempo hypnotique délicatement découpé dans un folk revisité par le rythm'n blues nightclubbien. Pour enregistrer cet opus, Cohen a reçu, bien évidemment, le concours de ses deux meilleures amies qu'il côtoie depuis plus de vingt ans. En l'occurrence Sharon Robinson, responsable de la musique et des backing vocaux ; et puis Leanne Ungar à la production. A près de septante piges, le poète américain vient de démontrer qu'il avait encore de beaux restes ; et puis rassurera, sans aucun doute, tout ceux et toutes celles qui le considèrent comme une figure de référence de toute la nouvelle génération de songwriters…
Depuis que le label Flying Nun n'est plus distribué chez nous (NDR : mais existe-t-il encore ?), les formations néo-zélandaises ont pratiquement disparu du paysage musical. Ce qui est dommage, car cette scène antipodale a donné naissance à des groupes aussi remarquables que les Verlaines, JPS Experience, Bats, Bailter Space, The Clean et j'en passe. Fondé en 1978, séparé en 81 et reformé en 89, The Clean avait d'ailleurs ouvert la voie à la reconnaissance internationale de cette scène. Et s'il jouit encore aujourd'hui d'une aussi flatteuse réputation, c'est parce qu'il est parvenu à changer plusieurs fois de label. Influencé à l'origine par le poscard (Orange Juice, Aztec Camera), le krautrock (Neu, Can), les Go Betweens, New Order, Wire et Television, il est lui-même devenu une référence incontournable pour des ensembles émargeant à la lo fi tels que Pavement, Guided By Voices et Superchunk. Son dernier opus remonte quand même à cinq bonnes années. Et son nouvel album est toujours aussi imprévisible et énigmatique. Parce que plusieurs fragments expérimentaux, psychédéliques, le plus souvent instrumentaux entrecoupent des chansons pop à la crudité mélancolique, ciselée dans une électricité torturée, grésillante, vivace ou des cordes de guitare semi acoustique à l'intensité troublante; le tout imprimé sur un tempo hypnotique procuré par des drums âpres, arides, au gré de mélodies particulièrement contagieuses, mais clean, très clean…
Auteur des tubesques "Nigger" et "The truth", deux titres imparables de la bombe "Deaf dumb Blind" (Warner) qui explosa dans toute l'Europe en 1994, Clawfinger, associé à l'époque à l'école Rage Against The Machine, a du se battre pour parvenir à retrouver un contrat solide avec un label qui lui permettrait de relancer sa carrière. C'est finalement le prolifique Gun et surtout la major BMG qui a récupéré le groupe toujours basé aujourd'hui à Stockholm. Ce quatrième effort ramène Clawfinger dans la course, avec une sérieuse avance sur ses concurrents. La production est énorme, les guitares du tandem Tostensen/Erlend nous assènent une avalanche de riffs implacables, les compos sont presque toutes des hits en puissance. Saluons la reprise aventureuse du sublime "Vienna", hit new wave des années 80 que l'on doit à Ultravox, et une autre de "Manic Depression", un classique du répertoire d'Hendrix. De l'excellent travail, un succès assuré!
Ce guitariste que l'on surnommait ‘God’, au milieu des années 60, a traversé plusieurs générations. Cette longue carrière musicale de près de 40 années a été immortalisée par des épisodes aussi remarqués que remarquables. En particulier les Yardbirds, Bluesbreakers, Blind Faith, Derek & the Dominoes et surtout The Cream. Enfin depuis un quart de siècle, elle s'est poursuivie sous son étiquette individuelle.
" Reptile " est un terme de reconnaissance, pas une insulte, nous confesse le fier Eric qui dédicace son nouvel album à son oncle Adrian récemment disparu. Le plus important de tous les reptiles, à son idée.
L'album s'ouvre d'ailleurs sur un joli instrumental, un tantinet jazz et baptisé "Reptile". Les riffs chaleureux de "Got you on my mind" de Joe Thomas, nous remettent Eric C sur la route du blues. Entouré par les guitares de son fidèle Andy Fearweather-Low et du texan Doyle Bramhall II, il peut ainsi sortir, rassuré et souriant, son dobro. Eric a toujours savouré la musique laidback de JJ Cale. "After midnight" figurait déjà sur son 1er album solo en 1970, "Cocaïne". Il remet le couvert avec une version très heureuse de "Travelin' light". Avançant dans l'âge, Clapton semble favoriser des climats plus propices à la relaxation que naguère. Les compositions de Cale s'y prêtent naturellement, mais l'écriture d'Eric tend à cette sérénité. A l'instar de "Believe in life" ou de "Broken down". Et tant pis si la face plus saignante est assez boudée. Chaleureuse et sage, sa voix n'aime guère être poussée dans ses derniers retranchements. Cette attitude l'amène à chanter le blues lent et il le fait superbement sur "Come back baby" de Ray Charles. Il en profite pour faire soupirer, gémir sa Stratocaster ; et dès ce moment, il n'a de leçon à recevoir de personne. Le Clapton paresseux revient encore sur "Find myself". Il traîne devant le piano de Billy Preston et les précieux chœurs vocaux des Impressions dont les belles voix se retrouvent tout au long de "Reptile". Au nombre de cinq, cet ensemble colore de la meilleure manière des titres rythmés et assez soul comme le "I ain't gonna stand for it" de Stevie Wonder, ou les ballades très lentes mais imparables, "I want a little girl" et "Don't let me be lonely tonight" de James Taylor. De quoi faire chavirer le cœur d'une princesse ! Cette œuvre chirurgicale a bénéficié de la collaboration de grosses pointures. Outre les musiciens déjà cités, on y retrouve de grands techniciens des studios tels que Steve Gadd à la batterie, Nathan East et Pino Paladino à la basse. Mais je le répète quand même, je préfère Clapton lorsqu'il se fait un peu bouillir les veines. Notamment sur "Superman inside", enrichi par l'orgue Hammond de Preston. "Reptile" se referme, comme il avait débuté, par une plage instrumentale "Son & Sylvia". Adrian Son était l'oncle de Sylvia, sa compagne. Leurs photos illustrent d'ailleurs la pochette. Un album pour la bande FM !
Ben Christophers possède une très belle voix. Falsetto, fragile, pure, elle alimente des chansons mélancoliques, née d'un subtil mélange de folk, d'électronique et de pop. Une sorte de lo fi méticuleuse mise au service d'un talent intuitif. Et la plupart des chansons de son deuxième opus sont calquées sur ce schéma. Toujours produit par David Koster, son nouvel elpee laisse également une place à de nouvelles perspectives. A l'instar de " Falls into view ", déchiré entre piano sonore et voix. Du psychédélique visionnaire " The stream ". Et enfin de trois titres plus enlevés, funkysants. Tout d'abord en ouverture, "Leaving my sorrow behind". "Transatlantic shooting stars", ensuite. Un fragment caractérisé par un groove particulièrement contagieux. Et enfin, " Losing myself ". Une composition dont la basse entêtante, presque house, nous rappelle le meilleur de Happy Mondays…
Le groupe Chocolate Genius est en réalité l'œuvre d'une seule personne : Mark Anthony Thompson. En 1984, il sort un premier album puis un deuxième en 1989. Mais c'est surtout grâce à " Black Music ", sorti en 1998 qu'il s'est fait connaître. Cet album est un tournant dans son style musical. Il est orienté vers la black music, style qu'il maîtrise parfaitement tout au long de cet opus ! La black music peut être définie comme le résultat d'un mélange de plusieurs styles : soul, jazz, swing, rythm'n blues, reggae,…. Il est pratiqué par des artistes comme Cunnie Williams, MoSolidGold, et Chocolate Genius, of course. " Godmusic " continue sur cette lancée mais ose quelques incursions plus aventureuses. Les prémisses engagent directement l'album dans des eaux plus troubles, plus complexes. On retrouve les rythmes basiques de la black music mais également des expérimentations menées à l'aide de boîtes à rythmes et de samples. Autant " Black music " était fluide à l'écoute et semblait être une agréable découverte, autant " Godmusic " est parfois difficile à assimiler. Pour les adeptes du style, mieux vaut commencer à faire connaissance avec le groupe par l'intermédiaire de l'album précédent, plus cohérent à mon goût...
Aussi surdoué que tourmenté, Alexi Laiho mène actuellement une double carrière plus que fertile. Guitariste au sein du groupe Sinergy, ce natif d'Helsinki est aussi et surtout le maître à penser des Enfants du lac Bodom dont le troisième album vient de débarquer. Un opus dont le titre évoque une célèbre plaque du groupe US Korn. Clefs de voûte de l'ensemble de l'œuvre, les hallucinantes mélodies en cascade et les prouesses guitaristiques du très jeune Alexi rendent ces neuf nouveaux titres absolument irrésistibles ! A mi-chemin entre heavy-speed et death-métal mélodique, les compos relèvent toutes d'une efficacité pointue, sans jamais tomber dans l'esbroufe gratuite. Single percutant extrait de ce " Follow the reaper ", " Hate me " a atteint la première place des charts finlandais devant Britney Spears et Eminem. En Belgique, Children of Bodom n'atteindra jamais un tel niveau de popularité, mais pourrait bien devenir le symbole d'une nouvelle génération de fans de heavy métal pure souche.
Paru en 99, " Us ans us only " avait permis aux Charlatans de découvrir ou de redécouvrir des mythes du rock'n roll tels que le Band de Dylan, les Stones circa " Beggars Banquet " ou même les Byrds. Un superbe album qui figurait d'ailleurs parmi les " must " de l'année. " Wonderland " n'est malheureusement pas de la même trempe. D'abord Tim Burgess, le chanteur, a un peu trop facilement tendance à se prendre pour Mick Jagger ou à Prince. Et en particulier lorsqu'il emprunte un timbre falsetto. Et puis les claviers de Martin Duffy se font trop rares dans le registre rogné. Ce qui faisait pourtant la marque de fabrique du combo. Enfin, la formation patauge, tout au long des dix fragments de cet opus, dans une sorte de soul/rock/funk/house dansant, c'est une certitude, mais destiné aux midinettes qui fréquentent les night clubs, le week-end. On a même droit à un instrumental electro, et de surcroît sub Chemical Brothers, intitulé " The bell and the butterfly ". Une grosse déception !
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