Voilà donc la nouvelle perle de la guitare texane! Il est vrai que la prestation de Lee McBee flanqué de ses deux guitaristes, Johnny et Hash Brown, lors du dernier Spring Blues Festival, a été assez extraordinaire. Une véritable claque ; et le public ne s'y est d'ailleurs pas trompé. Le jeune Johnny n'est pas un débutant. Dès la fin des 80s, il faisait partie de Texas Heat, le groupe de Darrell Nulisch. Il a joué sur "It's Lewis" de Lewis Cowdrey, sorti sur Antones. Il avait aussi commis un album de funky blues, sur le même label de Société de Blues de Dallas. Intitulé "Return on the Funky worm", il avait reçu le concours de l'ancien Red Devil, Paul Size.
Indéniablement, Johnny détient une tonalité propre, rappelant parfois celle de Jimmie Vaughan. Il touche un peu à tout : au blues, au R&B, au rockabilly. Il est très bien entouré par son frère Jason à la batterie et par Matt Farrell au piano ; Mike Keller ainsi que Johnny Bradley se partageant la basse. Ce petit monde constitue habituellement le backing band de Lou Ann Barton. Son blues prend parfois les attitudes paresseuses des swamps. A l'instar de l'ouverture "Oh baby Oh", sur laquelle il prend déjà un superbe envol sur les cordes. Dans le style Baton Rouge, très bien chanté par Homer Henderson, "You turn to cry" (de Roy Head) est une de ces ballades qui semblent sortir tout droit des jukeboxes des mêmes 50s. Homer possède la voix traînante pour aborder ce style. Elle fait merveille sur la reprise de "You got me crying" de Jimmy Reed. "Thinking" (de Johnny Watson) est une petite perle dans le genre. Shawn Pittman est au piano, alors qu'on le connaît surtout à la six cordes. L'instrumental "Bak 'n' forf" est sous l'emprise du rythme des Caraïbes. Autre instrumental plus jazzy, inspiré de Wes Montgomery, "Slingin' Hash" traduit peut-être un clin d'œil adressé à l'ami Hash Brown. Boogie rock'n'roll, "Let's get high" déménage. Le piano de Matt roule de tous côtés, pendant qu'il chante comme un véritable rocker des 50s. Cette voix colle bien à l'ambiance de la plage rythmée, "Stagger Lee". Le Chicago blues n'est pas oublié à travers l'excellente reprise de "Worried life blues", de Maceo Merryweather. C'est le moment de gloire pour Matt Farrell qui chante et joue du piano à la manière de Big Maceo ou d'Otis Spann. Matt en remet une couche lors du traitement funky de "Mama, the way you look tonight", de Memphis Slim. Ce très bon album se termine sur "J's scratcher", un hommage évident à Slim Harpo. Prenez le temps d'écouter Johnny Moeller et ses amis, cela en vaut la peine!
Textes ambitieux, style parlé-chanté, voix fatiguée… Miossec a tout pour être une sorte de poète maudit. Sauf qu'il a du talent. Et pas un peu. Nul besoin chez lui de recourir au jeu de mots ou aux termes alambiqués pour avoir l'air intelligent. Miossec a l'art de nous balancer des évidences auxquelles on n'avait jamais songé : ‘On vouvoie le paradis et on tutoie l'enfer’. A-t-on déjà emprunté raccourci plus simple pour résumer la condition humaine ? Quand il joue à l'architecte, ses chansons aux constructions originales ne tombent jamais dans le piège de l'exercice de style. Et je pense tout particulièrement à cette subtile lettre à " Ma tendre S " ou à cette succession de questions – ‘comme on ne pose jamais les bonnes questions, pourquoi aurait-on un jour les bonnes réponses ?’ - qui aboutit à une magnifique chanson d'amour. Lorsqu'il tire un portrait, il évite ces raccourcis et vise juste : ‘elle était de ces femmes, qu'on embrasse sur les yeux’. Miossec nous offre donc de la vraie chanson. Et pourtant, sans doute est-ce son histoire personnelle ; mais on sent confusément le rock à chaque coin de ses couplets, sans qu'il ait besoin de grosses guitares électriques pour cela. Juste une atmosphère. Et une autre preuve de son talent.
Kylie Minogue est née en 1968. Et il faut reconnaître que nonobstant ses 33 ans, elle est vraiment bien conservée. Elle a débuté sa carrière "artistique" à l'âge de 11 ans dans un soap australien. Son premier single "Locomotion", est sorti en 1987. Un disque qui reste, à ce jour, le 45trs le plus vendu en Australie. Pour les années 80. Après avoir commis 8 albums, à une cadence régulière, disques plus ou moins remarqués en fonction des Music Awards décrochés, la belle nous revient avec un nouvel opus, " Fever ". Dont vous avez certainement déjà eu le loisir d'écouter voire d'entendre le single " Can't get you out of my head ", sur l'une ou l'autre station radiophonique, et d'apprécier le clip sur l'une ou l'autre chaîne de TV musicale ; entre parenthèses, un clip qui me semble destiné à une certaine catégorie du genre humain… Quoique dynamique et bien balancé, l'elpee devient, au fil de l'écoute, répétitif. Si le synthétiseur incarne l'élément commun des différentes compositions, la touche musicale nostalgique des années 80 - début 90 polarise son style. Composé de 12 morceaux très dance, il semble parfait pour communiquer ‘la fièvre’ aux soirées rétho…
Bien avant Rammstein et Marylin Manson, Ministry, groupe américain à l'humour cynique et grinçant, avait jeté les premières bases du métal industriel le plus sombre et malsain. Alors que le groupe de Paul Barker et de l'icône tourmentée Al Jourgensen n'ont jamais cédé aux chants des sirènes commerciales, ce best of apparaît comme un paradoxe dans la carrière sans faute du groupe. Une formation qui connut son heure de gloire dans les années 80, avant de se faire voler la vedette par un Nine Inch Nails qui, entre parenthèses, lui doit énormément. Avec " Greatest Fits ", Ministry aura vite fait de convaincre le néophyte qu'il demeure la référence ultime en matière d'indus brutal. Le band a volontairement fait l'impasse sur ses deux premiers opus 100% électros, "With Sympathy" (83) et "Twitch" (86), pour concentrer ses efforts sur sa période la plus prolifique. Et en particulier, celle du mythique "Land of rape and Honey" dont on trouve deux extraits, du multiplatine "Psalm 69", rendu célèbre par des compos aussi exceptionnelles que "N.W.O." et "Just one fix", ou encore du plus récent et sous-estimé "Reload". Les reprises du "Lay lady Lay" de Dylan et du lourdingue "Supernaut" de Black Sabbath laissent pantois! Quant aux vrais fans, qui possèdent déjà la discographie intégrale des dieux de l'indus, ils pourront toujours se rabattre sur la version live du monumental "So What ", sur le remix déjanté de "Reload" et sur le déjà culte "What about Us?", seul titre véritablement inédit de cet avant-goût de l'apocalypse.
Troisième album pour cette formation madrilène qui reconnaît pour influences majeures Tindersticks et Calexico. Ce qui devrait vous permettre de vous donner une petite idée du style pratiqué par Migala. Si le disque s'ouvre par deux instrumentaux, qui auraient pu relever de la plume d'un Ennio Morricone, le reste de l'opus baigne dans une atmosphère ténébreuse à la mélancolie saumâtre. Une sensation accentuée par la voix d'Abel, dont le timbre campe un hybride entre celui de Léonard Cohen et de Bill Callahan. Et qu'il épanche tantôt dans la langue de Cervantes, tantôt dans celle de Shakespeare. Seuls l'allègre " Suburbian empty movie theatre " et " Last food around " concèdent une petite lueur d'espoir. Mais pour les autres… Le plus étonnant chez Arde se situe dans la texture des chansons. En fait, la texture basiquement folk est successivement revisitée par l'électronique, la pop, avant d'être traversée de collages post industriels. Une curieuse cohabitation entre guitares acoustiques, électriques, violon, accordéon, trompette, piano, synthés, samples et arrangements à caractère symphonique, ponctuée de bruitages aussi divers que bris de verre, crissements de pneus, circulation urbaine, cris, conversations, accidents de voitures, passage du train sur les rails, etc. On a même droit à trois titres plus tumultueux. Tout d'abord " La noche " et " Cuatro estaciones " et puis surtout le titre maître. Un fragment d'ambient noisy qui aurait pu naître d'une rencontre hypothétique entre My Bloody Valentine et Robert Fripp. Maintenant, n'imaginez surtout pas que les compositions soient envahies d'expérimentations ou de bidouillages technologiques. Non, le tout est dosé avec parcimonie, de manière à laisser le charme subtil des mélodies produire ses effets…
Après avoir commis l'impressionnant " Deserter's songs " en 1998, Mercury Rev nous revient avec ce qu'on pourrait considérer comme une suite à ce chef-d'œuvre. En fait Jonathan Donahue, le leader du groupe, est allé encore plus loin dans le labyrinthe de sa propre imagination ; au point de ne sortir que très rarement de ce périple opéré au cœur même de ses rêves. Ce qui explique sans doute le titre de ce nouvel album. Nonobstant l'un ou l'autre thème plus filmique, et en particulier l'ouverture " The dark is rising ", abordé à la manière d'une bande sonore de western ‘enniomorriconesque’, l'opus navigue en plein délire visionnaire ; et seules la guitare et la basse nous rappellent encore épisodiquement que Mercury Rev était un groupe de rock. Pour enregistrer ce disque, le trio yankee a reçu le concours de Toni Visconti à la coproduction. Pour ceux qui s'en souviennent encore, Visconti avait travaillé en étroite collaboration avec Bolan et surtout Bowie, au cours des seventies. En outre, l'ombre de Jack Nietzche plane également sur cet opus. Un illustre ingénieur du son qui avait notamment travaillé pour Neil Young. Approché par le groupe pour assurer la mise en forme de nouvel opus, il est malheureusement décédé une semaine avant que le groupe n'entre en studio. " All is dream " constitue le cinquième elpee de Mercury Rev. Un morceau de plastique qui laisse une grande place aux arrangements et aux orchestrations symphoniques, à l'instar de son précédent disque, " Deseter's songs ". De son falsetto presque ‘neilyoungesque’, Donahue nous entraîne au sein d'un univers peuplé de serpents, d'araignées, de sirènes, de lutins, de requins et autres figurants sur fond de mythologie grecque ou de textes hindous. Un univers parallèle où " All is dream "… Un must !
Pour enregistrer son troisième album solo, Natalie Merchant a reçu le concours de T Bone Burnette (Wallflowers) à la coproduction. Une première, au cours de sa carrière en solitaire ! Et il faut reconnaître qu'il y a apporté sa griffe personnelle. Pas pour la musique, les arrangements ou les orchestrations. Non, paradoxalement, il s'est concentré sur la voix de Natalie. Pour lui conférer des inflexions glacées, crépusculaires et gutturales. Etonnant lorsqu'on sait que son timbre est plutôt miel et sucre. Une métamorphose qui lui permet de se frotter avec beaucoup de bonheur, au blues, au bluesgrass, au r&b et même au gospel. Mavis Staples est ainsi venu donner de la voix sur " Saint Judas " et " Build a levee ". Et puis d'aborder, sans le moindre complexe, la world music. A l'instar du reggae arabisant " This house is on fire ". L'opus recèle également l'une ou l'autre ballade plus intimiste, minimaliste, parfois légèrement électrifiée, dont un superbe titre ténébreux, hispanisant, au cours duquel elle murmure quelques mots dans la langue de Cervantès ; une chanson qui me rappelle quelque part le " Manhole " de Grace Slick. Seul l'alerte " Tell yourself " renoue avec l'acoustique ensoleillée du défunt 10.000 Maniacs. Une œuvre bourrée de charme et de délicatesse, dont le style lyrique, intimiste et poétique reflète les images des brumes automnales…
Essentiellement branché sur les scènes indé et électro, Matador a décidé de s'intéresser de plus près au mouvement hip hop. Tout d'abord à travers cette compilation. Derrière le pseudo peu connu de Mr Len se cache le DJ d'un groupe des plus intéressants de la scène hip hop US : Company Flow. Mr Len nous présente ici sa propre vision du hip hop qui se veut résolument old school. On y retrouve divers artistes tels que The Juggaknots, Q-Unique of the Arsonists et Mr Live. Mais aussi et paradoxalement D-Stroy. Ce qui démontre que Mr Len avoue d'autres influences. Et en particulier le métal hardcore. Nonobstant cet écart de conduite, ce disque s'avère plutôt sympa à écouter. Dommage que l'ensemble n'ait pas été présenté sous la forme d'un DJ mix album ; une formule qui aurait été beaucoup plus intéressante qu'un simple enchaînement de morceaux…
Les Stooges, les Doors, Birhday Party et les Scientists constituent plus que probablement les influences majeures de cet ensemble yankee. De Seattle très exactement. Une formation née en 1996 et réputée pour son garage punk aussi turbulent que féroce. Depuis l'engagement de Leslie Hardy, préposée au clavier Hammond, la musique des Murder City Devils a pris une autre dimension. Moins aride, plus fluide, plus insidieuse et surtout plus mélodique. Ses interventions rognées, veloutées, me rappellent même parfois celles que menait Clinton David Boon, auprès d'Inspiral Carpets. Découpé en six fragments, le nouveau mini album de cette formation concède même un titre plus tendre, plus mélancolique. Intitulé " 364 days ", il bénéficie du concours d'une section de cordes. Mais venons en aux cinq autres morceaux de ce disque. Qui véhiculent des lyrics toujours aussi acerbes et mordants, libèrent des riffs de guitare saignants, décapants, vibrent sur une ligne de basse ténébreuse, gothique et s'enflamment au contact du timbre vocal sinistre, écorché de Spencer Moody. Pas difficile de comprendre pourquoi l'orgue joue maintenant ici le rôle de fil conducteur, au sein de cette solution sonore…
Fruit d’un étonnant mélange de jazz, de country, de rock et de funk, " Why do all the country girls leave ? " constitue déjà le cinquième album de Mishkin ! Enregistré en 1999, il établit la réputation de Mishkin en tant que compositrice et chanteuse de talent, outre-Atlantique. Sa musique est très séduisante, tant par la diversité des styles musicaux en présence que par la qualité des chants. Personnellement, " Her silver bowl " me semble la composition la plus réussie. Mishkin a eu la délicate attention de définir le style musical dominant pour chacun des 15 morceaux qui composent l'opus: du rock au folk en passant par la soul, le swing ou encore l'ambient. Ce disque recèle des rythmes bien plus sophistiqués et ô combien plus enrichissants que la " pop easy listening " qui nous rabâche les oreilles quotidiennement. Depuis 1993, Mishkin est parvenu à imposer un style particulier et continue maintenant son petit bonhomme de chemin, depuis la Nouvelle Orléans jusqu'à notre porte. Album à écouter absolument et à destiner plus particulièrement aux adeptes de melting-pots imaginatifs.
Imaginez un peu une formation susceptible d'épouser le profil mélodique et hymnique d'Ash, de manifester la vulnérabilité juvénile et tourmentée de Placebo, d'afficher l'audace psychédélique de My Bloody Valentine, en libérant un taux d'adrénaline, sur l'échelle métallique, aussi élevé que Smashing Pumpkins, tout en se réservant, à l'instar d'un Sad Lovers & Giants, l'un ou l'autre détour par l'éther stratosphérique. My Vitriol répond à ces critères. Ou plus exactement son premier album. Un disque qui a bénéficié du concours de Chris Sheldon (Foo Fighters, Feeder), à la production. Et le moins que l'on puisse dire, c'est que la musique de ce quatuor londonien est très électrique. Une électricité tour à tour chatoyante, sauvage, tendre, décapante, gémissante, écorchée, capricieuse ou trempée dans le feedback, consommée par deux guitares qui se conjuguent en harmonie ; une électricité mélodique épurée par le timbre vocal diaphane de Som Wardner et balisée par une section rythmique solide, pulsante, fruit de la collaboration entre ligne de basse ténébreuse et drumming particulièrement inventif. Un must !
Depuis le temps que le deuxième album était attendu (NDR: "Showbizz remonte quand même à plus de deux ans !), je commençais tout doucement à désespérer. Mais l'attente n'aura pas été vaine, puisque, dans son style, cet " Origin of symmetry " est tout bonnement remarquable. Dans son style, je le répète, car après avoir écouté cet opus, plus personne ne pourra clamer ou écrire que Muse n'est qu'un calque de Radiohead victime d'un complexe de Queen. En fait cette nouvelle œuvre est beaucoup plus âpre, sauvage, volcanique et surtout moins accessible que la précédente. Plusieurs écoutes sont d'ailleurs indispensables avant de pouvoir s'imprégner de cette électricité blanche qui parcourt les onze titres de ce disque. Et le falsetto dramatique, opératique de Matt n'a jamais été aussi proche de celui de Jeff Buckley. Autrement dit, il dégage une force émotionnelle hors du commun.
Vous avez certainement déjà eu l'occasion d'entendre ou d'écouter " Newborn " ou " Plug in baby " sur l'une ou l'autre station radiophonique. Ce sont les deux fragments les plus contagieux. Hormis quelques filets de clavier voire de synthés, les accords de piano très caractéristiques (NDR : à résonance symphonique, il est bon de le rappeler), le paso doble énigmatique " Screenager ", le nightclubbien " Feelin good " et l'atmosphérique, nappé de claviers fluides, " Megalomania ", la solution sonore trempe dans le rock sordide, gothique, rageur, vivifiant, qui doit plus au métal de Smashing Pumpkins ou au funk blanc de Gang Of Four qu'à la pop aseptisée de U2 auquel les médias les avaient un peu trop hâtivement comparés. Si " Origin of symmetry " devrait figurer parmi les ‘must’ de l'année 2001, son succès commercial me semble cependant fort compromis. M'enfin, tout le monde peut se tromper…
Après une absence de sept bonnes années, au cours desquelles les musiciens ont mené des projets distincts, New Order a donc décidé de retourner en studio pour y commettre un nouvel opus. Oh, faut pas croire qu'ils soient prêts à abandonner leurs aventures parallèles pour reprendre la vie en commun. Non simplement, ils ont tenu leur promesse de se réunir lorsque le besoin (NDR : artistique ou financier ?) se ferait sentir ; et surtout d'enregistrer à nouveau ensemble, dès qu'ils seraient prêts. Histoire de se ressourcer chacun de son côté, afin de retrouver l'inspiration. Et ce " Get ready " démontre qu'ils ont eu amplement raison. Car, dans le style, ce disque est excellent.
Pas révolutionnaire, mais plus rock, plus rageur, il va réconcilier le groupe avec les fans de la première heure ; et notamment ceux qui ont encore la nostalgie des " Ceremony ", " Everything's gone green " ou autre " Blue Monday ". Car tout au long de ce disque, l'organique est le plus souvent mis au service du basique. A l'instar du stoogien " Rock the shack ", sur lequel Bobbie Gillepsie vient apporter toute sa fougue, le single au groove tribal, " Crystal ", le contagieux " Miles an hour ", l'entêtant " Slow jam ", le splendide joydivisionesque " Primitive notion " ou encore le sobre, mais efficace, " Turn my way ", sur lequel Billy Corgan est venu prêter sa voix. Les mélodies au refrain contagieux, chanté par le timbre clair de Bernard Summer, glissent toujours avec la même facilité sur cette texture sonore ou se conjuguent cordes de guitare tour à tour rageuses, fragiles, simples ou aiguisées, drums métronomiques, nappes de claviers ou de piano vaporeux, et cette basse unique, toujours aussi attachée viscéralement à la cold, de Peter Hook. Et les quelques intermèdes plus technologiques ont bien le soin de faire la part belle aux textures atmosphériques minimales, textures propices à l'épanchement des émotions les plus pures. Et je pense ici tout particulièrement à l'indolent " Vicious streak " et à l'hypnotique " Close range ". L'opus s'achève même par une balade plus tendre, plus acoustique, paradoxalement intitulée " Run wild ", conduite par une sèche et un harmonica ; un peu comme si la formation avait voulu faire retomber la pression. Le pied !
Pour ceux qui suivent, inutile de rappeler à quel point Neurosis me semble un incontournable de la scène métal. Créateur d'une oeuvre très forte, nos Californiens ouvrent la marche, leur position de meneur jamais mise en défaut. En entretenant cet attachement indéfectible aux sons et aux ambiances qui leur appartient, Neurosis peut se targuer d'être un modèle de persévérance et d'intégrité. A l'instar d'un Tool, puisant exclusivement dans sa propre création pour se réinventer, se renouveler et se dépasser, Neurosis utilise également à sa manière cette totale autonomie musicale. A l'écart des mouvements, donc théoriquement à l'abri des effets du temps. Septième album du combo, " A sun that never sets " réoriente, élargit le spectre musical balayé par le passé. Les différents travaux en solo des principaux compositeurs du groupe n'y sont certainement pas étrangers. Plus proches du contenu de " Time of grace " que de celui d' " Enemy of the sun ", ces 10 nouveaux titres poursuivent le travail amorcé depuis 2 à 3 ans. C'est-à-dire en prônant un retour vers un métal peut-être plus classique dans sa forme, mais toujours aussi travaillé sur le fond. Pas de doute, c'est bel et bien un album de Neurosis, composé de ces longues, lourdes et lentes plages, parfois sises, grâce aux samples, à la frontière du death-ambient. Sans oublier la polyphonie des 3 voix si caractéristiques du groupe, les déchaînements sonores et les crescendos. Aujourd'hui les percussions répétitives et incantatoires semblent abandonnées au profit des cordes qui ajoutent une touche plus mélancolique, funéraire à l'ensemble. Selon mon humble avis, le groupe perd au final un peu d'originalité (même dans le packaging), dans le voyage, mais devrait allégrement se rattraper sur scène où se déploie sa véritable puissance de feu. Patience donc.
Nederlands 
Français 
