Joey Ramone n'est plus. Emporté par une maladie imputable à une vie jalonnée d'excès en tout genre, le leader du groupe punk américain le plus influent de l'histoire laissera des traces de son passage dans le monde des vivants. Et pas seulement une kyrielle d'albums devenus des classiques ; mais aussi une multitude d'élèves biberonnés à son rock n'roll survitaminé.
Sans les Ramones, les Green Day, Offspring, Rancid, et autres combos pseudo hard core n'auraient sans doute jamais vu le jour. Avec cet "Anthology", on pourrait penser que Warner cherche à capitaliser sur la mort du big Joey. Pour notre part, nous préférons voir en ce double album un ultime hommage au plus binaire mais au plus furieux groupe de rock de ces vingt-cinq dernières années. D'autant plus que le travail a été accompli minutieusement, et qu'aucune période de la carrière des Ramones n'a été oubliée. Cinquante-huit titres, pas moins, retracent l'histoire du band de 1976 à nos jours. L'objet idéal pour quiconque voudrait s'initier à la Ramones mania, sans avoir à casser sa tirelire pour se procurer l'intégralité de l'oeuvre, forte de dix-huit albums. "Blitzkrieg Bop", "Rockaway Beach", "Rock n' roll high School", "Mama's Boy", "Psycho therapy", "Somebody put something in my drink", "Pet Semetary", "Chinese rock": ils y sont tous ! Que des classiques, du pur fun, de l'énergie, de l'adrénaline, le tout construit sur trois accords et une rythmique des plus simplistes...Les Ramones quoi ! Absolument incontournable.
L'étape du troisième album est toujours un moment décisif dans la carrière d'un groupe rock. Après avoir commis un "Herzeleid" martial à souhait et un "Sehnsucht" qui leur avait fait connaître amour, gloire et beauté sur tout le globe, les Allemands de Rammstein allaient-ils se conformer dans cette formule électro-métal-gothique sophistiquée, sans prendre le risque de valider de nouvelles théories musicales? Ces derniers temps, les interrogations étaient grandes. Dès "Mein herz brennt", premier titre caractérisé par son riff qui n'est pas sans évoquer le "Kashmir" de Led Zeppelin, le ton est donné. Les Teutons n'ont rien perdu de leur sens aigu du heavy qui tache, mais y ont ajouté une touche épique, des harmonies sombres, mélancoliques, et renforcé le symphonisme par l'apport de chœurs féminins et d'un ensemble à cordes. Savante alchimie entre métal glacial et mélodies aux structures plus complexes, "Mutter" apporte son lot de joies, de surprises et d'émotions au fil des onze titres qui le composent. Et citer les "tubes" potentiels se résumerait tout simplement à énumérer son tracklisting dans son intégralité. En distillant ses chansons dans la langue de Goethe, Rammstein a réussi à imposer à l'échelle internationale, en l'espace de quatre ans, ce que Nina Hagen et Die Toten Hosen tentent vainement d'atteindre depuis l'aube des années 80. Avec un "Mutter" en forme de symphonie martiale, qui devrait arriver en tête des référendums de fin d'année, le combo peut prétendre au titre du groupe métal le plus prometteur du moment.
Alors que la presse spécialisée ( !?!?) martèle depuis plusieurs mois que le nouvel album de Radiohead sera aussi saignant et électrique que son best seller " OK Computer ", Radiohead vient de publier un deuxième volume de musique expérimentale. De quoi désorienter encore davantage les fans de la première heure. Pourtant, lorsqu'on sait que la plupart des chansons de cet " Amnesiac " sont issues des mêmes sessions d'enregistrement que " Kid A ", le résultat ne pouvait souffrir d'aucune équivoque. Le groupe d'Oxford avait même pensé, l'an dernier, sortir un double CD. Puis s'est ravisé. Histoire d'en remettre une couche.
Tout comme pour " Kid A ", je risque donc de me démarquer à nouveau de l'impression générale laissée par ce disque. Parce qu'il est fort intéressant. Plus aussi surprenant que " Kid A ", mais aussi instinctif et créatif, il nous précipite dans un abîme digital. Les onze titres qui le composent méritent en tout cas, une radioscopie individualisée…
Austère, crépitant sur un lit de percussions electro-tribales, " Packt like sardines in a crushd tin box " navigue aux confins de l'univers d'Aphex Twin. Parcouru par des accords de piano luxuriants, orageux, " Pyramid " (NDR : le single !) se glace littéralement au contact de la voix spectrale de Thom. Exercice de style étrange pour " Pulk/Pull revolving doors ", dont la robotique distordue est coulée dans le drum'n bass. Peuplé de lyrics rebelles, " You and whose army " marque le retour de la guitare ; et puis embrasse une construction mélodique plus conventionnelle, réminiscente même de " Karma police ". " I might be wrong " porte les stigmates métalliques du Led Zeppelin. Il ne nous mène pas pour autant en ballon. " Knives " constitue, à mon humble avis, la plus belle chanson de cette œuvre. Pas parce qu'elle a nécessité plus de 300 heures de travail, mais à cause de cette progression de cordes acoustiques et semi acoustiques, dont Johnny Marr avait le secret lorsqu'il sévissait encore chez les Smiths. " Morning bell " figurait déjà sur " Kid A ". Rebaptisé " Morning bell/Amnesiac ", il a subi un traitement davantage atmosphérique. Fragment le plus complexe de l'opus, enrichi d'orchestrations symphoniques somptueuses, pleine de " Verve ", " Dollar and cents " palpite sur un tempo hypnotique, krautrock dans l'esprit de Can. Exclusivement généré par des boucles, l'interlude instrumental " Hunting bears " était tout à fait dispensable. Avec pour seule toile sonore turntables et bandes passées à l'envers, la voix de Thom tisse le fil conducteur de la mélodie sur l'avant-gardiste " Like spinning plates ". Dernier fragment du morceau de plastique, " Life in a glasshouse ", est une composition plus ancienne. Dotée de lyrics aussi surréalistes que le " Whiter shade of pale " de Procol Harum, elle a été reciselée en studio pour la circonstance. Et le lifting est plutôt remarquable, puisqu'il implique toute une série de cuivres, dont la trompette de Humphrey Lyttleton. Un vétéran du jazz qui éclabousse la composition ‘neworleanesque’ de son talent.
Oeuvre au climat particulièrement sombre, sinistre même, " Amnesiac " reflète l'état d'esprit plutôt torturé de Thom Yoke ; un personnage qui avoue avoir une obsession maladive de la mort, mais en même temps et heureusement, détenir la force d'âme pour vouloir rester en vie. C'est plutôt réconfortant…
Le premier album ‘live’ officiel de Radiohead réunit des compositions écrites pour leur deux dernier elpees, "Kid A" et "Amnesiac", ainsi qu'une chanson qui avait été commise à l'époque de l'enregistrement du " OK Computer ". Intitulée " True Love waits ", elle n'avait toujours pas été reproduite sur CD. Enfin, officiellement. Un fragment minimaliste que Thom chante en s'accompagnant uniquement d'une six cordes acoustique. Les sept autres fragments nous replongent dans cet univers étrange, avant-gardiste, presque glacial, qui envahissait les deux derniers opus. Ce qui paradoxalement, n'empêche pas ces adaptations de libérer une dose d'émotion assez phénoménale. En fait, l'instrumentation basique a beau prendre ici le pas sur la technologie moderne, les morceaux sont tellement imprégnés du nouvel état d'esprit affiché par Thom Yorke, qu'ils conservent toutes leurs propriétés lugubres et douloureuses. Et à travers cette œuvre anti commerciale, on se rend compte que Radiohead manifeste de plus en plus le désir de revenir au cœur de l'underground. Quoique j'estime tout à fait paradoxal que les spectateurs aient dû débourser plus de 30 euros (NDR : faites le change en dollars, puisque les enregistrements sont issus de leur dernière tournée accordée aux States) pour assister à ce type de concert. Enfin, pour être tout à fait complet, sachez que l'opus est habillé d'une superbe pochette. Probablement une des plus belles de l'année !
Sully Sefil est un artiste ambigu. Il véhicule, d'une part, une image de rappeur qui a sévi dans le groupe Koalition, avant de commencer sa carrière solo ; et dont la notoriété a explosé grâce au single " J'voulais ". Un tube matraqué par les radios, et dont le succès fut foudroyant, mais de courte durée. D'autre part, Sully Sefil est le fondateur de la marque de vêtements ‘Royal Wear’, du collectif Royal Squad, et de la boîte de production Royal Produksheun. Une chose est sûre, il cumule…
Mais venons-en à l'album. Nonobstant plusieurs écoutes, force est de constater que disque ne brille pas par son originalité. A cause des lyrics, tout d'abord. Des textes qui transpirent une certaine sincérité, plus ou moins crédibilisée par le fait que le monsieur ne cherche pas vraiment à se donner un style bad boy, mais qui ne dépassent guère le stade de la banalité. Des instrus ensuite. Surtout lorsqu'ils sonnent presque ridicule en optant vainement pour le format éléctro (" Hip hop de dingue ", " Pour mes ladies et mes lauss "). Pourtant, l'opus recèle quelques très bons titres. Et je pense tout particulièrement à " Putain d'journée " et à " Ca fait bizarre ". Ce qui explique pourquoi j'ai un avis plus que mitigé vis à vis de cet album. Mais de là à le qualifier d'indispensable…
Trio féminin amstellodamois, Seedling ne bénéficie de la collaboration du bassiste Bas Jacob, que sur les planches. Un musicien qui a quand même participé à l'enregistrement de cet opus, mais pour une seule composition, " Silver & blue ". Tout comme chez les Throwing Muses de la fin des eighties, cette formation adopte la formule vocale du dialogue décalé. Ce qui procure à leurs mélodies une forme plus complexe, plus underground. Des mélodies sculptées dans l'intensité blanche popcore. Qui peuvent même s'aventurer dans le semi funk blanc. A l'instar de " 27 hours ". Lorsqu'elles ne débordent pas d'adrénaline électrique. Maintenant, n'imaginez pas que Seedling marche sur les traces des Veruca Salt, Breeders, Belly, Juliana Hatfield et consorts. Il s'en inspire, c'est vrai. Mais plus encore de That Dog. A cause des interventions au violon de Susanne Linssen. Le plus souvent frénétiques ; surtout lorsqu'elles se fondent dans l'ensemble. Mais aussi grinçantes, à l'instar du dEusien " High on the downside ". Ou encore gémissantes et mélancoliques. Comme sur le minimaliste " Malice ". Le combo n'hésite pas non plus à tirer parti de la technologie moderne. Question de donner plus de mordant au groove. A un tel point qu'une chanson comme " Cool baby " aurait pu naître d'un hypothétique croisement entre Garbage et PJ Harvey. Rafraîchissant !
Si on ne tient pas compte du mini elpee " Messenger in the camp ", " Surviving the quiet " constitue le premier véritable album de ce quatuor londonien. Un opus dont l'édition limitée est enrichi d’un deuxième cd quatre titres.
Naviguant quelque part entre lo fi (Pavement, Sebadoh), noisy pop (My Bloody Valentine, Sonic Youth) et noisecore (Pixies), Seafood diffuse une pop mélodique, contagieuse, parsemée d'éruptions d'électricité caustiques, métalliques, voire même frénétiques. Et pourtant, parfois la musique semble baigner au sein d'un climat plus paisible, plus atmosphérique. Mais le plus souvent, c'est pour mieux libérer l'intensité des cordes jumelées produite par les deux guitares. Ce qui ne veut pas dire que leurs chansons manquent de nuances. Que du contraire. L'opus réserve d'ailleurs la place à l'une ou l'autre composition plus countryfiante, enrichie d'une pedal steel guitar. Ou même à un intimisme rafraîchissant. A l'instar de " Beware design ". Chantée par la drummeuse Caroline Banks, cette mélopée puérile est ainsi subtilement soulignée par un violoncelle. Bref, un album déchirant, déchiré entre punch et douceur, dont la sensibilité est accentuée par le timbre vocal plaintif, aride, de David Line. Superbe !
Scared of Chaka pourrait un peu être au punk-rock-pop-garage (ordre aléatoire) ce que Bob Log III est au blues. Nous nous retrouvons donc face à une formation instantanément contagieuse. Et sans l'ombre d'un doute capable de déclencher l'adhésion inconditionnelle des fans. Le son est brut, la production réduite à son plus strict minimum. Face à tant de bonne volonté mélodique, d'intégrité musicale, un seul constat : Scared ne se repose pas sur ses lauriers. Et si on veut bien survoler sa discographie, il faut bien admettre que nous sommes en présence du prototype même de formation qui mouille sa chemise, saute sur chaque opportunité, mais qui, je pense, ne se leurre pas trop sur son avenir. En toute logique, le groupe ne devrait jamais sortir des limbes underground ou alors très fugacement. Mais là n'est pas l'essentiel. En effet, l'attrait réside ici dans la spontanéité, dans l'évidente urgence à jouer. Mais surtout dans le plaisir. En perpétuant, en respectant les genres abordés, mais aussi en tentant d'imprimer sa propre vision, Scared of Chaka évite un intellectualisme fatigant, les honneurs de type " Sauveur " (‘woaw, sans vous nous serions passés à côté, grand merci…’), réhabilitant une certaine insouciance et une spontanéité, qui, au hasard, fait maintenant défaut au… Jon Spencer Blues Explosion…
Après avoir commis " Beyond Skin " en 1999, le porte-parole du label Outcast nous revient avec un quatrième album. Guère de changement par rapport à l'opus précédent, même si Nitin Sawhney fait toujours preuve d'un bel éclectisme, pour élaborer son savant mélange d'electro et de world music. Parmi les meilleures compositions, je retiendrai surtout les superbes morceaux de trip hop " Nothing " et " Nothing More ", pour lesquelles Tina Grace est venue donner de la voix, celui de world music ", Moonrise ", auquel participe Cheb Mami, un rap tramé sur fond de guitares saturées, " Ripping Out Tears ", rehaussé par la présence de Pinky Tuscadero, et enfin, " Breathing Lights ", fragment caractérisé par une rythmique jungle et enrichi de sublimes arrangements de cordes. Valeur sûre de la scène electro british/asiatique, Nitin Sawhney confirme donc, sur " Prophesy " tout le bien que l'on pensait de lui, même si personnellement j'ai toujours un petit faible pour son précédent elpee. N'hésitez pas à fouiner du coté du label Outcaste, car si Nitin Sawhney vous branche, le label grouille d'artistes de la même trempe.
Réponse insulaire à Slint et à Low, ce quatuor de Nottingham pratique une musique intimiste, mélancolique, ténébreuse, indolente; une musique minimaliste, traversée de courants légèrement jazzyfiants, réminiscents du Soft Machine de Hugh Hopper voire de Mark Hollis, où l'instrumentation parfois insolite, partagée entre guitare, vibraphone, basse, percussions, trompette et piano, murmure, vibre; pendant que la voix de Graham Langley, fragilisée par une incroyable tristesse, se lamente, gémit… Et s'il se sent seul et désespéré, à l'instar de " There is nothing new here ", il a le courage de résister. Nous aussi !
Eric Sardinas incarne la version contrastée de Johnny Winter. Il commet l'album "Treat me right", en 1999. Pour accomplir ce second chapitre, il n'a rien changé, profitant à nouveau de l'absence prolongée de son idole albinos. Eric n'est pas texan mais californien. Il dirige son trio sans concession, flanqué du bassiste Paul Loranger et du batteur Scott Palacios.
"Piece of me" ouvre l'album. La slide réverbérée dégage un maximum d'énergie. Le chant est éructé à la manière de qui vous devinez. Sardinas déballe sa National steel pour aborder "My sweet time". Son jeu sur l'acoustique est de qualité. Il se permet par ailleurs une version étonnante du "Gambling man blues" de Honeyboy Edwards, quand il chante en duo avec le mythique bluesman. Pour obtenir le son que dégage la slide, il a recours à une guitare resonator acoustique amplifiée. Une technique qui donne d'excellents résultats pour les plages inspirées par le Mississippi Delta country blues, telles que "Aggravatin' Papa", "Be your man" et "Devil's train". Eric peut adoucir son tempo, et même un tantinet calmer son chant. A l'instar de "Killin' time blues". Son cœur s'arrête du côté de Chicago, lorsqu'il reprend le "My kind of woman" d'Elmore James, en dispensant le riff de slide bien connu. Une autre facette intéressante du personnage relève de son attachement au southern rock. Et il le manifeste à travers "Country mile" et "8 goin' south". Pour produire ce " Devil's train ", Eric a reçu le concours de Neil Citron. Et la mise en forme accomplie par le duo est de qualité. (NDR : Loranger, puis Citron ; faut croire qu'il aime les agrumes…)
Curtis n'est pas très connu chez nous. Pourtant il possède une solide aventure musicale derrière lui. N'a-t-il pas inspiré John Belushi pour la création des Blues Brothers? Il est né en 1954 dans le North West américain, mais vit aujourd'hui à Eugene, dans l'Oregon. Le premier fait saillant de sa carrière remonte à 1976, lorsqu'il décide de rejoindre le Robert Cray Band, pour assurer le rôle de chanteur/harmoniciste. Il y restera six ans. En 1984, il entre dans le Roomful of Blues. Toujours comme chanteur/harmoniciste. Il y sévira deux ans. De retour à Portland, en 86, il forme les Stilettos en compagnie du bassiste de John Lee Hooker, John Mazzocco.
Il sort son 1er album, "Curtis Salgado", en 91. Et le suivant, "More than you can chew", en 95. La même année, il rejoint Santana pour participer à une tournée nationale. En 97, il grave "Hit it and quit it" ; mais en compagnie de Terry Robb, un guitariste de l'Oregon. On raconte que Curtis avait une voix comparable à celles d'Otis Redding et de Paul Rodgers. Je ne pense pas qu'il soit judicieux d'évaluer son timbre de cette manière. Curtis, c'est… Curtis. Sa voix est superbe, expressive, légèrement éraillée, très personnelle. Maintenant, il est vrai que la plupart des plages de cet album auraient pu être chantées par Otis ou Paul. Mais le résultat aurait été différent. Le style dispensé tout au long de cette œuvre, qui alterne le bon et le très bon, est le fruit d'un mélange entre R&B et soul. Encore que le tempo soir rock, et le plus souvent imposé par les six cordes. Deux guitaristes collaborent à 7 des 11 titres. En l'occurrence Jesse Young et John Wedemyer, le gratteur attitré de Charlie Musselwhite.
La section rythmique est très soudée, dense, et s'impose en permanence. En ouverture, "Old enough to know better" bénéficie du concours d'un troisième guitariste, Jimmie Vaughan. Pas pour rien qu'il s'agit d'un des meilleurs morceaux ! "The harder they come" se distingue par un son très catchy, très contagieux, si vous préférez. Curtis est un harmoniciste brillant. Il est dommage qu'il ne manifeste pas plus souvent ce talent. Il nous réserve quand même un joli solo mélodique sur l'exercice de style, "Portable man" ; et sur un instrumental puissant, enrichi de la guitare de Lloyd Jones, "Lip whippin". La fin de l'album est superbe. Rehaussé par la présence de la chanteuse Lou Ann Barton et par le retour de Jimmie Vaughan aux cordes, "Hip hip baby" est un rocker qui sent bon le Texas. Quel bonheur! Jimmie reste en place pour attaquer, en finale, un autre rocker : "More love less attitude", comme à ses plus beaux jours…
Figure emblématique de la scène des années 80, cet ensemble canadien avait forgé sa réputation en brassant un subtil alliage de rock progressif, teinté de musique médiévale, à des éléments typiquement hard rock US. Après un passage à vide, amorcé en 1985 par le trop poppy " Behaviour ", Saga réussissait un beau tour de force, il y a deux ans, en sortant " Full Circle ". Un opus qui renouait avec le son qui avait fait son succès jadis. " House of Cards " en est la suite logique et renferme lui aussi tous les ingrédients qui ont façonné ses classiques. " God Knows ", " The runaway " et " Always There " séduiront d'emblée les inconditionnels du groupe période " Heads or Tales ", tandis que le " Chapter 11 " (NDR : les fans comprendront), dont le riff rend hommage au fameux single " Careful where you step ", concilie passé et présent avec fougue et brio. Mais la marque de fabrique de Saga demeure la voix superbe, unique, caressante, veloutée, immédiatement identifiable, de Michael Sadler. Loin de constituer une œuvre passéiste, House of Cards jouit de l'apport modéré des nouvelles technologies, comme les samples par exemple. Ainsi, sur le titre " That's how we like ", le combo s'est amusé à repiquer la foule chantant son refrain lors d'un concert à Toronto. Et ce n'est là qu'une des surprises qui jalonnent ces onze nouvelles fines pièces de dentelle !
Le plus agaçant (NDR : mais aussi le plus stimulant !) pour les inconditionnels d'un groupe, c'est de découvrir sur un " Best of " ou un " Greatest hits ", l'un ou l'autre titre inédit. L'édition limitée de cette compile ne devrait pas trop faire hésiter les aficionados de Smashing Pumpkins, puisqu'elle en recèle une bonne dizaine. Pour la plupart excellents ! Faudra quand même qu'ils se grouillent, puisque la vente de ce double CD est limitée dans le temps. Des morceaux issus des sessions d'enregistrements de " Melon Collie and the infinite sadness ", de " Adore " et de " Machina ". Mais aussi des raretés et des faces " b " de singles. Pour celles ou ceux qui viendraient de découvrir l'existence ( ?!?!) du défunt groupe chicagolais (NDR : ça arrive, faut pas rigoler !), réputé pour son mélange très personnel de métal et de psychédélisme, ce recueil découpé en 34 fragments constitue une excellente introduction. Pour en savoir davantage, je les invite quand même à utiliser notre moteur de recherche…
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