Fidèle à ses racines hard des eighties, Primal Fear voue un culte immodéré à Judas Priest dont il est aujourd'hui un clone. Plus de vingt années d'expérience ont fait du leader Mat Sinner une redoutable machine à composer des riffs tranchants et des rythmes surpuissants. Authentique gloire à la rigueur germanique, Nuclear Fire privilégie la piste du speed métal le plus caractérisé, sans concessions ni fioritures. Le son est énorme et gras, la voix de Ralph Scheepers brille de mille feux et les solos qui émaillent les douze hymnes guerriers sont terrifiants de puissance. Les amateurs de heavy métal qui va droit au but en auront pour leur argent, mais ceux qui recherchent l'originalité, la nouveauté ou la finesse se passeront volontiers de ce " Nuclear Fire " réservé aux puristes du genre.
Nonobstant un premier elpee qui s'était vendu à plus de quatre millions d'exemplaires, à travers le monde, TPOTUSOA s'est séparé au cours de l'année 1997. Faut croire que les musiciens du groupe s'étaient quittés en bons termes, puisque l'an dernier le trio a décidé de se reformer, et dans la foulée d'enregistrer un deuxième album. Un disque pour lequel, il a reçu le concours de Duff Mc Kagan, le bassiste de Gun's & Roses, sur une des rares compositions punkysantes, " I'm mad ". en fait, " Freaked out and small " se révèle beaucoup plus éclectique, tâtant aussi bien du rock 'n roll, à la pop contagieuse, en passant par le gothique, le funk, le rockabilly et le garage, tout en laissant même la place à l'une ou l'autre composition plus tendre. Le titre final, " Headin out ", nous entraîne même dans un univers plus intense, plus mélancolique, que n'aurait pas renié un certain House Of Love ; alors qu'une chanson comme " Jazz guy " véhicule des lyrics dont le cynisme rappelle tout simplement Lou Reed. Etonnant, lorsqu'on sait que sur leur premier opus, les textes passaient pour être complètement ridicules, pour ne pas dire débiles. Beaucoup mieux équilibré, ce deuxième opus de TPOTUSOA n'est cependant pas d'une grande originalité. Par contre, il a le mérite d'être très agréable à écouter et de rendre de bonne humeur ; à l'instar du single " Tiny explosion " ou encore de l'allègre et fluide " Last girl on earth ", résultat d'une hypothétique rencontre entre Jerry Lee Lewis et les Stones…
Formé en 1978, (c'est-à-dire un siècle avant ma naissance) Prefab Sprout est composé de 4 Irlandais. Le nom du groupe, pour le moins particulier, viendrait d'un malentendu que Paddy McAloon, le chanteur, aurait volontairement gardé par goût du non-conformisme et peut-être aussi de tout ce qui touche au non-commercial. Pas facile d'être reconnu dans le milieu avec un nom pareil !
Après avoir commis 8 albums et quelques compilations, la formation nous revient avec un nouvel opus intitulé " The Gunman and Other Stories ". Certains l'attendaient avec impatience, tandis que d'autres ne connaissaient même pas les vastes possibilités qu'offre l'alphabet, pour effectuer des combinaisons de lettres particulièrement difficiles à intériorisées. Même après quelques semaines d'approche, le nom de ce groupe reste toujours aussi peu parlant. Du point de vue musical, le style paraît plus défini, oscillant de la pop à quelques sonorités country. Les thèmes des compositions parlent de cow-boys, d'armes et de l'Ouest mais les rythmes se rattachent à la grande et éternelle famille qu'est la musique pop. L'ensemble est léger et entraînant, particulièrement " Farmyard Cat ", enrichi d'une section de cordes. Les 10 morceaux enregistrés campent sur un ton doux et optimiste, facilement assimilable. Mais paradoxalement, le patronyme du groupe est en totale contradiction avec la musique qu'il pratique.
Selon notre Iguane préféré, cette plaque est sensée faire la nique à la nouvelle génération de jeunes groupes faussement ‘sauvages’. Bin, ces groupes peuvent continuer leur bonhomme de chemin, tranquilles. Pour la première fois depuis son retour sur le devant de la scène médiatique, Pop décroche haut la main le statut de dinosaure du rock, mais hélas pour lui, dans le sens le plus fossilisant du terme. Pauvre de bout en bout et en tous points, cette plaque agace dès le quatrième titre. Pauvreté de riffs, son à la limite de la première répète du groupe du coin, mélodie inexistantes ; bref un bien sombre tableau. Tout au plus en fin de piste, la sauce prend sur quelques morceaux… Notre brave quinquagénaire vient de nous gratifier de ce qui doit être sa pire plaque. Respectueux du bonhomme, nous fermerons les yeux pour cette fois, et nous consolerons à l'idée de le voir continuer à se débattre on stage, endroit où il peut encore enterrer les yeux fermés bon nombre des groupes visés plus haut… Non, je ne citerai pas de noms !
L'électro allemande n'est plus à présenter : depuis Kraftwerk, Can et Amon Düül II, les Teutons ont su prouver qu'ils savaient manier un sampler et un séquenceur mieux que quiconque; et ce ne sont pas Gonzales, Tarwater ou Mouse on Mars, leurs dignes descendants, qui vous prouveront le contraire. Néanmoins, Plexiq préfère éviter toute étiquette et refuse d'être assimilé au côté élitiste de certains de leurs confrères et compatriotes. Ainsi, à tous ceux qui voudraient par exemple les mettre dans le même sac que Notwist, les membres de Plexiq répondent qu'ils " n'appartiennent pas à cette faction de groupes rock semi-conventionnels qui saupoudrent leurs morceaux d'un peu d'électro pour être dans leur temps ". Voilà qui est dit sans détours… Malheureusement pour Plexiq, et avec tout notre respect, il ne s'agit pas, dans le cas d'un groupe comme Notwist par exemple, de retournement de veste, mais d'évolution sincère et significative. Des musiciens comme les frères Acher (Notwist, Lali Puna,…), comme Markus Popp (Oval) ou Alec Empire proposent sans doute une musique à certains égards élitiste, mais en aucun cas insipide, comme peuvent l'être certains titres de cet album. Quelque part entre Ozark Henry et Playground, " 20 000 " mélange le disco et l'electronica ; mais sans cette touche de génie qui ferait de Plexiq un groupe allemand à retenir pour les années à venir.
Le plaisir éternel… Tout un programme pour ce groupe (ex-Slaves) qui nous vient tout droit de San Francisco, là où le Flower Power a fait tourner les têtes dans les années soixante. A l'écoute de ce premier album, c'est justement à cette période que l'on pense, tant les morceaux sentent bon le patchouli, une odeur de décadence mêlée de suavité, proche aussi de l'ambiance cabaret des années trente. Avec des titres comme " Stay Precious " ou " Magnus Opus ", on a l'impression d'entendre du Kurt Weill mâtiné de Doors, avec les Bad Seeds en backing band. La combinaison piano, guitare, batterie fonctionne à merveille, donnant une touche d'autant plus mélancolique aux chansons que la voix d'Andrew Rothbard rappelle celle de Michael Stipe imitant Tom Barman (mais là je dis n'importe quoi). Bref, ça flaire bon les fins de soirée bien arrosées, quand tout le monde est parti et que vous êtes accoudé au bar d'un vieux troquet genre " Casablanca ", sauf qu'ici Sam se la joue trip psychédélique, faisant les yeux doux non pas à Ingrid Bergman mais à Nina Simone.
"Special K" constitue le troisième single extrait du dernier album de Placebo, "Black market music". Mais le plus curieux, c'est que l'industrie musicale britannique vient de se rendre compte que cette chanson traitait avec une certaine condescendance des homosexuels, de la misogynie, de la haine et de la violence. Faut croire qu'elle n'écoute que les singles ! Sept titres quand même sur ce disque, dont des tas de remixes exclusifs, exercices de style opérés par quelques bidouilleurs aussi réputés que Timo Maas, mieux connu pour avoir remis en forme " Don't tell me " de Madonna, ou encore Phill Vinall. Pour être complet, sachez que " Slave to the wage " se paie quand même un sample du " Texas never whispers " de Pavement et que le disque recèle, sous la forme du CD rom, une vidéo du titre maître.
En 1997, les Pixies avaient déjà fait l'objet d'une compile. Intitulée " The death of the Pixies ", elle réunissait, sous la forme d'un double CD leurs meilleurs titres ainsi que l'enregistrement d'un concert accordé peu après la sortie de " Doolittle ". Comme son nom l'indique, " Complete 'B' sides " rassemble les flips sides de leurs singles. Et contrairement à ce que vous pourriez imaginer, le résultat est loin d'être inintéressant. Parce qu'il ne s'adresse pas exclusivement aux archivistes ou aux collectionneurs. Bien sûr, on y retrouve l'une ou l'autre rareté. A l'instar de la cover du " Evil hearted you " des Yardbirds, interprété en Espagnol. Ou de l'adaptation surf du " Wave of mutilation ". Et puis des versions inédites. Mais le plus intéressant procède de la qualité des dix-neuf fragments sélectionnés sur ce disque. Des chansons dont la plupart auraient pu mériter une 'A' side, et dont certaines figurent sur l'un ou l'autre elpee du groupe. Et je pense plus particulièrement à " River Euphrates ", " Vamos ", " Into the white ", " Manta ray ", " Dancing in the manta ray ", " I've been waiting for you ", " Theme from Narc " ou encore de " Build high ". Bref de quoi vous replonger avec beaucoup de bonheur dans l'univers d'un des plus grands groupes de la planète qui a sévi entre 1986 et 1992; et puis de retrouver ces sonorités si caractéristiques constamment déchirées entre mélodicité et férocité, entre douceur et violence, qui devaient donner naissance à la popcore, mais aussi et surtout influencer le Nirvana de Kurt Cobain…
Shawn est originaire de l'Oklahoma. Il a appris le piano et la batterie avant de se tourner vers la guitare, à l'écoute des albums de Jimmy Reed. En 92, il se fixe au Texas, à Dallas très exactement, où il participe à de multiples jams au sein de différents clubs de blues. Il comptait déjà deux albums à son actif, "Burnin' up" en 98, et "Something's gotta give" en 99, tous deux parus sur Cannonball. Shawn est aujourd'hui âgé de 26 ans et il veut marquer le coup, en sortant ce 3ème album sur son propre label, sous la houlette de Jim Gaines. Il a également fait appel à la section rythmique de Double Trouble ; en l'occurrence Tommy Shannon, Chris Layton et le claviériste Riley Osborne. Parmi les autres invités on retrouve Preston Hubbard, John et Joe Moeller.
Comme nous sommes au Texas, tout débute par un bon shuffle. Il s'intitule "New king in town". Et il ne faut guère attendre bien longtemps avant que ne fuse les premières notes dispensées en solo, par l'ami Pittman. Pas étonnant, dès lors, que ses interventions soient stimulées par le concours de Double Trouble, comme au bon vieux temps de Stevie Ray. Traversées par des cordes qui sonnent bien métalliques, la reprise du "Runnin' shoes" de Juke Boy Bonner est imprimée sur un rythme boogie. Pour rester sur l'impression de SR Vaughan, il reprend le célèbre slow blues "I smell trouble", à la manière du maître. "Distress signal" est un shuffle rapide au cours duquel les texans Pittman et Moeller échangent un duel de guitares. Ils s'entendent comme larrons en foire pour conjuguer leurs riffs très rock'n'roll. "It's your turn" est un southern rock bien solide. Shawn semble très à l'aise tout au long de cet exercice. Les notes de sa guitare sont lacérées au couteau! La machine est lancée. Le rockin' blues texan s'alourdit sur "One of these days", au cours duquel l'orgue de Riley Osborne vient en renfort. La cover du "It takes a lot to laugh, it takes a train to cry" de Bob Dylan est du très beau travail. Entamée au piano, elle est bien vite enrichie par les cordes en transe. "One thing on my mind" est un rockin' blues lent, dramatique. Trafiquée par le jeu de pédales de Shawn, la guitare peut décoller. "Hell or high water" est interprété en trio par Shawn, Chris et Tommy. Et cet exercice de style ressemble furieusement au "How many more years" de Howlin' Wolf. Musicien de scène par excellence, Shawn Pittman se produit chez nous au cours de ce mois de novembre. Ne le manquez surtout pas!
J'avoue être rentré dans cet album comme dans du beurre. Punk rock aux refrains mémorisables dès la première écoute, énergie communicative en plein, pas de prise de tête à l'horizon. C'est du plug and play avec nos lascars. Fait suffisamment remarquable pour être signalé : pas l'ombre d'un seul titre ska, ce qui me rend tout de suite hautement estimable la galette. Tous sont fans des Ramones, de Rancid, de NOFX et de toute la clique punk rock. Des classiques comme des nouveaux. Bon, ce n'est pas pour autant un disque inoubliable en soi, mais qu'importe, puisque cette plaque me réconcilie avec le genre. Répétitif, mais recommandable le temps d'une rentrée.
Je ne vais quand même pas vous refaire l'histoire du Pink Floyd. Il existe suffisamment de bouquins ou d'articles de presse, consacrés à ce dinosaure, susceptibles de répondre à ce type de demande. Mais venons en à ce best of. Un double. En 26 titres remasterisés et judicieusement répartis, il offre un aperçu assez succinct de l'œuvre du groupe.. Cependant, il ne réserve aucune surprise ni expérimentation de nature à perturber l'esprit du commun des mortels. Ce qui ne devrait pas empêcher ce double CD de bien se vendre. On y recèle bien " Astronomy domine ", " Set the controls for the heart of the sun ", " Echoes ", " One of these days " et puis deux classiques écrits par Barrett, " See Emily play " et " Arnold Layne " ; mais l'empreinte du " Dark side of the moon " est la plus présente. Et puis tout ce qui lui a été postérieur; et en particulier "The Wall". Pas de trace, cependant du " diabolique " (!?!?) " Lucifer Sam ", de " Cirrus mirror " et de " Nile song ", commis sur l'elpee " More ", ni aucune référence à " Atom heart mother ". Peut-être à l'occasion d'un prochain best of the best of…
Pourquoi nécessairement aller chercher à Chicago ce qui peut se mettre dans l'oreille, près de chez soi ? Prenons par exemple Quetzal. Mettez les aux mains d'un Steve Albini et préparez vous au choc. Furieux comme il se doit et né d'un croisement entre ‘noise’ et ‘post rock’, "Dead end tracks" ne constitue pourtant que le deuxième album de Quetzal. Aussi j'imagine sans peine que le meilleur reste à venir ! Particularité du groupe sur cet opus: l'alternance de 3 voix et l'utilisation (judicieuse) du violon et du violoncelle. Une technique qui laisse présager une identité forte, un caractère trempé dans l'acier. Les différentes scènes qui évoluent aux côtés de The Ex ou de At the drive-in promettent également des prestations maîtrisées et de qualité. Le son oscille entre grattes âpres, batterie étouffée mais très mélodique et basse, dont la principale caractéristique est de ne pas uniquement se contenter de calquer son jeu sur celui des guitaristes. Les voix partagées entre différents registres font évidemment fortement penser à Neurosis. Le tout s'assemble joliment pour nous servir un disque d'émo/noise particulièrement intéressant. A suivre donc…
Dix ans déjà que Mercury nous a quitté. Le 24 novembre 91, très exactement. Il était atteint du SIDA. Diva à la personnalité extravagante (NDR : et le mot est faible !), Freddie (de son vrai nom Farookh Bulsara) était avant tout le chanteur de Queen, une formation britannique qui a rencontré un succès planétaire en jouant un hard rock teinté tantôt de rockabilly, de glam, de prog, de music hall, d'opéra, de musique de film, de funk ou de pop ; mais surtout en accumulant pendant près de vingt ans les disques d'or et de platine. N'empêche, et je dois l'avouer, j'ai toujours eu beaucoup de mal à digérer leur démarche, on ne peut plus nombriliste. Mais une chose est sûre, le groupe avait atteint la quasi perfection dans le domaine des arrangements vocaux. Particulièrement les chœurs à trois voix, dont la formation s'était fait une spécialité. Il suffit d'écouter le fabuleux " Bohemian Rhapsody " pour s'en rendre compte. Cette anthologie propose, en trois disques et 51 morceaux, le best du best de Queen. Tout y est. Y compris la collaboration menée entre le combo survivant et Bowie sur " Under pressure " et " Barcelona ", interprété par Freddie et la chanteuse d'Opéra Montserat Caballé. La compile épingle, en outre, la cover de " The show must go on ", réalisée par Elton John au Théâtre National de Chaillot à Paris et celle de " Somebody to love " par George Michael, accordée dans le cadre du Tribute Concert de Wembley. Un testament !
L'histoire de Radio Birdman commence à Ann Arbour, dans le Michigan. Deniz Tek assiste aux concerts des Stooges et de MC5. Des événements qui vont le marquer à vie. En 1972, il part en Australie pour y étudier la médecine. A Sydney très exactement. Le soir il joue de la guitare en compagnie de quelques potes. Puis se produit au sein de formations locales. Mais progressivement cette passion prend le dessus sur ses études. Il rencontre alors Rob Younger, Pip Hoyle, puis Chris Masuak. Et décident de monter un groupe. Il recrutent alors un drummer, puis un bassiste, et se mettent à interpréter des reprises des Stooges et de MC5 (NDR : évidemment !), mais également de Blue Oyster Cult, Doors, Ventures et consorts. Et leurs prestations scéniques sont à la hauteur de leurs goûts musicaux : dévastatrices. Si bien que leur réputation de groupe violent les rend indésirables un peu partout à Sydney. Sauf à l'Oxford Tavern, où ils finissent même par établir leur quartier général. La formation finit pourtant par s'imposer au niveau national, devenant même le chef de file du mouvement punk aussie.
En 1978, Radio Birdman accompagne les Flamin' Groovies pour leur tournée en Angleterre. Leur musique est beaucoup trop élaborée pour les punks insulaires ; et puis surtout les musiciens portent des cheveux longs… Résultat des courses, le périple tourne à la débâcle et le groupe se sépare. Comme son titre l'indique, cette compile réunit des compositions écrites entre 1974 et 1978. 22 fragments très exactement, d'une musique énergiques, sauvage, c'est vrai ; mais caractérisée par une combinaison de riffs de guitare liquides et surf, de vocaux sournois, acerbes, et de claviers rognés, ‘manzarekiens’.
Depuis, Radio Birdman est devenue une référence incontournable pour toute la scène rock australienne. Qui à mes oreilles constitue une des plus intéressantes, mais des plus méconnues au monde. Au cours des deux dernières décennies, elle a enfanté les Died Pretty, les Scientists, DM3, les Moffs, The Wreckery, The Lime Spiders ou encore les Saints d'Ed Kuepper et de Chris Bailey. Sans oublier le Birthday Party de Nick Cave. Et la liste n'est pas exhaustive. A l'instar du Deniz Tek Group. Des New Christs, au sein duquel on retrouve Rob Younger, par ailleurs devenu le producteur des Celibate Rifles ; sans oublier les Screaming Tribesmen du chanteur Mick Medew.
Radio Birdman s'est reformé en 1996, le temps d'une mini tournée en Australie, mais n'a pas poursuivi l'expérience. Une chose est sûre cet opus est ‘essential’ !
Nederlands 
Français 
