Je dois avouer que lorsque Lamb s'égare dans les élucubrations technologiques à caractère purement drum'n bass, il me pompe l'air. A contrario, lorsqu'il cherche à capter la beauté de la décadence urbaine, il est tout à fait impressionnant. Et c'est de nouveau le cas sur " What sound ", le troisième opus du duo insulaire. En fait la voix sensuelle, fragile et dramatique de Louise Rhodes, dont le timbre campe un hybride entre Björk et Mélanie, est un argument indispensable à leur trip hop dont l'originalité procède de cette capacité à fusionner mélodies romantiques et rythmes déchiquetés, hypnotiques, au sein d'un univers organique. Et ce n'est pas une raison pour passer sous silence le rôle joué par Andy Barlow, puisqu'il est quand même celui qui, à l'aide de toutes ses machines, bidouille tout ce qui a trait à l'emballage : la musique !
Lady Bianca Thornton est née à Kansas City, dans le Missouri. Depuis l'âge de 4 ans, elle vit dans la baie de San Francisco, à Oakland pour être plus précis. C'est à l'église qu'elle commence à chanter, au sein de chœurs gospel. Elle fréquente l'académie musicale de San Francisco où elle apprend le piano. Un 1er album était sorti en 1995, "Best kept secret" sur le label Telarc. Elle a composé tous les titres de ce " Rollin " en compagnie de son époux, Stanley Lippitt. Ils en assurent ensemble, la production.
"Jung gawk wah yow" est un blues rocker. La voix autoritaire de Bianca s'impose. Son piano la suit à la trace. Ses cordes vocales, puissantes et modulées, sont faites pour chanter le blues ; et en particulier sur les thèmes les plus lents, tels que "Easy lovin" et "Keep my baby outta your eyes". La meilleure composition, "You slept with my man last night", manifeste une intensité bien dramatique…vu l'événement. Lorsque le tempo est plus rapide et dansant, à l'instar de "Blues fonk", de "Sexy bones" et de "Lyin' to me", elle me rappelle Irma Thomas. Et c'est un compliment ! Elle en reste aussi proche sur le langoureux, sensuel et latin "Can you sleep away again tonight", pour lequel elle a reçu le concours de Carl Lockett à la guitare acoustique. La section rythmique est chargée de groove pour entamer "Spendin' money". Elle a reconduite les mêmes musiciens qui avaient participé à l'enregistrement de son 1er album. En l'occurrence, Tony Saunders à la basse et Dave Rokesch à la batterie. Et puis Dave Matthew, toujours planté devant son orgue, pour communiquer une ambiance Memphis soul. "Little drop of water" est une bien jolie ballade qui nous rappelle, cette fois, Tracy Nelson. En finale, "Roll thang" vaut son pesant de cuivres. Et à cet instant, le piano roule à la néo-orléanaise, au sein d'un univers toujours très proche de Marcia Ball. Un bon album.
Plusieurs écoutes ont été nécessaires pour réaliser une évaluation plus ou moins exacte du contenu de cet album. En fait, sur les dix-sept titres du nouvel opus de Manic Street Preachers, cinq sont franchement dispensables et un sixième, " Miss Europa disco dancer ", adopte un profil funk tellement guindé, qu'il en devient ridicule. M'enfin, lorsqu'on sait que le disque frise les 75 minutes, on a pas le droit de se plaindre. D'autant plus que le reste vaut son lot de surprises. Depuis le single rugissant, stoogien, " Found that soul ", au remarquable et ténébreux " My Guernica ", réminiscent du Velvet Underground, en passant par le douloureux et déchiqueté " Ocean spray ", le crépitant, presque noisecore " Intravenous agnostic ", le surf (Beach Boys ?) " So why so sad ", le morbide, fallien, " Wattsville blues ", caractérisé par le passage de Nicky Wire aux vocaux, la rencontre hypothétique et glamoureuse entre Slade et Roxy Music de " Dead martyrs ", les auriculaires (NDR : donc inspirés par les Stranglers) " Epicentre " et " His last painting " et un titre caché au parfum garage sixties particulièrement marqué. Sans quoi, l'idéologie de MSP circule toujours à gauche, et les lyrics continuent de s'écrire à l'encre rouge. Pas pour rien que le trio a été, tout récemment, reçu par Fidel Castro à Cuba. Dans ces conditions, " Know your enemy " est un titre lourd de sous-entendus…
Les Mama's Boys se sont formés en 1994 dans un vieux club de Los Angeles (Venice), le Babe & Ricky's Inn. Le leader est le chanteur harmoniciste Johnny Mastro. Il est entouré du guitariste Dave Melton, du bassiste Jeff Henry et des drummers Adam Johnson et Mike Owens. J'adore ce band. Son énergie. L'énorme groove qu'il libère. Les Mama's Boys sont incontestablement les dignes successeurs du Red Devils de Lester Butler. Plusieurs guitaristes ont participé à l'enregistrement cet opus. Et notamment Peter Malick, Michael D'Santi et Job Striles. La production est assurée par le chanteur/batteur Max Bangwell.
Les Boys sont de suite dans le coup. La section rythmique prend les rênes. Mastro peut se mettre en route. Sa voix nasillarde et ses coups d'harmo bouseux font monter le thermomètre de quelques degrés sur "Can't get ever". "You wrong" est extraordinaire. Le son de la slide de Melton est sale, poussiéreux. Elle libère une énergie primaire qui rappelle Hound Dog Taylor. L'harmonica de Mastro sonne très Sonny Boy Williamson II. En particulier sur la plage titulaire "Pinch the snake" et sur "Told my baby". La section rythmique manifeste beaucoup de rigueur et de rigidité sur "Bone dry". La guitare décolle par un son très métallique. "Dynamite" est un shuffle explosif. Blues lent, "Depending on you" permet à Melton de sortir le grand jeu. Son solo tout à fait excellent est prolongé par un travail aussi parfait, classique mais tellement évident, de Johnny à l'harmonica. La reprise de "Behind the sun" de Lester Butler est sans aucun doute un clin d'oeil vibrant au regretté disparu. Johnny Mastro a d'ailleurs tenu le rôle de Butler dans un concert hommage de "13". Les Boys osent une adaptation nerveuse du "Blues don't like no one" d'Otis Spann. La guitare toujours très musicale, piaille et gazouille à travers les haut-parleurs. A l'harmonica chromatique, Mastro se déchaîne à la manière de Little Walter. "Liquor store" a été écrit par Jimmy Reed. Le jeu d'harmo dans les aigus est très significatif, pendant que Melton joue le rôle d'Eddie Taylor. "Sadie" de Hound Dog est un excellent blues. La section rythmique et l'harmo montent graduellement en puissance avant que n'éclate la slide. "Bassman Mama" est un nouveau smoking shuffle. Et croyez moi, les Mamas ne sont pas prêts de déposer le gant ! L'elpee s'achève par le funky "Ocean Front Walk". Une plage aussi puissante que le reste, mais plus funky. Un superbe album… que j'adore…
A l'origine, le premier album solo de Malkmus devait s'intituler " Swedish reggae ". Il est tout simplement éponyme. Première constatation, les compositions sont davantage structurées, les délires sonores balisés, les dérapages expérimentaux prévisibles et les mélodies beaucoup moins capricieuses que chez le défunt Pavement, dont la séparation remonte à 1999 et chez qui Stephen partageait le leadership avec Robert Nastanovich. Seule la voix, capable de se muer en falsetto, a conservé le goût de l'aventure. Ce qui n'empêche pas Stephen d'avoir recours indifféremment aux samples, à la slide, à la flûte ou à l'instrumentation basique. On comprend mieux aujourd'hui le rôle joué par Bob au sein du symbole yankee de la lo fi. Hormis " Church on white ", chanson écrite en souvenir d'un ami décédé suite à une overdose d'héroïne, le ton adopté est beaucoup plus récréatif, humoristique, ou plus exactement ironique, voire sarcastique. Certains fragments frôlent pourtant l'univers de Lou Reed. Mais son pôle le plus optimiste (NDR : il ne doit pas être facile à détecter !), le moins glacé ( !?!?). Bref, un disque fort agréable à écouter, mais loin d'être indispensable à se procurer…
Miss Malenfant est une chanteuse canadienne, originaire du New Brunswick. Au cours des dernières années, elle a régulièrement fréquenté notre plat pays. A ce jour, elle compte cinq albums à son actif : deux productions limitées, "Turtle blues" et "Your good thing", "Eye of the hurricane" (1994), un opus consacré aux chansons du répertoire de Janis Joplin intitulé "Little girl blue" (1997), et "Piece of my heart" (99). Le potentiel physique de Theresa respire la puissance. Et avant même de l'écouter, il n'est pas difficile d'imaginer que sa voix impose. Elle est même retentissante.
Pour enregistrer " Listen up ! ", elles s'est entourée du groupe belge, Midnight Believers. En ouverture, "Ain't nobody home" nous la présente comme un grande dame du R&B. Il est incontestable qu'elle eut aimé vivre au cœur de Beale Street, à Memphis. La suite du programme nous réserve de bien agréables surprises. "5 10 15 hours" est un très bon blues rythmé. La voix claire domine des musiciens bien inspirés. Et notamment Dominique Van Tomme au piano, le doigté aussi agile aux ivoires que derrière son orgue. Le calme apparaît au sein des studios de Destelbergen. Theresa commence à chanter une douce ballade aux accents majestueux. Elle y met tout son cœur. A l'instar de "First night alone without you". Miss Malenfant revient rapidement à ce qui est son style personnel, sur "Everybody's happy (but me)". Un blues rythmé, coloré chaque fois par le piano de Van Tomme. "Shaky ground" figure au répertoire de bon nombre de formations R&B. Le tempo funky qui colle à ce titre est ici bien emballé par la rythmique. Une rythmique constituée de Geert Bostyn à la basse et de Kristof Vandooren à la batterie, renforcée par les deux cuivres et l'orgue. "I won't be around" est une nouvelle ballade, une bien jolie ballade à la mélodie accrocheuse. Si la section de cuivres y tire son épingle du jeu, la guitare de Tom Brys signe une sortie réussie. Ce type de ballade me rappelle le meilleur de Miss Irma Thomas. Et croyez-moi, c'est un compliment ! Lorsqu'elle reprend Otis Redding, elle se met dans la peau de "Miss Pitiful" et nous confirme qu'elle adore le Memphis R&B, façon Stax. Jean Pol Cornelis dirige les sessions en studio. Il sort également sa guitare " slide " sur "Somebody up there likes me" pendant que Marjorie et Werner s'activent aux chœurs. "Come on down to the blues bar" d'Eddie Lusk concède des accents gospel, alors que Stefan Thaens au sax et Joery Dewachter à la trompette sortent tous deux d'excellents soli. Teresa a la voix de circonstance ; et cet album produit du bon R&B. Un opus qui se termine par des adaptations de King Curtis et de Wilson Pickett.
Fondé en 1993, Magoo est né au cœur du Norfolk. Une formation qui, à l'instar de Super Furry Animals, se nourrit de toutes les formes possibles de psychédélisme. Aussi bien cosmique, atmosphérique, viscéral, pastoral, expérimental qu'intello. Et dans ce domaine, les références sont légion. Après plusieurs écoutes, je suis parvenu à relever des traces de Spiritualized, de Labradford, de Loop, de Gorky's Zygotic Mynci et même de Wire. Il en existe d'autres, mais je vous laisse le soin de les découvrir. Heureusement, cette formation insulaire ne se contente pas de s'alimenter au psychédélisme. Elle a le bon goût d'épicer ses plats sonores. De krautrock, par exemple. Au goût Neu ou Faust. C'est tout à fait évident sur " Motorama ". Une composition imprimée sur un tempo hypnotique, viscéral, et infiltrée de claviers insidieux. Et puis sur " The only tests with guarantees ". Encore que sur ce titre, l'approche de la mélodie s'avère plus pop. Une pop juvénile, post adolescente cultivée par exemple chez Stereolab. Plus kitsch encore, " Powerman ", nous entraîne aux frontières de l'univers factice de Pizzicato Five. Mais un Pizzicato Five qui aurait emprunté les parties vocales aux Hollies. Maogo nous réserve quand même deux ballades intimistes, tendres, " The high castle " et " 2 dearborn ". Deux fragments qui privilégient le travail sur l'instrumentation acoustique et sur les voix. L'opus recèle également l'un ou l'autre titre plus énergique, plus tonitruant. Et en particulier " Nastro adhesivo ", un morceau coulé dans un trash/punk frénétique digne de Jane's Addiction. Pour clore l'opus, Magoo affronte le très futuriste " Revolutions of the planets ", un fragment aussi minimaliste qu'expérimental. Déconcertant !
Même si sur cette deuxième salve, Magnitude 9 reprend note par note le grand classique d'Iron Maiden "Flight of Icarus", il faudrait plutôt chercher ses influences du côté de chez Dream Theater, Queensryche ou Fates Warning. Déclinant un métal progressif teinté de hard FM, au fil de ses neuf nouvelles compositions, les Américains ne dénigrent pas les atmosphères épiques, parfois teintées d'un certain néoclassicisme. Construit avec intelligence de la première à la dernière note, " Reality in Focus " nous invite à parcourir des titres d'excellente facture, dont la durée dépasse rarement les six minutes. Un fait plutôt rare dans ce style métallique empreint de rock progressif. Le chant évoque Geoff Tate ou Bruce Dickinson, et le jeu de batterie, fin et précis, ne déplairait pas à Neil Peart de Rush. L'album nécessite néanmoins plusieurs écoutes avant d'en apprécier son contenu à sa juste valeur. Vaut le détour !
D'ici quelques mois (temps terrestre) les Yankees Matmos auront envahi les ondes de notre bas monde pour mieux le mettre à feu et à sang. L'étoile biscornue Björk vient en effet de leur donner à traiter ses extravagances musicales sur son prochain brûlot " Vespertine ". Notre fringuant duo transex, habitué à ausculter les ratages numériques pour en faire autant de ready made sonores, ne délaisse pas ici son côté " infirmier des oreilles spécialisées " à travers le déstabilisant " A chance to cut is a chance to cure ". Un concept album sans œillères qui assimile avec un je-m'en-foutisme intello musique concrète, discoïde homo et quelques millilitres ouatés d'electronica rêches puisés sur les rebords liquides des salles d'opérations. Un concept pour le moins intriguant, lorsqu'on sait que ces dépuceleurs du rythme binaire, déjà responsables de trois albums electronico- barrés sortis sur Domino, agencent bruits de liposuccion, de laser, d' acupuncture, de rat en cage, récoltés pour la plupart en prise directe, afin d'obtenir des fragments baveux, aux structures bâties sur les miettes gore de peau raclée, avec ce sens du burlesque troupier qu'on jugerait par instant provenir de la perfide Albion. Points d'orgue de cet elpee, " Spondee " et " For Felix " empruntent l'énergie et les montées d'adrénaline propres à la house millésimée des clubs de San Francisco, pour la moudre à des stridences qui, en s'éloignant de l'univers oppressant qui les génère, émeuvent. Tu cherches la lumière et c'est l'impasse disait Bashung. Pour une fois, l'impasse aura l'aspect d'un matin d'été éternel, comme une joie simple perpétuellement renouvelée.
Le bluesman anglais au crâne le plus dégarni est de retour ! Il avait déjà commis, dans le passé, un superbe album acoustique : "Solo in Soho". Il remet le couvert avec "The acoustic blues of Eddie Martin". Néanmoins, cet opus n'a pas été enregistré exclusivement en solitaire, puisque Eddie a reçu épisodiquement le concours de l'un ou l'autre collaborateur. Et notamment Paddy Milner au piano ainsi que Dave Griffiths à la basse et à la mandoline.
Dès l'ouverture, le piano souriant de Paddy soutient ainsi "The devils joker". Même sans amplification, Eddie est capable de vous remuer les doigts de pied. Ils bougent et frétillent tout au long d'"It's a mystery to me". "It hurts me too" de Tampa Red dégage beaucoup d'émotion et de délicatesse. Eddie se transforme volontiers en homme orchestre. Il est capable de jouer au même moment guitare, harmonica et percussions au pied. A l'instar de "Bundle up and go" qui figurait au répertoire de Leadbelly et de John Lee Hooker. Inspiré par le légendaire Barbecue Bob, "Barbecue bop" est un instrumental mitonné par la national steel guitare d'Eddie. Autre instrumental, "Jumping beans" est inspiré par Dr Ross. Au chapitre des reprises, signalons encore la présence du "Queen of spades" de Robert Johnson et du "Mean ole Frisco". Pour le reste, Martin a composé l'essentiel du répertoire, toujours aussi inspiré par le Delta. Ainsi "Toy Ballerina" est proche du thème de "Can't be satisfied" ; alors que plus rythmé, "Henry Ford" s'appuie sur une guitare à douze cordes et un harmo. L'album se referme sur "Fox Chase N°3". Un exercice de style à l'harmonica sur lequel il se délecte au "Whoopin" familier de Sonny Terry. Musicien complet, Eddie a retenu les leçons de Joe Hill Louis, de Dr Ross et du regretté Duster Bennett.
Eddie Martin ne se contente pas uniquement d'enregistrer des albums solos. Il lui arrive aussi de s'entourer de son fidèle band, fondé en 1995. Un trio ! Et c'est en compagnie de Tony Caddle à la basse et de Mike Hoddinott à la batterie qu'il a commis cet opus. Des enregistrements immortalisés live lors d'une tournée américaine, vous l'aurez deviné, principalement accordés au Texas ; mais aussi au célèbre Slippery Noodle Inn d'Indianapolis.
L’EMB s'embarque illico pour trois plages tirées du dernier album "Fires and floods". Tout d'abord un blues lent très électrique à l'intensité dramatique, "Answerphone blues". Eddie s'y délecte à la guitare. Suit un très long périple (plus de douze minutes) dédié à Freddie King, "Hideaway". Un instrumental bien connu, mais dont l'interprétation campe à des années-lumière de la version originale ; notre bon Eddie s'identifiant plus à Hendrix qu'au King. La section rythmique savoure son instant de gloire, pendant que le solo kilométrique de l'ami Tony en remet largement sur le métier. Notez que dans le style, Tony n'a rien d'un manchot! Sur la réserve jusqu'alors, notre Mike vient à l'avant-plan pour introduire le "See red blues", géré par Eddie comme un boogie furieux. Eddie aborde son "Blue to the bone", titre générique de son 2ème album. Son riff bien saignant peut rappeler Magic Sam. Ed s'acharne comme un possédé sur son manche. Il se déchaîne en délivrant des flots de notes et en arrachant des sons inhumains de ses cordes. Pour chanter de sa voix écorchée un convaincant "Red lights", Martin a attaché son rack. Il peut ainsi souffler avec bonheur dans l'harmonica au moment où il attaque sa guitare. Eddie souffle à son tour dans l'harmonica sur "G-string" fling", un solo impromptu qui lui permet de changer en même temps l'une des cordes de sa guitare. Il reprend le somptueux, "Cleanhead blues", un blues lent d'Eddie "Cleanhead" Vinson, et conclut par le très swing "Birds and the bees".
Si vous aimez ou avez aimé la musique des Chills et des Moles, vous apprécierez celle de Marmoset. Evidemment, si vous ne connaissez aucun de ces groupes, cela vous fait une belle jambe… Marmoset nous vient d'Indianapolis. Un quatuor qui doit probablement avoir beaucoup écouté Syd Barrett. En solo, mais également à l'époque où il sévissait chez le Floyd. A cause du style qu'il pratique tout au long de ce " Record in red ", que je qualifierai d'excentrique, mais aussi de contagieux, de capricieux et d'énigmatique. Seul " Frendamine ", baigne dans un univers popcore, proche d'une Kim Deal. Les douze autres fragments allient à la fois simplicité mélodique et psychédélisme basique. A cause des inflexions vocales, tout d'abord. Sinusoïdales, légèrement reverb, elles accentuent le climat mystérieux des chansons. Tout comme les quelques filets de claviers aux sonorités poussiéreuses, presque mystiques. Des tonalités de la guitare, également. Plaquées ou syncopées. Le plus souvent acoustiques. Tout un contexte qui aurait pu se complaire dans une forme de revivalisme, s'il n'y avait la basse de Jorma Wittaker. Omniprésente elle dessine des motifs ténébreux, cold, un peu comme Peter Hook chez Joy Division et New Order. Ce qui donne un aspect tout à fait original à la solution sonore de Marmoset. Excellent !
A l’écoute de ce chanteur bruxellois, j'ai toujours eu du mal à rester objectif : ses deux précédents albums ont tellement tourné sur ma platine, que j'ai fatalement envie de prolonger sur le petit nouveau. Alors, je me glisse très facilement dans le reggae d'ouverture, au cours duquel Marka explique qu'il parle toutes les langues, sauf la langue de bois, ‘faite de ronds de jambes et de sourires narquois’. Je succombe à " Le monde est mal fait ", chanson qui illustre l'humour particulier de Marka, entre jeux de mots et dérision (‘les filles dont je m'éprends sont toujours prises’). J'apprécie, en fan de Clash, la version francophone, acoustique et à la trompette du fameux " Should I Stay or Should I Go ". Marka a fait pas mal de scène ces derniers temps et ça se sent dans les rythmes très entraînants qui marquent de nombreux titres. En tournée, il a sans doute eu moins le temps d'écrire et cela se sent aussi. Des trouvailles (par exemple, cette parodie de l'anglais yaourt) auraient peut-être pu être creusées un peu plus pour donner leur pleine mesure. Un petit effort supplémentaire aurait aidé les chansons sur les quotas ou la réincarnation à nous surprendre jusqu'au bout. Mais bon, ne faisons pas trop la fine bouche : s'il a déjà accompli de meilleures saisons, ce grand amateur de foot assure sans problème son maintien en Division 1.
Après quelques albums d'un rare pessimisme, Marillion confirme une joie retrouvée à travers cette nouvelle oeuvre intimiste. Groupe hors norme à la longévité exceptionnelle, le très british Marillion n'est plus cet ersatz de Genesis, dont l'étiquette lui est restée collée à la peau jusqu'au départ de son emblématique chanteur Fish, remplacé en 1989 par le non moins charismatique Steve Hogarth. Aujourd'hui libre comme l'air, faisant fi du dédain des puristes qui lui reprochent ses amours entretenus avec les sonorités trip hop et la pop rock de Radiohead, Marillion se retrouve de nouveau associé à EMI, la grande maison qu'il avait quittée en 1995. Fort d'un noyau d'aficionados entièrement dévoué à sa cause, le groupe a fait financer son nouveau né par les membres de son fan club.
"Anoraknophobia" est de loin la meilleure production de l'ex groupe phare du rock progressif anglais depuis l'émouvant "Brave" ; un disque considéré par le band lui-même comme le point culminant de sa carrière. Bien qu'excellente entrée en matière, le single très rock "Between you and me" est peu représentatif de l'ensemble de l'œuvre ; une œuvre dominée par la richesse harmonique du sublime "Quartz" aux réminiscences Porcupine Tree et par les envolées aériennes de joyaux tels que "When I meet god" ou "Separated out". Les groupes issus des années 70 et 80 qui continuent à vivre sur leur passé sont légion. Marillion n'est pas de ceux-là et pousse l'honnêteté jusqu'à prendre le risque de perdre ses fans de la première heure en accouchant d'un album simplement authentique. La démarche mérite le respect. "Anoraknophobia" deviendra à coup sûr un classique, une référence qui n'aura pas pris une ride dans deux décennies.
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