Tracy est originaire de Madison, dans le Wisconsin. Elle a découvert le blues à Chicago au contact du jeune (à l'époque) Charlie Musselwhite. Fin des 60s, elle émigre à San Francisco, alors en plein délire psychédélique. Elle y fonde le groupe Mother Earth. C'est à cette époque qu'elle se fixe définitivement dans une ferme, près de Nashville. Nous sommes alors en 1969.
" Ebony & Ivory " constitue le 20ème album de cette extraordinaire chanteuse. Elle le dédie à la mémoire de Doug Sham, disparu au moment de ces sessions. Tracy entame ce morceau de plastique de la plus belle manière, par "You will find me there". Sa voix majestueuse est enrobée de chœurs chaleureux. Jim Pugh est à l'orgue. Et puis, soudain un solo de guitare sort de nulle part. Une sonorité lugubre qui n'appartient qu'à Mike Henderson, des Bluebloods. D'ailleurs, cette richesse musicale alimente l'ensemble de l'album. "Strongest weakness" progresse à la cadence de la rythmique puissante, appuyée par les cuivres des Memphis Horns. Reese Wynans est à l'orgue. Il a emmené son guitariste, Bob Britt. Tracy et Marcia Ball sont de grandes copines. Aussi, lorsque Tracy décide de chanter le solide rock "Got a new truck", elle invite Mrs Ball au piano. Imprimé sur un riff très Stones, "Quicksand" est coulé dans le même moule. Déjà responsable de plusieurs plages sur "Sing it!", le fameux album commis en duo par Marcia Ball et Irma Thomas, David Egan a écrit les délicats "If you knew how much" et "Even now". Et cela s'entend ! Tramée sur une musique traditionnelle "Last chance" rappelle l'héritage celtique. Et l'accompagnement minimaliste mais tellement efficace de la flûte de pan et du violon fait le plein d'émotion. La voix puissante de Tracy est secondée par le murmure frêle et ombrageux d'Alice Newman qui a écrit cette chanson. Ballade jazzy particulièrmeent lente, composée par Mose Allison, "How much truth" conjugue intimité et beauté. L'arrangement au piano de Reese Wynans est somptueux. Les formules simples sont souvent les meilleures. Le délirant "I must be crazy" se révèle très efficace alors qu'une 2me version de "Strongest weakness" met en exergue la guitare acérée d'Henderson et le piano de Pugh. Un excellent album ; mais quelle chanteuse!
Rien à faire, l'ombre du mouvement postcard plane toujours sur la musique de cet ensemble écossais; et plus particulièrement celle du défunt et mythique Orange Juice. Normal, me direz-vous, puisque les deux premiers albums de Nectarine N°9 étaient sortis sur cet illustre label. Pour enregistrer son quatrième opus, la formation a reçu un gros coup de main de l'ex majordome de Pop Group, Gareth Sage. Il y a apporté sa guitare, quelques compositions et surtout son esprit free jazz. Résultat des courses, les douze fragments de cet opus baignent dans une pop underground, mercuriale, énigmatique, malveillante, vaudou, recherchée, hypnotique, qui doit autant à l'ex et mythique groupe d'Edwyn Collins, qu'au Velvet Underground, à Captain Beefheart, à Mark E Smith et à Scritti Politti. Et si le combo s'essaie même au reggae blanc sur " Pocket radiodrops ", c'est à travers le surréalisme velouté et sonique du fabuleux " Sic " qu'on peut mesurer toute l'étendue de son talent : la conjugaison des sonorités gémissantes des guitares, des claviers fluides et ses oscillations produites par le vibraphone me donnent encore des frissons dans le dos…
Première constatation : les ombres de Jane's Addiction ou des Red Hot Chili Peppers, formations au sein desquelles Navarro a sévi comme guitariste, sont très discrètes, voire inexistantes, tout au long de ce premier album solo. Deuxième constatation : Navarro aime le rock au sens large du terme, et passe ainsi allégrement d'un "grunge" traditionnel à un indus ‘ministrien’. D'ailleurs les programmations tiennent une place non négligeable dans chacune des compos. Troisième constatation, Navarro ne fait guère preuve d'humour. A l'instar du titre de l'opus, ses textes sont relativement sombres, et manifestent des sentiments de solitude, d'amitié et d'amour, ou encore traitent des difficultés de dialogue entre êtres humains. Dans un premier temps "Trust no one" révèle du bon et du très bon, mais aussi du dispensable. Au fil des écoutes, les mélodies éclosent pour laisser place à une plaque pas toujours homogène, mais qui s'avère finalement de très bonne qualité. A signaler la présence de l'ex Smashing Pumpkins, Matt Chamberlain, aux drums et de Twiggy Ramirez (Manson) à la basse, mais pour un titre.
Après avoir commis " Shake hands with shorty " en 2000, le trio de Memphis nous revient avec un deuxième album. Le très prometteur NMBA est formé des deux jeunes frères Luther et Cody Dickinson, respectivement guitariste et batteur, et du bassiste noir, Chris Chew. La production est assurée par le paternel ; en l'occurrence, le vétéran Jim Dickinson.
Le Nord du Mississippi est un pays de collines. C'est à Oxford, au cœur de cette région, que réside le berceau de Fat Possum. Il est évident que les Allstars y ont puisé une bonne partie de leurs idées, fort représentées tout au long de leur 1er album. Il reste que ce nouvel elpee se démarque assez bien de la partie bien plus roots observée à leurs débuts, pour se diriger vers la sphère rock. A première écoute, on a l'impression que le trio a l'intention de s'ouvrir de nouveaux horizons sonores et surtout de toucher un public bien plus large. Mais, ne nous y trompons pas, la machine de distribution orchestrée par Warner est derrière… Manifestement, nous nous retrouvons face à un trio électrique qui évoque les prestigieuses formations du passé telles que Cream ou Mountain.
Au sein de cette densité sonore profonde, nous pouvons discerner clairement les différents protagonistes, tous parfaitement maîtres de leur instrument. Et c'est tellement vrai sur " Snakes in my bushes ", proche du boogie blues texan de ZZ Top! Nous sommes en 2001. Il ne faut donc pas s'étonner si le son s'est adapté au monde contemporain. En s'enrichissant, par exemple, de divers artifices électroniques. A l'instar de " Sugartown " qui nous permet d'apprécier au passage, une agressivité certaine, une attaque tranchante et une montée en puissance qui aboutit à une véritable claque. L'inspiration revient dans le Delta pour l'interprétation d'une composition écrite par le regretté Junior Kimbrough, " Lord have mercy ". Une accalmie passagère marquée par l'évasion des cordes de Luther qui divaguent entre Dicky Betts des Allman Brothers et Jerry Garcia du Grateful Dead. L'aventure préside sur les remarquables " Storm " et " Leavin ". L'atmosphère se prête bien aux climats psychédéliques. Les soli prennent des allures de raga indiennes. Ils me rappellent même le mouvement Paisley Underground qui sévissait à L.A dans les 80s. Théâtre de voix inspirées du gospel et du hiphop, " Freedom highway " a été composé par Pops Staples. " Ship " observe un peu la même démarche. Libérant des flots de notes bien inspirées, la guitare est à nouveau proche de Dickey Betts. En fin d'album, " Up over yonder " nous plonge dans une atmosphère digne des Caraïbes. Et en finale, " Mud " manifeste un nouveau sursaut d'agressivité. Un titre très métallique, presque punk, qui me fait penser à ces vieux freaks britanniques de Pink Fairies. Un album assez impressionnant, mais définitivement rock!
Il est fini le temps des grands hymnes rock, de ces " Tostaky " repris en chœur. A 40 ans, on ne s'exprime plus comme à 20. On s'adoucit ? " Le vent nous portera ", ritournelle dans le plus pur style Louise Attaque, peut le laisser penser. A tort. Noir Désir ne se courbe pas ‘encore et toujours une ligne droite’, mais poursuit son chemin personnel, sans souci des modes et des conseils en marketing. Intégrité avant tout. Mais cette intégrité, les Bordelais ne la comptent plus en décibels mais en textes, judicieusement mis en valeur par un vrai groupe, toujours très énergique, même s'il s'évade régulièrement des sentiers balisés du rock. Paroles directes et poétiques, dénonciatrices et ensorcelantes. Pas étonnant que Noir Désir reprenne à la perfection Léo Ferré, rendant très contemporain cet artiste qui nous paraît d'un autre temps. Bertrand Cantat n'éructe plus, ou alors rarement. Désormais, il module merveilleusement sa voix selon le propos et les rythmes de son groupe, il ose un pertinent chanté/parlé. Le sommet est atteint dans un extraordinaire " A l'envers, à l'endroit ", où sur un petit bout de mélodie accrocheuse, Noir Désir raconte les contradictions, les abus et les renoncements du monde moderne. Un monde moderne qui ‘nous explose à la gueule’. Et l'on s'étonne, comme tout le monde, de cette chanson étrangement prémonitoire : ‘Le grand incendie/Il y a le feu partout/Emergency/Paris s'écroule/New York City/Iroquois qui déboulent’…
Fondé en 1997, Noahjohn se résumait (!) à un collectif d'une bonne vingtaine de musiciens gravitant autour de Carl Johns. Et c'est sous cette forme que la formation avait gravé un premier album intitulé " Tadpole ". Depuis, Carl a stabilisé son line up, qui compte aujourd'hui cinq musiciens. Si Noahjohn se révèle basiquement country folk, il a le bon goût de ne pas se limiter à cette forme traditionnelle. C'est d'ailleurs lorsqu'il en écarte qu'il est vraiment le plus intéressant. Hybride de Sonic Youth, de Violent Femmes et du Velvet Underground qui serait infesté de bluegrass, de punk, de rock et de psychédélisme, il entre alors dans le monde de la musique alternative. Et pendant que le violon fulgurant, hantant, rivalise avec les cordes de guitare torturées, écorchées ou que la steel guitar pousse des gémissements sinistres sur fond de clavier gothique, le vocal de Carl, dont le timbre semble coincé entre celui de Shane Mc Gowan (Pogues) et celui de John McCrea (Cake), épanche ses prophéties surréalistes, bibliques, qui doivent autant au spirituel qu'au sacrilège, lorsqu'elles ne sondent pas, d'un œil virulent, le bas ventre de l'Amérique rurale. Dommage d'ailleurs que toute l'œuvre ne soit pas de cette trempe, sans quoi elle aurait pu figurer parmi les meilleures de l'année…
Les deux frères, Alan et Stevie Nimmo, sont des Ecossais pur-sang. Basés à Glasgow, ils sont entourés de Sam Firth à la basse et de Mark Barrett à la batterie. Ce dernier est un ancien membre d'Hoax ; ce qui explique sans doute pourquoi les Nimmo font penser à ce groupe défunt. Le talentueux Firth est aujourd'hui remplacé par Lindsay Coulson. Le groupe tourne régulièrement chez nous ; et vous êtes sans doute assez nombreux à les avoir vus et entendus.
Le son est puissant. Il est bien restitué sur ce 2ème album. Les deux frères se partagent le chant, les compositions et, bien sûr, les guitares. Le plus jeune est essentiellement inspiré par Stevie Ray Vaughan et Hendrix. L'aîné par B.B King et Peter Green. Les musiciens n'ont pas dépassé la trentaine. Leur jeunesse se ressent dans les accents les plus durs qui les rapprochent du son des Hoax. C'est surtout vrai sur les premiers morceaux "She's all mine" et "Flat broke". Leur face BB/Green se retrouve sans complexe sur les rythmés "She fills my cup", "Coming your way" et surtout "I'll be back someday". Mais c'est sur le lent "All Iwant" qu'ils sont dans la confidence de Peter Green. Le chant est calme, susurré et puis surtout cette Gibson Les Paul est caressée note après note avec beaucoup de feeling. Quand ils abordent leurs tempos lents, les frères le font toujours avec retenue. A l'instar de "Long way from everything" et du superbe "If I could see through your eyes". Un bon album !
La naissance de ce superbe groupe anglais ne remonte qu'à 1993. Son second album, "Rollercoaster", était d'ailleurs sorti sur Indigo. Mais alors que nous attendions avec impatience son 3ème, ce label ressort le tout premier. Edité en 1997, il avait été distribué discrètement sur le label Wang. Vous avez maintenant le bonheur de redécouvrir cet excellent album dont j'avais dit le plus grand bien lors de sa sortie. Et mon avis n'a pas changé d'une virgule aujourd'hui.
Je crois que l'arrivée des Nightporters apporte une note de fraîcheur bienvenue outre-Manche. Ces jeunes musiciens ont l'énergie déployée par les groupes issus du 1er mouvement R&B qui a sévi au début des 60s ; et au premier chef, celui des Rolling Stones. La musique de Nightporters est sensiblement différente. Très fifties. Mais l'énergie est explosive. L'album illustre bien le style du groupe qui agrège blues, rockabilly et boogie. Leur richesse repose sur le son de la section rythmique, la contrebasse de Chris Robbins-Davey et la batterie de Kevin Crowe. Une trame solide sur laquelle peuvent s'appuyer le guitariste Martin Vowles et le chanteur harmoniciste Ian Roberts.
Dès le "Mellow down easy" de W. Dixon, le combo prend son envol. "Let er roll", "Feelin' good" et "Certainly all" sonnent assez rockabilly avec, à chaque fois, de brillantes interventions de guitare. "Hip shake" est un long boogie dévastateur. Seuls titres lents, "Blue and lonesome" et "Love in vain" (de Robert Johnson), les, sont brillamment chantés par Ian. Et puis, mon coup de cœur va à la version étonnante de "Rollin' and tumblin". Un superbe album. Que dire de plus?
Johnny est un pur Texan. Il chante, joue de la guitare et surtout peut compter sur un tas d'amis. Ils sont d'ailleurs venus l'épauler pour enregistrer cet album, qu'il dédie à la mémoire de Doug Sahm, le Texas Tornado. Lors de leur dernière rencontre, Doug lui avait suggéré de réunir de solides musiciens texans, histoire d'interpréter de vieilles chansons du patrimoine texan et louisianais. Ce qui explique le sous-titre "Texas/Louisiana Blues & Dance Hall Favorites".
Un opus qui débute royalement par "Rockin' my blues to sleep". Un blues qui rocke sous l'impulsion du piano virevoltant de Riley Osborne et les saxos ravageurs emmenés par Kaz Kazanoff, pendant que Marcia Ball et Stephen Bruton assument les chœurs derrière l'ami Johnny. "Rain down tears" est un bon blues relaxant que Mr Nicholas chante avec bonheur devant le sax tenor de Rocky Morales. Tout ce beau monde texan se met à swinguer pour reprendre "The last meal" de Jimmy Rogers. La machine est parfaitement huilée. Les riffs de sax et le piano nous rappellent la glorieuse fin des années 40. "I'm a fool to care" nous fait passer la frontière louisianaise tout en évoquant la bonhomie de Fats Domino. Kaz souffle comme un damné dans son honky sax. Fats Domino est bien au menu puisque les All Stars s'acquittent en douceur de "Before I grow too old". La puissance de la voix augmente d'un cran et les cuivres deviennent brûlants pour aborder "Where you at?" de Lloyd Price. Retour au calme le soir au bord des swamps, pour reprendre impeccablement "Reap what you sow" et l'inévitable "Things that I used to do", de Guitar Slim. Du grand art ! Johnny se révèle un gratteur à la sensibilité fine. Lorsque sa guitare se met à rocker derrière la voix de Marcia Ball sur "Woke up screamin", elle nous rappelle au passage son superbe album "Presumed innocent". Miss Ball a été rejointe par Stephen Bruton pour soutenir Johnny sur le bien connu "Mama talk to your daughter" de J.B Lenoir. Boogie, "The hustle is on" est une invitation à la danse. Floyd Domino est assis derrière le piano. Al Gomez fait vibrer sa trompette. Et pour clôturer l'opus, on retrouve "Boogie back to Texas", un brûlot que Johnny avait écrit pour Doug Sahm en 92. Un album de classe !
Inspiré du titre d'un livre écrit par Jimmy Swaggart, The New Pornographers n'est pas un véritable combo, mais un projet qui réunit des vétérans de la scène canadienne. De la région de Vancouver, très exactement. En l'occurrence Carl Newman (Zumpano, The Crusaders, Superconductor), Dan Bejar (Destroyer), John Collins (Evaporators, Thee Goblins), Kurt Dahle (Limblifter) et le réalisateur de film Blaine Thurrier. Une équipe qui a également reçu le concours de la chanteuse de country Neko Case. Pas seulement pour y assurer les backing vocaux. Puisqu'elle se réserve le 'lead' sur les deux morceaux les plus rock du disque. En l'occurrence le titre maître et " Letter from an occupant ", composition qui aurait pu naître de la rencontre entre les Breeders et Blondie. Pour la circonstance, elle a même troqué ses inflexions hoquetantes contre un timbre charismatique. Le reste de l'opus se révèle plus pop. La formation puisant allègrement dans celle des sixties (Zombies, Kinks, Beach Boys, Big Star) et puis dans la new wave des eighties (Cars, XTC, Martha & the Muffins, Split Enz, Go-Go's, Buzzcocks) pour ficeler des mélodies hyper contagieuses, croustillantes, rafraîchissantes, fruitées, filtrées par de superbes harmonies vocales, dont le feeling baroque me fait parfois penser à Supergrass. Seule différence, mais elle est de taille, les lyrics sont ici beaucoup plus spirituels. Bref, un superbe album dont les sessions d'enregistrement se sont déroulées sporadiquement entre début 98 et fin 2000. Ce qui explique, sans doute, pourquoi il n'est sorti que l'année dernière et n'est officiellement disponible en Europe que depuis quelques semaines.
Originaire de St Louis, dans le Missouri, Erskine Oglesby est âgé de 67 ans. Un saxophoniste qui avait commis "Blues dancin", l'année dernière sur le label Black & Tan, label considéré comme le porte-drapeau du St Louis blues! Depuis, Oglesby a accompli une tournée européenne en compagnie de la très talentueuse formation allemande de blues, BB & the Blues Shacks. L'occasion était donc belle de réunir tout ce beau monde en studio. Une réunion qui s'est produite au cours du mois d'avril dernier. Et ce " Honkin'& shoutin " en constitue le résultat.
Ouverture instrumentale, "Cold duck" annonce la couleur. Une composition signée Eddie Harris, au cours de laquelle le saxophone se fait autoritaire. Nous percevons enfin la dimension du talent d'Erskine, propulsé par le swing naturel des musiciens teutons. Une rampe idéale, quoi ! Bien huilée, la machine poursuit son œuvre tout au long de "Let me go judge". Constituée de Henning Hauerken et d'Andreas Bock, la section rythmique est d'une solidité à toute épreuve. Talonné par l'orgue Hammond de Roel Spanjers et la guitare d'Andreas Arlt, dont le régime me fait penser à Albert Collins, le sax peut aller et venir. La reprise d'"I got eyes" de Johnny Guitar Watson est magistrale. Passé au piano, Spanjers donne la couleur boogie, pendant qu'Andreas Arlt peut s'affirmer avec bonheur dans l'exercice Watson. Le lent "Fair skin woman" permet au frère Michael Arlt de souffler dans son harmonica. Erskine se concentre sur le chant à la puissance naturelle aisée. Une ambiance swamp ouvre "I know I care" dont le rythme syncopé rappelle, bien entendu, la Nouvelle Orleans. Spanjers y est heureux derrière ses ivoires. Imbibée du delta, "I don't want to be no fat man" est une parenthèse très roots. Les frères Arlt en soupirent d'aise. Le sax se tait mais revient aussitôt à l'assaut, ravageur et éclatant, pour shouter l'instrumental "Backstreet". Un amusant duel entre le sax hurlant et l'harmo de Michael qui ne se laisse absolument pas dominer! L'opus recèle, en outre, deux reprises réussies: "Waiting on you" de BB King, et un superbe "It's good to see you" de Percy Mayfield. Autre bon blues, "Mindgames" permet à Arlt de libérer de ses cordes, des phrases empruntées à T-Bone Walker. La dernière plage "Early in the mornin" est inspirée de BB King. Cet album est, sans hésitation, l'un des trois meilleurs du catalogue Black & Tan. Erskine met en exergue ses talents de chanteur tout en permettant aux autres musiciens de prendre le devant de la scène.
Bien que comptabilisant plus de 45 minutes pour cinq morceaux, ce " Pyramidion " est considéré par les musiciens d'Ozric Tentacles comme un mini album. En fait, hormis le titre maître, issu d'une session de studio, les quatre autres fragments ont été enregistrés ‘live’ au Boardwalk de Sheffield. Un disque exclusivement instrumental toujours inspiré par une myriade de styles qui oscillent du krautrock au psychédélisme en passant par la world, la techno, le prog, l'ambient, le funk, le dub et le rock. Une véritable fusion de sons, de styles et de genres qui permet peut être aujourd'hui d'affirmer qu'Ozric Tentacles est au rock ce que Jean-Michel Jarre est aux variétés… Je ne m'attarderai pas trop sur la symbolique, faite d'égyptologie et de mysticisme, qui entoure pour l'instant l'imagination d'Ozric, ou plus exactement qui hante l'esprit de leur leader ; mais rappellerai surtout que la formation a enregistré plus de 20 albums à ce jour, en un peu plus de 17 ans d'existence. Ce qui est quand même assez remarquable ! En outre, je tiens à épingler deux titres de ce disque qui devraient ravir les aficionados de space rock. Tout d'abord " Pyramidion ", bien sûr ; et ensuite " Aramanu ". Deux morceaux réminiscents du Pink Floyd circa " Meddle ". Et çà, c'est une référence !
Tiens, déjà un nouveau Joan of Arc. Tiens, non. Tiens, les 3/4 du line up de Joan of Arc sévissent chez Owls. Mmmm. C'est cela, oui, c'est cela. Doit y avoir un quelconque avantage fiscal là derrière. Evénement annoncé en grande pompe, pour célébrer une reformation, sous sa forme originale, du ‘mythique’ Cap n' Jazz, cette plaque me permet de renvoyer le surfeur à " The Gap " de Joan of arc, cd de la semaine, il y a quelque temps. Sauf que cette fois ci on ne m'y reprendra pas à 2 fois. Notons tout de même l'absence des éléments électroniques compensée par une entrée remarquée de motifs post rock. Ce qui fait une différence notable, mais pas suffisante pour s'étendre plus longtemps…
Serions-nous en présence d'un concept album? Tout porte à le croire, puisque les lyrics de ce disque sont inspirés par " The age of spiritual machine ", un livre de philosophie écrit par Ray Kurzweil dépeignant un monde déchiré entre humanité et technologie, au sein duquel l'informatique prend le pas sur l'intelligence de l'homme. Tout un programme ! " Spiritual machines " constitue le quatrième opus de cette formation canadienne. Un disque dont l'enregistrement a reçu le concours du drummer de Pearl Jam, Matt Cameron, sur deux titres : " Right behind you (mafia) " et " Are you sad " ; et puis de Brendan O'Brien (Soundgarden, Pearl Jam) au mixing. Tout au long de ce disque, OLP (NDR : rien à voir avec l'organisation politique dirigée par Yasser Arafat !) consomme une musique hymnique, vivifiante, généreusement électrifiée, sise à la croisée des chemins de Smashing Pumpkins, de Live et de Tragically Hip. Seule différence, mais elle est de taille, le chanteur, Raine Maida possède un timbre vocal clair, frémissant, tantôt acéré, tantôt falsetto, qui confère aux mélodies une sensibilité pop particulièrement rafraîchissante…
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