Harry Manx est né sur l'île de Man, au Sud de l'Angleterre. Mais il a rapidement émigré au Canada, où il vit toujours aujourd'hui. Au début des années 80, on le retrouve dans le métro et autres coins publics de Paris, où il joue de l'harmonica et de la slide. 10 années plus tard, il fait à peu près la même chose au Japon. Il se rend ensuite au Rajasthan à la recherche de Vishwa Mohan Batt. Musicien indien et spécialiste émérite de la slide, Vishwa avait enregistré auparavant en compagnie de Ry Cooder. Vishwa lui apprend tous les rudiments de cette riche culture musicale. Enfin, au printemps 2000, il revient chez lui à Salt Spring Island, au Canada.
Enregistré à Toronto, cet album marque un retour à ses sources : le blues. Manx est seul. Il accompagne sa voix d'une lap steel guitar, d'un harmonica et d'un mohan veena, une slide guitare indienne à 20 cordes, que lui a léguée le maître. Il entame cet opus par une version assez classique et impeccable du classique de Muddy Waters, "Can't be satisfied". La voix est celle d'un folk singer. Son timbre bien joli et doux caresse "Bring that thing", "Good morning stranger" et "Lay down my worries". La prise de son est limpide. Le toucher métallique sur les cordes est clair. Il vibre entre ses doigts. Son jeu d'harmonica n'est pas complexe mais très efficace. Lorsqu'elle rencontre l'Orient sa musique occidentale est d'une richesse insoupçonnée. L'essence du blues et la profondeur indienne créent des raga blues à quatre reprises : "Reuben's train", "Rag Bihag", "Song for William" et "Rag Jog". Harry est doté d'une sensibilité désarmante. Sa musique le hante, lui colle à la peau. Ses créations sont tellement belles et simples ; un art qu'il domine naturellement. "Sunday morning ascension" et "Love ain't no game" exhalent beaucoup de tendresse et d'intensité. Deux reprises figurent sur ce très bel album chargé de promesses, "Baby please don't go" et "Shame shame shame".
Pour enregistrer son nouvel opus, Barbara Manning s'est entourée d'un nouveau groupe. Les Go-Luckys !, un trio teuton qu'elle a rencontré lors d'une tournée en Allemagne, puis engagé comme backing group. Si mes renseignements sont exacts, " You should know by now " constitue le neuvième album de Barbara. Un disque dont les premières écoutes peuvent paraître assez difficiles. Normal, puisque Barbara pratique une forme de post punk aride, grinçant, distordu, redoutable, rebelle, à la croisée des chemins des Breeders, de Sleater-Kinney, de PJ Harvey, de Come et des Raincoats. Les Raincoats, surtout à cause des lyrics radicaux et introspectifs que Barbara chante d'une voix plaintive, à la limite agaçante. Et pourtant, au fil du temps, l'oreille finit par apprivoiser ces mélodies sauvages, un peu comme un dompteur face à un fauve féroce, mais dont la vie est toujours suspendue au risque de l'accident fatal…
" Bachelor n°2 " constitue déjà le troisième album solo d'Aimee Mann. Mais nous, pauvres Européens, ne connaissons la demoiselle qu'à travers la B.O. de l'excellent film " Magnolia ". Grâce au succès remporté par " Save me ", chanson phare du film, son dernier album est enfin distribué chez nous. Entre parenthèses, ce dernier est déjà disponible aux Etats-Unis depuis plus d'un an ! Après écoute, on se rend rapidement compte que " Bachelor n°2 " contient plusieurs chansons (exactement trois) de cette bande originale. Une petite déception pour ses fans. Enfin, les personnes qui ont vu le film. De plus, les autres compositions restent dans le même ton et se rapprochent très fort de l'ambiance dégagée par la B.O. On a même parfois l'impression d'écouter le deuxième tome (NDR : j'espère qu'elle ne va pas nous en faire une saga !).
Après mûre réflexion, cet album pourrait rejoindre la catégorie des ‘voix féminines pop-rock’, que partagent Sheryl Crow, Tracy Chapman et Heather Nova … Des voix affichant leur spécificité et une certaine maturité. La musique d'Aimee Mann semble, tout particulièrement, constituer le versant " soft pop " d'Heather Nova. Elles se ressemblent parfois sur certaines chansons, même si Heather Nova hausse davantage le ton, sans toutefois atteindre le niveau mélodieusement guttural de Pantera and co ; alors que celle d'Aimee Mann ne change jamais de trajectoire. Mais le résultat demeure agréable à l'écoute, tout en étant suffisamment rythmé et entraînant pour ne pas tomber dans la mélancolie. De quoi se mettre de bonne humeur le matin !
Haaaaargh, les Melvins ! Je confesse être fan à 100% de ce groupe imprévisible et insaisissable. De Today is the day, Neurosis et Fantômas, également ! (NDLR : faute avouée est à moitié pardonnée !). Et les Melvins gravent de temps en temps des plaques de la trempe de cet "Electroretard". C'est-à-dire, pas du tout intéressantes pour les non fans et limites pour les initiés. En fait, le groupe n'a pas véritablement commis un nouvel album, mais une compilation à la sauce perso. C'est à dire constituée de reprises. Pas encore celle de Throbbing Gristle, mais des Cows, de Pink Floyd (" Interstellar Overdrive ") et une de je sais pas qui (" Youth of America "). Une intro melting pot de 3 minutes qui zappe sur une quinzaine de chansons du groupe, principe déjà utilisé lors de la sortie des 12X45t. Des réenregistrements encore plus barrés que les originaux (NDR : pour " Lovely Butterflies ", fallait quand même oser !). Bref, concrètement rien de nouveau. Mais cet opus apporte une pierre de plus au monument Melvins. En attendant la sortie du live qui devrait suivre la prochaine tournée et la véritable sortie d'un album qui s'annonce incroyable (NDR : texto sur le site d'Ipecac : ‘the melvinsfantômas big band’), cet "Electroretard" reste du pain béni. Et puis, quel humour ! Exhibez le booklet autour de vous et observez les réactions. Ce sont exactement celles que les Melvins attendent. Niark, niark, niark…
Produite par Neil Kernon, la musique instrumentale de ce trio oscille entre fusion, rock progressif et programmations électroniques. Souvent l'alchimie fonctionne, bien que certains morceaux frisent le magma sonore, et les oreilles bourdonnent. Réservé avant tout aux amateurs de technique et de surenchère, ce CD rappelle parfois les heures glorieuses du krautrock, quand expérimentation rimait avec invention. Truffé de soli et de breaks de batterie à faire pâlir tout fan du Mahavishnu Orchestra, " Addition By Substraction " est une mine à trésors pour les abonnés au jazz-rock. Les autres passeront sans doute leur chemin, préférant Eric Truffaz (pour le côté jazz), Squarepusher (pour le côté rythmé) ou Muse (pour le côté surenchère).
Depuis la sortie du superbe et mésestimé " Let them eat cake ", l'influence exercée par Flaming Lips, sur cette formation norvégienne, est de plus en pus palpable. A cause de la richesse des arrangements et puis du soin apporté aux harmonies vocales. Des arrangements qui flirtent même avec la symphonie, alors que les vocaux se conjuguent le plus souvent sur un mode falsetto. C'est à nouveau le cas sur le tendre et mélancolique " Bedroom ", le jazzyfyiant B.S., ainsi que sur " For free ", littéralement fustigé par un groove pulsant. Caractérisé par la superposition de ses lignes musicales et vocales, " Lanslide " lorgne même vers le prog rock de Gentle Giant. Des lignes qui épousent les courbes mélodique, au sein d'un univers presque médiéval… Les arrangements peuvent pourtant devenir envahissants, philspectoriens. A l'instar des dernier fragments de l'opus. On se croirait même revenu à l'époque de Love. Faut d'ailleurs croire que le groupe fait ici une fixation sur l'histoire de la musique américaine. Californienne très exactement. C'est tout à fait évident sur le remarquable " Go to California ", composition qui revisite à la fois les Byrds, les Beach Boys, les Doors et Iron Buttefly. Les Byrds et les Beach Boys, vous devinez aisément pourquoi. Les Doors en vertu du recours au clavier, ma foi, ‘manzarekien’. Le papillon d'acier, dès que Snah torture sa guitare, à la manière d'Eric Braunn. Pensez à In-A-Gadda-Da-Vida. Un véritable trip psychédélique au cœur des sixties.
Les sept compositions qui figurent sur le nouvel elpee de Motorpsycho ont été concoctées lors des sessions d'enregistrement de leur album précédent, " Let them eat cake ". Mais jugées trop rock, elles avaient été mises (provisoirement !) au placard. Ce qui n'avait pas empêché la formation norvégienne d'en utiliser l'une ou l'autre sur les planches. A l'instar de " Up' gainst the wall (high time) " et de " Dr. Hoffman's bicycle ". Trop rock, ou plus exactement trop r&b. Mais un r&b abordé dans l'esprit des Small Faces, d'Allman Brothers Band, pour lesquels ils avaient déjà rendu un hommage à travers " A song for a Bro " sur le dernier opus ; et puis des Rolling Stones auxquels ils adressent un clin d'œil sur " Star star star ". On a même droit en fin de parcours à une incursion dans le prog rock, question de rappeler, sans doute, que Motorpsycho apprécie toujours ce courant musical…
Ce trio californien puise généreusement dans la pop des sixties. Et en particulier celle du Who, des Kinks, du Cream, des Byrds, des Beatles et même des Bee Gees. Ce sont les termes que j'avais utilisés pour chroniquer leur cinquième opus, " The green hills of earth ", paru il y a quelques semaines. Et puisqu'on en est aux références, " Smoke ", un des trois fragments de ce disque, me rappelle soudainement le Free et Thin Lizzy, nonobstant son parfum country. Vous ne serez dès lors pas étonnés d'apprendre que le titre maître de ce nouveau single aurait pu relever du répertoire des Posies, les deux formations partageant la plupart des mêmes influences. Seul inédit, " Life in the city " aurait mérité, un quart de siècle plus tôt, de prendre place dans le bac de 45trs à slows, d'une discothèque mobile, au même titre que " I'm not in love " de 10CC ou de " Guitar man " de Bread. Qui a dit nostalgique ?…
"Green hills of earth" constitue déjà le 5ème album de cet ensemble californien. Un disque dont la plupart des compositions puisent généreusement dans l'univers des sixties. Celui des Faces, du Who, des Kinks, du Cream, des Byrds, et même des Beatles. En particulier sur " Seaward son ", le dernier fragment ; une chanson dont le raffinement évoque tantôt " Abbey Road ", tantôt " Magical Mystery Tour ". Un raffinement manifesté tout au long de l'œuvre. Et en particulier au niveau des arrangements. Les ballades demeurent cependant leur point faible. Et le recours au mellotron leur donne une coloration un peu trop surannée, à mon goût. Pire encore, " Sarah Belum ", aurait pu figurer dans le répertoire des Bee Gees, première époque. Mais c'est dans l'exercice du revivalisme le plus vivifiant et le plus allègre que Mother Hips me paraît le plus convainquant. A cause des lignes de guitare claires, chatoyantes, des accès de basse versatiles, aventureux, des harmonies vocales impeccables ; et puis surtout de ce sens mélodique tellement contagieux, hérité en ligne droite de la pop des sixties…
A l'instar de Mortiis, Jack D. Ripper demeure un phénomène à part entière dans le petit monde du métal glauque et horrifique. Il est en effet le seul et unique membre de Morgul et assure toutes les parties vocales, comme instrumentales. Lors de la sortie du sublime "The horror grandeur", en 1999, Morgul avait révélé au public son concept morbide, étalant une musique flippante qui baignait dans un climat malsain de folklore des Pays de l'Est, le tout renforcé par des parties de violon tziganes. L'album avait fait l'effet d'une bombe et on ne pouvait s'empêcher d'établir un parallélisme entre les délires de Morgul et l'œuvre noire du très sous estimé Devil Doll, dont nous vous recommandons chaudement la discographie dans son intégralité, pour peu que le métal horrifique ne vous laisse pas de glace. Plus mécanique, plus froid, plus électro, "Sketch of supposed murderer" a subi une légère industrialisation du son. Samael n'est pas très loin, Dimmu Borgir non plus dans les moments les plus speed. Mais l'essence même du "groupe" est toujours palpable au fil de ces neuf titres, toujours aussi sulfureux grâce, entre autres, à ces obsédantes incursions de violon. Le seul élément qui semble sortir du contexte Morgul est la reprise de la ballade "She" de Kiss que l'on retiendra plus comme une curiosité que comme un chef d'œuvre. Mais l'ensemble est à découvrir d'urgence !
Ceux qui ont aimé les Innocents ou l'Affaire Louis Trio devraient prêter une oreille à cet opus. Ils y retrouveront d'abord des mélodies enlevées, des accords de guitare dispensés par un artiste qui a dû écouter pas mal de rock avant de faire de la chanson. On se laisse emporter par " Je reviens de loin " et " Tout le monde se quitte ", les titres d'ouverture qui ont tout pour tourner en boucle sur les radios. Lorsque vous avez écouté 2-3 fois ce disque, vous avez envie de vous pencher sur les textes qui glissent sur les douces compositions. Et c'est du même tonneau : clins d'œil intelligents, éclairs amusants… Exemples : ‘j'ai suivi trop de flèches/de passages obligés/j'avais la gorge sèche et le moteur noyé’ ou ‘à la queue du peloton/j'assurais mes arrières/on tapait le carton/entre retardataires’. Paroles et musiques, les parallèles de Marc Morgan se rejoignent ainsi dans un sympathique mouvement qui ne sombre jamais dans la facilité mais ne décolle pas non plus vers le génie. Il manque un imprévu, une faille, une personnalité peut-être. Et le chanteur hutois le sait : ‘cette discordance est une délivrance car sous les apparences, c'est là que tout commence’, chante-t-il sur un étonnant petit rythme disco.
Et un retour de plus au blues pour Gary, un!! Agé de près d'un demi siècle, cet Irlandais a vécu sa première expérience intéressante à l'extrême fin des 60's. Au sein du trio Skid Row. Il est ensuite embrigadé chez Colosseum II et Thin Lizzy avant d'entamer une carrière personnelle, en 1979. Son adhésion au blues l'amène à sortir l'album "Still got the blues" en 1990, et "After hours", l'année suivante. Un disque pour lequel il avait bénéficié de la participation d'Albert King, de BB King et d'Albert Collins. Il commet alors "Blues Alive" en 93 et la collection "Blues & Ballads" en 94. La même année, il participe brièvement au projet BBM, autrement dit Baker, Bruce & Moore. En 95, il rend hommage à son maître à jouer et protecteur de ses débuts, Peter Green, à travers l'album "Blues for Greeny".
Les premiers instants pourraient semer le doute. Mr Moore se mettrait-il à son tour à l'acoustique? Ce n'était qu'un leurre, la diversion ne dépasse guère les trente secondes. Arrêt brusque et mise en marche immédiate de la machine à rocker le blues. Pour démarrer, "Assez du blues", autrement dit "Enough of the blues" constitue un curieux titre pour annoncer son retour!! ! Crochet par le répertoire de BB King, avec la reprise d'"Upset me baby". Il reste dans un registre semblable avec son "Cold black night". Il s'attaque à son solo à la manière d'un Peter Green 1ère époque qui revendiquait lui-même BB. Malheureusement, il tombe très vite dans ses excès en voulant en faire de trop. Quand on veut se faire trop hard, on perd immanquablement la sensibilité indispensable au blues. C'est ensuite l'exercice du slow blues, le fameux canon de T-Bone Walker, "Stormy Monday". Et c'est bien sur ces tempos nonchalants que Gary puise sa joie de jouer. Il possède un sens de la mélodie ; les phrases et soli qu'il crée alors peuvent être très beaux, mais sortent du blues. Curieusement, ses meilleures chansons sont ici de jolies ballades, lentes, sur lesquelles il peut déployer son sens profond de la mélodie. Sa sensibilité se manifeste sur ce type de répertoire. Et notamment chez "Picture of the moon" et "The prophet". La guitare sur fond d'orgue de Vic Martin, me rappelle le dialogue entre Thijs Van Leer et Jan Akkerman du groupe hollandais Focus ; et enfin, "Drowning in tears". Un petit joyau chanté très doucement. La guitare prend la tonalité métallique et réverbérée de celle de Peter Green sur l'extraordinaire instrumental "The supernatural". Solide coup d'émotion, la finale est réellement superbe. Lors de ses exercices de style dans le blues, à l'instar de la reprise se du "Looking back" de Johnny Guitar Watson, la guitare est impeccable mais son chant ne transpire vraiment pas la sensibilité que nous sommes en droit d'attendre d'un tel artiste. A chacun d'en retirer ce qu'il attend !
Sur "Butterfly FX", dernier album des portugais de Moonspell, le travail était principalement axé sur la recherche de sonorités nouvelles et l'utilisation de samplers. Avec "Darkness and Hope", le léger alibi indus a volé en éclats pour aboutir à un résultat pour le moins inattendu. "Trois pas en avant, deux pas en arrière" diraient certains! Moonspell délaisse les effets technologiques et revient à la formule qui a fait le succès de l'album "Irreligious" en 1996. Mais en moins "trash" ; puis surtout davantage empreint de romantisme que de satanisme. Imprimé sur un tempo plutôt lent, l'oeuvre révèle des titres dans la pure tradition métal-gothique, laissant la place à l'émotion, aux climats brumeux, aux mélodies imparables. Produit par Hiili Hilesmaa, responsable du son de Him et de Sentenced, cet album a été enregistré aux désormais incontournables studios Finnvox en Finlande. Du beau travail ! En guise de point d'orgue, Moonspell nous livre pour la première fois de sa carrière un titre dans sa langue natale. "Os senhores da Guerra" semble d'autant plus insolite qu'il constitue le titre le plus accrocheur de cette nouvelle production jouissive à souhait.
Revoilà nos petits amis de Mogwai. Faut dire que chaque nouvelle sortie de ce groupe provoque l'émoi au sein de toute la scène noise/indie. Après un ep sorti en 1999, "Rock Action" est le véritable album consistant depuis "Come on die young". Bon, Mogwai ne révolutionne plus grand chose à l'heure actuelle. Imperturbable, il continue de tracer sa route. Peu de différences notables tout au long de ces 8 plages : les guitares vont toujours crescendo, les voix, de plus en plus présentes et piochées entre autres chez David Pajo (Aerial M), renforcent le côté mélancolique. Soulignons cependant l'apport non négligeable de cordes et une touche discrète, mais clairement audible, d'électronique. Deux titres tirent leur épingle du jeu ("You don't know Jesus" et "2 Rights make 1"), dans la pure tradition du band. Le reste demeure du Mogwai bon crû, peut-être plus accessible dans le format et la limpidité des structures que par le passé. Faut dire qu'aujourd'hui un groupe comme Godspeed You Black Emperor ! pousse bien plus loin les limites du genre. Maintenant pour ceux qui recherchent plus de spontanéité et moins d'intellectualisme, Mogwai reste en tête. Si vous avez également l'occasion de jeter une oreille à une formation du nom de Nought, ne vous privez pas....
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